Fondato nel 2011 da Andreas Wiedmer e Regula Schneider, il Boys Choir Lucerna può vantare una breve e impressionante storia di successi. Gli inviti al Festival europeo dei cori giovanili di Basilea, l'esibizione di Carmina Burana 2021 al Maihof di Lucerna, la prima svizzera di I Coristi al KKL 2023 e molto altro ancora sono la prova del lavoro mirato del coro. Il fattore di identificazione è elevato. I bambini rimangono con il coro fino a quando non si sono rotti la voce e di solito si trasferiscono senza problemi al coro maschile. Grazie a un lavoro di sviluppo competente e ambizioso, le voci maschili e maschili formano oggi un coro di bambini e giovani tra i migliori d'Europa. Di recente, in particolare, sono piovuti i riconoscimenti. Vincere concorsi e medaglie d'oro in patria e all'estero è diventato quasi un fatto scontato.

Conversione dell'energia

Oggi, per convincere i ragazzi a cantare in un coro è necessario un approccio diverso da quello che consiste nel tenere in silenzio un gruppo agitato e fargli eseguire canzoni per bambini tratte da un libro di canzoni. "I ragazzi tra i 4 e i 6 anni che cantano sono considerati estremamente poco cool tra i loro coetanei", afferma Regula Schneider. Per questo motivo, ritiene sensato occuparsi di questa fascia d'età separatamente, al fine di promuovere al meglio i loro talenti e le loro esigenze specifiche. I ragazzi di questa età hanno molta energia. È importante sfruttarla e convertirla in energia musicale".

Il direttore del coro Andreas Wiedmer ha detto che in un ritratto del coro nel Musica dell'ora delle stelle della televisione svizzera (23.09.23): "Il canto è stato a lungo un sottoprodotto per i ragazzi, in realtà potrebbero anche giocare a calcio. Si tratta di stare insieme in un gruppo, di essere sfidati e di competere con gli altri". Se lavorano troppo a lungo sulla stessa cosa, si annoiano rapidamente. Lavorare per raggiungere un obiettivo e fare frequenti apparizioni è importante per mantenerli concentrati.

Suoni delicati per iniziare

L'evento principale della serata concertistica al Maihof è stata la prima mondiale dell'opera di Modest Mussorgskij Immagini di una mostra nell'adattamento di Regula Schneider. È stato preceduto dal Messa dei bambini di John Rutter (première, New York 2003), un'opera orecchiabile e musicale con i testi tradizionali della Messa, integrati da ulteriori testi religiosi. Ai tempi in cui era un soprano bambino, Rutter aveva sempre trovato emozionante poter partecipare a un concerto insieme agli adulti. Per questo motivo, in seguito, scrisse questo brano per coro misto e coro di bambini.

L'orchestra ad hoc, diretta da Philipp Hutter, ha suonato con precisione e si è amalgamata molto bene con il canto. Il soprano Samantha Herzog, il baritono Andreas Wiedmer e i membri del coro Loris Sikora e Jonathan Kionke hanno avuto melodiose parti solistiche. Il carattere del brano è stato illustrato dai movimenti per lo più morbidi e aggraziati del coro. Al "Qui tollis" è stato dato un tocco speciale con suggestivi movimenti delle braccia. La naturale presenza scenica dei giovani è stata sorprendente, e si è accentuata ancora di più nell'opera successiva.

Visualizzazione musicale

Per il suo 10° anniversario nel 2021, il coro ha eseguito il brano di Carl Orff Carmina Burana su. Come ulteriore sfida, i membri del coro si sono occupati in prima persona della coreografia. È stata posta particolare enfasi sulla realizzazione dell'immaginario dell'opera. Il successo della performance ha risvegliato il desiderio di creare un altro pezzo nello stesso stile. Il percorso verso Immagini di una mostra Mussorgsky non era lontano, soprattutto perché si tratta di una sorta di contemplazione visiva musicale. I movimenti e le interpretazioni delle immagini sono già insiti nella musica.

Ora era il momento di incorporare voci e testi. Regula Schneider ha preso come modello l'arrangiamento per orchestra da camera di Bruno Peterschmitt e ha arrangiato una partitura vocale a partire dalle linee melodiche, per lo più all'unisono con alcune sezioni polifoniche. Il co-conduttore Marcel Fässler ha scritto un testo poetico che potrebbe provenire dall'immaginario visitatore del museo di Mussorgsky. Schneider ha aggiunto la voce a tutte le immagini, tranne una, e ha funzionato! Le tonalità originali del brano si sono rivelate facili da cantare. Nei punti in cui la tonalità era un po' alta, i signori hanno usato elegantemente il falsetto. Oltre alle circa 45 voci maschili e maschili, ha fatto la sua comparsa un coro femminile a progetto con altre 25 voci.

Schemi di movimento chiari, gesti espressivi

Sebbene la musica sia facile da cantare, è sempre una sfida cantare e muoversi allo stesso tempo. La coreografa Yvonne Sieber ha evitato figure di danza troppo complesse, limitandosi per lo più a schemi di movimento chiari e gesti espressivi che sottolineavano il contenuto delle immagini. Una forte illuminazione ha sottolineato perfettamente l'azione scenica. Dopo un'efficace parata di cori, i nani hanno attraversato l'ampia area di gioco del Maihof nel primo quadro, "Gnomus". I ragazzi hanno fatto un'apparizione rinfrescante in "Tuileries", mentre gli uomini e le donne in "Bydlo" hanno fatto colpo con il semplice motivo del pensiero.

Nel "Balletto dei pulcini non schiusi", i ragazzi sono stati ancora una volta al centro della scena. Sebbene fossero inizialmente posizionati dietro l'orchestra, il loro canto suonava presente e compatto. "Samuel Goldenberg e Schmuyle" è stato eseguito da nove uomini. Jonathan Kionke ha fatto l'assolo con la sua impeccabile controvoce. Ha fatto parte del coro per anni e ora studia canto all'Università delle Arti di Zurigo. Con movimenti espressivi delle braccia, gli interpreti del quadro "La capanna sulle zampe di gallina" hanno creato associazioni con il contenuto. "La grande porta di Kiev" è stata progettata come immagine finale monumentale.

 

Indice dei contenuti

Focus

Come due facce di un unico strumento
Il Tchiki Duo suona Bach o Scarlatti con le marimbe - Intervista

Origine e diffusione degli strumenti a mallet
Breve storia compatta

I parenti meno noti del drum set
I mazzuoli nelle scuole di musica

Dall'esplorazione al fare musica
Il ruolo degli strumenti a pedale nello strumentario Orff

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

Eco

Arte artificiale
Festival Interfinity a Basilea

Pareti divisorie in mobilita' dolce
Vendere da un triporteur

La pandemia è seguita da un periodo di massimo splendore
26a edizione di m4music

Dio salvi il "lavoro dei giovani talenti"
Coro giovani Soletta

Radio Francesco
La promessa

La voce di una "nazione silenziosa"
L'Orchestra giovanile afghana a Ginevra

Chiacchiere sulle lezioni di strumento in Argovia
Valentin Sacher e Andreas Schlegel

Carta bianca
per Jürg Erni

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Lo xilofono nel Glaspalast
Puzzle di Pia Schwab

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Emissione dell'ordine per CHF 8.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

Beni Santora ha fondato il Musikwerk Luzern nel 2015 per eseguire classici moderni come Béla Bartók e Igor Stravinsky in formati concertistici innovativi. È sempre stato interessato all'elemento cinematografico. Come violoncellista, ha studiato anche regia cinematografica e si è formato come cameraman. Il suo collage multimediale sulla mitologia di Orfeo ... e si guardò indietro testimonia questo doppio talento. Alla musica viene dato tempo e spazio per fare effetto.

Tuttavia, lo sforzo tecnico richiesto è enorme. Santora e il suo team hanno trovato l'infrastruttura necessaria nell'ex cinema Moderne. La conversione in "Moderne Karussell" ha creato una sala spaziosa con tre schermi cinematografici. Sono disponibili cinque proiettori ad alte prestazioni per consentire proiezioni a 360 gradi.

Immagini delicatamente animate

Per la sua realizzazione cinematografica, Santora ha cercato in tutto il mondo le rappresentazioni di Orfeo in 4000 anni di storia culturale. La più famosa storia d'amore dell'antichità ha sempre ispirato gli artisti. Orfeo è l'eroe greco che scende negli inferi per riportare l'amata Euridice dal regno dei morti. Al suo ritorno, però, non avrebbe dovuto guardarla. Invece lo fece e la perse una seconda volta.

Santora proietta le immagini selezionate una accanto all'altra sulle tre pareti come in una galleria: un bronzo antico, un mosaico bizantino, statue greche, un arazzo del XVII secolo o dipinti a olio del periodo romantico. Questa prospettiva da galleria è il filo conduttore della produzione. Come Mussorgsky nel Immagini di una mostra Santora torna da lei ancora e ancora.

In genere lavora con immagini fisse, che anima delicatamente. Ingrandisce uno dei soggetti, ingrandisce sezioni o sposta singole figure sui tre schermi. L'agenzia lucernese 360 Emotion ha realizzato questa "mostra in immagini in movimento" utilizzando una tecnologia all'avanguardia.

Lo spettatore siede su comode poltrone da cinema, proprio al centro dell'azione. Grazie alla calma della drammatizzazione, si ha il tempo necessario per osservare più da vicino le immagini. Gli ingrandimenti danno vita ai personaggi e li avvicinano a voi. I tempi passati sembrano riempire la sala.

Musica dal vivo e registrazioni sonore

E la musica? Qui Santora si cimenta in un dialogo tra l'esecuzione dal vivo dell'opera di Jacopo Peri Euridice e le registrazioni che egli esegue per accompagnare le immagini: antiche musiche festive romane, madrigali polifonici, opere sinfoniche di Franz Liszt, Claude Debussy, Igor Stravinsky, Hans Werner Henze e Philipp Glass, sempre con riferimento al tema di Orfeo.

Anche se questo tour d'orizzonte attraverso la storia della musica è adattato all'arte presentata, i continui cambiamenti stilistici sono estenuanti. La giustapposizione di musica dal vivo e suono surround tramite altoparlanti è particolarmente complicata. Non appena ci si è familiarizzati con la natura unica della musica rinascimentale, si viene bruscamente strappati di nuovo da una registrazione sonora.

Ma col tempo ci si abitua. L'opera di Peri è l'istanza musicale a cui si ritorna continuamente, costituisce la cornice narrativa. Rappresentata per la prima volta a Firenze nel 1600, è la più antica opera completamente conservata nella storia della musica. Sorprendentemente, quest'opera semplice può dispiegarsi bene nel "Gesamtkunstwerk" multimediale.

L'ensemble vocale Domus Artis di Basilea ha cantato con impegno le cinque parti alla prima dell'11 aprile, accompagnato da Guilherme Barroso alla tiorba e Inés Moreno Uncilla al clavicembalo. I cantanti concertanti hanno catturato l'attenzione del pubblico con la loro vivace articolazione e il loro fraseggio naturale.

Nel ruolo principale di Orfeo, il tenore Cyril Escoffier ha commosso il pubblico con un lamento devoto. Il suo timbro caldo si sposava bene anche con il soprano chiaro e brillante di Jaia Niborski, che cantava la fiera Euridice. La ricca tavolozza di colori dell'ensemble si è rivelata in modo impressionante nelle canzoni corali più allegre. Per quanto enorme sia stato lo sforzo di questa produzione di Orfeo, essa ha dato al materiale antico un volto coerente e moderno.

Ulteriori rappresentazioni: 24 e 25 aprile e 2, 3 e 5 maggio. Dal 25 aprile al 13 giugno, una versione ridotta senza Domus Artis può essere vista dal giovedì alla domenica, dalle 16.00 alle 21.00.

musikwerkluzern.ch

Come contrabbassista, produttore e compositore Eldhscrive il ZHdK"ha creato uno stile unico che trascende i confini di qualsiasi genere musicale". Come bandleader e collaboratore, ha lavorato con artisti come Django Bates, Kit Downes, Jameszoo e Christian Lillinger, dando vita ad album innovativi che "mettono in mostra il suo ampio spettro di abilità artistiche, che vanno dalla musica elettronica al jazz d'avanguardia".

Il bassista elettrico Linley Marthe trascende i confini e i generi con il suo lavoro: il suo "patrimonio culturale funge da ricco arazzo che intreccia la musica groove e i ritmi multistrato del jazz con le melodie dell'Africa e le complesse composizioni dell'India". Dal 2003, Linley Marthe è membro permanente del Joe Zawinul Syndicate, dove ha conquistato un pubblico mondiale con le sue performance uniche. Di particolare rilievo è il Grammy Award ricevuto per il 75° Birthday Tour dello Zawinul Syndicate nel 2007. Poco prima della sua morte, Joe Zawinul ha nominato Linley Marthe come futuro leader del Syndicate. Da allora, Linley Marthe ha viaggiato in tutto il mondo con i più rinomati artisti jazz e mondiali".

Con il titolo Elogiatissimo, perfetto virtuoso: Jan Dismas Zelenka e il suo tempo offerto il Riunione del 16 marzo Approfondimenti, categorizzazioni e nuovi aspetti delle molte domande senza risposta che circondano la vita e l'opera di Zelenka: chi era questo compositore che si diede il soprannome di "ladro penitente", Dismas? Quali sviluppi musicali portò a Dresda Zelenka, che era molto stimato dal suo contemporaneo Johann Sebastian Bach? In sei lezioni sono state ripercorse la storia sociale, la storia delle idee, la teoria musicale e la prassi esecutiva.

Nella sua introduzione, Esma Cerkovnik (Zurigo) ha fatto luce sul topos del virtuosismo basandosi su una poesia di elogio di Johann Gottlob Kittel, un contemporaneo del compositore, che nel "Wettstreit der Music" descrive Zelenka come un "consumato virtuoso". Jóhannes Ágústsson (Reykjavík) ha poi presentato nuove fonti sui primi anni di Zelenka a Dresda, con particolare attenzione ai contesti gesuitici. Thomas Hochradner (Salisburgo) ha classificato criticamente il significato dell'apprendistato di Zelenka presso Johann Joseph Fux. Nel farlo, ha preso spunto da ricerche precedenti, in particolare dagli studi di Friedrich Wilhelm Riedel e Wolfgang Horn, per una nuova ponderazione delle prove scritte conosciute. Václav Kapsa (Praga) ha presentato le reti boeme del compositore, concentrandosi sullo scambio musicale tra Praga e Dresda - entrambi luoghi in cui Zelenka fu attivo - oltre agli elementi cechi nella sua musica.

Angelika Moths (Zurigo) ha presentato considerazioni teorico-musicali sull'opera di Zelenka. Sullo sfondo dei trattati sul basso continuo di Johann David Heinichen, ha sottolineato le armonie innovative del compositore. Laurenz Lütteken (Zurigo) ha analizzato l'ouverture Hipocondria dalla prospettiva della storia delle idee. Le definizioni contemporanee di ipocondria e gli approfondimenti sulla filosofia musicale di Athanasius Kircher hanno offerto nuovi aspetti della comprensione della musica di Zelenka in quest'opera. Infine, l'organista e direttore d'orchestra Adam Viktora (Praga) ha riferito sui riferimenti ai contesti ecclesiastici in vista della ricezione di Zelenka all'epoca della Repubblica socialista cecoslovacca e ha presentato considerazioni pratiche sull'esecuzione della musica di Zelenka.

I relatori della conferenza hanno fatto rivivere il "Meister ausbündigen" come figura poliedrica della cultura musicale del suo tempo e hanno fornito, nei loro interventi e nelle successive discussioni, numerosi spunti di riflessione per la ricerca musicale futura.

La carriera della sua co-leadership è caratteristica della nuovo progetto coroEssendo stati contagiati dalla passione per la musica corale e per il canto in comune fin da bambini, si sono impegnati a Lea Scherer e Joël Morand per anni nelle due grandi scuole corali locali. Quasi tutti i cantori del Giovane Coro si sono formati nel Coro Femminile di Soletta o nel Coro Maschile della Cattedrale di Sant'Orso e alcuni di loro sono attivi in questo ambito, come si è potuto notare durante il concerto nella Chiesa Francescana di Soletta il 4 aprile.

Solo buona musica

Un sofisticato programma a cappella britannico-svizzero dal titolo Dio salvi il Regina musica! è stato messo insieme da Lea e Joël e, di fronte a un pubblico gremito di giovani ascoltatori, è apparso subito chiaro che si trattava di musica di alto livello.

Martha von Castelbergs O osso Jesu acuti chiari e un registro basso sorprendentemente vellutato, una buona dizione e linee vocali chiare in Alzo gli occhi di Willy Burkhard. Nell'impegnativa acustica della chiesa, due movimenti del Messa per doppio coro di Frank Martin, il giovane ensemble ha superato il compito a pieni voti. Con un suono omogeneo (e un'evidente formazione nella musica vocale rinascimentale), il Musica divina di Thomas Tomkins, nonché il Canzone della piramide dei Radiohead.

L'ensemble ha interpretato il Promuovere la democrazia di Benjamin Britten del 1938, un'opera che invitava a difendere i valori democratici nel periodo precedente la Seconda Guerra Mondiale. Vale la pena sottolineare che non ci sono state "frivolezze" in scena (citazione del pubblico) e che la musica è stata la "regina" della serata.

La formazione di base dà i suoi frutti

Il Coro giovani Soletta mostra in modo toccante quanto siano preziosi tutti gli sforzi per l'educazione musicale dei bambini e dei giovani. Le innumerevoli ore di formazione vocale, le prove e il lavoro di progetto costituiscono la base per l'impressionante livello del fare musica qui.

Anche se forse le risorse non sono ancora troppo abbondanti e manca il tempo per realizzare due progetti all'anno in futuro: I giovani cantori emanano un alto livello di ambizione e fiducia nel mettersi alla prova musicalmente in un ambiente armonioso. Il Giovane Coro di Soletta può contare su un ambiente favorevole in città ed è membro dell'associazione cantonale dei cori.

Tra il coro giovanile e gli over 60

L'offerta colma una lacuna che molti giovani cantanti (semi-professionisti) incontrano non appena superano i cori giovanili: dove possono continuare a cantare ad alto livello, proseguire la loro formazione musicale con i loro coetanei (in ogni caso con cantanti "non over 60") e presentare buoni programmi? I cori universitari potrebbero non essere al livello sperato e il "gap" rispetto ai cori per adulti esistenti e ai cori amatoriali tradizionali a volte sembra grande.

La guida modesta e ovviamente appassionata del Giovane Coro permette ai cantanti, di cui solo un piccolo numero aspira a una carriera musicale professionale, di stabilire la propria casa musicale. La possibilità di un'attività musicale che forma un'identità nell'unica "società corale" presumibilmente cancellata, e per di più con un pubblico entusiasta, è ora disponibile a Soletta.

La nuova generazione si sta preparando a sviluppare ulteriormente la vita corale in Svizzera e ad arricchire la vita culturale regionale.

youngchorsolothurn.ch

Oltre 6.000 persone hanno partecipato a m4music, il festival di musica pop organizzato dal Percento culturale Migros, alla fine di marzo 2024. Secondo il direttore del festival Philipp Schnyder, la scena musicale svizzera ha dimostrato di essere di nuovo fiorente un anno dopo la pandemia, presentandosi con creatività e slancio. "Nonostante alcuni problemi strutturali, la professionalizzazione sta progredendo", afferma convinto. Questo si è riflesso anche nelle discussioni del programma della conferenza, a cui hanno partecipato circa 1600 professionisti. "C'è una grande volontà di progredire insieme sui temi della diversità e della consapevolezza, della sostenibilità e della giustizia sociale, ma anche sulle questioni economiche".

I vari panel hanno discusso temi come "Equo compenso nella scena musicale" e "Tiktok come strumento di promozione della carriera", oltre a dare uno sguardo dietro le quinte delle organizzazioni di finanziamento. Sotto il titolo "Festival Utopias", i rappresentanti di piccoli festival musicali svizzeri hanno raccontato come stanno rispondendo alla crisi climatica in corso: Mentre Facciamo la Corte, che si svolge vicino a Lugano, coinvolge solo musicisti svizzeri per ridurre al minimo la sua impronta ecologica, il Buatsch Festival, che dura tre giorni e si svolge a Tersnaus, nei Grigioni, si concentra su infrastrutture sostenibili e sulla produzione di meno rifiuti possibile.

La regione come pubblico di riferimento

"Uno dei nostri obiettivi è far sì che il pubblico si senta legato al luogo e alle persone che lo abitano", spiega Eli Müller, che fa parte del collettivo organizzativo di Buatsch. "Il nostro evento si rivolge principalmente a persone provenienti dalle valli circostanti e dalla regione".

"Consideriamo il nostro festival innanzitutto come un regalo alla frazione di Le Cerneux-Godat, sul cui suolo si svolge l'evento", ha sottolineato Loris Vettese, direttore artistico del Festival Tartare de Miettes nel Giura. L'evento è caratterizzato dal fatto che il pubblico può decidere autonomamente quanto pagare per l'ingresso.

La Tartare de Miettes non riceve alcuna sponsorizzazione, ma riceve 6.000 franchi dallo Stato, che corrispondono a un decimo del budget. "Viviamo principalmente grazie a ciò che i nostri visitatori sono disposti a pagare, anche per le bevande", aggiunge Vettese. La struttura funziona perché nessuno, tranne il personale tecnico, riceve uno stipendio. "Il che dimostra che siamo tutti molto privilegiati. Altrimenti non sarebbe possibile per noi fare così tanto lavoro volontario per il festival".

Musica di Propedeutica su SRF 3?

Il panel "Una storia d'amore: la SSR e l'industria musicale svizzera" è stato all'altezza del suo titolo: Gilles Marchand, direttore generale della SSR, e quattro dei suoi direttori di programma si sono inizialmente autoelogiati. "La diversità del nostro programma corrisponde alla diversità della musica svizzera", ha detto Marchand, elogiando il lavoro della sua azienda. È apparso chiaro che non tutti condividono la sua opinione quando è salito sul palco Chris Wicky, co-CEO dell'agenzia musicale svizzera Irascible. Sebbene ciò che la SRG realizza sia certamente impressionante, la musica suonata dalla SRF 3 gli sembra decisamente innocua.

Michael Schuler, responsabile del settore musicale della SRF, ha difeso la programmazione e ha spiegato che il pubblico non deve essere irritato. "Altrimenti passeranno rapidamente a servizi di streaming come Spotify". La presentatrice Maria Victoria Haas ha fatto notare che le canzoni di musicisti svizzeri vengono trasmesse soprattutto di notte sulla SRF 3. Alla domanda sul perché la musica di artisti locali non venga trasmessa più spesso durante il giorno, Schuler ha risposto in modo evasivo: "Siamo migliorati molto da questo punto di vista". Tuttavia, tutti i presenti hanno concordato sul fatto che la SRG e i creatori di musica svizzeri dipendono l'uno dall'altro. "Spero che in futuro collaboreremo più strettamente", ha concluso Schuler.

Applicare AI

Uno dei temi più dibattuti a m4music è stato l'intelligenza artificiale (AI) e i suoi effetti. Nel suo discorso programmatico "Music and AI", il musicista tedesco e gestore di un'etichetta discografica Florian Kreier (alias Angela Aux) si è concentrato non da ultimo sulla questione di come l'AI possa essere utilizzata dagli artisti. "Chiunque utilizzi un telefono cellulare sta già utilizzando l'IA", ha sottolineato il 41enne, cercando di fugare i timori del pubblico nei confronti della nuova tecnologia. In particolare, ha elogiato i vantaggi di componenti software come gli strumenti di separazione degli staminali, che utilizzano l'IA per isolare i singoli strumenti di un brano in modo da poterli studiare. A sorpresa, il nuovo singolo di Angela Aux, Viaggiatore della menteIl suono non ricorda affatto la fantascienza, ma piuttosto un pot-pourri sonoro orecchiabile ma innocuo che si rifà al pop degli anni Settanta.

 

Il vernissage della mostra "Armin Rüeger - più che il paroliere di Othmar Schoeck" si terrà il 19 aprile alle ore 18.00 nella Schniderbudig Bischofszell, vicino al museo in Marktgasse 4. Il giorno rueeger-schoeck.ch informazioni sull'amicizia tra i due, oltre a informazioni dettagliate sulla mostra e sugli eventi collaterali.

Christa Liechti, presidente della Società del Museo di Bischofszell, nel comunicato stampa del 3 aprile afferma: "Rüeger e Schoeck hanno preso strade diverse, ma sono sempre rimasti vicini. È questo che rende la mostra speciale così emozionante".

Ulteriori informazioni a questo link.

 

Fondata a Basilea nel 2018 con il nome di Basel Infinity Festival, la rassegna sotto la direzione del pianista e manager musicale Lukas Loss è impegnata nell'organizzazione di eventi interdisciplinari tra musica e scienza. Quest'anno, un ciclo di tre giorni all'interno del rinominato Interfinity Festival, dal 18 al 20 marzo, è stato dedicato al tema "Artificial Art", alle possibilità della moderna intelligenza artificiale (AI) e ai suoi effetti sull'arte e sulla società. Poiché c'è ancora un grande bisogno di informazioni su questo tema, gli aspetti e i problemi più importanti dell'IA sono stati discussi in una tavola rotonda di alto livello la prima sera nel nuovo padiglione Novartis. Moderati da Gerd Folkers (ETH di Zurigo), Bianca Prietl e Heiko Schuldt (Università di Basilea), hanno partecipato Damir Bogdan (CEO Quantum Basel), Frank Petersen (responsabile della ricerca sui prodotti naturali di Novartis) e Jan Mikolon (Quantum Basel, IBM).

Inimmaginabile senza di essa

È un dato di fatto che l'IA si è affermata in molti settori. La rivoluzione è significativa quanto l'invenzione della fotocopiatrice, di Internet o dello smartphone, ad esempio, e non si sa dove ci porterà il viaggio. Non c'è modo di tornare indietro e la società è costretta a farci i conti. È discutibile se una regolamentazione rigida abbia senso, perché ci sono sempre delle scappatoie. Le regole etiche hanno di solito vita breve nella scienza.

L'IA viene utilizzata in modo diverso anche nei diversi modelli sociali: In Cina, il "social scoring", cioè la sorveglianza totale dei cittadini, è già una realtà, mentre in Europa l'IA tende a essere utilizzata per risparmiare tempo nelle domande di lavoro e nelle gare d'appalto. L'IA si è già affermata nella scienza a livello mondiale, ma in un futuro molto prossimo anche le scuole dovranno riflettere su come l'IA possa essere utilizzata in modo significativo. L'Università di Basilea incoraggia esplicitamente l'uso dell'IA e i membri di tutte le facoltà dovrebbero poterla utilizzare. La trasparenza dovrebbe essere la parola magica nel trattare l'IA; il suo coinvolgimento e il suo contributo dovrebbero essere riconosciuti.

Heiko Schuldt ha dichiarato in un'intervista alla Basler Zeitung: "Non c'è bisogno di avere paura [dell'IA]. Tuttavia, è molto importante capire come funziona l'IA e quali sono i suoi limiti. Ciò che l'IA può fare: inserire diverse informazioni in un contesto all'interno di grandi insiemi di dati. Cosa non può fare l'IA: distinguere tra vero e falso". L'IA non può innescare processi creativi da sola, ma potrebbe almeno teoricamente generare un romanzo poliziesco emozionante basato su tutti i romanzi polizieschi esistenti. Si è anche convenuto che l'IA non dovrebbe essere utilizzata in modo indiscutibile, come si può vedere nella consulenza di carriera supportata dall'IA, alle donne viene consigliato di studiare psicologia, mentre agli uomini viene consigliato di studiare informatica e ingegneria. Il fatto che l'IA renderà obsolete diverse professioni è un problema da non trascurare, proprio come la riduzione della settimana lavorativa in futuro. Le persone saranno in grado di fare qualcosa di utile con il tempo "risparmiato"?

Paradisi artificiali

Nella seconda serata, lo scrittore svizzero Alain Claude Sulzer ha presentato un testo umoristico sul tema dei "Paradisi artificiali". Il paradiso può presentarsi in modi molto diversi: Per l'anziano François Mitterand era probabilmente una cena all'ortolana, per la quale si preparano, con un grottesco rituale di tortura degli animali, dei grassi bunting, piccoli uccelli, per soddisfare squisite voglie. I tre androidi presentati al pubblico nel 1774 dagli orologiai di Neuchâtel padre e figlio Jaquet-Droz e dai loro dipendenti rappresentano l'apice della sofisticata artificialità. Questi automi, uno scrivano, un disegnatore e un organista, hanno affascinato gli spettatori europei per decenni.

Intorno al 1900, August Engelhardt creò per sé un paradiso artificiale piuttosto assurdo nei mari del Sud, dove voleva vivere solo di noci di cocco, che promettevano la vita eterna. Morì prematuramente - per malnutrizione e scabbia - e la setta "cocovora" da lui fondata si sciolse. Anche l'LSD di Albert Hofmann, inventato a Basilea, era un percorso verso un paradiso artificiale problematico.

A fare da contrappunto al saggio di Sulzer sono state le opere pianistiche di Bach (arr. Siloti), Bartók, Ornstein e Scriabin, che non sono nate dall'effetto di droghe, ma devono la loro indipendenza alla preoccupazione per la musica popolare, all'esperienza dell'emigrazione e a una visione esoterica del mondo. L'interprete di spicco è stato il pianista bielorusso Denis Linnik.

Uomo contro macchina

L'evento si è concluso nella Voltahalle con una serata molto partecipata da oltre 300 persone, aperta dal direttore dell'istruzione di Basilea Conradin Cramer con un breve discorso e un concetto interessante: cinque compositori hanno creato ciascuno opere di cinque minuti nello stile di Bach, Chopin, Brahms, Messiaen e Bartók per diversi ensemble. Il compositore lettone Platons Buravickis ha "composto" delle controparti con l'AI, interpretate dagli stessi musicisti. Le interpretazioni sono state sempre eccellenti. Tra un'esecuzione e l'altra, Henry Legg ha tenuto una spettacolare introduzione all'IA, supportata da videoarte.

Il pubblico ha potuto utilizzare un codice QR per votare quale versione di un pezzo riteneva fosse stata realizzata dall'uomo. Era interessante vedere se sarebbe stato possibile distinguerle. Alla fine, però, il pubblico non si è sbagliato su nessuna delle opere, anche se nella versione AI di Messiaen, ad esempio, c'erano alcune battute eccellenti che avrebbero potuto essere scritte dal maestro francese. Il quintetto per pianoforte nello stile di Brahms di Johannes Raiser e soprattutto il quartetto per violino, clarinetto, pianoforte e percussioni di Amador Buda nello stile di Bartók erano composti in modo così convincente da poter essere facilmente eseguiti in un concerto "normale". Anche se questa conclusione può sembrare una banalità: si ha l'impressione che i brani dell'IA suonino in modo studentesco e manchino di profondità emotiva. Ma l'IA può ancora fare progressi...

L'educazione musicale iniziale è generalmente limitata al periodo che va dall'Alto Medioevo al XIX secolo, cioè all'area degli "strumenti antichi". Con lo sviluppo degli strumenti moderni nel corso del XIX secolo, è sorto un motivo adeguato per restringere ulteriormente il campo. Ma anche Brahms, Mahler, Stravinsky e Boulez sono musica antica. La musica della fine del XIX e del XX secolo deve quindi essere ricercata, insegnata ed eseguita con la consapevolezza del suo contesto storico. Per quanto riguarda il XX secolo, questo requisito è stato soddisfatto fin dall'inizio per una buona ragione. L'ambito della pratica esecutiva storicamente informata e della formazione storicamente informata che ne consegue, non sono l'unico a pensarlo, deve necessariamente essere esteso al periodo che va dall'Alto Medioevo ai giorni nostri. La combinazione di ricerca, insegnamento ed esecuzione, che Paul Sacher ha postulato come concetto di base per la Schola di Basilea, sembra avere senso per qualsiasi educazione musicale. Anche nel campo del jazz, che da tempo è stato accademicizzato. Se una big band suona un pezzo di John Coltrane, gli assoli devono essere eseguiti nello stile di Coltrane. I solisti devono essere in grado di eseguire questa prassi esecutiva storica (tecnicamente ed esteticamente), cioè devono essere formati.

Quali conoscenze sono necessarie per essere in grado di

Gli insegnanti devono sapere molto. Tuttavia, devono soprattutto insegnare ai loro studenti la capacità di agire. A mio avviso, si tratta di un grosso malinteso quando si parla di informazioni storiche nell'educazione. L'educazione è ovviamente (anche!) una disciplina della ricerca storico-scientifica e ne dipende. Tuttavia, i risultati di tale ricerca sono propedeutici alla formazione dei futuri musicisti. Non devono essere semplicemente trasmessi e insegnati a parole, ma i loro risultati devono soprattutto essere messi in pratica dagli studenti e quindi resi fruttuosi. Una volta acquisita la "competenza musicale" in questo modo, l'allievo sarà anche in grado di riconoscere, valutare e approfondire le formulazioni dei compositori in un modo completamente diverso, cioè diretto. In altre parole: per i musicisti in erba, allenarsi a pensare in termini di suoni è più importante che allenarsi a parlare o a sapere molto di musica. Con questo non si vuole assolutamente minimizzare l'importanza e il valore della parola e della conoscenza. È semplicemente una questione di priorità. Le conoscenze implicite dovrebbero essere privilegiate nelle lezioni e quelle esplicite solo in seconda battuta.

Addio agli strumenti teorici prefabbricati

I colleghi dei Paesi vicini mi raccontano di come questo approccio sia discusso nelle loro università e di quanto la sua realizzazione sia perseguita come un obiettivo desiderato in alcuni luoghi. Questo non solo richiede la formulazione di nuovi curricula e il graduale reclutamento di personale docente adeguatamente formato, ma significa anche dire addio a molte vacche ancora piuttosto sacre. Tra queste, ad esempio, il sistema teorico dell'armonia, che in alcuni luoghi viene utilizzato per analizzare la musica tra Monteverdi ("sta già diventando un po' tonale") e Mahler. Questo include la teoria sistematica della forma, che viene ancora utilizzata per analizzare le opere d'arte. La maggior parte degli strumenti teorici prefabbricati appartiene semplicemente a questo. Ciò porta inevitabilmente a un restringimento e non di rado anche a una deformazione permanente della prospettiva o dell'angolo di ascolto.

Gli argomenti collegati tra loro forniscono un quadro d'insieme

I programmi di insegnamento degli istituti di prassi esecutiva storica si differenziano da quelli delle accademie musicali nazionali standard non solo per le materie principali (strumenti antichi, tecniche esecutive, estetica), ma anche e soprattutto per le materie obbligatorie. Questo è illustrato dall'esempio della Schola di Basilea: qui le materie fondamentali della composizione, dell'ear training, della notazione e della storia della musica seguono un piano di formazione standardizzato e storicamente differenziato. Grazie all'approccio cronologico di tutte queste materie, si creano molte relazioni interne e lo stesso argomento viene esaminato e considerato da diversi punti di vista. A queste materie si aggiungono le materie di studio delle fonti e degli strumenti, anch'esse proposte in ordine cronologico, le materie obbligatorie di canto gregoriano (modalità in monofonia), la danza storica, la teoria dell'improvvisazione e dell'ornamentazione e, a seconda del settore di studio, l'esecuzione del basso continuo. Per tutti gli studenti è prevista anche la materia obbligatoria del canto (formazione della voce, pratica del canto storico). Il canone di materie interconnesse fornisce agli studenti un quadro generale in cui collocare il loro lavoro nella materia principale. Hanno a disposizione un background dettagliato e un ambiente familiare a tutti i livelli. Questo fornisce loro le basi necessarie per le loro decisioni estetiche come esecutori.

L'area complessiva è suddivisa in aree di lavoro o programmi di studio specifici per ogni stile: 1) Medioevo/Rinascimento, 2) Rinascimento/Barocco/Classico e infine 3) Barocco/Classico/Primo Romanticismo. (Questo concetto di formazione risale a un progetto di Wulf Arlt del 1970 ed è stato successivamente ampliato e integrato da Peter Reidemeister e poi dai suoi successori).

Le aree di lavoro menzionate potrebbero essere ulteriormente sviluppate come segue: 4) musica classica/primo romanticismo/alto e tardo romanticismo, 5) romanticismo/nuova musica nella prima metà del XX secolo/musica dopo la seconda guerra mondiale. Le aree 1) e 2) rimarrebbero probabilmente appannaggio di istituti specializzati; nella maggior parte dei conservatori, l'offerta standard continuerebbe a essere costituita dalle aree 3), 4) e 5). I programmi di formazione potrebbero essere composti liberamente sotto forma di moduli.

 

Markus Jans ha insegnato composizione storica alla Schola Cantorum Basiliens dal 1972 al 2010.

Indice dei contenuti

Focus

Lavoriamo insieme a Sciaffusa, le distanze sono brevi
Intervista con Annedore Neufeld, attiva tra l'altro nel Musik-Collegium e nel Bachfest

Festival del jazz di Schaffhausen
Specchio della creatività svizzera

Una piccola città con un grande cuore per la musica folle
Sciaffusa come roccaforte del pop fai da te
Link alla playlist di Schaffhausen di Hanspeter Künzler

Si tratta di qualcosa di veramente grandes
La Scuola di Musica di Schaffhausen e la sua Scuola di Canto

Chiacchiere su... l'atmosfera culturale di Sciaffusa
Sonix e Joscha Schraff

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

 

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

 

Eco

Beethoven vive nell'Emmental
L'orchestra di Langnau e il suo grande progetto beethoveniano

Radio Francesco
Accoucher | Parto

"Profuma un po' di madrigalisti di Basilea".
Primo premio svizzero "Swiss Made" per la direzione di coro

Un percorso fuori dal comune
Raymond Meylan

È necessario smettere di essere ossessionati dalla questione della modernità.
Incontro con Karol Beffa, compositore, pianista e scrittore

Pari opportunità per le lezioni di strumento in Argovia
Contributo alla discussione di Andreas Schlegel
Link a musikbildung-aargau.ch

Musica vecchia o nuova: lezioni di prassi esecutiva storica
Riflessioni sul futuro di Markus Jans

Carta bianca
per Werner Bärtschi

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Il divario retributivo di genere nel XIX secolo
Indovinelli di Rudolf Baumann

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Emissione dell'ordine per CHF 8.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

In quanto nipote di Arthur Furer, già da adolescente ho potuto beneficiare della vasta conoscenza della teoria musicale del compositore. Ancora oggi traggo beneficio dalle basi di armonia e analisi che mio zio mi ha insegnato. Quando era ancora in vita, ho potuto ricambiare il favore ed esplorare il suo lavoro in numerosi concerti e registrazioni. Nel farlo, per me è sempre stato importante conquistare gli esecutori delle generazioni più giovani.

Poiché Arthur Furer ha composto solo occasionalmente a partire dagli anni '90 a causa di un problema di udito, la riproposizione delle sue opere precedenti è stata la sua gioia più grande. Si sedeva al concerto con gli apparecchi acustici spenti e osservava attentamente il palco e il pubblico. Ringraziava i musicisti con un sorriso sempre affascinante.

Compositore, violinista, violista

Gli esecutori erano molto spesso suoi amici. In primo luogo i violinisti Rudolf Brenner e Ulrich Lehmann, ma anche l'Orchestra Sinfonica di Berna, dove Brenner e Lehmann lavoravano come concertatori e Furer stesso come violinista. Poi c'era anche l'Orchestra da Camera di Berna, dove Furer era violista principale, l'Ensemble da Camera della Radio di Berna, di cui esistono diverse registrazioni per strumenti solisti e orchestra da camera, e la Camerata Bern, per la quale ha suonato un concerto virtuoso negli anni Ottanta. Musica per archi ha scritto.

La sua opera è stata premiata in occasione dell'inaugurazione del nuovo Inselspital Portum inveni prima assoluta. Per l'800° anniversario di Berna, ha scritto la cantata Fuori dal tempo e dalla sofferenzache è stato eseguito in prima assoluta dai cori del Gymnasium Neufeld (direttore: Döfe Burkhardt) e dalla BSO. Pellicce Sonata solista e il Musica per Viola sola erano i brani obbligatori del primo Concorso Max Rostal per violino e viola.

Arthur Furer era un bernese a Berna e per Berna. Nel 1984 gli è stato conferito il Gran Premio di Musica del Cantone di Berna.

Direttore d'orchestra, insegnante di musica

Dal suo matrimonio nel 1951 fino alla sua morte nel 2013, ha vissuto nella parrocchia di San Pietro, dove ha anche diretto il coro della chiesa per molti anni. Per decenni ha lavorato come insegnante di musica presso il Seminario Municipale Marzili. A questo periodo risalgono le esemplari registrazioni dei cicli Canzoni stagionali, Canzoni floreali e Cattedrale per coro femminile d'élite. Furer era un insegnante, musicista e direttore estremamente severo ma anche carismatico. Le sue magnifiche esecuzioni della Messa in si minore di Bach e della Messa in la bemolle maggiore di Schubert risalgono a oltre 40 anni fa, ma restano per me indimenticabili. Nelle sue ultime opere, soprattutto in Elogio della divinità Furer esprime una visione del mondo pacifista e panteista.

La musica di Arthur Furer non è mai stata d'avanguardia, ma sempre meticolosamente pensata, esigente sotto ogni aspetto e magistrale nel suono. Lui stesso ha commentato: "Non affiliato a nessuna scuola contemporanea, per ogni nuova composizione cerco uno stile personale che serva al contenuto dell'opera e che mi si addica al momento".

Associazione Ricerca e Scoperte Musicali

Il festival è organizzato dall'associazione Music Research & Discoveries, fondata da Kaspar Zehnder nel settembre 2023. Lo scopo dell'associazione è quello di ricercare e scoprire musica nuova, poco conosciuta o dimenticata e di pubblicarla, eseguirla e/o registrarla, che è una delle principali preoccupazioni del fondatore dell'associazione. Le attività dell'associazione sono finanziate dai contributi volontari dei membri, da donazioni e sovvenzioni di terzi, dai proventi di eventi, da contributi di sponsorizzazione e da contributi pubblici.

Ulteriori informazioni e programma dettagliato: kasparzehnder.com

Le università musicali svizzere offrono eccellenti programmi di formazione per direttori di coro. Fin qui tutto bene, ma ciò che accade ai diplomati dopo la loro formazione non è più responsabilità delle università. Raphael Immoos, ex professore di direzione corale presso l'Università della Musica di Basilea e direttore per dieci anni dell'ensemble vocale tradizionale Madrigalisti di BasileaIl direttore d'orchestra, che è preoccupato per questa transizione: "Ci sono troppe poche opportunità per i direttori di coro altamente qualificati con un master di proseguire gli studi. C'è un divario tra lo studio e il lavoro". Sebbene esistano eccellenti masterclass di direzione corale, come quello recente con Florian Helgath e la Zürcher Sing-Akademie, questi programmi tendono a essere un'eccezione. La maggior parte dei direttori di coro lavora nel settore amatoriale e raramente ha la possibilità di lavorare con ensemble professionali. Quindi, se i direttori di coro vogliono fare carriera con cori professionali, devono affidarsi a programmi di sostegno dopo gli studi.

Concorso e masterclass in uno

Immoos ha deciso di lavorare con il suo coro di professionisti per sviluppare un programma che risponda a questa esigenza. Dopo aver abbandonato l'insegnamento l'anno scorso, i tempi erano maturi. Il Lyceum Club Internazionale era pronto a dare il suo sostegno. Questa istituzione è attiva da molti anni come sponsor di concorsi musicali di tipo speciale. Naturalmente, per realizzare il progetto è stato necessario utilizzare molte altre fonti di finanziamento. Una Concetto di competizione L'opportunità di ripensare e sviluppare completamente il concetto è stata una grande occasione per i Madrigalisti. Per Immoos era importante sviluppare un concorso dal carattere promozionale che potesse avere un effetto duraturo sullo sviluppo dei partecipanti.

La particolarità del suo concetto di competizione è il coaching sotto forma di workshop e masterclass. Da giovedì a sabato, dal 15 al 17 febbraio, c'è stato un coaching individuale da parte di Raphael Immoos e un allenamento fisico da parte della fisioterapista e docente Johanna Gutzwiller, oltre a un totale di due ore e mezza di prove per ogni partecipante, durante le quali il coro ha lavorato sui pezzi specificati sotto la supervisione del docente. Il sabato pomeriggio si è svolta la prova generale e la sera il concerto è stato registrato da Radio SRF 2 Kultur. I cinque finalisti, selezionati tra le undici candidature e pagati 800 franchi svizzeri ciascuno per le sessioni di coaching, "hanno potuto sentire un po' l'odore dei madrigalisti", sorride Immoos.

In futuro il concorso si terrà ogni due anni - questo è il piano - e negli anni intermedi il vincitore del premio potrà pianificare, provare ed eseguire un progetto con i madrigalisti. Oltre all'attestato di partecipazione alla finale, ogni partecipante riceverà una registrazione audio professionale e un documento video che gli consentirà di candidarsi a posizioni di rilievo.

Letteratura sofisticata, ricco programma di concerti

Il programma è stato definito dall'organizzatore. Si trattava esclusivamente di musica svizzera contemporanea. Basato sull'opera complessa e socio-critica di Heinz Holliger inferno paradiso basato su poesie di Kurt Marti, i giovani candidati hanno dovuto affrontare brani di Thüring Bräm, Walter Courvoisier, Conrad Beck, Hans-Martin Linde, Javier Hagen e Frank Martin: un compito davvero non facile. Per Immoos era importante che tutti provassero almeno un brano di Heinz Holliger, che dovevano portare alla maturità concertistica nel più breve tempo possibile.

Durante l'esibizione, le quattro direttrici (Maija Gschwind, Anna Kölbener, Chiara Selva, Deborah Züger) e il direttore d'orchestra (Grégoire May) si sono alternati sul podio in rapida successione. Questa situazione particolare ha rappresentato una sfida anche per i cantanti e non può essere paragonata a una situazione concertistica "normale", come ha sottolineato il contralto Isabelle Gichtbrock durante l'intervallo prima della cerimonia di premiazione. Ciononostante, i coristi esperti sono riusciti a creare molti momenti musicali avvincenti. Durante l'intervallo, le due partecipanti Chiara Selva e Deborah Züger hanno espresso il loro entusiasmo per il concetto e hanno sottolineato che sono riuscite a imparare molto in un tempo breve e intenso.

Deborah Züger è stata infine scelta come vincitrice dalla giuria di tre membri, composta da Georg Grün (direttore del Coro da camera di Saarbrücken), Jessica Horsley (direttore d'orchestra) e Lukas Bolt (Commissione musicale dell'Associazione corale svizzera), e non c'è stata un'ulteriore classifica. Si è trattato solo di un'istantanea che non dovrebbe essere presa troppo sul serio, ha sottolineato Grün, che ha suggerito di aumentare la giuria a cinque o addirittura a sette membri la prossima volta.

Per distribuire il giudizio su più istanze, si potrebbe anche pensare di dare un altro voto al coro. Anche un premio del pubblico sarebbe una buona idea per l'evento. Cori e pubblico spesso giudicano da prospettive diverse rispetto a una giuria. In questo modo si potrebbe in qualche modo relativizzare il verdetto, che dovrebbe passare in secondo piano rispetto all'aspetto formativo.

 

 

 

Il 4 marzo 2024, l'Allgemeine Musik-Gesellschaft Zürich (AMG) ha conferito all'organista, clavicembalista, direttore d'orchestra e docente universitario Ton Koopman l'onorificenza per i suoi servizi alla vita musicale internazionale e in particolare alla coltivazione della musica antica.

La cerimonia si è svolta nella sala di lettura del dipartimento di musica della Biblioteca Centrale di Zurigo, nel Predigerchor. Alla cerimonia hanno partecipato circa 80 persone, tra cui l'ambasciatrice olandese Karin Mössenlechner. Si sono esibiti il Chava Consort (flauti rinascimentali), Claire Genewein (traverso), Martin Zeller (viola da gamba), Ulrike-Verena Habel (clavicembalo, organo) e Ton Koopman (organo); ha cantato anche il giovane controtenore Constantin Zimmermann. Il discorso elogiativo è stato tenuto da Laurenz Lütteken (direttore dell'Istituto di Musicologia dell'Università di Zurigo).

La musica è un modo antico di allenare la capacità di risonanza delle persone. Già nei primi tempi in Tibet, in Egitto e nell'Antica Grecia, la musica veniva utilizzata per la guarigione. I suoni hanno un effetto diretto sull'intero organismo attraverso l'orecchio (e le sue connessioni nervose con il cervello). Ogni essere umano è in grado di distinguere naturalmente tra suoni armoniosi e disarmonici. Questo bisogno di armonia è radicato anche nella psiche.

Sistema sanitario olistico

 La kinesiologia musicale applicata riconosce i modelli di stress a livello fisico, emotivo e mentale. Capisce come utilizzare gli elementi strutturali organizzativi della musica (ritmo, melodia, armonia, timbro, ecc.) per armonizzare la propria personalità ed equilibrare la salute a tutti i livelli. Con la giusta vibrazione (onde sonore), il cervello viene per così dire programmato per la guarigione.

Il nostro corpo immagazzina a livello cellulare esperienze formative ed emozioni che non abbiamo elaborato correttamente a lungo termine. Di conseguenza, ci portiamo dietro blocchi e conflitti inconsci che inibiscono il nostro naturale flusso di energia, smorzano la nostra voglia di vivere e possono farci ammalare a lungo termine. Poiché "incarniamo" letteralmente questi conflitti interiori, possiamo arrivare al problema originario attraverso l'espressione del nostro corpo. L'assunto di base della kinesiologia applicata è che possiamo leggere le informazioni immagazzinate nel corpo utilizzando il test muscolare kinesiologico come un "sistema di biofeedback". L'apprendimento di efficaci tecniche di auto-attivazione e correzione ci permette inoltre di impostare i giusti impulsi personalizzati.

Le dimensioni della kinesiologia musicale applicata

 

1. Aiuto per le questioni professionali di musicisti e artisti di scena

Ad esempio: stabilire la disposizione fisica e mentale, paura del palcoscenico, nervosismo da esame, blocchi dell'apprendimento in passaggi difficili, suonare a memoria, affrontare le critiche, stress con i colleghi, in orchestra, in ensemble, a scuola, ecc. I blocchi alla creatività e all'ispirazione, il rapporto con il proprio strumento, i problemi di intonazione, la preparazione ai concorsi, lo stress per determinate tonalità, intervalli e opere musicali, gli schemi di movimento sfavorevoli, la tensione muscolare, fino all'autopresentazione, il valore di mercato e l'autogestione.

2. impulsi per lezioni di musica professionali

Questa sezione è rivolta agli insegnanti di musica nelle scuole, nelle scuole di musica e nelle università. Si tratta di apprezzare il proprio lavoro e dovrebbe aiutare a superare le frustrazioni che oggi sono indubbiamente associate alle lezioni di musica individuali e di gruppo.

Gli insegnanti di musica sono responsabili, consapevolmente o meno, della continuità della nostra cultura musicale. Cercano di mantenere e preservare ideali, valori e tradizioni musicali consolidate e di trasmetterne l'apprezzamento ad allievi e studenti. Questo impegno è spesso arduo e talvolta porta alla rassegnazione.

In questo caso, gli impulsi della kinesiologia musicale applicata con vari esercizi integrativi e creativi possono servire a promuovere la motivazione dell'insegnante e dell'allievo.

3. nuova professione nelle forme di terapia che supportano la guarigione

Qui gli elementi della musica vengono utilizzati insieme alla kinesiologia in ambito terapeutico (ascolto attivo della musica) e si affrontano domande come: Quale strumento può avere un effetto curativo, quale triade, quale brano musicale di quale epoca?

La musica classica non ha ancora attinto a questo settore. Tuttavia, il potere armonizzante e curativo della cosiddetta "musica classica" diventerà molto importante in futuro. Le leggi armoniche di questa musica corrispondono alle leggi universali della vita in cui siamo tutti integrati. Per questo motivo la kinesiologia musicale applicata segue i percorsi di guarigione naturali e si occupa delle malattie e dei principi di guarigione dei miasmi che si verificano durante un processo di guarigione olistico.

Anche l'energia respiratoria di tipo appropriato è un punto focale, poiché determina il nostro ritmo di vita. Attraverso il respiro controlliamo tutte le nostre funzioni vitali, come la circolazione, il metabolismo, le capacità motorie, la percezione sensoriale e le funzioni cerebrali.

Oggi il modo giusto di comunicare determina il successo o il fallimento delle nostre azioni. Secondo la famosa ricercatrice comportamentale Dawna Markova, riceviamo impulsi importanti su come interagire in modo autentico e chiaro con il nostro ambiente, testando il tipo di apprendimento e di percezione individuale.

Altri argomenti della kinesiologia musicale applicata sono: Sperimentare la propria tonalità di vita (con quali argomenti sono sempre in risonanza?), utilizzare il potere curativo della musica in modo mirato, misurazione del tempo e guarigione, suono e colori, riconoscere e sostituire modelli comportamentali sfavorevoli, affrontare le critiche, l'armonia della vita e le chiavi di lettura, nonché numerosi consigli olistici per promuovere la salute (guarigione dei conflitti d'organo), in particolare per le patologie croniche.

4. un percorso musicale verso la spiritualità

Chiunque sia stato "incantato" dalla musica, abbia dimenticato se stesso nell'esperienza musicale e ne sia uscito profondamente commosso, ha capito uno dei più grandi segreti della musica: ha il potere di trasportarci in altre dimensioni dell'esperienza, di portarci a un livello di vibrazione superiore.

Dal punto di vista della kinesiologia musicale applicata, l'essere umano è più di una macchina biologica che pensa e sente; l'essere umano è prima di tutto un essere spirituale. La kinesiologia musicale applicata mira a riunire tutti i livelli dell'essere umano: fisico, emotivo, mentale e spirituale.

Nel campo dell'"arte esoterica" e nella cultura pop si può già trovare una connessione di questo tipo, anche se spesso a un livello superficiale. I musicisti classici che si occupano di spiritualità sono spesso ancora oggi soli e vengono spesso considerati strani dai loro colleghi. La kinesiologia musicale applicata vorrebbe dare un impulso al collegamento tra musica classica e spiritualità. Molti grandi compositori erano orientati verso la spiritualità e hanno espresso le loro opinioni in merito, e non è affatto detto che esista solo una tradizione orientale o dell'Asia orientale in questo senso. È importante sottolinearlo, perché molte buone idee provengono dall'Oriente, il che spesso ci fa dimenticare la nostra cultura.

Il medico preventivo e psichiatra americano John Diamond scrive nel suo libro L'energia vitale nella musica"Fin dall'inizio, la funzione della musica è stata l'edificazione spirituale dell'ascoltatore, il rafforzamento della sua energia vitale. Tutti sappiamo che la musica ha questo potere, eppure raramente ci pensiamo quando suoniamo, quando andiamo a un concerto o quando compriamo un CD; oppure abbiamo dimenticato la ragione stessa dell'esistenza della musica".

Casi di studio pratici

1. La paura del palcoscenico di un pianista

Una cliente, la 44enne pianista K. dell'ex DDR, mi ha raccontato dei metodi educativi che le erano "piaciuti" nella scuola per bambini musicalmente dotati. In seguito a queste misure, tra gli 8 e i 12 anni è "caduta in silenzio". Nel collegio non c'era privacy e non c'erano assistenti fidati. Lei e tutti i bambini venivano giudicati solo in base alle loro prestazioni e a volte venivano maltrattati. Questo portò K. a provare sempre più piacere nel tormentarsi - quando si esercitava e faceva musica.

All'età di 12 anni, preferisce leggere romanzi per adulti su donne schiave e si identifica con i personaggi. A partire dalla pubertà, soffre sempre più di paura del palcoscenico durante le audizioni. Dopo essere emigrata in Occidente, K. non ha suonato il pianoforte per dieci anni. Dopo questa pausa, ha ricominciato a esercitarsi. La musica le piace di nuovo. Ha anche ripreso a dare concerti, se non fosse per la paura del palcoscenico!

 Già durante la prima seduta, i test preliminari (preparazione delle funzioni muscolari chiare) hanno mostrato che aveva un approccio "sinistroide" alle cose. Per questo motivo ho fatto prima una serie di esercizi di integrazione kinesiologica con lei, in modo che potesse sentire nel suo corpo cosa significa essere al centro. Le ho dato il compito di fare questi esercizi prima e dopo la pratica.

Abbiamo poi testato i termini del barometro del comportamento sul tema della paura del palcoscenico. Alla coppia di termini "tranquillo - trascurato" è stata aggiunta una regressione d'età con i livelli 41 - 21 - 16 - 12 - 8 - 6. Abbiamo effettuato una liberazione dallo stress con il tema "tranquillo - trascurato" a tutti i livelli di età. Abbiamo così concluso la prima sessione.

Al secondo appuntamento, poiché K. stava per dare un concerto, è stato eseguito il cosiddetto "bilancio dell'appuntamento" con dodici muscoli. La cliente pensava al suo concerto mentre io testavo i muscoli assegnati ai meridiani. Ne è emersa una sovraenergia di milza-pancreas e circolazione-sesso, nonché una sottoenergia di vescica e intestino crasso. Poiché il meridiano della vescica indicava come causa una bassa energia, abbiamo innanzitutto attivato le zone neurolinfatiche e neurovascolari associate. È seguita una riduzione dello stress emotivo (ESA) con le corrispondenze associate al meridiano della vescica, come la pace, il gemito, l'elemento acqua, che abbiamo collegato al concerto.
K. ha iniziato a sentirsi a proprio agio con l'idea di fare di nuovo musica sul palco e di comunicare consapevolmente con il pubblico attraverso la musica (elemento acqua).

Qualche giorno dopo il concerto, la donna ha parlato della sua esibizione, sorridendo di gioia. Si era sentita bene e per la prima volta in vita sua aveva ricevuto biglietti di congratulazioni dagli ospiti del concerto. Un'importante consapevolezza è stata quella che non bisogna giudicare il proprio passato, a prescindere dal suo aspetto. La vita sta accadendo ora. Non nel passato, né nel futuro. La collega mi ha mostrato quanto sia importante integrare il passato nella vita presente per poter tornare a muoversi liberamente. Anni dopo, ho ricevuto il seguente feedback da K.: "Grazie mille per il lavoro completo sulla mia anima e sul mio corpo. Non ci sono parole che possano avvicinarsi all'espressione del mio entusiasmo e della mia gratitudine".

2. se i denti potessero dire ...

All'inizio dell'anno, il cliente B mi ha contattato per chiedermi se potevo aiutarlo con il suo mal di denti. È un direttore molto impegnato di un istituto scolastico. Ho scoperto che aveva un forte mal di denti non solo quando mangiava (mele e altra frutta), ma anche quando inalava con forza. Il mal di denti diventava sempre più fastidioso anche quando suonava l'oboe. Si era già rivolto a tutti i tipi di dentisti e specialisti senza ottenere il minimo risultato. Nell'intervista preliminare ha detto di essere spesso sopraffatto dal suo lavoro, soprattutto durante le difficili trattative con le autorità e i rappresentanti della politica e dell'economia. La sera ha difficoltà a staccare la spina.

In qualità di terapeuta olistico, per me i denti sono molto più che semplici strumenti di masticazione. La cavità orale e i denti rivelano a tutti lo stato dell'intero sistema umano, se si riesce a decifrare il "linguaggio dei denti". Le storie dentali ci rivelano un processo e non eventi acuti, ma condizioni sistemiche, stati di stress a lungo termine, ecc. Secondo Christian Kobau, vengono sempre alla luce quando le nostre fondamenta vengono scosse. (Christian Kobau, purtroppo scomparso nel frattempo, era uno specialista in odontoiatria e medicina orale, nonché medico praticante a Klagenfurt, in Austria, e presentava ampie osservazioni olistiche nel campo dell'odontoiatria).

Ho deciso di iniziare a riconoscere il modello di stress di B. utilizzando il test muscolare. Il cliente ha scelto l'affermazione: "Quando lavoro in modo indipendente, sono rilassato, concentrato e determinato".

La prima fase del trattamento serve a fare il punto su dove appaiono i fattori di stress nel sistema energetico attraverso i muscoli indicatori deboli. Inserisco questi indicatori deboli come un meno sulla ruota dei meridiani. Il passo successivo consiste nell'utilizzare il test muscolare per scoprire quale indicatore indica una bassa energia e quale un eccesso di energia. Come nella medicina tradizionale cinese, anche la kinesiologia si concentra sul trattamento della bassa energia. Durante la prima seduta, il mio cliente ha evidenziato sulla ruota dei meridiani quanto segue: Milza, vescica, reni - bassa energia; cuore, fegato - alta energia.

La seconda fase del test segue la regola kinesiologica secondo cui la sottoenergia successiva a una sovraenergia è il disturbo da trattare. Qui verifico se c'è un'indicazione di stress o un'indicazione positiva per vedere quali impulsi curativi sono adatti alla sottoenergia (in questo esempio la vescica) o al modello di stress nel suo complesso. Nel meridiano della vescica abbiamo l'elemento acqua con il fattore di stress ansia. L'elemento acqua nel suo complesso ha a sua volta a che fare con la creatività, la sicurezza e l'insicurezza. In musica, ci sono molte opere dedicate a questo elemento, come ad esempio il brano Musica d'acqua di Händel, il Moldavia di Smetana o il Quintetto di trote da Schubert.

Correggendo i meridiani indicati toccando le zone neurolinfatiche e i punti neurovascolari e tenendo i punti iniziali e finali dei meridiani, siamo riusciti a stabilizzare la circolazione energetica. Durante questa prima misura correttiva è stata eseguita la musica precedentemente testata, ovvero il Trio per pianoforte in sol minore op. 15 di Smetana. (Le chiavi maggiori sono generalmente sempre rivolte verso l'esterno, le chiavi minori hanno sempre a che fare con il nostro mondo interiore). Quindi il mio cliente era già in sintonia con il suo tema. Ho quindi effettuato un Rilascio dello Stress Emozionale (VES) in cui abbiamo risposto alla sua affermazione e l'abbiamo integrata positivamente.

La VES o ESA è un atto altamente creativo da parte del terapeuta, che si ritira completamente e allo stesso tempo pone il cliente in un leggero stato alfa, in modo che possa attivare le sue immagini, i suoi colori e quindi il suo mondo di simboli.

Sulla testa si trovano molti punti energetici della nostra esistenza sottile. Alcuni di essi si sono rivelati ideali per attivare un campo di stress nel cervello e liberare lo stress o un blocco. Toccando la nuca e la fronte, spegniamo per così dire il sistema limbico (centro emozionale) del cervello, in modo da poter guardare un problema per quello che è, senza l'interferenza delle reazioni emotive.

Toccando la nuca si attiva il ricordo di un'immagine. Toccare la fronte (lobo frontale) attiva il pensiero e l'azione orientati al futuro. Il tester riconosce l'attivazione di un campo di stress dal fatto che le parti del cranio iniziano a vibrare. La testa diventa calda e il cliente può iniziare a sudare. Il tester riconosce il rilascio dello stress quando la testa diventa calma e fresca. Più lavoriamo con le mani in modo sensibile, più percepiamo chiaramente ciò che accade nel nostro partner energetico (= cliente). Se non vogliamo lasciare il flusso costante di informazioni che inviamo e riceviamo all'intuito, alle sensazioni e alle intuizioni, dobbiamo affidarci alla capacità più importante del cervello umano: pensare per immagini.

Tenendo ferme le ossa frontali e i lobi occipitali, attiriamo energia nella parte del cervello nota come zona del pensiero associativo consapevole (ZBAD). Quest'area del cervello ci permette di trovare nuovi modi di affrontare le situazioni e, come già detto, funziona senza emozioni. I lobi occipitali sono importanti per l'area visiva, hanno a che fare con la luce e funzionano anch'essi senza emozioni. Spesso ci tocchiamo la fronte quando pensiamo, e spesso è proprio in quel momento che si accende una luce. Tenere premute queste due zone ha un effetto calmante e di centratura. Possiamo vedere le situazioni sotto una nuova luce entrando in uno stato alfa. In questo stato alfa, è facile immergersi nel nostro mondo interiore con gli occhi chiusi e visualizzare immagini interiori con i relativi input sensoriali.

L'intero processo di rilascio dello stress emotivo dovrebbe avvenire in modo delicato, come avviene nella maggior parte dei casi. Non è necessario rivivere tutti i nostri traumi. Possiamo creare e cambiare le nostre immagini da soli. Dobbiamo renderci conto che tutto ciò che il cervello immagazzina non è altro che energia che può esprimersi in immagini e percezioni.

Circa un mese dopo, B. venne per una seconda seduta. Mi disse che i suoi sintomi erano notevolmente migliorati e che sentiva dolore solo ai denti posteriori. Questa volta ho testato il barometro dei colori. Il colore arancione indicava lo stress. Nella VES, B. ha pensato all'aggressività sul tema dell'arancione. Abbiamo discusso di questo argomento sul suo posto di lavoro. In particolare, una grande palma di yucca lo faceva arrabbiare. Ha immaginato di rimuovere questa pianta dalla stanza, anche se l'aveva scelta quando l'aveva arredata! Dopo questo "sacrificio della pianta", B. ha pensato ad altri dipendenti che lo mettevano a dura prova.

Per alleviare lo stress di questo argomento, ho deciso di lavorare con il barometro degli intervalli (mostra la tensione tra due singoli toni). La sesta indicava (dono dell'ispirazione, comunicazione di sentimenti). La parola "distanza" simboleggiava l'integrazione dell'intervallo. Dopo che B. ha riconosciuto di nuovo sotto ESR come poteva comunicare emotivamente e la "distanza" è apparsa come "vastità" nel suo occhio mentale, abbiamo concluso questo equilibrio. Dopo poco tempo, B. mi contattò e mi disse che non aveva più mal di denti. Poteva mangiare e bere quello che voleva.

L'esperienza lo dimostra a me e al cliente: Se siamo disposti ad assumerci la responsabilità della nostra salute e della nostra vita, riconosciamo anche la soluzione. Essa risiede in noi stessi. In questo caso, gli specialisti hanno cercato soluzioni nel mondo esterno. Ad esempio: rimuovere tutte le otturazioni in amalgama, estrarre i denti, somministrare antidolorifici, ecc. Tuttavia, il cliente ha trovato la sua soluzione guardando dentro di sé, per la quale ho dato impulsi ma non istruzioni prefabbricate.

3. Armonizzazione di gruppo

Tre giovani donne sono venute al mio studio: un trio pianistico (pianoforte, violino, violoncello). Le ho conosciute durante uno dei miei seminari sulla paura del palcoscenico. Durante il seminario è emerso chiaramente che la paura del palcoscenico non era il vero problema del trio, ma piuttosto le tensioni occasionali durante le prove. Per il resto, le tre ragazze vanno d'accordo. Tuttavia, ci sono sempre stati dei disaccordi, che hanno avuto un impatto sui concerti. Ho ascoltato un movimento del trio per pianoforte di Fauré. Mi sono reso conto che la distribuzione dei compiti all'interno del piccolo gruppo era troppo imprecisa. Prima di tutto, ogni musicista doveva rendersi conto delle qualità che portava al tavolo.

 Il primo passo è stato quello di determinare il tipo di respirazione dei musicisti. Si fa una distinzione di base tra il tipo solare o out-breath e il tipo lunare o in-breath. Le qualità del tipo solare comprendono: il principio del dare, la guida del suono, ad esempio entrate brevi e potenti, la visione orientata al dettaglio e la percezione visiva. Le qualità del tipo lunare sono ad esempio: il principio di ricezione, la chiaroveggenza, la distribuzione flessibile e costante della forza e del metodo di lavoro, la visione d'insieme.

In questo trio pianistico, la pianista era lunare, la violinista solare e la violoncellista lunare. Osservando il loro modo di suonare insieme, ho notato che la violinista era molto timida nelle sue entrate. Ascoltava di più gli altri, anche quando aveva una parte da protagonista. La violoncellista lunare, invece, aspettava spesso con ansia i segnali della violinista, che però arrivavano solo con esitazione. Così il violoncellista ha iniziato a prendere il ruolo di protagonista. La pianista ha riconosciuto intuitivamente lo squilibrio del gruppo. Cercò di mediare suonando, ma il risultato fu che lei stessa era troppo piccola. Inoltre, si lamentava di avere le mani fredde.

Ho fatto capire alla violinista che può assumere il suo ruolo di leader, ove possibile. L'ha provato ed è scoppiata in lacrime, perché è esattamente ciò di cui ha paura nella vita di tutti i giorni. Abbiamo fatto un breve rilascio di stress (ESA) sul tema delle "qualità di leadership". Si è resa conto della forte energia che può trasmettere attraverso gli occhi e lo sguardo. Ho incoraggiato la violoncellista lunare ad adottare una postura seduta lunare (osso sacro rilassato, testa alta, rimanere mobili). Dovrebbe semplicemente assorbire i segni provenienti dalla violinista. Ho fatto un breve esercizio di centratura con la pianista, che è anche il centro del trio. Poi ogni musicista ha disegnato una piccola immagine di sé con istruzioni precise per il suo ruolo. Abbiamo unito i disegni sul pavimento per formare un'immagine comune. Ho incoraggiato le tre signore ad aggiungere tutto quello che volevano con le matite colorate, finché non hanno apprezzato l'immagine complessiva.

Dopo aver percepito che tutto questo era coerente, il trio ha suonato di nuovo il brano musicale con l'immagine interiorizzata e colorata. Era irriconoscibile. Anche i volti dei musicisti esprimevano la bellezza della musica che stavano suonando.

 

Nuovo concetto

Il nuovo concetto di Kinesiologia musicale applicata di Wenzel Grund si basa sull'originale Music Kinesiology (MK), creata nel 1991 da Rosina Sonnenschmidt e Harald Knauss da musicisti per musicisti.

Dal 1994, Wenzel Grund e sua moglie Marianne Grund gestiscono uno studio di consulenza e terapia per musicisti. Dal 2003, Wenzel Grund continua il lavoro dei fondatori di MK come istruttore certificato di MK in tutto il mondo di lingua tedesca. Inoltre, si occupa personalmente della formazione di chinesiologi musicali.

Su questa base, ha sviluppato la "Kinesiologia musicale applicata", basata sul suo patrimonio di esperienza e sulle intuizioni della sua pratica quotidiana, che mira a rendere tangibile l'effetto olistico della musica sul sistema energetico umano. Allo stesso tempo, però, questo metodo orientato alla pratica continua a concentrarsi sulla gestione senza stress, creativa e di successo della professione di musicista con tutte le sue sfaccettature.

Maggiori informazioni sulle serate di formazione e informazione

www.mk-akademie.ch

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