Il concerto per violino di Mario Venzago come opera bio?

Il termine "bio-pezzo", in analogia con l'abbreviazione inglese "biopic" per una biografia cinematografica, non è ancora molto comune nella letteratura e nel giornalismo musicale. Ciò potrebbe essere dovuto al fatto che il soggetto stesso non ha mai avuto vita facile. La questione se la composizione autobiografica sia ammissibile o addirittura fattibile è stata spesso discussa, criticata e persino ridicolizzata nella storia della musica. Richard Strauss, che in seguito avrebbe lavorato egli stesso in questa direzione, raccomandava, ad esempio, di mettere in musica un "menu".

Il "successo" di tale musica confessionale è possibile solo se il compositore stesso è abbastanza noto e il destino rappresentato è abbastanza drastico e duro? L'idea sembra portare nella direzione sbagliata. A parte la categoria un po' dubbia del "successo" di un'opera d'arte, la sua qualità deve risultare più dal "come", dalla struttura, che dal "cosa", dal contenuto extra-musicale. E ogni brano musicale non incarna forse un pezzo di vita (a sé stante) in senso lato, che si comunica all'ascoltatore e può e deve risvegliare in lui associazioni soggettive? Stabilire riferimenti a fatti storici reali e sforzarsi di usare riferimenti biografici di solito non sembra necessario. Molti compositori hanno in seguito cancellato o negato le proprie informazioni rilevanti.

La composizione autobiografica non è vincolata a forme specifiche. Il testo di Richard Wagner Tannhäuser presenta forti tratti autobiografici, ma anche il libro di Richard Strauss Metamorfosi per 23 archi soli, di Hector Berlioz Symphonie fantastiqueIl primo quartetto per archi di Bedřich Smetana e molte altre opere contengono motivi autobiografici in forma esplicita o nascosta. In questo contesto, la decisione di Mario Venzago di scrivere un concerto solistico appare semplice, chiara e logica, poiché si tratta inequivocabilmente di un "io" che parla musicalmente, confrontandosi con un ambiente sonoro immediato.

A quasi 73 anni, il direttore d'orchestra Mario Venzago, che ha trascorso la sua vita a sorprendere, commuovere e ispirare il pubblico, mostra ancora una volta un lato completamente nuovo di sé. Per il suo concerto d'addio con l'Orchestra Sinfonica di Berna, di cui è stato direttore principale per undici anni, presenterà in anteprima il suo concerto per violino con la grande violinista Soyoung Yoon al Casinò di Berna il 24/25 giugno 2021. Le leggi sulla pandemia sono ancora in vigore, ma le severe restrizioni del governo saranno abolite esclusivamente per questo concerto e per la prima volta saranno ammessi 600 spettatori. Di conseguenza, la sala è ben riempita da un pubblico affamato di musica che accoglie lo squisito programma di Venzago (quasi esclusivamente compositori svizzeri del XX secolo, tra cui tre direttori principali dell'Orchestra Sinfonica di Berna) con grande attenzione, gratitudine e applausi frenetici.

Il concerto per violino giunge alla fine della serata, dopo un movimento ("Nachklang") della Settima Sinfonia di Fritz Brun, le Variazioni orchestrali op. 20 di Paul Kletzki e le Sinfonia liturgica di Arthur Honegger. Una composizione notevole e ricca di riferimenti interiori; in particolare, la sinfonia di Honegger sembra essere stata l'ispirazione per la composizione del concerto per violino. Tecnicamente, questo è di gran lunga il lavoro più impegnativo della serata per i musicisti.

La composizione beneficia dei 40 anni di esperienza pratica di Venzago nella direzione d'orchestra: il risultato sono colori e movimenti orchestrali affascinanti e mutevoli, una parte solistica assassina ma perfettamente violinistica e un equilibrio e una trasparenza accurati che offrono una visione di un cosmo multistrato di suoni e strutture immaginative. Mario Venzago, noto come persona allegra, spiritosa e con un grande talento per l'intrattenimento, presenta al pubblico il suo concerto per violino come un'opera autobiografica e molto personale, che attraversa in cinque movimenti altrettante fasi della sua vita di direttore d'orchestra. Ciò rende ancora più sorprendente, persino sconvolgente, il fatto che questa "confessione" nel suo complesso sia così profondamente malinconica.

Le tese prime battute introducono una fila di dodici toni che costituisce la base dell'opera come tema dell'io. Ben presto si trasforma in una serie di battiti ricorrenti, orribili e inflessibili, tra i quali il violino solista si contorce e lotta disperatamente come un individuo. Non c'è quasi respiro o indugio, il movimento in avanti sembra una costrizione inarrestabile. Si sentono allusioni apparentemente umoristiche, come il brano di Schubert La posta dei piccionisuoni vivaci di tango e valzer (per la sezione "Bern"). L'allegria ha lo stesso effetto dell'originale.La posta dei piccionifinto. Due "ascese" cromatiche, ispirate all'opera di Ludwig Hohl Salita, determinare e sostenere il concerto per lunghi tratti.

Non sono passeggiate. Sono piuttosto una faticosa e violenta spinta verso l'alto a piccoli passi intermittenti, accompagnata da urti e colpi bassi, a volte persino da intere valanghe di detriti. L'ascesa infinitamente faticosa - probabilmente una metafora della carriera di un artista - diventa così il tema generale, con la deriva e l'agonia come costanti dell'opera. Esposto a correnti terribili e violente e alla solitudine impotente di "altezze" gelide, l'io di questa narrazione musicale non raggiunge mai la vetta. Solo le due contemplazioni di un (desolato) lago di montagna forniscono un punto di calma - qui i fiati accompagnano il violino solista nel registro più alto.

In questo concerto mancano i violini; nel vuoto che ne deriva, il violino solista si muove insieme al concertatore che, secondo Venzago, dovrebbe essere il suo "sostegno e la sua guida alpina". La solitudine non diminuisce di conseguenza; piuttosto, sembra di percepire un raddoppio dell'io o della sua ombra. L'unica controparte è la follia, sotto forma di un cembalo antico che risuona senza pietà e che la voce solista incontra a volte come solista, e nella più succinta reminiscenza shostakoviana, anche la morte sulla tavola bussa brevemente alla porta. Il trionfo, che potrebbe anche far parte di un simile "curriculum", non si trova da nessuna parte. Il desiderio che il La posta dei piccioni-A cosa mira? Non lo scopriamo, forse perché non conosciamo gli enunciati privati dell'opera; sentiamo terze e seste leggermente ammuffite, cromaticamente scolorite, come cifrari di un'amara autoironia.

Facendo della carriera dell'artista l'idea principale di questa biografia musicale, sembra evocare una certa immagine dell'uomo che ha caratterizzato in modo decisivo la nostra epoca e probabilmente continua a farlo. L'etica della performance, la persona che concentra tutti i suoi sforzi sulla performance personale e sui suoi successi, appare qui nella forma speciale dell'artista che dedica la sua vita alla musica. In questa professione, la perfezione è d'obbligo, il "matrimonio" indissolubile, la sofferenza ad esso associata inevitabile. Anche se la fede cristiana è ovviamente allusa come possibilità di salvezza, ad esempio sotto forma di reminiscenza della Salve Regina dell'eremita, le parole di San Pietro "e pianse amaramente" o la corrispondente parafrasi melodica della Passione di San Giovanni, intrecciata con la fila dodecafonica che caratterizza l'opera, sono l'ultima parola della composizione.

La consapevolezza di un errore che non può essere cancellato? Di una vita mancata? Allo stesso tempo, un omaggio al più grande di tutti i compositori per Venzago, Johann Sebastian Bach? Il dolore di questo pensiero principale e finale è comunicato con grande intensità. Solo nella lunga eco delle battute finali potrebbe esserci un accenno di consolazione. La speranza del brano sembra essere che questo messaggio di vita diventi udibile, persino comprensibile. È un risultato compositivo ammirevole che il simbolismo del suono e il linguaggio musicale si comunichino direttamente e risveglino le associazioni più diverse, e che il dolore risplenda in colori e suoni musicali così travolgenti.

Sarebbe fuorviante trarre conclusioni sullo stato mentale del compositore dalla rappresentazione musicale di questo dolore della vita. Una bio-opera non è un diario privato. Può anche essere basato su una dichiarazione personale, e l'aspetto personale è fortemente enfatizzato quando il compositore stesso lo dirige e vi fa riferimento in modo moderato. Tuttavia, la dichiarazione personale, ogni motivo autobiografico, è fuso nel suono, nella forma, naturalmente stilizzato. Assume una vita propria per creare qualcosa di nuovo che porta l'idea iniziale ad altri livelli. La sofferenza dell'io diventa la condizione umana. La musica evoca non solo la sofferenza in sé, ma anche la visione empatica di essa. Questo processo, la trasformazione di ciò che è stato eventualmente vissuto in qualcosa di valido, può essere letto anche come metafora della genesi di un'opera nei passaggi di "Ascesa". Il termine bio-pezzo descrive quindi solo la cornice esterna di una composizione e un tipo particolare di materiale di partenza. Altri aspetti sono determinanti per l'elaborazione, il "come" e la sua interpretazione.