Ancora lontano dall'essere superato

Elena Alessandri, Antonio Baldassarre - Scrivere di musica ha una lunga tradizione nella cultura occidentale. Già più di duemila anni fa, Platone rifletteva sulle dimensioni etiche della musica e sulle sue conseguenze politiche. Nel corso della lunga storia della scrittura sulla musica, oltre alla riflessione filosofica o teologica si è sviluppata una professionalizzazione dell'esame critico degli artefatti musicali, che a partire dal XVIII secolo si è affermata come forma indipendente di discorso sulla musica e, a partire dal XIX secolo, anche come forma efficace di discorso riflessivo sulla musica. Se inizialmente la critica musicale si svolgeva in riviste musicali specializzate, come la "Allgemeine musikalische Zeitung" fondata da Friedrich Rochlitz e Gottfried Christoph Härtel a Lipsia nel 1798, nel corso del XIX secolo si spostò sempre più sulle pagine dei quotidiani, come dimostra la carriera di Eduard Hanslick, considerato ancora oggi l'emblema della critica musicale professionalizzata: A partire dal 1864, le sue recensioni apparvero addirittura in gran parte sulla prima pagina della "Neue Freie Presse" viennese; una chiara indicazione del potere della critica musicale nel XIX secolo.

A causa della riproducibilità dell'arte - a cui Walter Benjamin dedicò notoriamente un saggio epocale nel suo saggio "L'opera d'arte nell'epoca della riproducibilità" (1936) - la critica musicale del XX secolo si è rivolta alle registrazioni sonore in aggiunta alla critica originale di opere e spettacoli. Negli ultimi 100 anni, ciò ha dato origine a una tradizione di riflessione indipendente, la cui attenzione principale è rivolta all'esperienza sonora vera e propria, staccata dai contesti esecutivi convenzionali. Questo corpus unico di fonti fornisce informazioni inedite su come gli ascoltatori esperti percepiscono, concettualizzano, descrivono e infine valutano la musica. Ciò porta in primo piano le questioni relative all'organizzazione delle recensioni di registrazioni sonore in termini di contenuto e linguaggio, come ad esempio: Cosa viene effettivamente riportato? Quali criteri di valutazione vengono citati? Come si giustifica il fatto che una registrazione sia migliore di un'altra? E che ruolo ha la critica musicale nel contesto dell'attuale mercato digitale della musica classica? Il Centro di competenza Music Performance Research della Scuola di Musica di Lucerna (HSLU M) ha lavorato intensamente su queste e altre domande negli ultimi 10 anni. In collaborazione con il Conservatorio della Svizzera italiana, dal 2010 al 2012 il centro ha inizialmente portato avanti il progetto finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica (FNS) Recensioni recensite realizzato. I risultati hanno costituito la base per la tesi di laurea "Evaluating Recorded Performance" (Elena Alessandri, 2014), anch'essa redatta all'HSLU M e accettata dal Royal College of Music di Londra. A questo è seguito un secondo progetto finanziato dal FNS Recensione Impatto (2016-2020), in cui i risultati della tesi sono stati analizzati nel contesto del mercato musicale.

Il nucleo dei progetti prevedeva l'analisi del contenuto di un corpus di oltre 900 recensioni di registrazioni sonore di musica per pianoforte del repertorio classico pubblicate in Svizzera, Germania e Inghilterra tra il 1923 e il 2018. L'analisi delle oltre 450.000 parole di fonti testuali mostra quanto sia varia e ricca di sfumature la critica musicale delle registrazioni sonore.

Data la natura dell'argomento, l'esecuzione ha il peso maggiore in termini di contenuto. Tuttavia, vengono discussi anche molti altri aspetti, come gli esecutori, l'opera registrata, lo strumento o le condizioni di registrazione, produzione e commercializzazione. A livello descrittivo, si può notare che oltre ai parametri musicali tecnici come il ritmo, l'agogica, la dinamica o il fraseggio, per i quali sembra esistere una terminologia consolidata, i critici tendono a usare metafore e paragoni quando scrivono di aspetti musicali più generali come lo stile, il carattere e la struttura. In totale sono stati identificati 42 temi per la descrizione delle registrazioni sonore. Alcuni di questi temi acquistano o perdono peso nel corso del tempo, ad esempio gli aspetti relativi alla descrizione dei processi tecnici di registrazione e produzione hanno raggiunto un picco tra gli anni '50 e '70, mentre hanno perso importanza dagli anni '90 in poi.

In contrasto con la grande diversità degli argomenti, come viene descritta la registrazione, c'è una certa stabilità per quanto riguarda i criteri di valutazione. Nell'arco di quasi 100 anni di testi, sette criteri di valutazione si dimostrano estremamente duraturi: tre criteri di valutazione estetica (intensità, coerenza, complessità), tre criteri di valutazione della prestazione dell'interprete (sicurezza, comprensione, sforzo) e un criterio che tiene conto della dipendenza della registrazione dal contesto. Ciò che colpisce in questo contesto, tuttavia, è che quando si descrive o si valuta un'interpretazione, i parametri puramente tecnico-musicali sono spesso incorporati in affermazioni sulla persona che sta dietro all'esecuzione o vengono ampliati per includere questa dimensione. In altre parole, l'affermazione tecnica "il tempo è aumentato" viene trasformata in "il pianista corre un rischio aumentando il tempo, ma lo gestisce con sicurezza". In questo modo, l'esecuzione viene descritta o giudicata sulla base di ipotesi su ciò che il pianista ha pensato, inteso o osato fare, e i tre criteri focalizzati sull'esecuzione menzionati in precedenza, ossia sicurezza, comprensione e sforzo, vengono integrati nel giudizio di valore estetico come pilastri portanti. Con questo atteggiamento, i critici riconoscono il particolare significato che la performance umana ha per la percezione e il riconoscimento dell'esecuzione. Questo sembra almeno ridimensionare il timore diffuso tra i musicisti che l'esecuzione musicale venga un giorno sostituita da macchine e algoritmi di apprendimento.

L'analisi del testo documenta inoltre che i sette criteri di valutazione non sono trattati dai critici come una lista di controllo. Non ci si aspetta che una performance soddisfi tutti i criteri e i critici non valutano le performance secondo il principio "più sono, meglio è". Piuttosto, riconoscono il fatto che una performance è il prodotto di una combinazione di caratteristiche diverse. Come per un pasto delizioso, la ponderazione, il dosaggio e l'equilibrio tra i singoli ingredienti, come la complessità e la coerenza, la sicurezza e la comprensione, si rivelano importanti per una registrazione musicalmente valida. Questa intuizione è rilevante anche per il contesto universitario, poiché spesso in situazioni d'esame si tende a lavorare attraverso un determinato catalogo di criteri presumibilmente neutri individualmente e separatamente da cima a fondo, invece di ponderare di conseguenza le relazioni e le dipendenze dei criteri dell'interpretazione corrente.

I risultati ottenuti dall'analisi del testo sono stati integrati e confermati anche da interviste con critici professionisti provenienti da Svizzera, Germania e Regno Unito. In queste interviste sono stati discussi anche il ruolo della critica musicale delle registrazioni di musica classica, la sua funzione e il suo significato. In termini di profilo, i critici continuano a vedersi come mediatori responsabili e impegnati tra produttori, artisti e consumatori, nonostante le condizioni di lavoro sempre più precarie: Principi come l'integrità, il rispetto e la chiarezza giocano un ruolo importante nel loro lavoro. In un mercato musicale quasi interamente digitale e caratterizzato da giudizi profani, gli esperti non vedono il loro ruolo come quello di dare consigli su cosa acquistare, ma piuttosto come quello di fornire una guida e un orientamento all'ascolto. In questo contesto, si sottolinea che un giudizio chiaro e comprensibile è una priorità assoluta. Tuttavia, le condizioni del mercato musicale odierno fanno sì che i critici nutrano seri dubbi sull'importanza del loro lavoro: Questa preoccupazione si riflette nella domanda, spesso sollevata nelle interviste, se la critica musicale professionale sia ancora rilevante oggi.

Sulla base di questo dubbio, è stato lanciato un sondaggio online tra gli ascoltatori di musica classica. Al sondaggio hanno partecipato 1.200 persone provenienti da 62 Paesi. È interessante notare che, contrariamente all'aspettativa stereotipata alimentata dai dubbi dei critici, circa due terzi dei partecipanti hanno dichiarato di leggere o ascoltare le recensioni musicali delle registrazioni. L'80% dei partecipanti si aspetta che le critiche musicali siano costruttive, rispettose e obiettive. In linea con i critici, anche gli ascoltatori di musica si aspettano un giudizio di valore differenziato e fondato che possa servire da guida per il loro ascolto. Tuttavia, il profilo dell'autore (professionista o dilettante) è considerato di secondaria importanza: i consumatori si concentrano soprattutto sulla qualità del testo e non sul fatto che gli autori abbiano o meno una formazione professionale.

Tuttavia, questa valutazione del sondaggio non è stata confermata da un esperimento online. Gli intervistati di due gruppi sono stati messi di fronte alla stessa recensione musicale professionale anonima: Al gruppo 1 è stato detto che il testo era stato scritto da un autore professionista, mentre al gruppo 2 è stato detto che il testo era stato scritto da un dilettante con conoscenze musicali. È interessante notare che il gruppo 1 ha giudicato il testo leggermente più utile e affidabile. Tuttavia, sapere se il testo è stato scritto da un esperto o da un dilettante non ha influenzato il comportamento d'acquisto o la volontà dei soggetti del test di acquistare la registrazione audio recensita, poiché ciò dipendeva solo dal giudizio positivo della recensione.

Riassumendo: Gli studi condotti negli ultimi 10 anni presso il CC Music Performance Research dell'HSLU M dimostrano che la critica musicale fornisce importanti indicazioni su come la musica viene percepita, descritta e valutata al di là dello scopo della critica. Questa forma di scrittura è estremamente complessa e ricca di sfumature ed è fortemente caratterizzata da dispositivi retorici. La funzione e il significato della critica musicale professionale sono sempre più spesso considerati problematici dalle arti dello spettacolo. Tuttavia, i risultati mostrano che la critica musicale svolge un ruolo importante di mediazione tra le parti interessate e di orientamento e guida all'ascolto della musica.

In un mercato musicale competitivo, che sempre più spesso giudica la musica con valori puramente quantitativi ed è guidato da decisioni rapide (classifiche, quote di vendita, like, stelle, voti, ecc.), i critici musicali ci invitano a confrontarci con le caratteristiche qualitative della musica e della sua realizzazione. Ed è proprio per questo che i critici musicali hanno un ruolo responsabile da svolgere anche nel mercato della musica digitale. I loro giudizi di valore sono ancora richiesti e benvenuti, perché ci ricordano che ascoltare ed esaminare criticamente la musica non è solo un viaggio divertente, ma anche un'avventura arricchente.

Dott.ssa Elena Alessandri

... è responsabile del Centro di competenza Music Performance Research presso la Scuola di musica di Lucerna.

Prof Dr Antonio Baldassarre .

... è vicedirettore e responsabile del settore Ricerca e Sviluppo della Scuola di Musica di Lucerna.

> www.hslu.ch/reviewimpact