Peter Schönenberger - "Dio mette la diagnosi prima del trattamento". Molti studenti di medicina sentono questa frase dai loro formatori quando vogliono trovare un trattamento per un sintomo. Anche il nostro centro di consulenza si trova talvolta a dover rispondere a richieste che chiedono direttamente una tecnica di trattamento specifica, senza che ci sia stato un chiarimento preliminare. Ad esempio, "Ho dei dolori, mi può consigliare un chirurgo della mano". Questo non è facilitato dal fatto che molte diagnosi sono imprecise o inesatte. Tra questi, termini come reumatismi, ustioni e tendiniti.

Fondamentalmente, anche le visite mediche per i musicisti seguono gli stessi principi di tutte le visite mediche convenzionali. Vengono raccolte informazioni preliminari. Se non si conoscono altre malattie, si indagano in modo specifico i disturbi che riguardano il mondo della musica. Le informazioni sull'ambiente sono importanti sia per la ricerca delle cause sia per la pianificazione delle terapie. Da un lato, l'esame fisico raccoglie i risultati generali e, nel caso di disturbi muscolo-scheletrici comuni, valuta la postura e la funzione sullo strumento. Il chiarimento può avvenire nello studio medico di un musicista o in un centro di contatto universitario appropriato e può essere integrato da una valutazione interdisciplinare.

L'esempio di un giovane suonatore di corno contralto ha lo scopo di illustrare quanto detto. Per motivi didattici, la descrizione del problema non corrisponde esattamente all'anamnesi reale. La musicista frequenta una scuola secondaria e suona il corno contralto dall'età di otto anni, attualmente in due formazioni. A seguito di una frattura dell'osso carpale della mano sinistra all'età di quindici anni, permane un dolore al polso sinistro. A questo si è poi aggiunto il dolore al polso destro. È destrimane e a scuola deve scrivere spesso a mano. Non si è mai sottoposta a fisioterapia o terapia occupazionale, né dopo l'immobilizzazione con un gesso tre anni fa, né in seguito. Il dolore al polso diventa forte dopo un'ora di musica e la costringe a cambiare la posizione di appoggio della mano sinistra (foto). Si manifesta anche a destra quando scrive. La giovane donna è esonerata da tutte le attività sportive scolastiche con la mano.

Il musicista partecipa a un consulto con il Gruppo specialistico di Berna per la salute dei musicisti. A causa dell'evidenza di un'artrite del polso sulla risonanza magnetica, viene richiesta una valutazione reumatologica. Fortunatamente si può escludere una malattia reumatologica infiammatoria. Tuttavia, è evidente una generale ipermobilità delle articolazioni, responsabile dell'irritazione dei polsi. A causa del mancato sviluppo muscolare dopo l'incidente, delle articolazioni allentate e dell'impugnatura a mano libera di uno strumento di quasi due chilogrammi, i muscoli dalla mano alle scapole sono diventati tesi e hanno provocato un dolore che si irradia alle mani (trigger point pain).

In diverse sessioni di terapia occupazionale e fisioterapia, che si svolgono nella regione del musicista, i muscoli dell'avambraccio che causano il dolore possono essere rilassati e rafforzati. Oltre alla stabilizzazione dinamica delle articolazioni lasse mediante l'uso di nastri, la giovane musicista riceve anche istruzioni su come fare delle pause durante la pratica individuale. Con il tempo, sarà in grado di suonare con meno dolore e più a lungo. L'esonero parziale dagli sport scolastici può essere presto attenuato.

Dott. Peter Schönenberger

... è specialista FMH in medicina interna generale e del lavoro e vicepresidente del SMM.

Martina Berchtold-Neumann - Purtroppo il dolore è un argomento molto comune nei consulti medici dei musicisti ed è uno dei sintomi principali della maggior parte delle malattie specifiche dei musicisti. È necessario distinguere tra dolore acuto e cronico. La IASP (International Association for the Study of Pain) descrive le seguenti differenze: il dolore acuto ha una funzione di avvertimento e di protezione. Di solito è legato a fattori scatenanti riconoscibili, è solitamente localizzato e descrivibile, ed è accompagnato da attivazione autonomica ed endocrina e da reazioni di stress. Il dolore cronico è definito come un dolore che dura da tre a sei mesi o più. Può verificarsi sia in relazione a una malattia persistente sia indipendentemente da cambiamenti strutturali, come malattia indipendente.

Il dolore cronico caratterizza sempre più il modo in cui viviamo la nostra vita. È caratterizzato da complesse interazioni biologiche, psicologiche e sociali. Il dolore acuto di solito innesca modelli di comportamento adeguati. Andare dal medico può garantire che qualcuno si prenda cura di questa sofferenza. Il dolore cronico, invece, perde il suo effetto protettivo positivo. La convivenza con il dolore diventa la normalità, con il rischio di un atteggiamento rassegnato nei confronti della vita. Il trattamento del dolore cronico richiede pazienza e perseveranza, nonché un approccio multimodale e interdisciplinare.

Il dolore ha due aspetti: da un lato è una percezione sensoriale, dall'altro un effetto. Non si può parlare di dolore senza parlare anche dell'avversità in esso contenuta: evoca la motivazione a liberarsene il più rapidamente possibile. Inoltre, il dolore è tiranno. Di solito, senza preavviso, irrompe nella nostra vita e vi si insedia. Da quel momento in poi, occupa la nostra esistenza. Ci fa prigionieri.

Gli studi epidemiologici rivelano un quadro abbastanza coerente: il 40-60% dei membri dell'orchestra e degli insegnanti di strumento delle scuole di musica soffre di mal di schiena che interferisce con la pratica musicale. Ma anche gli studenti soffrono di disturbi fisici. Si può ipotizzare che almeno il 45% di loro si rechi in un consultorio per problemi di salute specifici della musica.

La terapia del dolore

Le disfunzioni fisiche e psicologiche interagiscono nello sviluppo e nella cronicizzazione del dolore. Il dolore rende visibili i limiti della performance. Se in precedenza il proprio corpo è stato strumentalizzato per fare musica - spesso contro evidenti segnali fisici di allarme - ora è lui stesso al centro della scena e reclama "il suo diritto". I musicisti devono quindi impegnarsi nell'auto-riflessione e mettere in discussione criticamente la loro pratica, il loro comportamento, le loro abitudini e i loro obblighi. Tra questi vi sono domande sul concetto di sé, sull'orientamento alle prestazioni e sull'atteggiamento nei confronti della professione musicale. Mentre l'astinenza temporanea o la riduzione dell'attività strumentale possono avere successo in caso di dolore acuto, il dolore cronico richiede un ripensamento molto più radicale dell'intero concetto di vita. Questo obiettivo può essere raggiunto solo con il supporto di specialisti nel campo della medicina, della psicologia, della fisioterapia e di altre discipline terapeutiche.

La Società Svizzera di Medicina Musicale (SMM) dispone di un pool di specialisti in tutta la Svizzera che possono essere consultati a seconda del problema individuale. Anche il simposio di quest'anno "Warning Signal Pain", che si terrà a Lucerna, fornirà una panoramica sull'argomento. In questa sede verranno presentati e discussi i punti di vista e le esperienze più importanti, compresi quelli dei nostri consulenti musicisti.

Martina Berchtold-Neumann

... è uno psicologo qualificato FSP e presidente SMM

Quest'anno il simposio del SMM sarà dedicato a "la douleur comme signal d'alarme". Si terrà il 27 ottobre a Lucerna.

> www.musik-medizin.ch

Karoline Renner, Sieglinde Fritzsche, Susanne Schlegel* - - I programmi di formazione in fisiologia musicale nei conservatori tedeschi sono migliorati in modo significativo, sia in termini di qualità che di quantità. Di conseguenza, anche le orchestre sono diventate più consapevoli della necessità di assumersi la responsabilità della propria salute. Alla Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz, ad esempio, dal 2016 è stato sviluppato un ciclo di programmi di promozione della salute nell'arco di due stagioni. Queste "giornate della salute" sono suddivise in conferenze, workshop e ore di consultazione. L'arco concettuale del ciclo di eventi spazia dalle sollecitazioni fisiche "tangibili" ai contenuti psicologici "sottili". Le giornate della salute non offrono soluzioni univoche, ma possono solo fornire impulsi e rendere tangibili possibili percorsi che il singolo musicista può utilizzare individualmente e sotto la propria responsabilità.

Gli orchestrali sono soggetti a rigide gerarchie durante il loro lavoro. Una chiara regolamentazione delle forme di comunicazione si rivela molto utile durante il lavoro artistico. Tuttavia, è superfluo o addirittura dannoso portare il pensiero gerarchico e la mancanza di parole appresa nel resto della giornata lavorativa. La frustrazione e il senso di impotenza si accumulano, le opportunità reali di esercitare influenza vengono trascurate e i malintesi rimangono irrisolti.

A Costanza si sta cercando di cambiare questi modelli di comunicazione. Ad esempio, esiste un modello di feedback attivo da parte dei musicisti durante i regolari corsi di direzione d'orchestra per giovani direttori. L'obiettivo è quello di pubblicizzare questi progetti in altre orchestre e di organizzare, se possibile, giornate della salute una volta all'anno.

Altre orchestre hanno avviato collaborazioni con strutture mediche o istituti medico-musicali e sono supportate da questi ultimi come parte di un complesso programma di gestione della salute. Non tutte le orchestre danno la stessa priorità a questo aspetto. Le diverse risorse finanziarie e di tempo giocano un ruolo importante.

Undici anni fa, l'Associazione tedesca delle orchestre (DOV), l'associazione professionale delle orchestre e dei cori radiofonici, ha costituito il Gruppo di lavoro Salute e Profilassi (WG). I suoi componenti sono membri attivi di varie orchestre e cori radiofonici professionali. Con il personale e il supporto logistico dell'ufficio del DOV, si occupano dell'ampio e complesso settore della salute dei musicisti. Promuovono gli sviluppi e rendono accessibili le conoscenze mediche dei musicisti e le nuove opzioni di prevenzione.

Il lavoro diretto del gruppo di lavoro nelle orchestre è attualmente evidente nel "progetto di isolamento acustico Willibert Steffens". Il DOV fornisce pareti fonoassorbenti appositamente sviluppate per uso orchestrale da prestare alle orchestre. Il progetto è abbinato alla consulenza personale di uno o due membri del gruppo di lavoro, al fine di trasmettere le conoscenze necessarie e l'esperienza esistente e di conoscere l'ambiente di lavoro delle rispettive orchestre. La visione a lungo termine è quella di una rete di responsabili della salute nelle singole orchestre che lavorino a stretto contatto con il gruppo di lavoro per promuovere la salute dei loro colleghi.

*Karoline Renner e Susanne Schlegel sono membri della Südwestdeutsche Philharmonie, Sieglinde Fritzsche è membro della Mecklenburgische Staatskapelle Schwerin.

Horst Hildebrandt, Oliver Margulies, Marta Nemcova - Se si esaminano le fonti sulla tradizione secolare della pedagogia violinistica e i contributi musicologici degli ultimi decenni, si scopre quanto segue: Spesso esistono solo raccomandazioni imprecise o contraddittorie sulla posizione individuale dello strumento o sugli ausili ergonomici (ad esempio mentoniere, cuscini e poggia spalle).

Le raccomandazioni esistenti potevano essere caratterizzate, tra l'altro, dai requisiti anatomici individuali dei fondatori delle scuole che le avevano formulate. Solo negli anni '70 è stata condotta una ricerca sistematica sull'enorme gamma di caratteristiche anatomiche individuali che vengono vissute come facilitanti o limitanti sugli strumenti musicali. Il manuale, che è stato fondamentale per questa ricerca, è stato consegnato all'Università delle Arti di Zurigo dal suo fondatore Christoph Wagner nel 2009 e ulteriormente ampliato dal team di autori di questo articolo (www.zzm.ch).

Alla luce del preoccupante numero di reclami tra i suonatori di corde alte e della crescente richiesta di un supporto fisiologico musicale per l'insegnamento quotidiano, un progetto di ricerca recentemente completato presso l'Università delle Arti di Zurigo e finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica, dalla Fondazione Ernst Göhner e dal Centro Universitario Svizzero per la Fisiologia Musicale (www.shzm.ch) sta fornendo i primi risultati scientificamente validi sulle posizioni individuali adatte per il violino.

Altri partner di cooperazione sono stati Barbara Köhler (Università di Scienze Applicate di Zurigo) e Matthias Nübling (Gesellschaft für Empirische Beratung).

Lo studio trasversale Criteri oggettivi per la selezione individuale di una posizione fisiologicamente vantaggiosa per il violino ha studiato per diversi anni il rapporto tra la posizione dello strumento, la tensione muscolare e la sensazione di sforzo nel braccio sinistro. Sono stati inoltre raccolti dati sulle caratteristiche individuali, biomeccaniche e muscolari della mano e del braccio.

Uno studio preliminare condotto presso la Musikschule Konservatorium Zürich con 24 studenti di diversi livelli di gioco e di età ha gettato le basi per la successiva raccolta di dati in condizioni di laboratorio da 15 violinisti che suonavano una determinata sequenza di toni in quattro posizioni standardizzate del violino. Inoltre, sono stati raccolti dati comparativi quando si suonava con la posizione abituale e l'assetto ergonomico. Le posizioni standardizzate del violino sono state testate senza mentoniera e senza poggiaspalle, per consentire un'analisi oggettiva e comparativa e per poter incorporare le tradizioni esecutive storiche.

Le prime analisi delle varie fasi del progetto di ricerca mostrano che è possibile misurare chiare differenze tra le varie posizioni dello strumento in termini di attività muscolare oggettiva e di sensazione soggettiva di sforzo tra i generi.

Sulla base dei risultati dello studio, è stata sviluppata anche una procedura di prova indipendente dal laboratorio per l'insegnamento quotidiano a tutti i livelli di formazione. Questa procedura è già stata presentata in occasione di un workshop per l'Associazione europea degli insegnanti di archi ESTA. I risultati e le procedure di test presentate consentono di formulare raccomandazioni fisiologicamente valide in merito all'ottimizzazione ergonomica per suonare strumenti ad arco alto nella vita professionale quotidiana. Inoltre, facilitano la prevenzione e il trattamento di problemi di salute specifici dell'attività.

Ispirandosi ai risultati ottenuti, è stato sviluppato un modello di mentoniera in collaborazione con l'azienda Wittner con il nome di Zurigo Il nuovo poggiatesta è stato sviluppato con varie impostazioni di altezza e angolazione per consentire l'adattamento alle esigenze individuali e alle diverse posizioni della testa, anche durante il gioco, per prevenire l'affaticamento. (www.wittner-gmbh.de/neuheiten.html)

SMM - Negli ultimi decenni, i musicisti si sono resi conto che i concetti di auto-aiuto sono di grande importanza sia in ambito professionale che amatoriale. Come spiegherà Horst Hildebrandt, responsabile della Fisiologia musicale dell'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK), questo vale sia per i comuni disturbi muscolo-fasciali sia per le situazioni di stress psicosomatico. Secondo Hildebrandt, l'attivazione delle risorse psicofisiche individuali svolge un ruolo sempre più importante nella promozione della salute e nell'affrontare in modo costruttivo lo stress specifico del lavoro.

Markus Weber, responsabile del Centro muscolare e della Clinica SLA dell'Ospedale cantonale di San Gallo, parlerà dei processi neuronali altamente complessi coinvolti nel fare musica e dei loro fattori di disturbo. Questi includono disturbi della concentrazione, dell'attenzione e della memoria, nonché aspetti cronobiologici (orari di lavoro), influenze farmacologiche (farmaci) e stress psicosociale.

Maja Storch, direttrice dell'Istituto per l'Autogestione e la Motivazione di Zurigo (ISMZ), mostrerà come una forma innovativa di formulazione degli obiettivi aiuti le persone ad agire sempre più spesso nel modo in cui vorrebbero: i cosiddetti obiettivi motto sono un elemento dello Zurich Resource Model (ZRM), un programma di formazione all'autogestione che coinvolge sistematicamente l'inconscio. Riesce a rivolgersi direttamente all'inconscio e ad alimentare l'intenzione di agire.

In una quarta conferenza, il mental coach Reinhold Bartl - direttore del Milton Erickson Institute di Innsbruck - presenterà i concetti ipno-sistemici, strumenti di formazione per "sviluppare la propria coerenza in contesti professionali impegnativi".

Due workshop completano il programma: Reinhold Bartl mostrerà come i musicisti possono affrontare le irritazioni (discordie) nel loro sviluppo professionale in modo significativo, sia in situazioni individuali che in vista di "crisi di forma" nella vita quotidiana, quando si esercitano, provano e si esibiscono. Infine, la dottoressa berlinese Giovanna Eilers fornirà approfondimenti sull'applicazione pratica del metodo di autogestione CRM, a completamento della presentazione di Maja Storch. Chiunque lo desideri potrà sperimentarlo in prima persona durante il workshop per il proprio argomento.

Il simposio di un giorno, che si svolgerà dalle 10.00 alle 17.00, sarà presieduto e moderato dalla Presidente di SMM Martina Berchtold-Neumann.

Ulteriori informazioni e il modulo di registrazione sono disponibili sul sito web:

> www.musik-medizin.ch/aktuelles-symposium

Andreas Burzik -Esercitarsi nel flusso è un metodo che mira a condurre i musicisti in uno stato di profonda fusione con ciò che stanno facendo quando si esercitano con uno strumento. Permette di sperimentare che il controllo cosciente e deliberato del processo di pratica può essere abbandonato a favore di un processo che si svolge dall'interno ed è guidato dalla percezione sensoriale. La base del Esercitarsi nel flusso è una percezione altamente raffinata nei canali sensoriali chiave, il tatto, l'udito e il senso cinestetico del movimento.

Il senso del tatto, ad esempio, riguarda i punti in cui l'esecutore ha un contatto diretto con il proprio strumento. Un trasferimento ottimale ed efficace della potenza allo strumento si esprime nella sensazione di una connessione "ricca" con il corpo del suono. L'ascolto riguarda lo sviluppo di un senso sottile del suono. In sostanza, la qualità del suono prodotto durante la pratica deve piacere all'esecutore. Sembra una banalità. Tuttavia, se si osservano i musicisti mentre si esercitano, ci si rende conto che la loro attenzione è spesso catturata da altri aspetti e che la bellezza del suono non gioca costantemente un ruolo importante. (Per gli strumenti intonati, si tratta poi di sensibilizzarsi a un'intonazione organizzata dai sovratoni, che porta a una fusione di suoni e a un "passaggio" del suono da nota a nota estremamente soddisfacente).

Nel caso di strumenti intonati, è importante la sensibilizzazione a un'intonazione organizzata dagli overtones. Questo porta a una fusione di suoni e a un "passaggio" estremamente soddisfacente del suono da tono a tono.

La sensazione cinestetica del movimento riguarda la qualità del non sforzo. Non si tratta di un rilassamento completo o di una flaccidità, ma di una sensazione fisica di non sforzo, di un'azione leggera e fluida, di una sensazione di vibrazione. Sorprendentemente, molti metodi strumentali mancano di un coinvolgimento coerente e sottile di tutto il corpo nella propria esecuzione. Molti musicisti suonano il loro strumento usando solo le braccia, una forma di movimento che non si verifica mai nella vita quotidiana. Questo porta a tensioni muscolari ed è probabilmente la causa di numerose malattie musicali. Inutile dire che un corpo "paralizzato" costa anche in termini di suono. I musicisti che risuonano producono molti più overtones e un suono meraviglioso, "corposo" e sostenibile.

Una volta stabilite queste "sensazioni guida" nei canali sensoriali decisivi all'inizio di una sequenza di pratica, lo studente può iniziare a lavorare sulla letteratura corrente. I primi passi nell'approccio a un brano consistono quindi nell'invitare i suoni di questo brano nella propria "zona di comfort", per così dire; consistono in un'esplorazione e coltivazione giocosa e coerentemente organizzata musicalmente dei suoni del brano e delle sensazioni provate, ancora senza considerare i valori delle note, i legami, il fraseggio, i tempi, le dinamiche o le interpretazioni.

Man mano che cresce la fiducia nell'ascolto e nel sentire il brano, si percepisce chiaramente la volontà di avvicinarsi alla versione da concerto desiderata, di provare i legami, i tempi, le dinamiche e le diverse versioni interpretative. La zona di comfort personale inizia a espandersi, a pulsare. Il risultato è un fluire avanti e indietro tra escursioni rischiose e un ritiro e una "ricreazione" giocosa di processi in cui sono stati percepiti disturbi nel contatto con lo strumento o il suono. In questo modo, la zona di comfort si espande in modo pulsante fino a comprendere, nel migliore dei casi, la versione da concerto desiderata.

Esercitarsi nel flusso non ha la sensazione di "esercitarsi". Si tratta piuttosto di un'esecuzione altamente concentrata e impegnata del pezzo, che si basa su un ciclo di feedback estremamente breve tra la percezione sensoriale e l'azione creativa e non richiede alcuna interferenza mentale. Abbandonarsi con fiducia e pazienza a questo processo, che è controllato dall'interno, è una delle sfide mentali dell'attività. Esercitarsi nel flusso.

Andreas Burzik

... è uno psicologo qualificato e violinista di formazione. Oltre alle sue attività internazionali di insegnamento e seminario, lavora come psicoterapeuta e coach nel suo studio. 2007-2016 Mental coach dell'Orchestra Academy dell'Orchestra Sinfonica della Radio Bavarese, Monaco di Baviera.

Maggiori informazioni su

> www.flowskills.com

Felicitas Sigrist - Pressione da esibizione, paura del palcoscenico, competizione, insicurezza del lavoro: la vita quotidiana di un musicista è caratterizzata da un accumulo di condizioni di lavoro che sono noti fattori di rischio per il burnout. Per quanto riguarda tali fattori, l'orario di lavoro è meno importante delle aspettative insoddisfatte, della mancanza di riconoscimento e dei disaccordi interpersonali. L'accumulo di stress professionale e privato spesso scatena uno scompenso.

Il burnout si manifesta come esaurimento con sintomi non specifici a livello emotivo, mentale, fisico e sociale, come ad esempio svogliatezza, difficoltà di concentrazione, suscettibilità alle infezioni, ritiro sociale o irritabilità. Questa condizione spesso porta a malattie secondarie di tipo psicologico o fisico, di solito la depressione. Questo è preceduto da un processo di interazione tra fattori lavorativi e personali. Le richieste esterne vengono accettate con l'auto-richiesta "posso farcela", spesso senza riflettere. I conflitti interpersonali vengono evitati.

Una volta superata con successo una sfida, vi viene affidato il compito successivo, forse più grande. Se si riducono le attività rilassanti, questo ciclo porta inevitabilmente a richieste eccessive. Questo non viene riconosciuto come un'autoprotezione contro l'insulto - si evitano i conflitti interiori. Al contrario, la riduzione delle prestazioni viene accolta con un aumento dell'impegno: in altre parole, si fa di più. Mentre i livelli di energia diminuiscono, aumenta la percezione soggettiva del compito. Poiché con l'aumento dello stress le nuove strategie diventano sempre meno probabili, è difficile arrestare questa spirale di burnout.

Sono particolarmente a rischio le persone sicure di sé, emotivamente instabili, che vivono il mondo esterno come difficile da influenzare e reagiscono in modo inflessibile all'aumento dello stress. Poiché questi fattori di rischio personali sono spesso legati a precedenti esperienze relazionali, il burnout può essere spiegato come un disturbo di risonanza. Gli individui hanno poca influenza diretta sulle condizioni quadro. Per questo è ancora più importante affrontarle con fiducia.

La musica è efficace contro il burnout in molti modi. Gli aspetti della musica che favoriscono la salute sono scientificamente ben documentati. La musica è doppiamente importante per i musicisti: per la cura di sé e per l'educazione musicale. La musica ha un'influenza diretta sull'umore e sul sistema nervoso autonomo. Può essere utilizzata in modo specifico sia per il rilassamento che per l'attivazione, ma solo se si tiene conto della biografia musicale individuale. Ascoltando consapevolmente la musica, il livello di eccitazione può essere influenzato in modo specifico - per rilassarsi, favorire la concentrazione o attivarsi - e quindi servire a regolare le emozioni. Tuttavia, se la musica viene utilizzata in modo improprio, ad esempio come stimolante, può anche portare a una spirale di burnout. La musica come medicina è di solito usata terapeuticamente come metodo di rilassamento per creare isole di calma. Il rilassamento e l'atteggiamento mentale sono i presupposti per i processi di apprendimento neurologico, anche nei trattamenti psicoterapeutici.

Il fare musica in modo attivo è un buon modo per trovare un equilibrio, a patto che non sia orientato alla performance ma all'esperienza. Oltre ai molteplici effetti biologici del fare musica, gli aspetti sociali sono particolarmente importanti per prevenire il burnout. Suonare insieme permette di incontrarsi al di fuori dell'ambiente di lavoro, indipendentemente dal ruolo o dall'identità professionale. L'esperienza di autoefficacia e di appartenenza e il miglioramento delle competenze sociali rafforzano la personalità. L'educazione musicale, soprattutto nel settore amatoriale, è quindi giustificata non solo per il bene dell'arte, ma anche come efficace misura profilattica.

Infine, la musica viene utilizzata come mezzo nella musicoterapia, che si è dimostrata un metodo psicoterapeutico nel trattamento del burnout. Il punto chiave è affrontare in modo costruttivo i conflitti interpersonali e interiori, in termini musicali le dissonanze.

Dott.ssa Felicitas Sigrist

... è specialista in psichiatria e psicoterapia FMH, psicoterapeuta musicale MAS/SFMT, primario della clinica privata Hohenegg, Meilen presso Zurigo, specializzata in burnout e crisi da stress.

Riferimento alla letteratura

Sigrist F. (2016) Burnout e musicoterapia. Fondamenti, stato della ricerca e della prassi. Reichert-Verlag, Wiesbaden 2016.

SMM - Come si fa oggi a distinguere tra musicisti professionisti e dilettanti? Jürg Kesselring, neurologo di Valens, ha ricordato al pubblico dell'Aula Magna dell'Università delle Arti di Berna (HKB) che i confini sono fluidi. La competenza musicale e la possibilità di guadagnarsi da vivere vanno di pari passo nei modi più diversi. C'è il professionista preparato che fa musica solo a titolo accessorio, così come l'esecutore tecnicamente piuttosto modesto che tuttavia si guadagna da vivere interamente con la musica. In realtà, come è emerso dalla conferenza, la differenza più evidente sembra risiedere nell'atteggiamento verso la musica: "Solo con il dilettante", ha detto Kesselring citando Egon Friedell, "l'uomo e la professione coincidono".

La musica come attività del tempo libero sta diventando sempre più un luogo di desiderio. Andreas Cincera, responsabile degli studi presso la HKB Continuing Education in Music, ha inoltre sottolineato che la domanda di lezioni per adulti è in aumento. Gli ensemble semiprofessionali, che attualmente stanno vivendo un boom, soprattutto per quanto riguarda la musica folk e world music contemporanea, potrebbero essere importanti modelli di riferimento. Le scuole di musica non stanno ancora realizzando il loro pieno potenziale e stanno iniziando solo ora a riflettere su quali dovrebbero essere le forme ideali di insegnamento. Forse, secondo Cincera, la natura esperienziale e a bassa soglia dell'educazione musicale per gli adulti dovrebbe essere prioritaria rispetto alla formazione tecnica intensiva che è importante e utile per gli adolescenti.

Presso l'HKB, le conoscenze in materia vengono trasmesse ai futuri insegnanti sotto forma di CAS (Certificate of Advanced Studies): Gli studenti vengono istruiti da esperti rinomati e informati sulle opportunità e i limiti dell'apprendimento musicale per gli adulti fino a un'età molto avanzata.

È indubbiamente un privilegio dei dilettanti il fatto di potersi abbandonare, nello spirito di Friedell, al cosiddetto "flusso", uno stato di trance di completa unione con la musica, senza alcuna restrizione. La teoria alla base di questo fenomeno è stata presentata al simposio dal musicista e psicologo di Brema Andreas Burzik. Essa risale allo studioso americano della felicità Mihály Csíkszentmihályi. Burzik ha evidenziato gli aspetti della pratica del flusso: Il senso del tatto percepito consapevolmente crea un contatto con lo strumento, l'ascolto attento crea un contatto con il suono e il senso del movimento, o meglio la sensazione di assenza di sforzo, crea un contatto con il corpo; infine, l'approccio consapevole al materiale di pratica risveglia il desiderio di esplorare, investigare e scoprire. La "disinvoltura inconscia del bambino" rimane il modello da seguire.

Quando si tratta di tecnica e di sforzo fisico, i professionisti e i dilettanti ambiziosi devono affrontare le stesse sfide. I contributi al simposio su voce, postura e fisicità ne hanno tenuto conto. Salome Zwicky del SingStimmZentrum Zürich ha esplorato i limiti dello sforzo vocale in una presentazione; l'insegnante di respirazione, parola e voce Nicole Martin Rieder ha dedicato un workshop alla teoria e alla pratica della respirazione e in un altro workshop le fisioterapiste Marjan Steenbeek e Sibylle Meier Kronawitter hanno esaminato l'interazione delle parti del corpo quando si fa musica.

14° Simposio SMM, Il musicista dilettante - tra ambizione malata e sano piacere, 29 ottobre 2016, Università delle Arti di Berna, Aula Magna.

SMM - La Performing Arts Medicine Association (PAMA) è stata fondata nel 1988 da un gruppo di medici che in precedenza avevano lavorato in isolamento sui problemi di salute di musicisti e ballerini.

I primi contatti sono stati stabiliti già nel 1983 in occasione di un simposio sugli aspetti sanitari del fare musica ad Aspen (Colorado). La prima piattaforma di pubblicazione comune è stata creata nel 1986 con la rivista specializzata "Medical Problems of Performing Artists". Il simposio e la rivista sono stati influenzati in modo significativo da Alice Brandfonbrener, la presidente fondatrice di PAMA.

Circa un quinto dei membri di PAMA proviene da fuori degli Stati Uniti. Oltre ai medici, sono ora presenti altri specialisti del settore sanitario, nonché artisti, amministratori ed educatori.

Martina Berchtold-Neumann - Grazie al generoso sostegno della SIS (Fondazione svizzera degli artisti interpreti), l'autore ha potuto partecipare alla conferenza Pama a New York nel luglio di quest'anno. Pama è un'organizzazione che cura gli interessi dei musicisti e dei ballerini che si esibiscono. Si concentra sulla prevenzione e sul trattamento dei problemi di salute. Tutte le aree specialistiche di interesse medico, oltre alle scienze psicologiche e alla fisioterapia con le relative procedure, sono incluse nella ricerca e nell'insegnamento. I membri del Pama sono sparsi in tutto il mondo. Al congresso, durato quattro giorni, hanno partecipato circa 400 persone, provenienti soprattutto da Stati Uniti e Canada, ma anche da Australia ed Europa. Il congresso si è concentrato principalmente sulla medicina dei musicisti. La medicina della danza è stata integrata.

L'obiettivo che gli organizzatori si erano prefissati era che i partecipanti alla conferenza ottenessero una panoramica completa dello stato attuale della ricerca nella medicina del musicista e che fossero in grado di portare gli strumenti pratici dei workshop nella loro pratica quotidiana. Questo obiettivo è stato raggiunto. Le conferenze tra cui scegliere erano innumerevoli, di solito ogni 15 minuti, e si svolgevano in parallelo in tre aule. Le lezioni erano intese come input, in modo che gli argomenti potessero essere approfonditi in seguito. C'erano anche workshop paralleli di 45 minuti. Non è stato quindi facile scegliere ciò che era importante per voi tra i contributi sempre molto interessanti. Purtroppo si sono perse anche alcune sessioni interessanti.

La conclusione è che la medicina dei musicisti si trova più o meno allo stesso stadio di sviluppo in tutti i Paesi rappresentati. Sia i problemi che le soluzioni sono più o meno paragonabili. Anche le domande di ricerca e le impostazioni scientifiche sono strutturate in modo simile.

I contributi comprendevano studi sui disturbi muscoloscheletrici, studi fisiologici sulla manutenzione degli strumenti a corda e a fiato, sull'udito, sulle problematiche psicologiche dell'ansia e dello stress e sul trattamento fisioterapico adeguato. La maggior parte degli studi pertinenti era incentrata sul dolore provato dai musicisti. Anche questo sembra essere un argomento importante nella medicina dei musicisti a livello internazionale, come già sappiamo dagli studi qui riportati. Naturalmente sono stati toccati anche temi americani in particolare, come la povertà dei "musicisti jazz di New Orleans" in generale e in particolare dopo l'uragano Katrina. A New Orleans, ad esempio, è stata creata una clinica grazie a degli sponsor in cui i musicisti jazz vengono curati gratuitamente, poiché in genere non sono coperti dall'assicurazione sanitaria a causa della povertà.

La scienza della medicina del musicista è ancora molto giovane ed è caratterizzata dai risultati pionieristici delle persone coinvolte. Si ha la sensazione che dall'interesse dei partecipanti, che in molti casi si basa anche su motivazioni individuali, sia nata una scienza con molta passione, che continua a svilupparsi. Il lavoro e la ricerca qui sono orientati alla pratica. Si cercano soluzioni per gli artisti, affinché possano svolgere la loro professione in modo migliore e più sano. A causa della crescente competitività del settore musicale, questa ricerca e la sua applicazione pratica sono assolutamente indispensabili. I nostri sforzi nel campo della medicina dei musicisti sono stati confermati. È stato bello e motivante vedere che ci sono colleghi in tutto il mondo che rappresentano anche la nostra causa e sono disposti ad entrare in uno scambio collegiale per imparare da e con gli altri. Grazie alla SIS e a tutti i nostri compagni di campagna per il loro grande impegno a favore del SMM.

Martina Berchtold-Neumann

... è presidente del SMM, psicologo qualificato, Stein am Rhein

SMM - Il simposio, che quest'anno si terrà presso l'Università delle Arti di Berna (HKB), tratterà un'ampia gamma di aspetti legati alla salute. Anche gli amanti della musica che sono in grado di dedicarsi al loro hobby, indipendentemente dalla pressione finanziaria, devono affrontare una serie di sfide fisiche e psicologiche: Anche senza aspirare all'eccellenza professionale, devono allenare la tecnica e l'espressione con saggezza o mantenere il corpo e la mente in forma per l'arte sonora con l'avanzare dell'età. Tuttavia, i dilettanti spesso non hanno il tempo e l'energia che i professionisti possono investire a causa di altre pressioni professionali.

Andreas Cincera, responsabile della formazione continua in musica presso la HKB, si chiede se faccia differenza, in un corso di musica di buona qualità, il fatto che ad imparare siano bambini, giovani o adulti. Quali sfide tecniche, fisiche, emotive e di altro tipo sono più comuni tra gli adulti? Come si possono superare in modo piacevole e salutare? Lo psicologo e coach musicista di Brema Andreas Burzik mostra come l'esercizio nel flusso come metodo di pratica possa combinare l'imparzialità del dilettante con l'estrema precisione del professionista, soddisfacendo così i requisiti neurobiologici di un ambiente di apprendimento ideale.

La specialista FMH ORL Salome Zwicky del SingStimmZentrum di Zurigo discute i fattori che determinano la qualità di una voce - con l'intuizione che i disturbi vocali non sono sempre il risultato di un uso intensivo, né devono sempre essere causati da una tecnica scadente. Il neurologo Jürg Kesselring, invece, si chiede se la distinzione tra professionisti e dilettanti sia davvero netta. Egli fa notare che, da un lato, ci sono musicisti professionisti completamente formati che non riescono a vivere della loro professione e quindi si dedicano ad altre attività, e dall'altro lato, ci sono dilettanti che non sono formati o lo sono solo a tempo parziale e che si guadagnano da vivere con la musica. Secondo Kesselring, nella musica, come in molte professioni artistiche, i requisiti formativi non sono l'unico fattore decisivo per il successo e certamente non per la gioia che deriva dall'esibirsi.

In tre workshop del simposio, Andreas Burzik, l'insegnante di respirazione, parola e voce Nicole Martin Rieder e le fisioterapiste Marjan Steenbeek e Sibylle Meier Kronawitter si concentreranno sulla respirazione, sulla pratica del flusso e sulla corretta postura nel fare musica. Rieder farà luce sui sistemi e sui circuiti di controllo attraverso i quali la respirazione influisce sulla voce, sulla postura e sul sistema nervoso autonomo e renderà tangibili i collegamenti con esercizi pratici sul proprio corpo. Nell'ambito di una dimostrazione didattica, Burzik illustra i quattro principi della pratica in flusso: un contatto speciale con lo strumento, lo sviluppo di un particolare senso del suono, la sensazione di assenza di sforzo nel corpo e la gestione giocosa del materiale di studio. Infine, Steenbeek e Meier Kronawitter illustrano l'anatomia delle diverse parti del corpo e mostrano come i movimenti possano essere utilizzati per allenarne la percezione.

Sebastian Barth, Sebastian Kerber - Fortunatamente, la consapevolezza delle malattie dei musicisti esiste da molti anni. In particolare, le malattie che limitano i musicisti nell'esecuzione del loro strumento vengono riconosciute precocemente e trattate di conseguenza. Queste malattie comprendono problemi ortopedici, disturbi neurologici, distonia del musicista e paura del palcoscenico. Gli aspetti cardiovascolari, invece, sono stati ignorati per un periodo relativamente lungo.

Storicamente, musicisti famosi di diverse epoche stilistiche hanno sofferto di un'ampia varietà di malattie. Le malattie cardiovascolari hanno spesso giocato un ruolo importante. Lo stesso Arnold Schönberg fu sottoposto a rianimazione, che all'epoca ebbe successo grazie a un'eroica iniezione direttamente nel cuore. Il dolore toracico è un sintomo comune di malattie cardiovascolari. Da qualche tempo, la cardiomiopatia di Tako Tsubo è stata aggiunta come importante diagnosi differenziale. Si tratta di un'insufficienza cardiaca indotta da stress che, in casi estremi, può portare a un trattamento medico intensivo. Questo quadro clinico può essere scatenato da un eccessivo stress emotivo e fisico, soprattutto nei musicisti esposti. Le donne in post-menopausa sono particolarmente colpite (80% dei pazienti), anche se la prognosi complessiva è buona con un tasso di mortalità ospedaliera dell'1-3%.

La "malattia diffusa" dell'ipertensione arteriosa svolge un ruolo importante tra i musicisti attivi. Numerosi gruppi di musicisti sono esposti a significativi aumenti della pressione sanguigna, poiché le prove e le esibizioni sono situazioni molto stressanti. Sono stati documentati aumenti particolarmente eccessivi della pressione arteriosa e della frequenza cardiaca nei suonatori di fiati.

A causa del progressivo invecchiamento del mondo occidentale, la diagnosi e il trattamento dell'insufficienza cardiaca stanno diventando sempre più importanti. Oltre all'importanza prognostica, l'insufficienza cardiaca comporta una notevole perdita di qualità di vita, simile alla depressione o alla necessità di dialisi. Se non trattata, l'insufficienza cardiaca ha una prognosi infausta. È essenziale chiarire la malattia di base per determinare l'approccio terapeutico. Le più comuni sono le coronaropatie, le cardiopatie valvolari, l'ipertensione arteriosa, l'aritmia e la miocardite.

La depressione è un importante sintomo concomitante dell'insufficienza cardiaca, anche se non è ancora chiaro se sia la conseguenza o la causa dell'insufficienza cardiaca. In caso di umore depresso, si raccomanda pertanto di approfondire la diagnosi dell'insufficienza cardiaca sottostante.

Grazie all'ulteriore sviluppo delle procedure diagnostiche e terapeutiche dell'elettrofisiologia invasiva, quest'area della cardiologia ha acquisito un'importanza enorme per i musicisti. Le aritmie cardiache sono classificate in base al luogo di origine (atrio o ventricolo) e alla frequenza (tachicardia o bradicardia). La fibrillazione atriale, che è l'aritmia più comune, deve essere messa in primo piano. "Palpitazioni", "palpitazioni", svenimenti, vertigini o sensazione di calore sono sintomi frequentemente descritti. Oltre all'anamnesi, la documentazione dell'ECG è di fondamentale importanza per identificare l'aritmia cardiaca. L'esame elettrofisiologico invasivo offre anche il vantaggio di ablare le aritmie cardiache diagnosticate nella stessa seduta e quindi di curare il paziente. Spesso è particolarmente difficile differenziare i reperti somatici dai problemi psicologici. Non è raro che la diagnostica ambulatoriale venga effettuata "sul posto di lavoro" con lo strumento in loco, per rilevare alterazioni cardiovascolari o aritmie cardiache su base situazionale.

La diagnostica e la terapia avranno successo se, oltre a un'ampia formazione in medicina interna e cardiologia, ci sarà un alto grado di sensibilità per la specifica situazione professionale dei musicisti e una conoscenza approfondita degli effetti dello strumento.

Dott. Sebastian Barth, medico cardiologo senior, Clinica Cardiovascolare Bad Neustadt

Prof. Dr Sebastian Kerber, primario di Cardiologia I Clinica Cardiovascolare Bad Neustadt

Gli ormoni sono messaggeri biochimici che vengono prodotti in cellule speciali e trasportati attraverso il sangue. Hanno effetti specifici su vari organi. Durante la pubertà, la laringe e il tratto vocale crescono rapidamente e sono ancora più pronunciati nei ragazzi sotto l'influenza degli androgeni (gli ormoni maschili) rispetto alle ragazze, nelle quali la "rottura della voce" di solito non si nota.

Mara, quasi quindicenne, prende lezioni di canto da più di un anno. Ha intenzione di sostenere un esame di musica. Da sei mesi non riesce più a cantare, la sua voce è diventata molto più profonda. L'esame mostra al massimo un leggero arrossamento delle pliche vocali. Ma Mara non ha ancora avuto le mestruazioni, il che fa pensare a un problema ormonale. Lo specialista ormonale ha anche riscontrato una predominanza di ormoni maschili. Quindi la voce di Mara si è, in un certo senso, rotta, anche se non è scesa di un'ottava come nei ragazzi, ma è più bassa di quella delle ragazze della stessa età, che fisiologicamente scende di circa un terzo.

Il disturbo ormonale può essere trattato, ma la voce non diventerà più acuta, la virilizzazione della laringe non può essere invertita. Mara potrà probabilmente riprendere a cantare una volta che la sua laringe si sarà abituata alla nuova situazione, e questo richiederà inizialmente una terapia logopedica. Tuttavia, non si sa quale gamma di voce sarà in grado di cantare e se sarà in grado di superare un esame di musica.

Mike, quattordici anni e mezzo, viene da me perché ha preso un raffreddore due mesi prima e non ha ancora ritrovato la voce per cantare. Canta da solista in un ensemble come mezzosoprano. Parla con una voce un po' innaturalmente alta, sottile e fragile. L'esame mostra una laringe senza irritazioni, ma già notevolmente più grande di quella di un bambino.

Qual è il problema? Mike ha già subito il cambiamento della voce, cioè la crescita ormonale della laringe. Tuttavia, a causa della coltivazione del canto acuto, è rimasto bloccato in una voce acuta anche quando parla. Non si tratta di un disturbo ormonale, ma di un adattamento difettoso al normale sviluppo. E adesso?

Questa tonalità di voce, che non si è ancora stabilizzata quando la mutazione è già ampiamente avvenuta, viene chiamata cambiata. La voce del ragazzo deve essere abbassata nel registro maschile da un logopedista esperto e lì stabilizzata, perché parlare costantemente troppo in alto affatica la voce e porta all'affaticamento vocale e alla raucedine. Per questo motivo, la voce di Mike non si è ripresa dopo il raffreddore. Per il momento Mike può ancora cantare ad alta voce. La registrazione di un concerto che Mike ha potuto cantare di nuovo qualche mese dopo con la sua voce acuta suona perfettamente.

Se la voce rimane alta nonostante la crescita, si parla di disturbo da mutazione. Negli uomini, questa voce patologica è molto evidente, ma può essere facilmente trattata con la logopedia. Nelle ragazze con un disturbo da mutazione, l'affaticamento della voce e la raucedine si manifestano molto più tardi e la diagnosi è più difficile da fare. Anche in questo caso la terapia logopedica è il trattamento d'elezione.

I disturbi mutazionali sono abbastanza comuni. I veri e propri disturbi vocali indotti dagli ormoni, come quelli descritti nel caso di Mara, sono molto più rari. Se un'adolescente non raggiunge, o raggiunge solo parzialmente, la gamma vocale maschile, è indicato un esame da parte di un foniatra. Se la voce di una ragazza si abbassa sensibilmente o se non riesce più a cantare senza essere sottoposta a uno sforzo maggiore o se in passato è stata soggetta a disturbi vocali, anche questo aspetto dovrebbe essere oggetto di un controllo medico.

Immaginate il pubblico nudo. Ai debuttanti più nervosi è capitato spesso di ricevere consigli di questo tipo durante la loro formazione musicale, quando erano alle prese con l'ansia da prestazione. Di solito funziona. Oggi, tuttavia, le strategie per combattere l'ansia da prestazione sono molto più differenziate. La maggior parte di esse utilizza la stessa tattica: l'uso dell'umorismo per eliminare le tensioni e i compiti più importanti. La pianista e psicologa musicale di Monaco di Baviera Adina Mornell ha illustrato tutta una serie di approcci di questo tipo al simposio SMM, che quest'anno è stato dedicato al tema "Stress e fare musica" e che ha visto ancora una volta un'ottima partecipazione con quasi 200 partecipanti. La trasformazione di compiti apparentemente irrisolvibili e scoraggianti in compiti risolvibili e piacevoli sembrava essere lo schema di base. Secondo Mornell, gli obiettivi poco chiari dovrebbero essere sostituiti da sotto-obiettivi chiari. Le richieste eccessive di sé, d'altra parte, potrebbero essere interrotte da "auto-handicap": Esercitarsi meno del possibile, ad esempio, è adatto per poter dire a se stessi, dopo gli errori, che si sarebbe potuto fare meglio se solo si fosse...

Horst Hildebrandt del Centro universitario svizzero di fisiologia musicale ha messo in prospettiva i miti più diffusi sulla paura del palcoscenico. Nella formazione e nella consulenza a futuri musicisti professionisti, la sua esperienza nelle accademie musicali dimostra che gran parte di ciò che gli studenti vivono inizialmente come fatidiche ansie da prestazione può essere affrontata dalla stragrande maggioranza di loro utilizzando strumenti di autogestione adeguati. Solo pochissimi di coloro che chiedono consiglio hanno effettivamente bisogno di un coaching personale o addirittura di una terapia. Secondo Hildebrandt, è utile rendersi conto che la maggior parte dei sintomi della paura da palcoscenico - sudorazione, palpitazioni, restringimento dell'orizzonte e così via - sono reazioni del tutto normali all'esposizione in pubblico. In termini evolutivi, quest'ultima è vista come una situazione di pericolo e il corpo si mobilita di conseguenza. L'obiettivo non è quindi quello di far scomparire queste reazioni, ma di sviluppare tecniche per evitare di esserne ostacolati.

Due workshop hanno offerto strategie pratiche per combattere l'ansia, lo stress e il sovraccarico di lavoro. La presidente di SMM Martina Berchtold-Neumann ha mostrato le tecniche di ipnosi e ha fatto compiere al suo pubblico un viaggio interiore, che è sembrato di cinque minuti, ma in realtà era di venti. La psicoterapeuta Ines Schweizer ha affrontato la paura della paura, ovvero la paura del palcoscenico che la rende distruttiva. Una volta compreso che l'ansia da prestazione si manifesta a più livelli - pensieri, sentimenti e corpo - diventa possibile utilizzarla in modo produttivo.

In un contributo estremamente spiritoso, il cardiologo Sebastian Kerber ha sottolineato che l'attenzione per le malattie dei musicisti è erroneamente rivolta quasi esclusivamente allo scheletro e al sistema nervoso. Il sistema cardiovascolare viene trascurato. La musica è letteralmente anche una "questione di cuore": la diagnosi della pressione arteriosa e dell'aritmia cardiaca fa quindi parte dell'assistenza sanitaria globale dei musicisti. A questo proposito si possono definire anche misure preventive.

Infine, lo psicologo zurighese Victor Candia ha sottolineato che molti schemi di movimento vengono appresi senza che ce ne rendiamo conto. Molte abilità virtuose, come mantenere l'equilibrio quando si cammina, non provocano alcuno stress mentale. Diverso è il caso della musica, che dobbiamo imparare consapevolmente e che è quindi fonte di tensione mentale, che a sua volta provoca stress fisico. Il simposio è stato ancora una volta organizzato in modo eccellente dalla fondatrice di SMM Pia Bucher e, come sempre, moderato con competenza dal medico ticinese Adrian Sury.

Fare e ascoltare musica è una delle attività più importanti del tempo libero. Le attività musicali non sono più limitate ai bambini e ai giovani, ma un numero crescente di adulti anziani desidera imparare uno strumento per la prima volta. La loro quota si è stabilizzata intorno al 10% delle iscrizioni alle scuole di musica per molti anni.

Fare musica è una delle attività più impegnative per il sistema nervoso centrale umano. L'attivazione coordinata di numerosi gruppi muscolari deve essere eseguita con la massima precisione temporale e spaziale e spesso ad altissima velocità. I movimenti sono soggetti a un controllo costante da parte dell'orecchio, del senso della vista e della percezione del corpo stesso. Inoltre, vengono attivati i sistemi di memoria e le reti emozionali.

È indiscutibile che fare musica favorisca lo sviluppo del sistema nervoso a tutte le età, compresa quella adulta. Nei musicisti professionisti più anziani si riscontrano numerosi adattamenti che sono segni di "plasticità cerebrale": Il centro del linguaggio di Broca, nella regione cerebrale frontale sinistra, è ingrandito - il che è spiegabile, dato che i musicisti "parlano" con i suoni. Il cervelletto, responsabile della coordinazione motoria fine, è più grande e anche la corteccia uditiva nella parte superiore del lobo temporale ha una maggiore densità neuronale. Gli adattamenti neuroplastici delle fibre nervose dipendenti dall'esercizio interessano anche altre strutture di fibre oltre al fascio: il cosiddetto tratto piramidale, che va dalla corteccia motoria ai centri nervosi motori nel midollo spinale, è più pronunciato nei pianisti rispetto ai non musicisti.

L'influenza dell'apprendimento musicale-sensomotorio sulle reti neuronali della corteccia cerebrale è stata dimostrata oltre dieci anni fa anche in anziani dilettanti di musica che imparavano a suonare il pianoforte. In questo caso, la dinamica temporale è stata sorprendente: dopo soli 20 minuti di pratica del pianoforte, nei principianti adulti si è sviluppato un accoppiamento funzionale con attivazione simultanea delle reti di cellule nervose nella corteccia uditiva e nelle aree sensomotorie. Questo rapido cambiamento può essere spiegato solo da un aumento della connettività. Dopo cinque settimane di allenamento al pianoforte, questi cambiamenti inizialmente solo temporanei nella rete neuronale si sono stabilizzati e si è verificato un aumento dello scambio neuronale e della velocità di conduzione neuronale tra le regioni uditive e motorie. Questi cambiamenti possono già essere spiegati con un aumento dell'etichettatura delle fibre nervose che collegano l'elaborazione uditiva e quella motoria. Ma tutto ciò va anche a vantaggio delle prestazioni cognitive generali?

Lo studio più informativo fino ad oggi, che ha utilizzato metodi psicologici per indagare il trasferimento dell'attività musicale ad altre abilità cognitive nelle persone anziane, è stato condotto da Bugos e colleghi. Gli autori hanno impartito lezioni di pianoforte a 16 anziani di età compresa tra i 60 e gli 85 anni per sei mesi e hanno confrontato le loro prestazioni cognitive con un gruppo di controllo di 15 soggetti della stessa età prima e dopo sei mesi di lezioni di pianoforte. Tre mesi dopo la fine della formazione, è stato effettuato un test finale delle capacità cognitive. Il gruppo di pianisti ha registrato un miglioramento delle prestazioni dopo le lezioni, che comprendevano la memoria di lavoro e le funzioni esecutive come la pianificazione e la strategia. Tuttavia, questi miglioramenti nelle prestazioni erano piuttosto deboli e in alcuni casi non erano più rilevabili tre mesi dopo la fine delle lezioni. Ciononostante, sono state ottenute le prime prove dei cambiamenti sopra citati attraverso la formazione musicale.

Oggi i disturbi della salute possono essere valutati in consultazioni mediche interdisciplinari o negli studi degli specialisti coinvolti. I disturbi e le malattie possono quindi essere trattati in modo mirato. Questi ultimi possono essere essenzialmente suddivisi in quadri clinici specifici per i musicisti e quadri clinici generalmente comuni di particolare rilevanza per i musicisti.

Le condizioni mediche sono specifiche dei musicisti se i sintomi sono direttamente correlati al fare musica. Non è raro che problemi simili vengano osservati anche in altre professioni, in presenza di sfide ergonomiche e circostanze psicologiche simili.

Gli specialisti si impegnano a formulare una diagnosi il più precisa possibile. A tal fine, propongono i chiarimenti diagnostici e diagnostico-tecnici usuali nella loro specialità. La loro competenza in medicina musicale permette di analizzare i fattori predisponenti e scatenanti e di sviluppare un concetto terapeutico. Purtroppo, troppo spesso i sintomi vengono soppressi o nascosti dalle persone colpite - a volte per motivi comprensibili - oppure vengono trattati senza diagnosi, a volte con mezzi inadeguati.

Spesso è necessario regolare l'intensità e i tempi del fare musica. Le regolazioni ergonomiche dello strumento sono possibili fino a un certo punto. Sembra che ci siano dei limiti evidenti agli adattamenti del posto di lavoro. In un'azienda di produzione non c'è quasi nessun altro posto di lavoro in cui si lavora in uno spazio così ristretto come in un'orchestra. In nessuna biblioteca due lettori condividono un libro come due musicisti condividono un leggio a una distanza imbarazzante. Almeno nel settore della musica classica, c'è un codice di abbigliamento e nessun musicista può dare il meglio di sé vestito in modo leggero come un corridore di lunga distanza, per quanto possa sudare.

Un medico di base ha segnalato un flautista di 19 anni per un dolore al lato flessore del polso destro e ai muscoli estensori dell'avambraccio destro. Suona il pianoforte per 30 minuti e il flauto per 3-4 ore al giorno, con una sola pausa. Il dolore è presente da tre anni. Il dolore si manifesta soprattutto con il suo secondo strumento, il pianoforte. Il dolore, ora anche al collo, era stato alleviato due anni prima con l'aiuto della terapia craniosacrale. Dopo l'anamnesi, il flautista viene esaminato fisicamente e il suo modo di suonare il flauto viene registrato con una videocamera.

In una seconda sessione, il musicista si presenta al consulto medico interdisciplinare per musicisti. Viene diagnosticata un'insufficienza muscolare nell'area della colonna vertebrale toracica e una sindrome da overuse dei muscoli dell'avambraccio destro. Un esame ecografico dinamico esclude una sindrome dinamica del tunnel carpale - una compressione del nervo mediano dipendente dalla posizione da parte dei muscoli. Il flautista riceve raccomandazioni per quanto riguarda la postura nel suonare il flauto e per un coaching speciale da parte di un terapista o di un insegnante specializzato, oltre a consigli sull'importanza di pianificare le pause e sull'effetto preventivo delle tecniche incentrate sul corpo. Il medico musicista prescrive una fisioterapia attiva di rinforzo muscolare per trattare l'insufficienza muscolare dei muscoli della schiena e dell'avambraccio.

Sovraccarico muscolare (overuse)

Problemi ai tendini

Dolore miofasciale cronico

Compressione del nervo

Ipersensibilità dei polpastrelli

Distonia focale

Irritazioni e allergie cutanee

Problemi all'articolazione della mandibola e ai denti

Glaucoma

Disfunzione dell'orecchio interno

Disturbi delle corde vocali