Tecnologia e consapevolezza storica

Il team dedicato ai due iniziatori Immanuel Brockhaus e Thomas Burkhalter ha accolto gli ospiti con un programma denso che minacciava di sovraccaricare la loro attenzione. Il simposio è stato aperto da Peter Kraut, vicedirettore del dipartimento di musica della HKB, seguito da Thomas Gartmann, responsabile della ricerca della HKB. Quest'ultimo ha delineato il profilo dell'università ospitante. È iniziato il passaggio strategico dalla pratica esecutiva storicamente informata ai nuovi media. La collaborazione tra ricerca e insegnamento è oggi centrale. Sotto l'etichetta "Arts in Context" si trova l'ultimo tema di ricerca: la comunicazione tra uomo e macchina. Le interfacce di questa comunicazione sono le cosiddette interfacce, che verranno discusse più volte durante l'intera durata del simposio.

La prima presentazione è stata tenuta dal musicista jazz svizzero e pioniere dell'elettronica Bruno Spoerri. Una buona scelta. La ricchezza dell'esperienza di Spoerri è stata in un certo senso il tema centrale del simposio e ha anche portato alla luce uno o due aneddoti degli "inizi". Egli ritiene che il "suono" sia il più grande parametro di riconoscimento e quindi di definizione del genere. Ha ricordato i primi strumenti elettronici come gli Ondes Martenot. È riuscito a farlo senza soffermarsi sulla nostalgia. Ha dato uno sguardo critico all'introduzione dello standard midi nel 1984, che ha descritto come una cementificazione e una focalizzazione sulle interfacce a tastiera. Chiede una maggiore libertà per la spontaneità nel passaggio dal computer alla musica, un addio ai suoni di culto e un ritorno a Stockhausen. Tuttavia, la ricerca è sulla strada giusta: fare musica con i gesti sta diventando sempre più possibile e la sua interfaccia da sogno, in cui un suono dovrebbe essere solo pensato, forse non è più un'utopia. La creazione di musica gestuale è stata anche la principale preoccupazione di Werner Jauk (Graz). Le interfacce dovrebbero essere in grado di modellare il suono attraverso il corpo. Jauk si spinge oltre e vuole catturare anche la tensione corporea. Considera l'informazione corporea come costitutiva rispetto al suono.

Il fatto che lo standard Midi non fosse più in grado di soddisfare questi requisiti era ampiamente accettato. L'ingegnere Lippold Haken si è lanciato in questo vuoto e ha fatto presentare il suo Continuum Controller dal brillante musicista Edmund Eagan, che lo conosceva bene. Questo controller si discosta dallo standard criticato e consente di registrare una ricchezza di parametri senza precedenti. L'input avviene con le dita attraverso una superficie tattile continua. Secondo lo sviluppatore, tuttavia, non è ancora in vista una svolta industriale di questa tecnologia. È ancora difficile trovare investitori al di fuori del persistente standard Midi. In ogni caso, i risultati della dimostrazione delle prestazioni sono stati impressionanti. Tuttavia, la complessità del funzionamento di questa interfaccia sembra essere paragonabile a quella di imparare a suonare il violino. Resta da vedere se il desiderio di libertà anziché di controllo formulato da Imogen Heap e citato da Katia Isakoff (Londra) possa essere soddisfatto. Il fatto che i giovani vogliano sempre più tornare a usare i controller tattili è stata anche la conclusione della ricerca di Jack Davenport (University of Central Lancashire). Tuttavia, la sua "interfaccia musicale ludica" estremamente semplificata è stata esaminata criticamente dal pubblico. Non per la prima volta, sono state espresse preoccupazioni su una "pigrizia" strisciante nella produzione di "musica". Il progetto di ricerca V:Age, avviato da Brockhaus sul tema dell'"invecchiamento virtuale", affronta in modo nuovo la mancanza di un legame personale con gli strumenti musicali al di fuori del funzionamento tattile: I due game designer Ruben Brockhaus e Brett Ayo (Berlino/Berna) stanno attualmente sviluppando uno strumento virtuale che avrà la capacità di invecchiare. In futuro, ci sarà un processo di invecchiamento indotto dall'utente sia a livello visivo che a livello funzionale e audiofilo.

La conferenza non ne ha fatto mistero: Siamo arrivati nell'era digitale. Le possibilità sembrano infinite e le macchine difficilmente possono essere spinte al limite. C'è stato disaccordo sull'impatto di questi fatti sulla creazione di musica, il processo creativo per eccellenza. Mentre Wayne Marshall (Berklee College of Music/Harvard, Boston) è rilassato riguardo alle restrizioni imposte dalla logica delle macchine, Fereydoun Pelarek (Macquarie University, Sydney) ha addirittura parlato di libertà creativa grazie alle possibilità illimitate e l'aspetto della maneggevolezza è stato discusso seriamente più volte, ci sono state voci dissenzienti. Il produttore techno Georgi Tomov Georgiev (Berlino) ha ricordato al pubblico il potere creativo della limitazione. Citando Jeff Mills, ha parlato di schiavi dei computer per quanto riguarda il presente. Jauk ha considerato che il corpo materiale sta diventando sempre più privo di funzioni. Il problema delle "decisioni" è stato sollevato da Jan Herbst (Bielefeld) nel suo lavoro "vecchie chitarre con nuove tecnologie". Ha studiato la tecnologia del "profiling". Si tratta di un processo che misura le caratteristiche sonore degli amplificatori per chitarra e dei loro microfoni e le riproduce di conseguenza. Ciò che avrebbe dovuto essere deciso in una fase iniziale della produzione senza questa opzione, ora rimane un'opzione aperta fino all'ultimo momento. Il sovraccarico della macchina è escluso, così come la scoperta accidentale.

Il discorso digitale/analogico ha trovato i suoi poli nelle presentazioni di Katia Isakoff e Holger Lund (Berlino/Ravensburg). La compositrice Isakoff ha adottato un approccio performativo al Theremini lanciato dalla Moog, un riferimento digitale e pratico al leggendario Theremin. A sua discolpa va detto che ha presentato una toccante rivalutazione del rapporto personale tra la virtuosa del theremin Clara Rockmore e l'inventore dello strumento Leon Theremin come approccio umanistico alla macchina e alla sua innovazione. Tuttavia, Isakoff ha espresso ciò che è stato parafrasato nel canone: "Il divario si sta chiudendo". Non sono comunque gli strumenti a fare la musica, ma le persone, citò Max Rudolph. Più avanti, su questo punto. In ogni caso, non c'era quasi nessuna opposizione. La situazione è cambiata radicalmente con il contributo di Lund. Nella sua presentazione "New sound aesthetics through post-production mastering and vinyl cutting", ha parlato di un fenomeno post-digitale e della relativa rianalogazione. Si può notare un'influenza decisiva sul prodotto finale dell'arte in studio attraverso i processi analogici e la corrispondente abilità artigianale. La presenza sonora viene scolpita con l'aiuto della distorsione. Alla domanda se questo confronto audiofilo avvenga o meno nel campo dell'udibile, ha dato una risposta devastante per l'attuale industria musicale: "Le differenze sono notevoli, l'unica domanda è se riusciamo ancora a percepirle. Le nostre abitudini di ascolto sono già state stravolte dall'onnipresenza della digitalizzazione e dei relativi dispositivi di riproduzione mobile. Dalle interviste con i principali artisti della masterizzazione, Lund ha appreso che la trasparenza non sarà più l'estetica del futuro, ma piuttosto la colorazione e l'elaborazione di un "timbro sonoro" individuale.

La definizione, che è stata discussa in questo simposio, ha tardato ad arrivare. Sebbene ci fosse accordo sul termine "suono" e sulla sua adeguata traduzione in "Klang", il significato del termine "futuro" è stato sollevato solo nel contributo del filosofo Robin James (UNC Charlotte). Se nell'era moderna il nuovo e l'innovazione erano ancora considerati l'epitome del futuro, con il neoliberismo le cose sono cambiate radicalmente. La speculazione e gli investimenti ora definiscono il futuro. James parla del futuro come di una conseguenza del successo. Per la musica, questo ha significato la perdita della narrazione. Il progetto drammaturgico sta subendo un cambiamento radicale. Nella lotta per l'attenzione, ad esempio, il climax appare proprio all'inizio. L'essenziale lotta per il successo si sta gradualmente manifestando anche nel nostro corpo. È sempre più visto come un oggetto di investimento. Investire significa sempre correre dei rischi. Per l'industria è importante soppesare questi rischi. I beni strumentali mobili verso l'alto sono esposti al fenomeno della "gentrificazione". A questo punto, James porta sul podio la controversa questione del genere. Attribuisce l'investimento nel corpo femminile proprio a questo fenomeno: "L'investimento nel corpo femminile è la gentrificazione umana". Anche Marie Thompson (Università di Lincoln) affronta lo stesso tema. Nella sua conferenza ha presentato una serie di dispositivi che consentono alle donne incinte di ascoltare musica prenatale. L'investimento sul nascituro ha lo scopo di prepararlo al meglio per una società orientata al successo. Naturalmente è già stata compilata una corrispondente playlist per neonati. L'apice dell'alta cultura è presentato in un canone che va da Mozart ai Queen. Viene anche fornita un'analisi di quale musica stimola quale "comportamento di apprendimento" prenatale. La Thompson ritiene che la produzione e la riproduzione siano decisive per il capitalismo. Descrive la produzione senza riproduzione come il caso ideale di questo sistema. Un pensiero che può assumere proporzioni devastanti se applicato al corpo femminile. L'autrice fa appello a una nuova consapevolezza. L'attenzione non dovrebbe essere rivolta ai prodotti e ai loro processi, ma alle condizioni quadro in cui vengono creati. Annie Goh (Goldsmith University of London) ha analizzato il fenomeno di massa giapponese "Hatsune Miku". Le popstar femminili virtuali sono programmate e commercializzate dagli utenti della relativa piattaforma online. Questa "creatività in crowdsourcing" porta alla morte dell'autore e quindi alla morte della realtà. Il punto centrale dell'analisi della Thompson è l'uso della voce femminile virtuale. Qui traccia un parallelo con il mondo occidentale. La voce femminile virtuale nella sfera pubblica è già onnipresente. La questione non è solo come verrà utilizzata in futuro, ma anche chi deciderà in merito. La tecnologizzazione della voce femminile potrebbe quindi giocare un ruolo importante nel dibattito di genere del futuro.

La virtualizzazione è stata anche l'argomento dell'emozionante contributo dei due media artist Michael Harenberg e Daniel Weissberg (Berna). Essi hanno fatto riferimento al problema dei "big data". Il trattamento computerizzato di grandi quantità di dati consente di esaminare il comportamento umano. Con il termine "apprendimento automatico", i programmi vengono fatti apparire intelligenti. Google, ad esempio, è riuscita a sconfiggere il suo avversario umano nel secolare gioco da tavolo Go, grazie all'"apprendimento automatico" che consiste nel giocare contro se stessa migliaia di volte. Nel settore musicale sono già in corso tentativi di creare una hit numero uno generata dalla macchina (si veda l'Antwerp Research Institute for the Arts). Non sono forse le persone a fare la musica, dopo tutto? Harenberg e Weissberg commentano subito: "Non è divertente". Il sistema utilizzato è privo di qualsiasi capacità umana ed è innanzitutto un sistema di elaborazione dati incredibilmente veloce. Secondo Harenberg e Weissberg, questo non ha molto in comune con il termine "intelligente". L'applicazione dei big data elimina l'hobbista e può essere utilizzata solo dalla grande industria. La digitalizzazione non contribuisce alla democratizzazione del mercato musicale.

Su questo punto gli oratori non sono stati concordi. Jan Herbst, ad esempio, ha parlato di democratizzazione digitale. La possibilità di utilizzare attrezzature virtuali e i costi ridotti grazie alla disponibilità online dovrebbero garantire pari opportunità. Non sono stati discussi i problemi di gestione dei diritti d'autore e le barriere all'ingresso in termini di metodi di pagamento. Harenberg e Weissberg hanno fatto appello alle università affinché si assumano le proprie responsabilità nell'affrontare questi fenomeni. I loro programmi non dovrebbero concentrarsi sugli aspetti tecnologici, ma piuttosto sulle sottoculture ancora esistenti.
 

Conclusione dell'evento densamente programmato: il simposio ha brillato innanzitutto per l'alto livello di consapevolezza storica. Tuttavia, non c'era molto in termini di sogni per il futuro. Gli scienziati non sono ancora in grado di guardare oltre la storia contemporanea. La prospettiva può essere collocata nell'area delle idee creative, ma non viene quasi mai azzardata. Che il futuro sarà elettronico, tuttavia, è rimasto fuori discussione. Non ci sono stati contributi con una visione acustica. L'unico accenno in questa direzione è venuto da Harenberg e Weissberg: "La chitarra da viaggio non esiste in forma elettronica". Come conclusione armoniosa, l'ospite di apertura ha detto di nuovo la sua. Questa volta con una performance musicale. Bruno Spoerri ha dimostrato, strizzando l'occhio alla storia, che la ricerca non ha fine e che il futuro porterà sicuramente qualcosa di nuovo.