"La musica come espressione"

"Il simposio di Berna, tenutosi dal 13 al 16 settembre 2017, è stato tutto incentrato su Beethoven: non solo la consolidata attività di ricerca sull'interpretazione dell'Università delle Arti di Berna (HKB), ma anche tre progetti in corso sostenuti dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica hanno fornito l'occasione e la cornice per il forum di quattro giorni: Mentre il progetto "From Lecture to Interpretation" esamina la trasformazione della pratica interpretativa utilizzando l'esempio delle opere per pianoforte solo di Beethoven, "Annotated Scores" si concentra sulle partiture per la direzione d'orchestra e sui materiali orchestrali con le note di quelle opere che erano importanti per Richard Wagner nella sua prospettiva sul direttore d'orchestra. Un terzo progetto di ricerca, "Embodied Traditions of Romantic Musical Practice", si occupa di edizioni musicali del XIX secolo istruttive nella loro descrizione di dettagli musicali pratici e tenta di trasferirli ai giorni nostri utilizzando il metodo dell'"embodiment". Sulla base di questo ambito tematico di ampio respiro, le opere di Beethoven e la loro realizzazione interpretativa sono state sempre al centro dell'attenzione, ma allo stesso tempo sono stati chiariti concetti e metodi fondamentali e sono stati presi in considerazione aspetti dell'arrangiamento come l'interpretazione, questioni organologiche e, non da ultimo, elementi musicali-teatrali. Un totale di quarantacinque conferenze ha formato un insieme informativo - integrato da lezioni-concerto e documentari cinematografici, che si sono inseriti perfettamente nel programma e allo stesso tempo hanno puntato al di là di esso.

"La vera riproduzione è la fotografia a raggi X dell'opera. Il suo compito è quello di rendere visibili tutte le relazioni, i momenti di contesto, di contrasto, di costruzione, che si nascondono sotto la superficie del suono sensuale - attraverso l'articolazione dell'aspetto sensuale". - Con queste parole di Theodor W. Adorno, Thomas Gartmann, direttore del Dipartimento di ricerca della HKB e della Bern Graduate School of the Arts, ha dato il benvenuto ai musicologi, ai musicisti e al pubblico nella sala concerti dell'università.
 

Le prime cinque conferenze si sono quindi concentrate interamente sulla musica pianistica del XIX secolo - insieme alla domanda: "Cosa significa interpretazione, cosa può ottenere l'interpretazione?". John Rink (Cambridge) ha dimostrato che l'interpretazione non è solo un campo di tensione tra testo musicale ed esecuzione, ma che l'esecuzione "creativa" della musica dovrebbe anche essere differenziata dalla pura interpretazione, utilizzando, tra l'altro, le peculiarità specifiche della notazione nelle opere pianistiche di Chopin. Nonostante questa notazione altamente specifica, a volte idiosincratica, l'interprete di Chopin non dovrebbe, secondo Rink, trascurare il proprio ingegno - questo è l'unico modo per creare interpretazioni interessanti, ma anche discutibili e quindi discutibili. Anche le due presentazioni successive di Carolina Estrada Bascunana (Tokyo) e Manuel Bärtsch (Berna) sono state dedicate all'espressione musicale al di là del testo musicale. Sia nel caso degli allievi di Enrique Granados che nelle varie interpretazioni dell'op. 111 di Beethoven, il lavoro di critica delle fonti con le varie edizioni, i manuali pedagogici e i sistemi di registrazione come i rulli per pianoforte Welte si è rivelato indispensabile per avvicinarsi al singolo interprete e poter collocare il suo stile esecutivo in una possibile tradizione. Comune a entrambe le conferenze è stata la prospettiva critica sull'"interprete sacro che si muove in un contesto auratico e metafisico" (Bärtsch) - una visione che dovrebbe essere rivista. Mentre Georges Starobinski (Basilea) si è dedicato, tra l'altro, all'ultima sonata op. 111 e ha trattato il termine esecutivo "semplice" in Beethoven in una presentazione fine e dettagliata, Kai Köpp (Berna) si è concentrato sugli approcci metodologici alla ricerca interpretativa. I diversi generi di fonti (interfacce utente dell'organologia, istruzioni, documenti sonori e immagini in movimento), esaminati nei vari progetti di ricerca della HKB, hanno fornito un ricco materiale illustrativo per collocare la ricerca storica sull'interpretazione tra la musicologia storica e quella sistematica.

László Stachó (Budapest) si è avventurato nel XX secolo confrontando le registrazioni di pianisti della tradizione lisztiana come Eugen d'Albert, Béla Bartók ed Ernő Dohnányi con quelle di Igor Stravinskij e collocando le loro interpretazioni tra un approccio legato al linguaggio e uno più metrico-strutturalista. Dai documenti audio è emerso chiaramente che Igor Stravinskij corrispondeva maggiormente a questo approccio oggettivo al fare musica, che era particolarmente caratteristico del periodo tra le due guerre. Stachó, tuttavia, non si è fermato alla mera analisi delle interpretazioni, ma ha anche tracciato un collegamento tra l'estetica modernista osservata e la "musica come oggetto spazialmente esteso": spettava all'interprete mediare tra tempo e spazio e decidere a favore di un'esecuzione strutturata in modo ampio o più ristretto. Dopo un ulteriore contributo, che ha esaminato la musica di Anton Webern dal punto di vista del tempo e dell'intonazione, il pubblico ha potuto assistere alla lezione-concerto di Robert Levin (Boston), uno dei momenti salienti del simposio. Con il titolo "Wende zur Moderne. Beethoven come esecutore di C. Ph. E. Bach", il pianista e musicologo di fama mondiale ha tenuto una presentazione musicale e linguistica eloquente, intensa e diretta. Partendo dall'esecuzione di alcune fantasie per pianoforte di Carl Philipp Emanuel Bach, ha dimostrato la loro influenza su compositori come Haydn, Mozart e Beethoven. La sintesi di pratica e riflessione di Levin è stata di per sé impressionante. Tuttavia, l'artista ha preso alla lettera la "svolta verso la modernità" quando, rivolgendosi esplicitamente ai giovani partecipanti e agli ascoltatori, ha parlato a favore di un impegno verso la nuova musica. In fondo, come esecutore, partecipare all'esecuzione del nuovo repertorio significa partecipare alla scrittura della storia della musica.

L'approccio alle complesse relazioni tra opera, compositore e interprete, soprattutto quando l'opera è stata creata decenni fa, richiede naturalmente un coscienzioso lavoro metodologico. Nella seconda giornata del simposio, la diversità di questi metodi è stata al centro dell'attenzione. Clive Brown (Leeds) ha affrontato il tema del divario tra la ricerca orientata alla pratica e la produzione musicale professionale: Molte delle registrazioni sonore commerciali di oggi testimoniano una scarsa comprensione del rapporto tra notazione ed esecuzione, così come era visto da compositori ed esecutori nel XVIII e XIX secolo. Attingendo a una delle sue specializzazioni, la ricerca interpretativa nel campo degli strumenti ad arco, Brown ha mostrato come prevede di colmare questo divario attraverso edizioni storicamente informate e l'insegnamento di tecniche esecutive storiche. Anche Neal Peres da Costa (Sydney), durante la sua conferenza, ha dimostrato quanto possa essere istruttivo il confronto tra una registrazione sopravvissuta e l'edizione dell'opera registrata - in modo estensivo - al pianoforte. Il suo metodo di imitazione di documenti sonori storici è stato in grado di evidenziare elementi di improvvisazione e libertà ritmica che facevano parte del modo di suonare di Carl Reinecke o Jan Ladislav Dussek, senza che nulla di tutto ciò fosse evidente nel testo musicale dell'epoca. La presentazione di Sebastian Bausch (Berna) si è concentrata ancora una volta sul significato scientifico ed estetico dei rulli per pianoforte, anche se dalla particolare prospettiva della storia orale, con l'interrogatorio di specialisti nel campo dei pianoforti da riproduzione e della loro adeguata regolamentazione. Questo ampio capitolo è stato completato da una conferenza di Olivier Senn, che ha presentato un nuovo metodo di misurazione computerizzata dell'agogica, affrontando così un dettaglio interpretativo che era ed è rilevante in tutte le epoche e gli stili. Ha dimostrato come sia possibile ricavare una curva di tempo da un tempo musicalmente espressivo, utilizzando l'esempio della registrazione di Debussy del brano Ballerine di Delphes dall'anno 1912.

"Ho trasformato una mia singola sonata in un quartetto per strumenti a violino [...], e so per certo che nessun altro sarà in grado di imitarmi così facilmente". Le stesse parole di Beethoven sono state utilizzate per introdurre il blocco "Arrangiamento come interpretazione". Thomas Gartmann ha dedicato un'analisi dettagliata dell'emissione vocale, della dinamica e dell'articolazione all'arrangiamento per quartetto della Sonata per pianoforte e orchestra op. 14 n. 1 di Beethoven, sottolineandone il valore scientifico. Michael Lehner (Berna) ha richiamato l'attenzione su un mezzo di diffusione centrale ma finora poco studiato dal XVIII al XX secolo. La tecnica culturale dell'esecuzione della partitura è stata analizzata come "interpretazione attraverso la riduzione", in particolare sulla base delle registrazioni che Gustav Mahler e Richard Strauss fecero delle loro opere orchestrali. Quali conclusioni si possono trarre da fraseggio, tempo e ritmo rispetto alla versione orchestrale?

Il tutto è stato perfettamente seguito dalla conferenza-concerto di Ivo Haag e Adrienne Soós (Lucerna): Come le riduzioni per pianoforte, anche gli arrangiamenti a quattro mani di opere orchestrali sono stati un mezzo collaudato per pubblicizzare le proprie composizioni. In questo pomeriggio, il duo pianistico ha posto gli arrangiamenti delle sinfonie di Brahms al centro di questioni pratiche di esecuzione. Dopo l'apertura del forum ai giovani interessati alla ricerca, la sera stessa si è tenuta una piccola masterclass su un'ampia gamma di argomenti: gli specialisti della ricerca interpretativa hanno affrontato il violoncellista David Eggert (Berna) e il pianista Gili Loftus (Montréal), che - naturalmente in un simposio su Beethoven - hanno suonato opere del compositore, ma nel contesto del periodo intorno a Clara Schumann e della prassi esecutiva prevalente all'epoca.

Il terzo giorno del simposio è stato tematicamente periferico, ma molto più vicino al nostro tempo. I relatori guidati da Leo Dick (Berna) hanno presentato i risultati delle loro ricerche nei campi del teatro musicale, della coreografia, della danza e degli studi letterari. Il cambiamento di prospettiva che ne è derivato sull'opera e sulla persona di Beethoven si è rivelato altrettanto stimolante e istruttivo quanto il concetto generale di "mise en scène come interpretazione" nelle sue diverse forme transdisciplinari.
 

Diversi esperti nel campo dell'organologia, lo studio degli strumenti, hanno riportato i partecipanti ai tempi di Beethoven e alle conquiste della costruzione di pianoforti dell'epoca. Giovanni Paolo Di Stefano (Amsterdam) ha fornito una panoramica delle tradizioni costruttive nei centri di Vienna, Parigi e Londra. Uno strumento non direttamente associato a Beethoven, l'organo, è stato messo in gioco da Stefano Molardi (Lugano). Egli ha tracciato i primi anni di formazione organistica del compositore attraverso l'analisi di opere successive - l'imitazione pianistica del Fauxbourdon o l'Imitatio Tremula Organi, ad esempio, sono indizi importanti, secondo Molardi. Martin Skamletz (Berna) ha sottolineato un dettaglio strumentale e musicale: Negli anni successivi al 1800, la gamma originale di cinque ottave dei pianoforti si è ampliata, il che ha naturalmente avuto un effetto sulla disposizione delle opere composte. Skamletz ha illustrato questa relazione reciproca con un gran numero di esempi musicali, collocandoli nel contesto degli eventi contemporanei. Anche Patrick Jüdt (Berna) ha svolto un lavoro differenziato sulle fonti nel contesto del Quartetto per archi op. 18/6. In una vivace conferenza, in cui i quattro giovani musicisti del Quatuor Ernest sono stati presi per mano proprio come il pubblico, ha elaborato la dinamica e l'intensità degli sforzati di Beethoven nello Scherzo dell'op. 18/6. Ai teorici della musica del XVIII e XIX secolo è stata data "voce" nelle loro dichiarazioni sull'accento metrico e melodico.

I processi di scrittura e i risultati della trascrizione sono stati discussi l'ultimo giorno, il 16 settembre. Federica Rovelli (Bonn) ha riferito sugli ostacoli che possono influenzare l'edizione degli abbozzi di Beethoven: Oltre allo stato per lo più frammentario degli schizzi, è soprattutto la temporalità della scrittura, la cronologia del processo di scrittura, che non può essere rappresentata in una semplice trascrizione; si può rappresentare ciò che è stato scritto, ma non la scrittura stessa. Per affrontare questo problema, Rovelli ha presentato un software utilizzato nella Beethoven-Haus di Bonn che rivela i vari strati di scrittura in un facsimile. Grazie alla sua trasparenza e comprensibilità visiva, questo programma grafico può essere utilizzato da una cerchia internazionale di studiosi.
 

Per una volta, Johannes Gebauer (Berna) non si è concentrato sulla critica testuale, ma sul tracciare la storia dello sviluppo della pratica esecutiva. In un lavoro dettagliato, ha messo a confronto diverse edizioni, tra le altre, del Capricci di Pierre Rode, le cui peculiarità, aggiunte e modifiche non solo forniscono indizi su alcune tradizioni esecutive, ma possono anche avvicinarci ai curatori delle rispettive edizioni.

Il progetto di ricerca di Berna "Annotated Scores", la prospettiva di Richard Wagner sulle peculiarità delle opere del suo tempo, ha determinato le ultime presentazioni del simposio. Chris Walton (Berna) ha fatto luce sull'esecuzione della Nona Sinfonia di Beethoven da parte di Wagner nel 1846 e sui numerosi suggerimenti di modifiche da lui apportati. Il fatto che, come dimostrano le ultime ricerche condotte a Berna, Wagner stesso non abbia realizzato appieno questi cambiamenti non ha impedito a molti direttori d'orchestra successivi di considerare le indicazioni di Wagner come un punto di riferimento. Lena-Lisa Wüstendörfer (Basilea) si è occupata di un fenomeno molto simile nella ricezione di Beethoven: nel 1904 Gustav Mahler FidelioL'unica opera completata di Beethoven - in una versione da lui stesso rimaneggiata, che fu considerata dal pubblico viennese come la vera versione anche dopo che Felix Weingartner succedette a Mahler e sostenne una maggiore fedeltà all'originale. Fidelio utilizzato.

Il simposio di quattro giorni è stato concluso da Roger Allen (Oxford), che ha parlato dell'interpretazione di Wagner della Sonata per pianoforte op. 101 di Beethoven. Wagner ha caratterizzato il primo movimento di questa sonata come un perfetto esempio dell'espressione da lui coniata "melodia infinita", anche in relazione alla mancanza di sezioni fortemente cadenzali. Allen ha ipotizzato connessioni tra l'opera di Beethoven e il preludio di Wagner a Tristano e Isotta e rivelò le possibili influenze compositive della sonata per pianoforte a titolo di paragone. Allen ha anche fatto un inchino ai tempi passati citando Wagner su Beethoven: in questa sonata, quest'ultimo aveva tracciato "l'essenza stessa della musica". Secondo le parole di Allen, il simposio di Berna ha riguardato anche la "musica come espressione", la capacità della musica di esprimersi e di lasciare un segno.