"Chi è Frank Zappa?" chiede un'anziana signora nella fila dietro di me alla Gare du Nord di Basilea. Ha ragione. Dopotutto, l'icona del rock, che ha attraversato l'avanguardia newyorkese, ha creato un nuovo sound con "Tehillim", il motto dell'edizione di quest'anno della fiera di Basilea. Festival di musica da camera di Mizmorim, solo marginalmente. Il percussionista Christian Dierstein aveva appena suonato al concerto 150 + 1 Salmi con un impressionante set-up di tubi, dischi e strumenti a percussione. Ha eseguito il brano solista di Peter Eötvös Salmo 151 In memoriam Frank Zappa dell'anno 1993. Eötvös descrive il suo necrologio come un "salmo". Il "Tehillim", il Salterio dell'Antico Testamento, è noto per contenere 150 salmi. Il 151° salmo non esiste.

Questo inganno programmatico si riflette nella strategia della decima edizione del festival che si terrà dal 24 al 31 gennaio. Dal 2015, il festival ha posto i suoi punti di riferimento al di là del quadro della propria cultura ebraica ed è diventato un'ispirazione per musicisti di altri contesti religiosi in contesti esteticamente e storicamente stimolanti: "Mizmorim" significa "Salmi" in ebraico ed è quindi un termine generico che si riferisce ugualmente ai testi di partenza e alle loro ambientazioni musicali o altri adattamenti.

Vita e fede ebraica

Prima dell'edizione di quest'anno, il direttore artistico Michal Lewkowicz, che si era esibito come clarinettista anche in precedenti festival, e il presidente Guy Rueff sono riusciti ad affinare il profilo con l'aiuto di un team di consulenti accademici. Oltre alla festosa inaugurazione nella sala della musica del Casinò di Basilea, si sono tenuti dodici concerti: brani solistici, canzoni, musica da camera e, eccezionalmente, opere in procinto di essere eseguite da grandi complessi orchestrali e vocali. I programmi per i giovani, le opportunità di networking e le composizioni commissionate erano due volte più numerosi per l'anniversario, e il festival è stato due volte più lungo del solito.

"Sono lieta che il pubblico ci raggiunga", ha dichiarato la Lewkowicz dopo il concerto di apertura, ma ha espresso timori per gli sviluppi bellici nella Striscia di Gaza a partire dal 7 ottobre 2023. Otto settimane prima dell'inizio del festival, aveva inviato un chiaro messaggio di benvenuto a titolo precauzionale. Nessuno deve sentirsi escluso dall'anniversario, soprattutto grazie alla collaborazione biennale tra Mizmorim e la Sinagoga Beit Yosef della Comunità ebraica di Basilea. "La sinagoga non è solo un luogo di preghiera, ma anche un luogo di incontro. Quest'ultimo aspetto è spesso dimenticato", ha detto Lewkowicz. "L'ufficio del festival è stato imbrattato con lo spray 'Palestina libera' e il rabbino Moshe Baumel è stato preso a sputi", ha dichiarato alla Basler Zeitung pochi giorni prima dell'inizio del festival.

Per la prima volta, Mizmorim non è stato organizzato all'insegna di un motto con uno specifico punto di riferimento storico o teorico come negli anni precedenti, ad esempio quando nel "Progetto bianco-blu" del 2023 è stata sviluppata una prospettiva musicale sul movimento per uno Stato nazionale ebraico prima della fondazione dello Stato di Israele. La vita e la fede ebraica dovrebbero riflettersi nell'anno dell'anniversario con il maggior numero possibile di sfaccettature e colori, compresi quelli che interessano i non addetti ai lavori.

Il concerto Psalm geheim di venerdì mattina è stato un perfetto esempio della strategia del programma Mizmorim. Un giorno lavorativo regolare per una matinée è insolito e testimonia il coraggio degli organizzatori. La Zunftsaal dello Schmiedenhof era ben riempita, anche se solo uno "Zugstück" (Canzoni bibliche del compositore cattolico ceco Antonín Dvořák), il programma comprendeva un biglietto da visita del festival: Salmo segreto per violino solo di Oliver Knussen (1952-2018), in prima esecuzione svizzera L'Eterno è il mio pastore, Psalm 23, di Alexander Uriyah Boskovich (nato nel 1954), oltre a opere di Aram Hovhannisyan, Victor Alexandru Colțea ed Eleni Ralli, vincitori dei primi tre concorsi di composizione Mizmorim nel 2018, 2020 e 2022.

Tanta musica del 20° e 21° secolo

"Amo molto Mendelssohn, ma oggi sono molto più importanti altre cose", ha detto Lewkowicz. Senza che sia esplicitamente dichiarato nel titolo, il festival è ora uno dei punti caldi per la nuova musica a Basilea. Se si guarda ai programmi di Mizmorim degli ultimi anni, si nota una diminuzione delle canzoni e un numero crescente di opere con ensemble strumentali e vocali misti. L'esecuzione del Tehillim di Steve Reich con il Orchestra contemporanea del Festival di Lucerna con Tito Ceccherini in sostituzione di Baldur Brönnimann, malato, fu anche la prima collaborazione di Mizmorim con i Basler Madrigalisten. Un'altra prima assoluta è stata la trasmissione in diretta di Jazz Mizmorim con improvvisazioni di salmi da parte del Trii venosi dallo studio radiofonico della SRF. Il pubblico - per un totale di 3200 visitatori - ha risposto alle novità con applausi a scena aperta ed entusiasmo per le sfide tecniche. Impegnato come consulente e violinista era Ilya Gringolts.

Composizioni in formazioni cameristiche tradizionali sono state eseguite da Alfred Schnittke, Frank Martin, Gideon Klein, Bohuslav Martinů e Arnold Schönberg; il concerto di apertura ha visto anche la prima mondiale dell'opera commissionata Mimma'amaqim per voci e ensemble di Helga Arias (nato nel 1984). Il concerto Pro Pacem sotto la direzione artistica di Jordi Savall nella Chiesa di San Martino a Basilea, ha concluso il festival. La percentuale di musica del XX e dell'inizio del XXI secolo è stata eccezionalmente alta. Il legame speciale con il centenario della nascita di György Ligeti è stato dato dalla mostra Labirinto di Ligeti al Museo della Musica di Basilea. La curatrice Heidy Zimmermann - stretta collaboratrice del Festival Mizmorim fin dalla sua nascita - ha sottolineato che Ligeti, il cui padre e fratello erano morti nei campi di concentramento, ha sempre considerato le sue origini ebraiche come una questione privata, non come un tema artistico essenziale.

Ci sono molti festival che pretendono di essere diversi ed esclusivi. In una fase di escalation politica, in cui parti della popolazione ebraica si sentono sempre più minacciate anche in Svizzera, il Festival di musica da camera Mizmorim ha dimostrato il suo alto livello. Ha invitato i visitatori a una vetrina di opere che affondano le loro radici nella cultura ebraica e internazionale e ha presentato adattamenti da culture secolari. Il genere del salmo ("Mizmorim") e l'antologia "Il Salterio" ("Tehillim") sono stati riconosciuti come fonti che trascendono la dimensione religiosa.

L'anno prossimo il Festival di musica da camera di Mizmorim dal 29 gennaio al 2 febbraio a Basilea.

 

Supplemento il 29 febbraio 2024:
Link alla trasmissione del concerto di apertura su Pavillon Suisse 

La donna è onnipresente. Adorna monete e francobolli, siede in trono come statua sulla facciata del Palazzo federale e compare nell'ex inno nazionale: È la figura allegorica di Helvetia, la protettrice e madre della Confederazione svizzera. La nostra coscienza nazionale si basa in gran parte sui miti. Anche i racconti di Guglielmo Tell, la culla della democrazia, la nazione della volontà e della neutralità sono miti. Nel dopoguerra, ma soprattutto sulla scia del movimento del Sessantotto, questi miti sono stati esaminati criticamente nell'arte e nella scienza e spesso smontati con gusto.

Comportamento di costruzione dell'identità

"Sfatare i miti: doloroso e piacevole".è stato il motto della conferenza tenutasi il 23 gennaio all'Università delle Arti di Berna. L'occasione è stata la presentazione della pubblicazione Musicking Collective - Codificare l'identità collettiva nella pratica musicale contemporanea in Svizzera e nei paesi limitroficreato presso l'Università delle Arti di Berna (HKB) nell'ambito di un progetto del Fondo Nazionale. I curatori sono il compositore, direttore e musicologo Leo Dick, la compositrice e interprete Noémie Favennec e l'interprete e ricercatrice musicale Katelyn Rose King. I curatori condividono la tesi secondo cui l'essenza della musica non è principalmente radicata nelle composizioni, ma nell'azione collettiva degli individui, con il termine "musicking", adottato dal musicologo americano Christopher Small. La pratica musicale ha quindi un effetto di costruzione dell'identità e della comunità.

I contributi di questa antologia trattano il teatro musicale contemporaneo, principalmente in Svizzera, dal punto di vista della costruzione e decostruzione delle identità "noi". Spessore Lo stesso autore afferma nel suo saggio L'ombra di Madre Helvetia due ambientazioni della novella di Jeremias Gotthelf Il ragno nero si contrappongono. Nell'opera radiofonica di Heinrich Sutermeister del 1934, l'autore riconosce il riflesso affermativo della difesa nazionale spirituale, mentre nell'opera televisiva di Rudolf Kelterborn del 1984, il dibattito critico sulla scia delle rivolte giovanili in varie città svizzere.

Critica sociale e sogni del futuro

Le altre presentazioni della conferenza di Berna non sono state sempre incentrate sulla musica. Heike Bazak, responsabile dell'archivio delle PTT di Berna, ha decifrato il legame tra le varie rappresentazioni iconografiche dell'Elvezia sui francobolli svizzeri e il relativo Zeitgeist. La storica Noëmi Crain Merz ha parlato dei movimenti femminili più recenti in Svizzera e del loro approccio ai ruoli di genere.

Il contributo dell'etnomusicologa e regista Lea Hagmann ci ha riportato alla musica. Ha presentato il suo film documentario Oltre la tradizione: il potere delle voci della natura (2023), che ha realizzato insieme a Rahel von Gunten e al produttore Thomas Rickenmann (Rosso. vedi filmato di Wolfgang Böhler). Vengono documentati lo jodel naturale dell'Appenzello e due tradizioni straniere comparabili. I due registi erano interessati alla questione di come tali tradizioni potessero essere combinate con approcci innovativi. Si è scoperto che sia l'attore principale che il produttore temevano una possibile "distruzione del mito". Sullo sfondo del conflitto tra arte e commercio, il film si è rivelato alla fine meno critico socialmente di quanto Hagmann avrebbe voluto.

Anche le istituzioni e le pubblicazioni possono diventare dei miti. La Gare du Nord nella Badischer Bahnhof di Basilea, inaugurata nel 2002, ha raggiunto uno status di culto. Il centro di produzione e performance curata per la scena musicale contemporanea svizzera (e internazionale) avrà un nuovo direttore artistico nell'estate del 2024: il compositore e performer Andreas Eduardo Frank. In un'intervista con Leo Dick, il nuovo direttore ha esposto le sue idee: Cambio generazionale tra gli artisti e il pubblico, cambiamenti strutturali e un approccio artistico pluralistico. Nonostante le richieste, Frank non è riuscito a essere più specifico.

Dissonanze e partigianeria

Anche la rivista "post festum", lanciata nel 2018, è diventata un mito. Dissonanza/Dissonanzail principale mezzo di comunicazione per la produzione musicale svizzera contemporanea. Le ragioni della sua scomparsa sono state le difficoltà finanziarie e le divergenze di opinione tra il team editoriale e gli sponsor. Come una fenice che risorge dalle proprie ceneri, la piattaforma online Note di parte un nuovo mezzo di comunicazione. Il filosofo della musica Christoph Haffter, coeditore della piattaforma, e la musicologa Jasmin Goll hanno fornito informazioni sull'orientamento del nuovo organo. Non si tratta di una pubblicazione direttamente successiva a Dissonanza/Dissonanza. Perché Note di parte è orientata a livello internazionale e viene pubblicata in inglese. La piattaforma si batte per l'indipendenza, il pluralismo estetico e la presa di posizione a favore della musica contemporanea che vuole affrontare la critica. Oltre a saggi su vari argomenti, la piattaforma offre resoconti di workshop tenuti con diversi organizzatori di musica contemporanea. Durante i workshop, critici, compositori ed esecutori dialogano tra loro e si "illuminano" a vicenda.

Nel dibattito che ne è seguito, si sono levate prevalentemente voci critiche: La scena svizzera stava perdendo importanza a causa del suo orientamento internazionale. La lingua inglese ha perso la Dissonanza/Dissonanza Il mezzo online ha soppiantato il bilinguismo svizzero prevalente di tedesco e francese. Con il mezzo online si perde la sensualità di una pubblicazione fisica. E Note di parte è troppo distaccato.

Come riconciliazione e come conclusione della serata Katelyn King a Cathy van Ecks In paradisum per performer e live electronics con una performance spiritosa. Nel contesto del tema della conferenza, l'Eva mangia-mela potrebbe anche essere interpretata come una reinterpretazione femminista del tiro alla mela di Tell.

Termini come linguaggio musicale, parola musicale e linguaggio del corpo indicano che il linguaggio, la musica e il corpo si relazionano l'uno con l'altro e sono addirittura reciprocamente dipendenti. Idealmente - e non solo gli artisti di teatro lo sanno - i tre elementi si condensano in un insieme artistico.

Il simposio "Le arti linguistiche nella musicoterapia" del 26 e 27 gennaio all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) si è concentrato sulle "transizioni tra linguaggio e musica". Esperti provenienti dai campi della letteratura, della musica, della performance e della terapia hanno fatto luce su questo tema ombrello da diverse prospettive nel corso di conferenze e workshop. Beate Roelcke e Diandra Russo hanno moderato l'evento.

La musica e il linguaggio sono utilizzati in terapia in modo responsabile e scientificamente valido, ma anche in modo artistico e creativo. Michael Eidenbenz, direttore del Dipartimento di Musica della ZHdK, ha detto nel suo discorso di benvenuto: "Chi fa musica ha la responsabilità di fare buona musica. Questo è ancora più vero in un contesto terapeutico".

I tre interventi principali hanno coperto un'ampia gamma di aspetti: Sandra Lutz Hochreutener ha parlato del quadro scientifico della musicoterapia con il titolo "Corpo, musica e linguaggio delle parole in dialogo a tre" e ha illustrato il suo lavoro con esempi pratici. Benjamin Hoeltje ha parlato della "musicoterapia rap", che funziona bene con i "giovani a rischio", mentre il noto autore, poeta, performer e artista visivo svizzero Jürg Halter si è rivelato la persona perfetta per dimostrare l'importanza del linguaggio in combinazione con la musica in forma artistica.

Combinare senso e suono

Jürg Halter ha lavorato con successo come poetry slammer e come personaggio di fantasia Kutti MC. All'inizio della sua conferenza "Please, I'm trying to speak" (Per favore, sto cercando di parlare), ha subito presentato il titolo in modo scenico. Balbettando e lottando con le parole, si è fatto strada verso il palco e ha discusso la sua comprensione del linguaggio usando molti esempi e citazioni, alcuni tratti dalle sue stesse poesie. Si aggirava inquieto tra due leggii, come se cercasse di raccogliere le sue argomentazioni. In realtà, ha parlato liberamente e ha improvvisato per lunghi tratti. "Quando mente e corpo si uniscono, il linguaggio può emergere", ha detto e ha continuato: "Senso e suono, vi unirò". L'intreccio delle parole deve sempre avere un ritmo. Lui la chiamava "musica delle parole". Non si limitava a citare, ma eseguiva i brani del testo, li rivestiva di un canto particolare e li dotava dei freschi movimenti in avanti delle braccia che gli erano familiari nel rap.

Nessuna paura di fallire

L'improvvisazione nella musica e nel linguaggio ha molto a che fare con la consapevolezza e l'espansione di sé, ha spiegato Halter, ricollegandosi così al tema dell'evento. Egli si espone consapevolmente alla paura di fallire e non prepara mai le performance nei minimi dettagli. Gli piacciono le persone che si espongono al rischio di imbarazzo. "Tuttavia, la questione è a quale livello si fallisce", ha aggiunto con un sorriso. Per prepararsi a un'improvvisazione, entra in uno "stato tra la concentrazione assoluta e il lasciarsi andare".

Ha dimostrato le sue capacità di improvvisazione in modo sorprendente con una performance spontanea basata sul termine "papere" datogli dal pubblico. Dopo poco tempo, si è trovato in una sorta di trance. Come se stesse leggendo da un immaginario gobbo, ha recitato un testo perfetto nella sua insensatezza.

"Il linguaggio è il tentativo di farsi capire", ha sottolineato Halter, eppure il pericolo di essere fraintesi lo accompagna. L'obiettivo sarebbe quello di trovare un linguaggio comune in cui i malintesi possano essere ampiamente evitati. La riflessione critica sul mezzo linguistico è indispensabile per le persone pensanti.

Anni fa, il Duo pianistico Soós-Haag due cadenze di Felix Mendelssohn per il Doppio Concerto K. 365 di Mozart, che finalmente poté essere eseguito a Lindau, Liestal, Lutry e Boswil. Ivo Haag spiega la ricerca dell'epoca: "In una lettera del 1° giugno 1832 alla sua famiglia a Lipsia, Mendelssohn scriveva da Londra che quella sera avrebbe suonato il doppio concerto di Mozart con Ignaz Moscheles e che per l'occasione aveva scritto 'due lunghe cadenze'".

Grazie a una soffiata di Ralf Wehner del Centro di ricerca Mendelssohn di Lipsia, sono venuti a sapere che queste cadenze "londinesi" si trovano presso la Fondazione Paul Sacher di Basilea. Fino ad allora erano note solo a pochi specialisti. Haag descrive il momento della scoperta come "magico": "Mi sono subito reso conto che si trattava di materiale molto interessante ed ero determinato a metterlo in una forma eseguibile". Poiché i manoscritti sono sopravvissuti solo come frammenti, le cadenze hanno atteso a lungo di essere completate ed eseguite.

In concerto da Catene dal 20 gennaio presso la Künstlerhaus Boswil Il doppio concerto di Mozart è stato inserito in opere di Bach, Veress e in una sinfonia di Mozart. Nel Concerto in do maggiore BWV 1061 di Bach, originariamente previsto per due strumenti a tastiera senza orchestra, il duo Soós-Haag è stato in grado di dimostrarne le qualità: la competizione tra i due partner alla pari nel primo movimento o il sottile Siciliano. I due pianoforti hanno superato l'accompagnamento un po' fiacco dell'Ensemble Chaarts.

Nel Quattro danze transilvane ma poi ha alzato il tiro. Veress trasformò abilmente la musica popolare della sua terra in un'opera per orchestra d'archi di grande intensità. La composizione fu eseguita per la prima volta da Paul Sacher a Basilea nel 1950. Il patrimonio di Veress, come le cadenze di Mozart/Mendelssohn, è conservato presso la Fondazione Sacher.

Le danze si svolgono secondo la tradizione della buona suite. "Lassú" colpisce per il suo gesto romantico, seguito da una danza saltellante in "Ugros". La malinconica "Lejtös" inizia con una sostenuta melodia di viola, mentre "Dobbantós" presenta un finale energico, in cui il direttore d'orchestra Gábor Takács-Nagy salta addirittura sul palco.

L'interpretazione portava la firma inconfondibile di Chaarts, che si è fatta sentire ancora di più nella Sinfonia n. 29 in la maggiore K. 201 di Mozart. Archetto energico, quasi eccessivo, energia di altissima intensità con fraseggio breve. Anche l'Andante corrispondeva a questo approccio altamente dinamico: secondo la partitura, tutti gli archi dovrebbero suonare con la sordina, il che produce un suono morbido ed enigmatico. Era forse intenzionale che alcuni musicisti mancassero della sordina? In ogni caso, l'effetto sordino prescritto è andato perduto. (cfr. la controdichiarazione di Andreas Fleck*.)

Nato dall'improvvisazione

Il fulcro della serata, tuttavia, è stato il doppio concerto di Mozart con le due cadenze sconosciute. Il duo Soós-Haag è riuscito a ottenere i servizi di Robert David Levin per completare la proprietà perduta. È estremamente raro che i manoscritti delle cadenze sopravvivano e quindi Levin, che si è fatto un nome con le ricostruzioni di opere mozartiane, si è subito interessato. È particolarmente emozionante che esistano cadenze originali di Mozart suonate "a tempo".

E con Mendelssohn? A differenza di Mozart, è evidente che le cadenze di Mendelssohn sono state scritte a partire dall'improvvisazione, come spiega Haag: "Sono strutturate in maniera più libera; Moscheles e Mendelssohn amavano spesso improvvisare insieme. Quella per il primo movimento è più o meno scritta, ad eccezione di un passaggio nel primo piano, che si basa su un'improvvisazione non annotata di Moscheles. Robert Levin ha completato questo passaggio in modo congeniale. Il materiale di abbozzo per il terzo movimento è molto rudimentale". Quindi Levin ha dovuto aggiungere altro.

Come ascoltatore al concerto, mi sono naturalmente chiesto come avrebbe potuto suonare: più come Mozart o più come Mendelssohn? La risposta è stata sorprendente sotto diversi aspetti. Da un lato, Mendelssohn spalanca le porte al Romanticismo, è più libero, più audace nelle sue armonie, e dà ai due solisti un'ampia parte ciascuno. Il duo pianistico Soós-Haag non ha avuto bisogno di essere interpellato due volte, interpretando abilmente le peculiarità, agogicamente raffinate e quasi improvvisando.

Si rimpiange la brevità della seconda cadenza; si sarebbe voluto ascoltare più a lungo la parte del basso e le ghirlande in stile chopiniano. L'Ensemble Chaarts diretto da Gábor Takács-Nagy è riuscito a trovare l'equilibrio tra classico e romantico con un approccio più morbido, un fraseggio più lungo e una melensa cantilena per oboe. Le cadenze arricchiscono il repertorio e probabilmente saranno pubblicate.

 

* Controdichiarazione di Andreas Fleck, Ensemble Chaarts, datata 8 maggio 2024:

1. Mozart (come al solito) prescrive solo sordine per i violini (vedi schermata della partitura qui sotto)
2. tutti i violinisti hanno suonato con la sordina e di conseguenza gli altri (6) non l'hanno fatto.
3. Ecco il link alla registrazione, dove i diversi suoni all'interno degli archi sono chiaramente udibili
   https://open.spotify.com/intl-de/track/2KOtCvJIDHl80h2hrqkETG?si=099d88c994154cfc
4. Il video registrato mostra (nel concerto di due giorni dopo) che tutti i violinisti hanno indossato le sordine come una cosa ovvia.

 

 

Nota dell'editore: la modifica o l'aggiunta è stata eseguita il 13 maggio 2024.

301 compositori provenienti da 51 Paesi e da tutti i continenti hanno presentato un totale di 327 opere, un numero mai raggiunto prima. È notevole che la proporzione di opere di compositrici donne tra quelle presentate sia inferiore al 20%, ma ammonti a quasi 30% tra le opere selezionate. Rispetto agli anni precedenti, si è registrata anche una percentuale significativamente più alta di opere selezionate di compositori provenienti da Paesi dell'America Latina e dell'Asia (45%).

Nei ranghi dei Ars Electronica Forum Vallese 2024 La selezione dei concerti comprendeva un totale di 23 opere. Inoltre, altri 18 brani hanno ricevuto una menzione speciale.

Selezione di concerti (in ordine alfabetico)

Gabriel Araújo, Saw (BRA)
Studio Bariya (Pratyush Pushkar & Riya Raagini), Delhi Polyphones (IND/IND)
Natasha Barrett, Momenti impossibili da Venezia 2 (NOR/GBR)
Beau Beaumont, Senza Ingresso (GBR)
Sébastien Béranger, Superflu(x) (BEL)
Alex Buck, Otherness (BRA)
Mikel Kuehn, Unlocking The Keys (USA)
Léo Magnien, un rilievo sospeso per trasparenza (FRA)
Paolo Montella, Cairo al contrario (ITA)
Cameron Naylor, Spent (GBR)
Protocollo Naxal (Piero Stanig), Microinsurrezioni (ITA/SGP)
Paul Oehlers, Automaton (USA)
Lucie Prod'homme, Tu es démasqué (FRA)
Luis Quintana, Junkyard Construction (PRI)
Francesco Santagata, Overthinking - ascoltare musica e non parlare è la cosa migliore, credo (ITA)
Dimitris Savva, Tranglitchuiliser (CYP)
Bernd Schumann, Canone per 4 altoparlanti (GER)
Sylvain Souklaye, corpo invisibile (FRA/USA)
Mehmet Ali Uzunselvi, Parco di Iklık (TUR)
Frida Vasquez de la Sota / Kathia Rudametkin, Arrampicata (MEX/MEX)
Jorge Vicario, Poltergeist II (ESP)
Bihe Wen, non ancora affermato (CHN)
Yunjie Zhang, Le Caméléon (CHN)

Menzione speciale (in ordine alfabetico)

Giuseppe De Benedittis, sottosuolo (ITA)
Manuella Blackburn, Cupboard Love (GBR)
Maria Fernanda Castro, Arbóreo (COL)
Mauro Diciocia, Rygerfjord (ITA)
Christian Eloy, Dans les jardins de Cybèle (FRA)
Juro Kim Feliz, Kinalugarán (PHL)
Nicole Fior-Greant, un-Form 3 (CHE)
John Fireman, Lacis (USA)
Mariam Gviniashvili, Free Flow (GEO)
Andrew Lewis, Due Laghi (GBR)
Yannis Loukos, Meditazione 3D (GRC)
Manolo Müller, identità emblematiche (CHE)
Rodrigo Pascale, Meditazione discontinua I (BRA)
Lucie Prod'homme, Comme un malentendu (FRA)
Paul Rudy, Da una goccia all'oceano (USA)
Nicolas Vérin, Méditation sur l'Ukraine (FRA)
Chen Wang, Paradosso del cyberspazio (CHN)
Otto Wanke, Ciclismo (CZE)

I brani della selezione di concerti dell'Ars Electronica Forum Wallis 2024 saranno eseguiti l'8, il 9 e il 10 marzo sull'acusmonium a 16 canali dell'Istituto di Musica di Wallis. MEbU (Münster Earport) nell'ambito del Festival per la nuova musica Forum Wallis è stato interpretato da Simone Conforti (IRCAM Parigi). La giuria era composta dal giapponese Kotoka Suzuki (UTSC Toronto), dal peruviano Jaime Oliver La Rosa (Waverly Labs NYU New York), dal neozelandese Reuben de Lautour (Canterbury University NZ) e dallo svizzero Javier Hagen (ISCM Svizzera, Forum Wallis, presidente di giuria).

Il Forum Vallese è il festival annuale di nuova musica organizzato dall'IGNM-VS, il capitolo vallesano dell'International Society for New Music. Si svolgerà per la 17a volta nel 2024.

Andrea Bischoff ha conseguito il diploma di insegnante e orchestrale con Louise Pellerin a Zurigo e poi il diploma di concertista e solista con lode nella classe di Heinz Holliger alla Musikhochschule di Friburgo in Brisgovia.

Dal 1997 è oboista principale dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna ed è spesso impegnata come oboista solista ospite (tra cui la Camerata Salzburg, l'Orchestra Sinfonica di Berna, la Camerata Zurich, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, la Philharmonia Zurich). Come musicista da camera, è membro, tra gli altri, dell'Heinz Holliger Oboe Trio. Le esibizioni da solista con l'Ensemble da Camera di San Gallo, l'Orchestra della Città di Zugo, l'Orchestra della Città di Lucerna, La banda ANTIX, l'Orchestra Sinfonica di Lucerna, la Nuova Orchestra di Basilea e la Sinfonietta di Zugo completano la sua attività artistica. Si esibisce su strumenti d'epoca con l'Ensemble Corund e con molte altre formazioni cameristiche e orchestrali.

I molti anni trascorsi come capo sezione dell'Orchestra Sinfonica Giovanile della Svizzera Centrale (ZJSO) e di "Auftakt", il progetto della ZJSO per i giovani musicisti, documentano anche il suo impegno per le nuove generazioni di artisti.

Indice dei contenuti

Focus

"I turisti del vudù vengono da tutto il mondo".
Intervista con il proprietario dell'etichetta e "originale" Reverendo Beat-Man
Link alla playlist Voodoo Rhythm su Spotify

Storico, performance, pratica
Riflessioni sullo stato della musica antica di Thomas Drescher

Ricerca del suono originale
Musica antica presso il Département de musique ancienne di Ginevra
Articolo originale di Elizabeth Dobbin in inglese

Dare un'altra vita
Arrangiamento musicale sull'esempio del liuto

Quanto può essere originale?
A proposito del (troppo?) insolito

Chiacchierare di ...
"Originali" in liuteria

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

 

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

 

Eco

Città della Musica a Lugano
Il campus musicale ticinese prende forma

Lessico musicale della Svizzera
Progressi e ostacoli per l'opera di consultazione online

Salari decrescenti
Le dichiarazioni della FGMC

Radio Francesco
Le loup | TheWolf

Labirinto di Ligeti
Mostra a Basilea

Un salto nell'ignoto
Terzo episodio di Sonic Matter

Carta bianca
per Max Nyffeler

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Originalità sull'originale
Puzzle di Torsten Möller

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Quest'anno il Norient Festival si è svolto dal 10 al 14 gennaio in varie località del centro di Berna. Come i suoi predecessori, non è stato un evento per i deboli di cuore. Il nome Norient (No-Orient) è contro l'orientalismo e l'esotismo. Norient si considera una comunità globale di artisti che portano le loro idee a un pubblico ampio e interessato e creano uno scambio culturale. Lo fanno esplorando vari argomenti socio-critici e geopolitici. Il programma di quest'anno comprendeva formati come proiezioni di (brevi) film e podcast, discussioni di panel, DJ set e concerti ibridi online/live di artisti provenienti da tutto il mondo. Questi formati hanno affrontato temi come la connessione tra suono e narrazione, il conflitto israelo-palestinese, l'estinzione della lingua musicale Hmong o lo sfruttamento occidentale delle risorse africane, con l'aspetto musicale solitamente al centro della scena.

In mezzo a questi spunti di riflessione difficili da digerire, è stato un po' sorprendente trovare due laboratori per le classi scolastiche, organizzati dall'associazione bernese Bee-flat. Bee-flat e Norient sono partner ideali. Entrambi cercano in tutto il mondo argomenti stimolanti che possano essere tradotti in musica per ampliare gli orizzonti del pubblico. Il DJ, fotografo e cineasta keniota Emma Mbeke Nzioka (alias DJ Coco Em) ha spiegato le basi della produzione di musica elettronica utilizzando il programma Ableton durante i 90 minuti dell'evento. Nzioka, il direttore artistico del festival di quest'anno, ha abilmente incoraggiato i bambini a partecipare. Hanno prodotto beat in modo creativo e alla fine hanno chiesto con interesse informazioni sul software presentato e sul lavoro artistico di Nzioka.

Creare rispetto, mettere in discussione ciò che si dà per scontato

Nonostante la leggerezza con cui Nzioka e il leader del secondo workshop, Justin Doucet (alias DJ Huilly Huile), hanno trasmesso la musica, i bambini non sono il pubblico principale del festival. Alla domanda su come questi workshop si inseriscano nel programma del festival, Nzioka risponde: "L'obiettivo è creare un certo rispetto per ciò che si consuma, per come viene creato e per il lavoro che c'è dietro. È importante capire l'intero processo ed entrare in contatto con esso". Anche se i workshop del festival sembrano strani a prima vista, si armonizzano con il ruolo di "messaggero" di Norient.

Si tratta di mettere in discussione ciò che diamo per scontato nel mondo moderno, sia negli eventi per bambini che nel complesso contenuto del resto del festival. La libertà di viaggiare, ad esempio, non è qualcosa che Nzioka dà per scontato. Il 12 gennaio ha parlato a una tavola rotonda delle sue esperienze con la politica europea dei visti. È stata anche vittima di un respingimento arbitrario perché, in quanto donna africana senza figli e non sposata, è considerata un rischio dalle autorità europee. Si presume che voglia rimanere qui illegalmente e che non voglia tornare indietro. Le prove di apparizione, lavoro e voli di ritorno non erano sufficienti. A riprova di ciò, due artisti non hanno potuto esibirsi al Norient Festival di quest'anno. "La libertà di movimento degli artisti africani non deve essere data per scontata, né in Europa né in Africa", ha aggiunto Nzioka.

Nuovi pensieri che si impongono

La sera sono stati proiettati film in due sale cinematografiche. Uno di questi è stato il film documentario Canzoni che inondano il fiume. Nziokas raccomanda vivamente questo film. Tratta dello sradicamento delle pratiche culturali spirituali in relazione allo sfruttamento delle risorse naturali. Affronta anche il processo artistico della composizione di canzoni e la misura in cui i fattori esterni possono influenzarlo. Il pubblico rimane con pensieri impossibili da scrollarsi di dosso. Nzioka dice: "Il pubblico non troverà: 'Oggi cambieremo il mondo', no, ma forse gli spettatori cambieranno almeno un aspetto della loro vita... Forse i loro rapporti con le altre persone o l'educazione dei loro figli".

Per gli spettatori del festival Norient, così diversi tra loro, la musica e le immagini promuovono la comprensione di parti del mondo poco conosciute. Si spera che Norient possa creare un nuovo tipo di consapevolezza culturale attraverso questa mediazione.

In occasione del suo 30° anniversario, il Service Club Soroptimist International - Club Bremgarten-Freiamt Nel settembre del 2023, una campagna di raccolta fondi sotto forma di asta a favore del fondo musicale femminile+ dell'Istituto di Musica. Casa degli artisti di Boswil attraverso. Di solito ogni due anni si tiene un concerto di beneficenza a favore di Female+. Tuttavia, anche gli ospiti e le Soroptimist sono rimasti colpiti da questo progetto di raccolta fondi e hanno partecipato generosamente all'asta. Il 18 dicembre, presso la Künstlerhaus Boswil, è stato consegnato l'assegno di 5.000 franchi svizzeri al fondo musicale di Female+.

Il prossimo concerto di beneficenza si terrà l'8 settembre 2024.

Link al comunicato stampa della Künstlerhaus Boswil

Il Città della Musicail nome del progetto, sta sorgendo sull'ex sito di Radio Svizzera italiana (RSI) nel quartiere di Besso, sopra la stazione ferroviaria FFS. L'utente principale è il Conservatorio della Svizzera italiana (CSI)i partner sono i Orchestra della Svizzera italianail Il Coro RSI e i Barrocchisti di Diego Fasolis, il Fonoteca Nazionale Svizzera e l'associazione Sonart. (La radio manterrà alcuni dei suoi studi qui, ma trasferirà tutte le altre attività nella sede della televisione alla periferia di Comano). I costi complessivi sono stimati in circa 45 milioni di franchi. I finanziatori sono la città di Lugano, il Cantone e, per quanto riguarda il CSI, la Confederazione. Circa un terzo è costituito da investitori privati. L'inizio dei lavori è previsto per il 2025 e la Città dovrebbe essere completata entro il 2028.

Punto di riferimento culturale con attrattiva sovraregionale

Il progetto, che si affianca alla moderna sala concerti del LAC in riva al lago, creerà un polo culturale che sottolinea la crescente importanza di Lugano come città della musica a metà strada tra Zurigo e Milano. Dal punto di vista locale, il Città della Musica C'è anche una lacuna significativa nelle infrastrutture. Il LAC non dispone di sale prova e l'Auditorio Stelio Molo, unico dal punto di vista acustico e situato sul sito della radio, è un luogo ricercato per le registrazioni, ma troppo piccolo per gli ensemble sinfonici. La Città della Musica porrà fine alla crisi delle sale prova.

Oltre ai grandi vantaggi per la formazione professionale e la ricerca, il campus, con i suoi ampi spazi, apre anche nuove prospettive in termini di politica culturale. Le istituzioni musicali dovrebbero aprirsi alla città e alla regione, si dice, da un lato attraverso l'accesso a bassa soglia al sito e agli eventi, dall'altro attraverso il programma didattico del Conservatorio. La Presidente della Fondazione Conservatorio, Ina Piattini Pelloni, parla dell'effetto integrativo che il progetto avrà, unendo musicalmente tutte le generazioni. Oltre all'università a orientamento internazionale e al dipartimento pre-college, anche la scuola di musica con la sua formazione di base per bambini e ragazzi beneficerà della nuova sede. A Lugano si attribuisce grande importanza all'educazione musicale generale. Ad esempio, l'associazione Amici del Conservatorio, che si dedica alla promozione dei giovani talenti, ha raccolto 160.000 franchi svizzeri solo per l'anno scolastico in corso, mettendo a disposizione oltre 150 borse di studio per studenti provenienti da famiglie meno abbienti - un diverso tipo di inclusione.

Sintesi architettonica di vecchio e nuovo

Il progetto pluripremiato del Club di Architettura si impegna anche a rispettare il principio dell'apertura. Il giovane team di architetti basilesi, che ha progettato anche il Campus 2040 per l'Accademia musicale di Basilea, ha elaborato una soluzione per la riprogettazione del sito che ha ricevuto molti applausi alla presentazione. L'ampio insieme di edifici esistenti è rimasto in gran parte intatto all'esterno e il loro sorprendente linguaggio di design senza tempo degli anni Cinquanta è stato adottato in modo discreto per i nuovi edifici. L'Auditorio Stelio Molo, di forma esagonale, rimarrà il fulcro del centro. Tuttavia, l'edificio poligonale della sala prove multifunzionale e di dimensioni generose, che può ospitare fino a trecento persone per i concerti e, come tutti gli altri edifici, si inserisce organicamente nel parco circostante, ha ora una funzione più importante. L'azienda giapponese Nagata Acoustics, che ha lasciato il segno anche nella sala concerti Elbphilharmonie di Amburgo, è responsabile della progettazione acustica di tutte le sale prova e di esercitazione del sito.

Cooperazione esemplare a tutti i livelli

Il progetto Città della Musica è sostenuto da un ampio consenso sociale. Nei discorsi e nelle conversazioni personali alla conferenza stampa, si è percepito un senso di euforia collettiva per il successo dell'avvio. "Tutte le dichiarazioni di intenti e gli accordi sono stati raggiunti in un rapporto collegiale e di fiducia", afferma il direttore del Conservatorio Christoph Brenner, che ha contribuito in modo determinante a portare avanti il progetto. "C'è questa volontà in un piccolo cantone di lavorare davvero insieme". Si è parlato di "cambio di mentalità" e alcuni hanno parlato di un piccolo miracolo: tutti i responsabili delle decisioni, dalle istituzioni coinvolte ai politici di alto livello, si sono mossi nella stessa direzione. Buone premesse per lo sviluppo di una cultura musicale promettente, ben radicata a livello locale e di richiamo internazionale.

Il Ticino, solo un paradiso vacanziero con palme, spaghetti e vino rosso? La nuova fondazione smentisce questo preconcetto. Dopo il LAC, la Città della Musica è un altro passo avanti sulla strada per diventare un Cantone culturale.

Link: cittadellamusica.ch

A differenza di altri Paesi europei, la Svizzera non dispone di un'opera di riferimento moderna sulla storia della musica. Le enciclopedie esistenti sono obsolete e non rendono giustizia alla diversità e alla ricchezza della vita musicale svizzera, scrive la Società Svizzera di Ricerca Musicale (SMG) sul suo sito web. Da decenni si chiede una nuova enciclopedia musicale su base scientifica.

Sono in corso i lavori per la realizzazione dei primi frammenti del progetto, ora in fase di realizzazione. Lessico musicale della Svizzera (MLS) Presso l'Università di Berna è stato compilato un elenco di parole chiave per il MLS a partire dalle opere di riferimento esistenti. Circa 11.000 vecchi articoli di enciclopedia su 6.800 persone sono stati digitalizzati e preparati in un database. Tuttavia, scrivere nuovi articoli originali è oggi una sfida molto più grande di quanto il team fondatore potesse immaginare, poiché il mondo delle enciclopedie ha subito cambiamenti fondamentali negli ultimi anni. Al posto dei libri, ora si trovano su Internet.

Multimediale, personalizzabile, multilingue

La rivoluzione dei media ha anche cambiato completamente l'editing dei testi. Gli articoli delle enciclopedie non sono più testi erratici che vengono magari corretti o integrati per la seconda o terza edizione dopo qualche anno, ma, in casi estremi, strutture liquide con materiale audio, video e immagini integrato su cui redattori, volontari esterni e altri collaboratori lavorano costantemente. Oltre agli articoli veri e propri, ad esempio, è ora necessario documentare anche la storia delle loro modifiche. Infine, ma non meno importante, è necessario integrare nel team specialisti di Internet, database e multimedia. Inoltre, è in corso una rivoluzione in termini di multilinguismo: Gli utenti del lessico si rivolgono sempre più spesso ad ausili di traduzione automatica per poter leggere i testi nella loro lingua madre. Ciò ha conseguenze di vasta portata sulla progettazione linguistica di un'opera di consultazione, soprattutto quando, come nel caso del MLS, si crea un lessico multilingue.

Il MLS, il cui finanziamento non è affatto sicuro, si trova quindi ad affrontare molte sfide: Da un lato, i suoi esponenti devono costantemente ridefinire il suo aspetto, sapendo che i lessici digitali e i loro usi potrebbero essere completamente diversi nel giro di pochi anni. In secondo luogo, è necessario organizzare tutti coloro che lavoreranno a questa grande opera in un modo in cui le istituzioni accademiche in Svizzera hanno ancora poca esperienza. Una redazione professionale a tempo pieno, come si usava decenni fa per progetti editoriali di tale portata, non è più sufficiente. Al giorno d'oggi, tali progetti coinvolgono anche innumerevoli autori freelance che conoscono aree tematiche o regioni geografiche specializzate, ed è necessaria una moderazione per i commenti continui agli articoli.

Banche dati e progetti di citizen science

Per fare un ulteriore passo avanti nel progetto, il Consiglio di fondazione del MLS, in collaborazione con l'Accademia svizzera di scienze umane e sociali (SAHS) e la SMG, ha organizzato un colloquio (23 e 24 novembre 2023) e un workshop (25 novembre 2023) per gli autori interessati presso l'Università di Berna.

Le conseguenze degli sconvolgimenti nel mondo dei media per l'aggiornamento delle enciclopedie tradizionali sono state mostrate, ad esempio, in una relazione sulla retro-digitalizzazione dell'enciclopedia Lessico teatrale della Svizzera (tls.theatrewissenschaft.ch). Tuttavia, il colloquio si è anche meravigliato di quanto sia diventato vario il panorama delle enciclopedie digitali. Ad esempio, la rete di competenze Memoriav  per la conservazione del patrimonio culturale audiovisivo della Svizzera, un Dizionario del Giura  o il progetto della Svizzera occidentale notreHistoire.ch, una piattaforma di orientamento storico su cui i romandi possono scambiare opinioni e documenti sul passato e che ha propaggini corrispondenti in altre parti del Paese (la nostra storia.ch, lanostrastoria.ch, nossaistorgia.ch). È presente anche un "Indice dei musicisti", un elenco di nomi di personalità del mondo della musica attive in Svizzera nel XIX secolo. Questo indice è uno dei numerosi Banche dati dell'Istituto di Interpretazione dell'Università delle Arti di Berna. L'ambasciatore culturale di Wikipedia Diego Hättenschwiler ha concluso la conferenza con approfondimenti sul lavoro dell'enciclopedia globale online.

Servono collaboratori gratuiti e molto denaro

La traduttrice e musicologa Irène Minder-Jeanneret, promotrice dell'MLS, ha sottolineato che il progetto decennale dovrebbe costare circa 9 milioni di franchi svizzeri. La sfida più grande sarà probabilmente la ricerca di collaboratori freelance e la loro collaborazione con il team editoriale dell'MLS. Considerando che un'enciclopedia musicale svizzera completa dovrebbe contenere forse 10.000 nuovi articoli, un progetto di partecipazione culturale di questo tipo è un'impresa estremamente ambiziosa.

D'altra parte, la partecipazione culturale è stata al centro della politica culturale svizzera dal 2016. Nell'ambito di un'iniziativa di "Citizen Science" delle Accademie svizzere delle arti e delle scienze, anche il team della MLS ha lanciato un progetto partecipativo. Gruppi e individui sono incoraggiati a documentare le culture musicali locali per il MLS utilizzando parole, immagini e suoni. Nel workshop che ha seguito la conferenza, un piccolo gruppo di partecipanti interessati è stato istruito su come i testi dovrebbero essere pre-scritti in modo da essere adatti al lessico.

Link al progetto Citizen Science:
schweizforscht.ch/projects/music-encyclopaedia-of-switzerland-1153

Come scrive il Dipartimento dell'Educazione del Cantone di Zurigo, con Xavier Dayer l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) ha acquisito una personalità esperta e ben collegata, con un ampio curriculum nel panorama accademico musicale svizzero, come successore di Michael Eidenbenz, che ricopre la carica fino alla fine di luglio 2024.

Xavier Dayer lavora all'Università delle Arti di Berna dal 2002 e dal 2011 è presidente della Cooperativa Suisa. Ha vinto diversi premi di composizione e ha scritto numerose opere per importanti ensemble.

Link al comunicato stampa del Dipartimento dell'Educazione del Cantone di Zurigo del 13 dicembre 2024

 

L'anno di Ligeti è quasi terminato e il centenario del compositore ungherese, scomparso nel 2006, è stato celebrato in dettaglio da giornali, eventi e servizi radiofonici. Per questo motivo, a qualcuno potrebbe sembrare una "lettera postale" il fatto che la Fondazione Paul Sacher presenti solo ora una mostra: Nel Museo della musica del Museo storico di Basilea la maggior parte degli oggetti del patrimonio di György Ligeti custoditi dalla Fondazione.

Questo onore "tardivo" è dovuto principalmente alla tempistica. Il Museo di Storia della Musica di Budapest - i cui partner di cooperazione sono l'Istituto di Musicologia del Centro di Ricerca per le Scienze Umanistiche di Budapest Hun-Ren - dove la mostra è stata esposta in precedenza, ha avuto la possibilità di ospitarla solo nella primavera del 2023, mentre i locali di Basilea erano disponibili solo da novembre. Queste circostanze non sminuiscono il contenuto della mostra, che è altamente raccomandata e può essere visitata fino al 7 aprile 2024.

Non solo dimostra l'elevato status di Ligeti nella musica del XX secolo, che continua senza sosta, ma ci introduce anche al pensiero e all'opera del compositore in un modo affascinante che probabilmente non sarà possibile ripetere così presto. Una parte essenziale di questo "viaggio" nel "labirinto di Ligeti", come si intitola la mostra, sono i numerosi originali da ammirare - una qualità che purtroppo viene sempre più trascurata.

Labirinto nelle celle del carcere

Tuttavia, chi si aspetta una presentazione cronologica rimarrà fortunatamente deluso. L'attenzione si concentra invece sulle varie sfaccettature del pensiero, della creatività e dei processi di lavoro di Ligeti, che vengono esplorati in nove moduli. Temi come "Sogni e fantasie" o la "Rete di voci" catapultano immediatamente i conoscitori delle opere di Ligeti nel suo mondo speciale.

I suggestivi moduli sono stati ideati da Heidy Zimmermann della Fondazione Sacher, che da anni si occupa del patrimonio di Ligeti, e dai musicologi ungheresi Anna Dalos e Márton Kerékfy. Il concetto e l'idea si basano su una dichiarazione di Ligeti: "Mi sento andare avanti di opera in opera, in direzioni diverse, come un cieco in un labirinto". E questo "labirinto di Ligeti" trova un'affascinante controparte nel museo musicale Lohnhof di Basilea, con le sue ex celle di prigione, che è difficile da suonare.

In mostra è esposta un'ampia gamma di materiali di partenza, accuratamente selezionati e annotati. Secondo le stime di Heidy Zimmermann, il patrimonio di Ligeti comprende circa 25.000 pagine di manoscritti, 10.000 pagine di corrispondenza e 800 fotografie, film e documenti audio. Senza sapere cos'altro si nasconde in questo tesoro, la selezione presentata a Basilea sembra rigorosa ed emozionante. In questo modo, il processo di lavoro personale di Ligeti può essere studiato in modo unico.

Concetti grafici per i fattori musicali

Per ciascuna delle sue opere, Ligeti annotava pagine e pagine di idee concettuali, non appunti ma parole, selvaggiamente affastellate con varie matite colorate o talvolta in rappresentazioni grafiche. Quello che a prima vista sembra un guazzabuglio impenetrabile diventa un'esperienza che apre gli occhi nei pressi dell'opera composta. I testi di accompagnamento forniscono il background necessario e gli estratti musicali mostrati possono essere ascoltati anche con un telefono cellulare.

Per esempio, c'è uno schizzo del famoso Atmosfere (1961), in cui la musica è descritta con precisione, con la disposizione delle parti della forma e la loro durata precisa. Oppure c'è uno schizzo del corso di Avventure (1962), che registra le parti vocali e strumentali su quattro fogli A4 incollati insieme orizzontalmente, come "controllo del tempo e della forma", come viene annotato su di esso. Perché Ligeti ha realizzato per la prima volta questi schizzi extra-musicali? "Ligeti ha preso lezioni di pianoforte solo all'età di 14 anni", spiega Heidy Zimmermann, "quindi ha dovuto immaginare a lungo le impressioni musicali perché non aveva modo di scriverle. Forse è questa la ragione di questo percorso".

Il concerto per violino (1990-1992), di cui si parla nel capitolo "Umore e stonatura", illustra il particolare percorso di Ligeti. Ci sono non meno di cinque fogli di colorati schizzi verbali. Kerékfy li caratterizza nell'eccellente catalogo di accompagnamento: "Le note si riferiscono in parte alla forma dei movimenti, in parte al loro contenuto melodico e alla struttura metrica. Ligeti ha anche previsto il tempo di base e la durata stimata".

Un altro modulo si concentra sulle "Scoperte ritmiche". Mostra la svolta di Ligeti verso i poliritmi, utilizzati ad esempio nel Concerto per pianoforte e orchestra (1985). Ligeti si è ispirato in parte alla musica di una tribù dell'Africa centrale, i Banda Linda, che consiste in modelli ritmici polifonici. Ligeti possedeva una collezione di circa 140 dischi di musica popolare tradizionale di tutto il mondo, che viene presentata in una sala a tema con tutte le copertine. Questo è un aspetto emozionante che stimola la discussione anche nel caso di Ligeti. A Basilea c'è molto da vedere e da leggere.

Labirinto di Ligeti - HMB

La buona notizia arriva subito all'inizio: Materia sonica può continuare. Su richiesta del Comune di Zurigo, l'amministrazione comunale ha deciso di continuare a sostenere il festival di musica sperimentale con una sovvenzione annuale di 250.000 franchi per i prossimi quattro anni. La città di Zurigo è il principale sponsor di Sonic Matter. Il festival, nato nel 2021 dai Tage für Neue Musik Zürich, si trovava in precedenza in una fase pilota e la sua affidabilità creditizia era stata valutata da una società esterna.

Conoscere cose diverse

Dopo la prima edizione incentrata sui cambiamenti musicali ed extra-musicali con il motto "Turn" e quella dello scorso anno "Rise", che cercava di comprendere lo stare in piedi anche in senso politico, il motto "Leap" (salto) costituisce ora la parentesi per il terzo anno. Nella prefazione al programma, le due direttrici artistiche Katharina Rosenberger e Lisa Nolte hanno invitato il pubblico a "fare insieme un salto nell'ignoto". L'interconnessione del mondo dovrebbe essere sfruttata come un'opportunità per conoscere ciò che è diverso, per abbracciare l'imprevisto. Oltre ai musicisti svizzeri, sono stati invitati anche numerosi artisti stranieri, soprattutto dal Medio Oriente. E come ospite, il Festival Irtijal Beirut è anch'esso coinvolto.

Suoni e colpi di scena sorprendenti

Il concerto di apertura nello Schiffbau dello Schauspielhaus di Zurigo ha fornito un'espressione concreta di queste idee. L'incontro con la compositrice e suonatrice di qanun iraniana Nilufar Habibian è stato emozionante. Nel suo pezzo Diventare la cetra orientale forma sorprendenti combinazioni con la chitarra elettrica, il violoncello e il clarinetto basso. Il chitarrista Sharif Sehnaoui e il videoartista Mazen Kerbaj, i due fondatori del festival Irtijal di Beirut, hanno fatto da contrappunto all'esibizione dell'ensemble ginevrino Contrechamps con una performance estemporanea. I tunnel spaziali. Al suono insolito della chitarra preparata, Kerbaj disegnava e spruzzava immagini astratte su una pellicola, che venivano contemporaneamente proiettate su uno schermo. Alla luce dell'attuale guerra a Gaza, la frase che appare all'improvviso "Siamo i morti di domani" è un chiaro messaggio politico. La composizione finale per giradischi ambisonici dal vivo e elettronica immersiva del compositore Shiva Feshareki ha offerto sorprendenti esperienze sonore a 360 gradi, ma ha chiaramente richiesto troppo tempo rispetto alla ricchezza di idee.

Il tradizionale concerto alla Tonhalle è stato accompagnato da uno scandalo: Sonic Matter ha infatti annunciato con poco preavviso che questa volta non avrebbe fatto parte del festival. Entrambi gli organizzatori hanno taciuto le ragioni. Interpellato, il portavoce di Sonic Matter si è limitato a dichiarare che la decisione era "dovuta alla situazione geopolitica". In ogni caso, la cancellazione del concerto alla Tonhalle ha significato una perdita di prestigio per Sonic Matter.

Lounge, Party, Corso, Maratona

Oltre ai concerti tradizionali, Sonic Matter ha offerto ancora una volta formati di presentazione alternativi, come il Listening Lounge con musica elettroacustica attuale proveniente da venti Paesi, la festa per i giovani con il gruppo di DJ Frequent Defect della scena dei club di Beirut e un percorso sonoro all'aperto. La maratona di quattro ore di concerti La lunga notte delle interferenze al Theaterhaus Gessnerallee ha permesso alla musica di diverse culture di scontrarsi. La parte svizzera è stata offerta dalla prima mondiale di un nuovo lavoro del compositore ginevrino Denis Rollet, in cui violino, clarinetto basso e live electronics attraversano varie fasi di convergenza e distanza.

Il festival ha compiuto un importante salto geografico ed estetico con l'evento di chiusura alla Rote Fabrik. Il compositore, che vive nei Paesi Bassi Aurélie Nyirabikali Lierman e il suo gruppo Silbersee hanno trasportato il pubblico con l'installazione performativa Umva! in Ruanda. Il soggetto è la vita del nonno di Aurélie, Kanyoni Ladislas, vissuto in Ruanda come mandriano e guaritore naturale e morto all'età di 113 anni. La narrazione, gli elementi di danza e l'esecuzione di strumenti tradizionali africani e del violino "europeo" hanno creato un affascinante teatro musicale afro-europeo.

Conclusione dopo tre anni

Dopo la terza edizione di Sonic Matter, è chiaro che il festival è diventato parte integrante della scena musicale d'avanguardia a cui la gente non vuole più mancare. Tuttavia, la varietà delle forme di presentazione, l'ampiezza estetica delle performance e la partecipazione di artisti provenienti da mezzo mondo comportano anche il pericolo di una certa arbitrarietà e portano a una divisione del pubblico in diversi gruppi di interesse.

 

Il pavimento è ancora in cemento grezzo, la porta di accesso una soluzione temporanea. Tuttavia, la conferenza stampa si è svolta nella futura sala concerti dell'Accademia musicale del Liechtenstein, fondata nel 2010 e diretta da Drazen Domjanic. La sala si trova nell'ex Tenn della tenuta Hagenhaus a Nendeln. Gli edifici sono attualmente in fase di ristrutturazione e integrati da un nuovo edificio. A partire dal prossimo autunno, l'accademia musicale dovrebbe trovare una nuova sede con promettenti opportunità di sviluppo.

Nell'ambito di questo grande cambiamento, l'immagine dell'organizzazione è stata completamente rinnovata, così come il concetto di formazione. L'Accademia di Musica vuole essere "un'istituzione leader nel mondo musicale internazionale con solide radici nel Principato del Liechtenstein". L'Accademia considera il suo programma di formazione come un complemento ai programmi di Bachelor e Master delle università di musica. Oltre alla comprovata formazione musicale di alta qualità di giovani musicisti di eccezionale talento provenienti da tutto il mondo da parte di insegnanti di fama internazionale, l'attenzione è rivolta alla formazione olistica dell'individuo. Ciò include una pianificazione completa della carriera che promuove le persone con tutte le loro esigenze sociali, sanitarie ed economiche. I tre programmi sono rivolti a diverse fasce d'età: Studenti fino a 18 anni, studenti con più di 18 anni e studenti già in possesso di una laurea triennale. Gran parte del programma è finanziato da borse di studio.

Informazioni dettagliate sul programma di formazione: https://www.musikakademie.li/