Un principe musicale del Rinascimento

Max Nyffeler: il 27 agosto ricorre il 500° anniversario della morte di Josquin Desprez, e ora, a marzo, il Festival di musica antica di Zurigo eun focus sul programma. Quali considerazioni vi hanno guidato nella realizzazione del programma?
Roland Wächter: Le giornate commemorative attirano sempre molta attenzione. È logico che un organizzatore risponda a questa esigenza. Non sarebbe stato necessariamente necessario con Beethoven, che tutti conoscono. Ma con il più grande compositore del Rinascimento, che è poco conosciuto nella vita musicale di oggi, è una questione diversa.

Come si riflette questo aspetto nel programma?
Naturalmente, non si può realizzare un programma di festival solo con la musica di Josquin. Per questo motivo, nell'ambito limitato dei nostri concerti, abbiamo anche delineato il suo ambiente e, per esempio, la Missa "Et ecce terrae motus" di Antoine Brumelcontemporaneo di Josquin. Con le sue dodici voci - la norma all'epoca era di quattro - è una delle opere più spettacolari del Rinascimento e ricorda talvolta la musica minimale americana. Steve Reich, per esempio.

Un paragone azzardato.
Questo non è così inverosimile se si considera che Reich si riferisce esplicitamente alla terzo Agnus Dei dalla Missa di Josquin "L'homme armé sexti toni"  dove le quattro voci superiori sono condotte a coppie in canone e il tenore e il basso cantano la melodia della chanson L'homme armé contemporaneamente in avanti e a granchio. Tali prodezze canoniche ispirarono Reich.

Max Nyffeler: Il suo programma comprende anche numerose chansons di Josquin e altri.
Roland Wächter: Queste canzoni polifoniche profane sono un ramo importante dell'opera di Josquin. Compositori francesi come Clément Janequin e Claude Le Jeune lo seguirono e portarono il genere della chanson polifonica al suo apice.

Qual è il tanto citato significato storico di Josquin?
Da un lato, si basa su predecessori come Guillaume Dufay e Johannes Ockeghem, che hanno caratterizzato la struttura allora inedita di un movimento armonico a voci uguali. Dall'altro, arricchisce questo movimento vocale con un'espressività mai esistita prima. Dufay e Ockeghem enfatizzavano ancora l'aspetto costruttivo, come la conduzione canonica delle voci, mentre Josquin ora enfatizzava anche il significato delle parole. In molte opere si può osservare una connessione diretta tra parole e musica. Questo lo avvicina a noi. Ma la domanda è, ovviamente, fino a che punto oggi abbiamo ancora orecchio per queste valenze espressive.

Max Nyffeler: La musica di Josquin è anche molto più consonante di quella dei suoi predecessori e le armonie diventano più bidimensionali..
Roland Wächter: Con Dufay e Ockeghem, l'armonia ha ancora qualcosa di aspro e duro. Josquin ha trascorso molti anni in Italia e l'influenza italiana ha probabilmente apportato un nuovo tipo di trasparenza e morbidezza alla sua musica. A volte ha qualcosa di decisamente dolce, cosa che non si può dire di Dufay o Ockeghem. Per esempio Tu solus qui facis mirabilia o Ave Maria virgo serenaTali pezzi hanno un effetto immediato, e la Frottola Il Grillo  è quasi un successo.

Esiste un parallelo con le arti visive del suo tempo, che svilupparono anch'esse un'aura sensuale completamente nuova, anche con motivi religiosi.
Assolutamente sì. Anche i suoi discendenti diretti hanno fatto questo riferimento e hanno detto: Josquin, con la sua sensualità ed espressività, è il Michelangelo della musica, per così dire.

Lo sviluppo artistico di Josquin fu lineare o irregolare? Condusse una vita piuttosto irregolare.
È difficile rispondere a questa domanda, poiché solo poche opere possono essere datate. Le edizioni stampate da Ottaviano Petrucci a Venezia, che appaiono a partire dal 1502, forniscono un indizio. Tuttavia, poiché non contengono le date di origine delle opere, siamo più o meno al buio. I musicologi cercano quindi di ricostruire lo sviluppo stilistico sulla base dei dati disponibili. Secondo questi, Josquin iniziò nella tradizione dei suoi predecessori Dufay e Ockeghem: c'è un cantus firmus nel tenore, costituito da un frammento di canto gregoriano o da una chanson, e i canoni delle altre voci si intrecciano intorno a questa struttura. Questa tecnica del canone, con le sue varianti della melodia originale - cancellazioni, inversioni, cancellazioni di inversioni, accorciamenti, allungamenti, ecc. Josquin se ne discosta ovviamente nella fase centrale, perché qui il cantus non compare solo nel tenore, ma può anche vagare tra le altre voci, dando luogo a processi imitativi. Le voci partecipano così a un motivo comune. Nella fase creativa finale, tutto questo si sviluppa in direzione di una tecnica compositiva relativamente libera, in cui organizza il materiale secondo criteri più soggettivi.

Max Nyffeler: Josquin Desprez (o des Prez) nacque probabilmente nel 1450 vicino a Saint-Quentin, nell'attuale Francia settentrionale, e morì nel 1521. Visse nel cosiddetto Alto Rinascimento, un'epoca di estremi: da un lato un periodo di massimo splendore delle arti e delle scienze, dall'altro un'epoca di grandi sconvolgimenti e guerre. Nel 1477, i Confederati sconfiggono il duca Carlo il Temerario a Nancy, facendo crollare il potente impero borgognone, una grande potenza economica e musicale. Nel 1492 Colombo scopre l'America e nel 1517 Lutero formula le 95 tesi che segnano l'inizio della Riforma. Sorge quindi la domanda: questi conflitti riecheggiano nella musica di Josquin? O è semplicemente "senza tempo"?

Roland Wächter: La musica religiosa riguarda le verità eterne e non il temporale con guerre, pestilenze e carestie. Al massimo, il temporale si riflette nella sua musica profana, soprattutto nelle chansons. Esse hanno un tono decisamente malinconico e trattano per lo più di dolore emotivo e di amore insoddisfatto. Lo si vede già dai titoli: Mille rimpianti  e Adieux mes amours. O Fortuna disperataun destino disperato e senza speranza. Josquin scrisse anche una messa parodia sulla melodia di questa chanson, oltre che sulla chanson Malheur me bat di Ockeghem.

Max Nyffeler: La malinconia sembra essere stata davvero un fenomeno di costume, basti pensare all'incisione di Dürer "Melencolia I" del 1514.
E poi c'è la canzone che era popolare in quel periodo L'homme armé, che si riferisce alla guerra e che è stato utilizzato da Josquin e da molti altri come modello per le messe con cantus firmus. Non dobbiamo dimenticare: A quei tempi, il compito dei principi era quello di fare la guerra, per quanto possa sembrare strano oggi. Si trattava di garantire ed espandere la propria sfera di potere.

E il controllo delle rotte commerciali, cioè il potere economico. Questo ha giocato un ruolo importante soprattutto per la Borgogna. Si trattava già di una forma di economia borghese precoce, sviluppatasi nei possedimenti olandesi dei duchi nel XV secolo.

Roland Wächter: È notevole che quasi tutti i principali compositori rinascimentali, i cosiddetti "olandesi", provenissero da un'area centrale di queste terre borgognone, vale a dire da quella che oggi è la regione di confine tra Francia e Belgio, l'Hainaut, o Hainaut in tedesco. Ciò si spiega con la ricchezza di questa regione all'epoca, di cui probabilmente beneficiavano anche le scuole di canto ecclesiastiche, le cosiddette maîtrises. I musicisti formati qui venivano spesso ingaggiati in Italia. Ockeghem fu una delle poche eccezioni. Ma Dufay faceva la spola tra la sua patria e l'Italia, Josquin trascorse molto tempo in Italia nei suoi primi anni, e compositori come Adrian Willaert vi soggiornarono e avevano persino un nome italianizzato come Cipriano de Rore.

Max Nyffeler: I compositori seguivano presumibilmente le rotte commerciali installate attraverso il continente dalle principali case commerciali e monetarie in Borgogna, dai Medici a Firenze e da altri. È quindi ragionevole concludere che i loro mecenati li inviassero in viaggio come bonus culturale alle loro relazioni commerciali..
Molti di questi compositori - nell'accezione dell'epoca erano in realtà cantanti, la professione di compositore non esisteva ancora - erano anche segretari di alto rango di principi ed ecclesiastici e spesso viaggiavano in missioni diplomatiche per i loro mecenati. D'altra parte, alle corti reali italiane c'era molto denaro, che veniva utilizzato per soddisfare il bisogno di rappresentazione culturale.

Max Nyffeler: Nella sua opera fondamentale "La cultura del Rinascimento in Italia", Jacob Burckhardt sottolinea che c'era una vera e propria competizione tra i principi nell'esibizione dello splendore. Gli artisti famosi venivano attirati a corte con alti compensi e privilegi.

Roland Wächter: C'è un aneddoto sul principe Ercole I di Ferrara, che cerca un nuovo musicista e manda i suoi agenti in giro per l'Europa. Uno di loro gli scrive: "Poiché solo il meglio è abbastanza buono, solo Heinrich Isaac o Josquin Desprez sono in discussione. Isaac è molto socievole con i musicisti, compone ciò che gli si ordina e viene per 120 ducati. Josquin, invece, è un tipo difficile, compone solo quando vuole e si fa pagare 200 ducati". Per il principe, tuttavia, era chiaro che doveva avere Josquin. Allora la musica aveva una funzione rappresentativa che oggi non possiamo più immaginare. Oggi i super-ricchi sono proprietari di squadre di calcio.

A giudicare dai pagamenti degli stipendi, egli rimase a Ferrara solo per un breve periodo, dal 1503 al 1504. Prima di allora, fu a lungo membro della cappella papale a Roma, forse a Milano presso gli Sforza e probabilmente al servizio del re di Francia per due anni a partire dal 1501. Molte date della vita di Josquin sono incerte. Probabilmente lasciò Ferrara nel 1504 a causa della peste e tornò in patria, a Condé-sur-l'Escaut nell'Hainaut, dove ricoprì un'alta carica ecclesiastica fino alla morte nel 1521.

Max Nyffeler: Come fu percepito Josquin dopo la sua morte?
Roland Wächter: Per le successive due o tre generazioni di compositori è stato un'autorità indiscussa.

Ricorda quasi l'impatto di Beethoven nel XIX secolo.
Il paragone è certamente azzeccato. Tuttavia, Beethoven aveva un effetto intimidatorio sulle generazioni successive. Nel caso di Josquin, è vero il contrario: la qualità esemplare attribuita alle sue opere ha sfidato le generazioni successive a imitarle.

La musica stampata di Petrucci ha avuto un ruolo importante in questa affermazione come "classico".
Josquin è il primo compositore nella storia della musica ad avere un intero volume dedicato esclusivamente a lui; la stampa di Petrucci risale al 1502, Missae Josquincontiene cinque sue messe. Ciò dimostra l'importanza che gli veniva attribuita già durante la sua vita. Josquin fu indubbiamente coinvolto nel progetto e utilizzò il nuovo mezzo della musica stampata per diffondere la sua musica. Il volume di messe passò attraverso tre edizioni, il che significa che fu venduto e trovò un pubblico. Josquin compare anche negli scritti di teorici come Glarean, che lavorava a Basilea e vedeva nella polifonia sciolta di Josquin un modello compositivo esemplare.

Già Martin Lutero disse di lui: "Josquin è il maestro della musica; devono farla come vuole lui".
Josquin è celebrato come grande compositore anche da autori esterni al mondo della musica. La sua influenza si estende fino a Palestrina, Orlando di Lasso e Tomás Luis de Victoria, cioè fino alle soglie del Barocco.

Allora la sua ricezione perde ovviamente il suo potere. Perché? Non è stato così per i suoi contemporanei nelle arti visive, come Leonardo, Raffaello e Michelangelo.
Le ragioni sono probabilmente due. Intorno al 1600 si verificò un importante cambiamento di paradigma: dalla polifonia al canto solista accompagnato, alla monodia, dove l'espressione appassionata del soggetto è al centro della scena, e al basso continuo. Monteverdi, che comunque padroneggiava entrambi gli stili, è esemplare di questo cambiamento. L'altra ragione risiede nella natura fugace della musica stessa. Un quadro, una volta dipinto, rimane a lungo. Ma una partitura scompare semplicemente in un cassetto se non viene riportata in vita più volte. Perché non dimentichiamolo: In passato si eseguiva solo "musica nuova", cioè brani composti per il presente. Il fatto che Orlando di Lasso abbia composto il famoso (e ora programmato anche da noi) Missa "Et ecce terrae motus" di Antoine Brumel è un'importante eccezione. Così facendo, egli salvò l'opera per i posteri, dato che la sua copia rimane l'unica fonte a tutt'oggi.

Max Nyffeler: Sono stati i compositori a mantenere vivo il ricordo della musica di Josquin.
Roland Wächter: Ma le sue opere, come la musica rinascimentale in generale, non furono più eseguite. Il pubblico sempre più vasto della nuova epoca ovviamente non poteva o non voleva sopportarlo. Solo nel XIX secolo, con l'affermarsi dello storicismo, questa musica tornò lentamente in auge.

Oggi Josquin sembra essere ancora un caso per ensemble specializzati e per un pubblico specializzato.
Assolutamente sì. L'intero periodo rinascimentale è ancora un'area marginale della vita musicale. L'ultima grande appropriazione della musica antica ha riguardato Monteverdi negli anni Settanta e Ottanta del XX secolo. Ciò è avvenuto soprattutto attraverso l'opera lirica, che ne ha facilitato il riconoscimento. Ma la musica prima del 1600 è ancora un campo specializzato. Gli esecutori devono prima familiarizzare con essa.

Per quanto riguarda la prassi esecutiva, molte cose non sono ancora chiare e probabilmente lo saranno ancora. Recentemente si è spesso parlato di partiture miste vocali-strumentali, ma i dettagli non sono ovviamente così chiari.
Conosciamo queste opere in versioni puramente vocali grazie ai più vecchi interpreti di spicco, come l'Hilliard Ensemble, i Tallis Scholars o Philippe Herreweghe. Questa è certamente la possibilità principale, ma non l'unica. Probabilmente esistono anche diverse tradizioni locali, ad esempio la Sistina a Roma era sempre cantata a cappella. In altri luoghi si usavano strumenti; ci sono illustrazioni e riferimenti corrispondenti nelle fonti. Ma non si sa come venissero utilizzati nel dettaglio. Oggi gli ensemble più giovani lavorano con una strumentazione mista, ad esempio i gruppi thélème o The Earle His Viols di Elisabeth Rumsey, che si esibiscono anche qui.

Anche il pubblico deve prima sviluppare un orecchio per questa musica.
A parte alcuni brani, di solito non abbiamo accesso diretto ad esso, a meno che non ci piaccia semplicemente la sua melodiosità e ne siamo soddisfatti. Ma dove oggi si trova più spesso Josquin, interpretato in modi eccellenti e diversi, è nelle registrazioni. L'offerta è molto ampia.

E questo ovviamente vende. Quindi, dopo tutto, c'è un pubblico più vasto.
Non è sufficiente per una serie di concerti continui. Ma il mercato dei CD sta funzionando. Nelle ultime settimane sono usciti almeno una mezza dozzina di CD con musiche di Josquin, in concomitanza con il 500° anniversario della sua morte, che ricorre quest'estate.

Max Nyffeler: Fortunatamente, anche i compositori del XX e del XXI secolo stanno mostrando un crescente interesse per la musica rinascimentale.
Roland Wächter: Uno dei primi fu Anton Webern, che nel 1906 scrisse la sua tesi di dottorato su Heinrich Isaac, che senza dubbio ebbe un impatto sul suo pensiero strutturale nelle successive opere dodecafoniche. Va menzionata anche la grande opera corale di Ernst Krenek, Lamentatio Jeremiae Prophetae, composta nello spirito dell'antica polifonia vocale.

Klaus Huber ha fatto riferimento ai compositori del Rinascimento insolitamente spesso: 1979 in "Beati pauperes II", una - a suo dire - "contraffazione" dei mottetti "Beati pauperes" e "Beati pacifici" di Orlando di Lasso, 1992 in "Agnus Dei cum recordatione", un "Hommage à Jehan Okeghem", basato sulla sua "Missa prolationum", 1997 in "Lamentationes Sacrae et Profanae ad Responsoria Iesualdi" con riferimento a Gesualdo e 2006 con "Miserere hominibus", eseguito in prima assoluta a Lucerna, che non solo utilizza scale arabe, ma si rifà anche in modo riconoscibile a Josquin con il suo movimento polifonico misto strumentale/vocale. Queste sono solo alcune delle opere di Klaus Huber influenzate dalle tecniche rinascimentali.

Anche Steve Reich, con il suo riferimento all'opera di Josquin Missa "L'homme armé sexti toni" è opportuno ricordare ancora una volta. Egli considera i metodi praticati qui come esemplari per la musica minimale.

In Inghilterra sono stati i compositori della cosiddetta Scuola di Manchester, soprattutto Peter Maxwell Davies, a studiare le partiture dei maestri del Rinascimento e a farle fruttare per la propria musica. In questo caso, però, si tratta di compositori inglesi del XVI secolo come John Taverner e Thomas Tallis.

Anche Ralph Vaughan Williams ha fatto riferimento direttamente a Tallis. Probabilmente si potrebbero trovare molti altri riferimenti alla tradizione nella musica del nostro tempo. Questo dimostra che il Rinascimento non è affatto un'epoca storicamente morta.