Scrivere di musica in un'accademia musicaleAscoltare e leggere la musica

Manuel Bärtsch - Come scrisse Carl Philipp Emanuel Bach nel 1759: "Per quanti vantaggi possieda l'accademia musicale, essa è soggetta a tante difficoltà allo stesso tempo" (Carl Philipp Emanuel Bach: Un tentativo di insegnamento vero e proprio in un'accademia di musica. Zweyte Auflage, Erster Theil, Berlin 1759 (Prefazione, I. O non ci credete?).

I meriti sarebbero facilmente dimostrabili dal fatto che ambienti complessi producono testi accattivanti, e la Difficoltà nascono dalle aree di tensione che prevalgono in un'accademia musicale. Desidero illustrarle qui, dal mio punto di vista di musicista, mentore e docente di ricerca presso la HKB di Berna.

Come ovunque, gli aspetti problematici sono facili da individuare. Scrivere delle proprie attività musicali-performative non è necessariamente la prima priorità per gli studenti di musica, almeno all'inizio; gli sforzi per familiarizzare con le regole argomentative di base e gli obblighi di contenuto sono a volte intensi. Non va nemmeno sottovalutata la necessità di limitare i prestiti troppo creativi da altri testi, come si può vedere nell'incipit di questo testo; in ogni caso, i diversi contesti culturali, linguistici e sociali richiedono un costante sforzo di trasferimento intellettuale da parte di tutti i partecipanti. D'altra parte, questo punto di partenza allarga anche l'orizzonte: una discussione sul linguaggio appropriato al genere, come ho sperimentato di recente con studenti russi e cinesi, mi sembra molto più interessante di un commento sulle regole del tedesco, a causa dei prerequisiti linguistici radicalmente diversi delle loro lingue native. E a volte anche la nostra lingua trae vantaggio da questa internazionalità: non dimenticherò mai, ad esempio, come una studentessa giapponese abbia descritto un testo scientifico come "pieno di parole lunghe". Aveva ragione, ho adottato questo neologismo e da allora cerco di evitare le raccolte di parole lunghe.

Un'ulteriore area di tensione si apre tra i diversi tipi di testi che un conservatorio produce. Un genere importante è quello che non serve principalmente per acquisire conoscenze, ma per eseguire musica. In questo caso mi sembra importante incoraggiare gli studenti a utilizzare la scrittura di questa letteratura abilitante per riflettere sulle proprie azioni; scrivendo dei propri programmi, spesso scoprono quali posizioni estetiche rappresentano in realtà e cosa significano per loro questi brani conosciuti da tempo.

Questo mondo di scrittura, prevalentemente creativo e spontaneo, si contrappone ai formati accademici. Tra questi vi è la scrittura di teoria musicale, un compito centrale delle università musicali di lingua tedesca e un tipo di testo particolarmente impegnativo: è un'arte nel vero senso della parola scrivere analisi armoniche, contrappuntistiche o formali che catturino il lettore al di là di complicazioni ermetiche o semplificazioni inammissibili. Anche le pubblicazioni nei campi della ricerca interpretativa, della composizione e dell'organologia sono molto importanti alla HKB, con ex allievi, dottorandi e docenti che lavorano a stretto contatto. Anche a questo livello c'è un campo di tensione, poiché la maggior parte degli autori è anche sul palcoscenico; le loro domande, i loro metodi e le loro soluzioni sono spesso intensamente influenzati dall'accesso diretto all'aspetto performativo dell'oggetto; rimane una sfida metodologica e stilistica straordinariamente eccitante quella di far scoccare scintille intellettuali da questa doppia competenza.

Nel complesso, questo garantisce un panorama di scrittura variopinto e stimolante; la sfida è fare in modo che tutti traggano vantaggio da questa situazione, gli studenti dai ricercatori, i docenti dagli studenti, in modo trasversale e trasversale. Il Master specialistico in Music Performance con ricerca approfondita occupa un posto speciale a Berna. Qui gli esecutori di alto livello artistico portano avanti i loro progetti di ricerca; i docenti di materie fondamentali e di ricerca li aiutano a tradurre in suoni e parole i loro progetti pratici di esecuzione, organologici o di critica delle fonti; spesso imparano tanto quanto gli studenti in questo processo.

Le accademie musicali sono quindi un buon habitat per scrittori interessanti. Vale la pena sopportare le tensioni specifiche che vi si presentano, perché scrivere di musica le arricchisce di dimensioni importanti. Se ne trae vantaggio nella lettura, nella partecipazione ai concerti, nella ricerca, e si aprono nuovi campi professionali per gli studenti, come autori di programmi di concerti, come collaboratori radiofonici, come direttori artistici di ensemble, o come artisti sia ricercatori che esecutori, - "insomma: come musici*ae complete; non si è scoraggiati dalla difficoltà di scrivere di musica, poiché essa sostituisce completamente lo sforzo e il tempo speso per essa grazie ai suoi eccellenti benefici" (C. F. Bach ibidem.F. Bach ibidem, almeno quasi). Una volta terminato il lavoro, l'entusiasmo è solitamente grande tra tutte le persone coinvolte.

Manuel Bärtsch

... è pianista, professore e ricercatore presso la Bern University of the Arts.

Anja Wernicke - L'esperienza musicale non può essere espressa completamente a parole, eppure il linguaggio caratterizza il modo in cui percepiamo la musica. Una conferenza di Johannes Kreidler offre spunti di riflessione. Un nuovo corso di formazione presso l'Accademia di Musica della FHNW si occupa della verbalizzazione della musica come parte della pratica curatoriale.

Iniziamo con un piccolo esperimento: accendiamo un po' di musica e prestiamo attenzione al primo termine, alla prima parola che ci viene in mente. Ah. Forse avete pensato mentalmente al nome dello strumento che state ascoltando o al genere o alla struttura. Non possiamo mai spegnere completamente le nostre conoscenze sulla musica quando la ascoltiamo. Quando ascoltiamo la musica, associamo sempre ciò che sentiamo a dei concetti. Questa è la tesi del compositore Johannes Kreidler. In una conferenza tenuta il 10 marzo di quest'anno all'Accademia di Musica della FHNW di Basilea, il neo-professore di composizione ha sostenuto un approccio radicale all'interpretazione linguistica della musica con il titolo di "ascolto concettuale". "Quando si ascolta la musica, si potrebbe parlare di lettura del suono", ha detto Kreidler. Per giustificare questa affermazione ha fatto riferimento a numerose affermazioni filosofiche, come quelle di Martin Heidegger: "Stiamo sempre parlando; anche quando non pronunciamo una parola, ma ascoltiamo soltanto...".

Il paradigma della musica assoluta, rappresentato tra gli altri dal musicologo Carl Dahlhaus, si oppone in particolare a tale visione. Nell'era del postmodernismo, tuttavia, Kreidler non ritiene più valida tale visione. Egli sostiene che noi "sentiamo" o piuttosto leggiamo sempre il significato di un brano musicale, che fondamentalmente tutto si basa su citazioni e riferimenti. Anche la Nona Sinfonia di Beethoven è sempre il nono con tutta la sua storia e l'aura che gli viene attribuita. Nel libro di John Cage 4'33 non solo si percepisce il silenzio, ma lo si dimostra. Viene incoraggiata la riflessione su cosa sia effettivamente il silenzio.

Ma l'intera esperienza musicale non può certo essere riassunta a parole. Il compositore Peter Ablinger si concentra sulla sensualità al di là della semantica. In una conferenza tenuta alla conferenza di primavera dell'Istituto per la nuova musica e l'educazione musicale di Darmstadt nel 2018, pubblicata nel numero di maggio della rivista Posizioni nel 2019, afferma: "(s)realtà interiore e conoscenza si escludono a vicenda". Per lui, le arti visive, sempre più basate sul concetto, soffrono in particolare del fatto che le giustificazioni e le attribuzioni di significato sono sempre al centro delle opere e l'esperienza sensuale in alcuni casi non si verifica più. "In linea di principio, tutto ciò che accade è 'detto' piuttosto che 'mostrato'", sostiene Ablinger, creando un'"arte della buona ragione". Come Johannes Kreidler, anche Peter Ablinger vuole sfruttare questo problema in modo produttivo. Per Ablinger, l'esclusione reciproca di arte e conoscenza è un interessante punto di rottura. Per lui, l'arte diventa davvero eccitante solo al di là del significato. Si potrebbe quindi dire che l'arte inizia solo al di là del linguaggio? È certamente un'affermazione troppo miope. Dopo tutto, lo stesso Peter Ablinger ha creato molte partiture testuali e non è certo contrario all'uso del linguaggio in relazione all'arte. Piuttosto, sia Kreidler che Ablinger sono interessati a un approccio creativo al linguaggio in relazione alla musica.

Johannes Kreidler si appella a coloro che scrivono di musica affinché lo facciano nel modo più creativo e forse anche artistico possibile. I critici musicali non dovrebbero tanto esprimere giudizi quanto interpretare creativamente ciò che ascoltano. Ma l'esperienza dell'ascolto non è caratterizzata solo da ciò che leggiamo in seguito sulla musica. Ne fa parte anche ciò che riceviamo prima attraverso i testi dei programmi, le conferenze introduttive, la pubblicità, ecc. Johannes Kreidler ha coniato il termine "ascolto preparato" e ha illuminato artisticamente il meccanismo di pre-influenza in opere come "Fremdarbeit".

La storia da raccontare e l'inquadramento degli eventi musicali fanno parte del lavoro curatoriale che viene affrontato nell'ambito di un nuovo programma di formazione presso l'Accademia di Musica della FHNW con un focus dedicato alla musica contemporanea. Il programma CAS dal titolo Curatela della musica contemporanea inizia a gennaio 2021 e si basa sul precedente corso di giornalismo musicale, che si è tenuto più volte tra il 2011 e il 2016, anche grazie al suo legame con il dipartimento di ricerca dell'università in termini di contenuti e personale. Oltre ai contenuti e al lavoro pratico applicato in collaborazione con il festival ZeitRäume Basel - Biennale für neue Musik und Architektur, ai partecipanti al nuovo corso sarà offerta anche una rete professionale. Oltre a Johannes Kreidler, i docenti includono rinomati curatori di musica contemporanea come Björn Gottstein, Christine Fischer e Daniel Ott. La scrittura creativa sui contenuti musicali, sia che si tratti di renderli concettualmente comprensibili sia che si tratti di affrontarne l'incomprensibilità e la fugacità nel linguaggio, avrà in ogni caso un ruolo centrale.

Anja Wernicke

... è assistente di ricerca presso la Scuola di musica della FHNW / Dipartimento di ricerca e sviluppo.

Link all'argomento

> www.hkb.bfh.ch/de/studium/master/specialized-music-performance-klassik/

> www.sonicspacebasel.ch

Qui potete trovare ulteriori informazioni sul programma di formazione continua dell'Accademia di Musica della FHNW e sulla conferenza online di Johannes Kreidler.

> www.hslu.ch/reviewimpact

Tra il 2016 e il 2019, la Scuola di Musica di Lucerna ha lanciato il progetto di ricerca Tra produttori e consumatori: il ruolo dei critici musicali nel mercato della musica classica realizzato. Fa parte di una serie di ricerche più ampie sul ruolo della critica musicale nel mercato della musica classica.