C'è un grande bisogno di spettacoli teatrali

Roger Staub è cresciuto a Thayngen/SH e ha completato un apprendistato come tipografo prima di mettersi in proprio all'età di 22 anni per lavorare come scenografo e lighting designer a teatro. Appassionato di musica, ha suonato in diverse band regionali prima di diventare responsabile dello spettacolo nel "supergruppo" locale Buffalo Ballett. Grazie a una borsa di studio culturale della città e del cantone di Sciaffusa, ha trascorso un periodo a Los Angeles per la prima volta nel 2006 e si è stabilito definitivamente in California due anni dopo. Qui ha lavorato come mente creativa dietro la concezione di spettacoli di Beyoncé, Jay-Z, Kendrick Lamar e Steve Jobs, tra i tanti. Nel 2020 si è trasferito di nuovo a Zurigo, dove ha fondato lo studio "Agenzia di branding strategico" LoF* conduce.

 

Una volta gli Animal Collective mi hanno detto che i grandi concerti nelle arene degli Stati Uniti sono una specie di kilbi. I fan si incontrano nel parcheggio molto prima dell'inizio del concerto e fanno un picnic. L'avete sperimentato anche voi?

Dipende dal luogo. Uno dei luoghi più informali di Los Angeles è l'Hollywood Bowl, un enorme anfiteatro con 15.000 o 20.000 posti a sedere. Si può entrare presto, organizzare un barbecue, è un vero e proprio happening. Oppure al Forum, nel sud di Los Angeles, a Compton, c'è un parcheggio gigantesco e la gente si incontra per una birra prima. Dipende dal luogo. Allo Staples Centre, sempre a Los Angeles, si va al concerto di Taylor Swift e poi si torna a casa, tutto è ben organizzato.

 

Cosa l'ha attratta della combinazione di musica ed elementi visivi all'epoca?

Bella domanda. Ho sempre fatto musica da solo, ma non ho mai scritto una canzone che pensassi di voler riascoltare, per non parlare del pubblico. Ma l'amore per la musica e per il fare musica c'è stato fin dalla più tenera età. A 14 anni suonavo in una band e trovavo tutto molto bello. Provenendo da un background da graphic designer, forse sono stato anche un po' ispirato dal graphic designer svizzero Hans-Rudolf Lutz, che ha unito tipografia, arte e musica in un'esperienza visiva con gli slideshow di Unknownmix. Una cosa del genere mi ha semplicemente affascinato. Più tardi, con il Buffalo Ballet, ho iniziato a usare la luce e le immagini per creare in qualche modo l'atmosfera della musica. Mi piaceva e in parte piaceva anche alle persone. E così è andata avanti. Mi sono fatto strada nella scena musicale svizzera attraverso Züri West e Lovebugs e a un certo punto ho capito che era bello, ma più grande è la produzione, più grande è la sfida. È così che mi sono imbattuto in Los Angeles, un luogo dove vengono concepiti i grandi spettacoli.

 

I Pink Floyd e i Velvet Underground, ma anche la band di Monaco Amon Düül 2, sperimentarono le proiezioni di immagini fin dagli anni Sessanta e diedero vita alla prima "moda" degli spettacoli musicali multimediali. Quali modelli di riferimento avete avuto?

Il problema per me era, ovviamente, che in Svizzera, come ovunque, le ragioni economiche imponevano la dimensione delle produzioni. Portare in tournée un'altra persona responsabile delle immagini è un investimento che deve ripagare un po' nel corso del tour. Per una band come gli Züri West è stato probabilmente più facile, perché nel corso dell'anno hanno tenuto 50 o 60 concerti, la maggior parte dei quali con il tutto esaurito. Questo ti dà un certo grado di sicurezza nella pianificazione e il denaro per uno spettacolo teatrale può essere legittimato più facilmente. Per le band più piccole è incredibilmente difficile giustificare i costi aggiuntivi. Tuttavia, spesso c'è bisogno di uno spettacolo teatrale. Con gli Ikan Hyu vedo che in questo momento stanno già pensando in modo molto visivo. Riconosco un grande desiderio tra gli artisti di presentarsi sul palco in un modo che vada oltre la pura musica. Il che, ovviamente, non ha senso per ogni band.

 

Gli Ikan Hyu sono un caso interessante. Il duo ha una formazione ZHdK. È possibile che la coesistenza di arti visive, danza, performance e musica nello stesso edificio abbia un effetto di reciproca ispirazione.

Certo! Questo può essere un motivo per cui le persone pensano a concetti visivi in questo caso particolare.

 

Ma ora di nuovo: chi erano i tuoi modelli di riferimento ai tempi di Züri West?

Naturalmente ci sono dei modelli di riferimento. Per esempio, i Nits e il loro programma dal vivo. Urk. Facevano anche installazioni molto teatrali, che mi hanno sempre affascinato sulle copertine degli album. Per quanto riguarda gli spettacoli teatrali, provengo dalla scenografia teatrale, dal lighting design. Creare un dramma con i riflettori, far risaltare i singoli musicisti sullo sfondo del palco, mi ha sempre affascinato. Poi, all'inizio degli anni Novanta e anche nei miei primi giorni di lavoro a Los Angeles, questo ha cominciato a verificarsi un po' con i LEDwall su larga scala. Prima di allora, si poteva sperimentare solo con gli U2: il Popmart o lo Zoo TV tour. A mio avviso, quella è stata la prima volta in cui una band si è presentata con schermi video e schermi LED. A un certo punto sono diventati più accessibili per una gamma più ampia di band.

 

Non avete la sensazione che concerti di questo tipo portino a una battaglia materiale che solo gli artisti di maggior successo possono permettersi? Che il business musicale sia completamente dominato dalle multinazionali del disco, come negli anni Settanta, e che questo comporti un'enorme limitazione della libertà artistica?

Potrebbe essere una buona cosa. Naturalmente ci ho già pensato: Come si svilupperanno questi spettacoli dal vivo? Questo gigantismo potrà continuare in qualche modo o alla fine solo Rihanna, Beyoncé, Rosalia o Taylor Swift potranno permetterselo? Penso che ci siano già due poli. I ricchi e i non ricchi. Quest'ultimo comprende certamente tutti i tipi di band indie che vogliono e possono permetterselo. Devono accontentarsi di mezzi più modesti, ma compensano con fantasia e umorismo. Il gigantismo rimane quindi ai massimi livelli, dove si cerca sempre di superarsi a vicenda con le ultime gag. Ma è possibile che a volte ci sia un eccesso di stimolazione, come sta lentamente accadendo con i film dei supereroi Marvel. Ma ho la sensazione che non siamo ancora arrivati a questo punto. Da qualche tempo ho anche l'impressione che certi spettacoli teatrali siano meno incentrati sulla sovrabbondanza visiva e più su un approccio chiaro, artistico, quasi da installazione. Kendrick Lamar, per esempio, nel suo ultimo tour era quasi un'installazione artistica in cui si muoveva.

 

È questa l'intersezione con l'azienda che avete ora? LoF*in cui si tratta più che altro di branding? Che gli artisti pensino attentamente a ciò che rappresentano e a ciò che rappresentano, e non semplicemente a una serie di fumetti?

Questa è, ovviamente, la nobile ambizione. La sfida è anche il desiderio di scoprire quali sono i modi più appropriati per mettere in scena gli artisti nello spirito della loro musica e della loro personalità. In altre parole, si tratta di scegliere consapevolmente i mezzi, non semplicemente di avere un po' più di spazio LED rispetto a Beyoncé. Di tanto in tanto si assiste a nuove realizzazioni interessanti. Ad esempio, i The 1975, che sono quasi andati in tour con un set a Broadway. Praticamente non avevano LED, ma ricreavano un vero appartamento in cui si muovevano. Penso che sia bello quando il concetto, la musica e le aspirazioni della band coincidono.

 

Può darci qualche indicazione sulle dimensioni del budget di Los Angeles per l'aspetto visivo?

I dettagli del budget sono sempre stati tenuti nascosti. Tutto ciò che posso dire è che si spendono facilmente dai tre ai cinque milioni per la scenografia e diversi 100.000 dollari per la progettazione e la produzione di contenuti video. Naturalmente, i calcoli possono essere molto diversi per un tour mondiale rispetto a un tour svizzero.

 

In che modo Los Angeles ha influenzato e cambiato la sua prospettiva sul significato di uno spettacolo visivo?

L'obiettivo di una grande produzione americana è spesso quello di offrire agli spettatori l'ultimo, il meglio, l'inedito. Questa ambizione e questo impegno spingono e motivano tutti i soggetti coinvolti. Io cerco di fare lo stesso con le mie produzioni, per offrire al pubblico un'esperienza il più possibile completa.

 

Da Madonna e Michael Jackson in poi, ogni cono di luce nei grandi spettacoli è stato bilanciato con precisione. Per il resto, però, l'illuminazione dei concerti è stata spesso trascurata fino agli anni '90 e lo è ancora oggi. È dovuto alla disponibilità di risorse tecnologiche?

Le nuove possibilità di coordinare tutti gli elementi che si svolgono sul palcoscenico nel campo visivo hanno naturalmente contribuito enormemente. Ma non si può necessariamente paragonare un concerto con il teatro. Come ho detto, io vengo dal teatro. In un teatro ci sono 50 riflettori, e sono tutti lì per rendere visibili gli attori e la scenografia. Tutto viene regolato e illuminato con precisione millimetrica, in modo che non ci siano ombre sui volti. In un concerto è esattamente il contrario. Ci sono 300 riflettori, 280 dei quali creano una qualche immagine e 20 sono puntati sui musicisti stessi. La luce viene utilizzata per creare immagini. È uno strumento di design per creare immagini con la luce.

 

Con una produzione come quella di Beyoncé, la tua prima a Los Angeles, ti sei davvero buttato a capofitto! Immagino che ci siano 50 persone che lavorano a uno spettacolo del genere, con riunioni di comitato lunghissime ogni giorno. Non è terribilmente difficile trovare idee proprie? Come si fa ad affermarsi come svizzeri a Los Angeles?

Naturalmente, dipende da quanto è forte il contributo di idee che si vuole dare. Da un lato, dipende dall'artista e da quanto si affida a un team affiatato. Nel caso di Beyoncé, c'erano un direttore dello spettacolo, un direttore creativo, un direttore musicale: aveva il suo team con cui ha creato lo spettacolo. Come parte del team di realizzazione, si ha ancora la possibilità di contribuire con le proprie idee. È molto più difficile con le produzioni più grandi. Ma nel caso di Puff Daddy è stato completamente diverso. Ho avuto un dialogo molto diretto con lui su come immaginava lo spettacolo, e anche lui ha concesso delle idee. Non c'è una formula per capire come funziona.

 

In quali produzioni ha portato le cose più personali?

Nel 2015, il tour con Puff Daddy con tutte le vecchie star dell'R&B che erano in tournée con Puff Daddy, è stato possibile ottenere molti input. Anche nel caso dei Green Day. Non appena si entra nel rock'n'roll, i team sono molto più piccoli rispetto a quelli di uno spettacolo pop. In uno spettacolo R&B come quello di Beyoncé o Taylor Swift, ci sono il management, gli assistenti personali e blah blah blah. La tua crew di base è già composta da 20 persone, mentre il resto della crew è composto da altre 100 persone. Nel rock'n'roll di solito è un po' più semplice e gestibile. Band come i Green Day sono un affare di famiglia, sei più vicino all'artista.

 

Cosa si prova a stare in platea durante le prove principali di uno spettacolo in cui si è coinvolti a livello pratico, creativo ed emotivo? E poi alla prima?

 Il momento in cui si spengono le luci in teatro e il pubblico inizia a urlare in attesa della sua star ti fa ancora venire la pelle d'oca. Di conseguenza, sei ancora emozionato e speri che tutto vada bene. Durante lo spettacolo, è più una montagna russa emotiva tra gioia e sollievo se funziona, o stress e palpitazioni se qualcosa non funziona.

 

Ricorda qualche disastro in particolare?

In occasione degli Swiss Music Awards, i motori dei LED wall si sono guastati poco prima dell'apertura delle porte e hanno dovuto essere parzialmente sostituiti. Poiché la drammaturgia dello spettacolo dipendeva dalla capacità di movimento dei LED wall, è stato uno shock. Ma alla fine è andata bene...

 

Ora è tornato in Svizzera. Vi siete affermati a livello internazionale quasi 20 anni fa. La tecnologia è ormai così avanzata da permettervi di beneficiare dei budget di Los Angeles dalla Svizzera?

Sarebbe bello, ma purtroppo non è così in questo caso. Ho ancora produzioni come questa, lavoro con i Def Leppard da quasi 10 anni, e c'è una situazione in cui hai un budget internazionale con cui possiamo operare qui dalla Svizzera. Ma in un certo senso è anche un'attività che dura poco. Si abbandona perché arrivano nuove persone o perché l'artista vuole lavorare con altri. Da questo punto di vista, devo stare un po' a Los Angeles per tenermi aggiornato, per incontrare persone e agenti. Negli ultimi anni questo aspetto si è un po' attenuato. Ma con la focalizzazione sulla nostra agenzia di branding, anche questo è stato un passo consapevole. Ora faccio più o meno quello che mi viene chiesto di fare e non sono più così attivo nell'acquisizione di eventi dal vivo come un tempo.

 

Non ti manca un po', il mondo della musica?

Assolutamente. Non importa quale sia la dimensione della produzione, ma l'intero inizio del concerto, il buio, l'entrata in scena, la luce e l'inizio. Mi manca un po' di quel brivido e di quella follia. Con le grandi produzioni, a volte sei chiuso in un luogo per sei settimane, arrivi alle 3 o alle 4 del pomeriggio, gli artisti provano sul palco, le coreografie vengono provate. Tra le 19.00 e le 22.00 ci possono essere prove generali e prove con gli artisti e la band. Poi, dalle 22 alle 7 del mattino, è il momento del team creativo. Poi programmiamo l'intero spettacolo, ogni singola luce viene programmata. Alle 7 del mattino prendiamo la navetta per tornare in albergo, andiamo a dormire e torniamo al teatro alle 15.00. A un certo punto non sai più se è giovedì o domenica, le 4 del mattino o le 5 del pomeriggio.

 

Vi perderete anche le feste dopo lo spettacolo...

Certo. Quando si viaggia un po' a questo livello, si vola da qualche parte con un aereo privato, tutte le feste in cui sono presenti le star, è piuttosto eccitante. Ma, sì, è già successo ed è bene che ci sia qualcos'altro.

 

Rimarrà in contatto con le persone con cui ha lavorato?

Con certe persone, sì. Maxwell, per esempio, anche se non lo vedo da un po'. È molto bello quando ci si rende conto che ci si apprezza e ci si fida l'uno dell'altro.

 

Qual è stato il momento più importante del suo spettacolo?

Jay-Z allo Yankee Stadium è stato il più grande party hip-hop fino ad oggi e di conseguenza impressionante.

 

E la festa più bella?

L'after-show party con Puff Daddy nel suo camerino dopo il concerto al Barclay Centre di Brooklyn.

 

I migliori spettacoli che ha vissuto in Svizzera?

Evelinn Trouble su m4music. Lo spettacolo tributo agli Young Gods a Montreux. Pike all'Hallenstadion (nota dell'editore: Roger Staub era responsabile delle immagini di questo spettacolo).

 

Da solo a casa, cosa ascolta volontariamente?

Molto mista. Dai Radiohead a Prince. Prince è il mio grande amore musicale dagli anni Ottanta. Ho un grande debole per la musica nera in generale, da Marvin Gaye a Kendrick Lamar.

 

E ora hai di nuovo tempo per la tua band?

Esattamente, haha! La decisione di guadagnarmi da vivere con la produzione di musica, non con la musica in sé, mi ha sempre aiutato un po', credo, ad avere un rapporto rilassato con la musica. Quando mi siedo al pianoforte o suono un po' di batteria o di basso, mi sento bene. Allora sono felice, e non c'è bisogno di fare di più.