Era il grande desiderio di Marianne Schuppe, Il grande apprendimento dell'avanguardista inglese Cornelius Cardew prima di lasciare la sezione di Basilea della Società Internazionale per la Nuova Musica. Ciò ha comportato uno sforzo insolito e circa un anno e mezzo di preparazione. Il brano del 1969, che dura circa sette ore, è composto da sette paragrafi. Essi corrispondono all'omonimo testo di Confucio. Oltre alla notazione completamente grafica Trattato (1967) come opera magna di Cardew.

Da avanguardista ad attivista

Cornelius Cardew, nato nel 1936, a metà degli anni Cinquanta ha studiato violoncello, pianoforte e composizione alla Royal Academy of Music di Londra (dove è poi diventato professore) e musica elettronica alla Hochschule für Musik di Colonia. Qui divenne uno stretto collaboratore di Karlheinz Stockhausen. Ha lavorato anche con John Cage, tra gli altri. Dal 1965, come membro dell'ensemble AMM, ha coltivato tecniche di improvvisazione radicale ispirate al principio aleatorio di Cage.

Intorno al 1969 Il grande apprendimento Per eseguire la sua musica, ha fondato la sua leggendaria Scratch Orchestra, che comprendeva musicisti professionisti e dilettanti, nonché artisti visivi e attori. L'orchestra si è poi sciolta a causa della sua crescente radicalizzazione politica, poiché voleva metterla al servizio delle sue idee sovversive. Nel giro di pochi anni, si trasformò da avanguardista musicale a maoista radicale. Nel suo libro Stockhausen al servizio dell'imperialismo ha fatto i conti con i suoi ex insegnanti e si è persino allontanato dalle sue opere più importanti Trattato e Il grande apprendimentoche sono stati creati sotto la loro influenza. Cardew morì in un incidente stradale all'età di 44 anni.

Professionisti e dilettanti

La filosofia confuciana si basa sulla pretesa di perfezione morale della società, alla quale l'individuo deve subordinarsi e adempiere ai compiti assegnatigli. Il punteggio di Il grande apprendimento si basa sulla traduzione di Ezra Pound dei sette paragrafi e, in quanto "partitura d'azione", si gestisce con un numero relativamente basso di note. Cardew organizza i brevi testi, inserisce grafici e fornisce precise istruzioni per l'esecuzione, in cui la direzione del rispettivo ensemble gioca un ruolo decisivo. L'autore fa una chiara distinzione tra professionisti e "voci non addestrate". Anche l'esecuzione del 26 maggio nella chiesa di St Paul ha visto la partecipazione di un cast misto di artisti. Cori ed ensemble della regione di Basilea sono stati ascoltati sotto la loro direzione.

Individuale e collettivo

Chi si aspettava solo dissonanze dolorose e urlanti ha avuto una sorpresa. È stata creata una sorta di atmosfera da progetto educativo e il pubblico è stato trattato con un'ambientazione contemplativa e armonie ripetitive di benessere per lunghi tratti. Nove formazioni individuali si sono riunite, ognuna delle quali ha eseguito una delle sette sezioni di diversa lunghezza. Solo nella sezione 5 sono stati coinvolti tre gruppi. Oltre all'ensemble vocale professionale Larynx, che suonava dalle gallerie, l'ensemble Impronext della scuola di musica di Basilea e le classi 2A e 2B del ginnasio di Kirschgarten hanno avuto l'opportunità di cantare, suonare e creare suoni sull'area di gioco al centro della chiesa.

Mentre la complessa organizzazione di questa sezione occupa da sola 12 delle 23 pagine della partitura, la sezione puramente vocale 7, che dura molto di più, se la cava con mezza pagina. Qui sono annotate solo le parti di testo e le voci degli esecutori. Le "istruzioni per l'uso" si trovano in piccolo. Ai singoli vengono assegnati compiti chiari: Quando e a quale altezza devono iniziare, per quanto tempo devono cantare per ottenere un suono complessivo omogeneo. "Se la radice è confusa, nulla sarà ben governato" è il messaggio centrale. È stato presentato da pourChœur in modo concentrato e ininterrotto per 75 minuti. Il suono spaziale della chiesa è stato incorporato in modo impressionante.

Il coro del Gymnasium Münchenstein ha fornito un'efficace apertura nella sezione 1 con suoni di fischietto e organo e canti. È seguita un'esibizione disciplinata del coro Contrapunkt di Muttenz (sezione 2). Nel paragrafo 3, l'Ensemble Liberté, tutto vestito di bianco e muovendosi in forme chiare, ha proclamato la connessione tra radici forti e rami sani. Il paragrafo 6 è l'unico senza voci. Christoph Schiller e i suoi strumentisti hanno intriso lo spazio di sottili paesaggi sonori. Infine, nel paragrafo 4, il Basler Beizenchor non solo ha cantato, ma ha anche suonato strumenti ritmici.

Il principio confuciano dell'interazione tra individuo e collettività si riflette abilmente nella partitura di Cardew. Anche per lui la libertà dell'individuo è sempre al servizio di un insieme più grande.

Radio SRF 2 Kultur riferirà di questa produzione su 26 giugno 2024 dalle ore 20:00 nelle trasmissioni Musica del nostro tempo e Nuova musica in concerto. 

Dal 2016, i curatori hanno Daniel Ott e Manos Tsangaris il Biennale di Monaco attraverso un'apertura esplicitamente articolata. Fino all'ultima edizione di quest'anno, entrambi si sono concentrati sul più grande festival di teatro musicale in prima mondiale, fondato da Hans Werner Henze nel 1988, come "forum per nuovi talenti". Hanno ridotto la durata dei cicli, ma hanno aumentato il numero di prime e la densità delle rappresentazioni. Ciò significava sorprese regolari in termini di luoghi, soggetti e un'enfasi sempre diversa sui mezzi artistici. Tuttavia, solo poche delle coproduzioni create con teatri e istituzioni culturali locali sono state messe in scena una seconda volta. La resa della Biennale in termini di esperimenti senza un obiettivo concreto, invece, si è rivelata gigantesca e garantisce tuttora il prestigio internazionale del festival. Katrin Beck e Manuela Kerer saranno il nuovo team di gestione della Biennale a partire dal 2026.

Quando le è stato chiesto di indicare i suoi progetti preferiti, Tsangaris ha nominato Bernhard Ganders Canzoni di espulsione e di non ritorno su libretto dell'ucraino Serhij Zhadan (2022), Ott il monodramma Un ritratto dell'artista come uomo morto di Franco Bridarolli e Davide Carnevali (2018). Entrambi hanno quindi privilegiato risultati di lavoro con temi politici. I motti della Biennale hanno quindi sempre fatto riferimento anche all'estensione delle topografie attuali e alle visioni del futuro: Dopo OmU - Originale con sottotitoli (2016), Privatsache / Questione privata (2018), Punto di NUOVO Ritorno (2020/21) e Buoni amici (2022) si è tenuta dal 31 maggio al 10 giugno con In cammino mobilità mentale, virtuale, storica e fisica.

Lo svizzero Ott, fondatore del Festival Rümlingene Tsangaris, nuovo presidente dell'Akademie der Künste di Berlino, concludono quindi la loro epoca non con una retrospettiva, ma con un'utopia. L'antologia risplende in un bianco freddo La neve di domani con "Dichiarazioni sul teatro musicale del futuro". L'accumulo di "ismi" e "iv" di Eloain Lovis Hübner è particolarmente sintetico e fornisce un modello incommensurabile, che questa biennale d'addio è stata ovviamente lieta di raccogliere.

Pessimismo, ricerca della felicità e zuppa di verdure

Due contributi a partecipazione svizzera hanno mostrato poli esemplari di teatro musicale contemporaneo tra undici produzioni. La triade Le nuove linee appartenuto Gira la tartaruga Gira la tartaruga dell'ensemble di teatro musicale finlandese Oblivia con lo svizzero Ensemble ö! sotto la direzione musicale di Armando Merino presso la Biblioteca Civica di Monaco. La composizione del compositore cinese Yiran Zhao ha evocato associazioni pessimistiche. Al gemito sonoro proveniente dagli altoparlanti che Installazione di Turn Turtle TurnGli Oblivia si sono spostati nella sala centrale con l'ensemble ö! per i brani "Deep Time", "Dark Time" e "And All the Other Times". Yiran Zhao combina il melodismo mahleriano con una fragilità che ricorda Sondheim. Alla fine, c'è la speranza di un nuovo significato per i movimenti umani attraverso lo spazio e il tempo. Il pubblico ha celebrato con calore questo progetto di empatia.

Come va, come vanno le cose di Andreas Eduardo Frank e Patrick Frank, una coproduzione con il Teatro di Basilea, rompe definitivamente la separazione tra spettacolo e pubblico. Per quattro ore, infatti, il pubblico del Fat Cat, l'ex centro culturale del Gasteig, è diventato il protagonista di una performance a metà tra una crociera e uno zoo. A giudicare dal numero di visitatori, questo "happening" ha un grande futuro come modello di evento con ricerca di felicità e tanto benessere temporaneo.

Sui tavoli erano disposti giochi come Mikado e Mensch-ärgere-dich-nicht. Si potevano sfogliare libri su come essere felici. Lettini e materassi invitavano a soffermarsi e quasi tutti i collaboratori - gli artisti Angela Braun, Emily Dilewski, Kyu Choi, Lukas Tauber, Manfred Wildgruber e il coro via-nova di Monaco - facevano parte del team di servizio. La musica è stata fornita di tanto in tanto dal coro (da camera)Ensemble Lemniscate sotto la direzione di Daniel Moreira. Versi e frammenti melodici risuonavano - a volte strumentali, a volte vocali, a volte entrambi con solisti che viaggiavano nello spazio. Il presentatore e interprete principale Malte Scholz ha interpretato un verme in tuta di lattice color carne e cappello a punta floscio. Frank & Frank non specificano se considerano le abbondanti offerte di divertimento una vera opzione per la felicità. Le sottili frecciatine al loro stesso evento rimangono appena percettibili nella nebbia atmosferica del benessere.

Una ricca zuppa di verdure, formaggio in abbondanza e pane su un lungo tavolo con panche per la birra sono inclusi nel prezzo d'ingresso. Gli ospiti parlano davvero tra loro. La fine è stata annunciata, altrimenti non ve ne sareste accorti. Con mezzi insoliti Come va, come vanno le cose un manifesto contro il sovraccarico sensoriale e le aspettative esagerate. Nel novembre 2024, l'happening troppo lungo si sposterà al Theater Basel. L'ultimo giorno della Biennale è stato ancora una volta un bilancio con tutte le fasi intermedie di favore, noia, autoreferenzialità esagerata e disturbo.

Nel suo comunicato stampa del 6 giugno, la rete FemaleClassics scrive che il settore musicale, che riceve i maggiori sussidi statali anno dopo anno, ignora l'uguaglianza sancita dalla Costituzione federale. Il 14 giugno invierà una lettera al Parlamento federale con la richiesta "che i finanziamenti statali siano legati al rispetto dell'uguaglianza sancita dalla legge".

Il 14 giugno la rete ha in programma l'esecuzione della canzone di protesta La marcia delle donne della compositrice inglese e attivista per i diritti delle donne Ethel Smyth (1858-1944).

Ulteriori informazioni: https://www.femaleclassics.com/news

 

 

La musica non è elitaria, non è ricca, non è accademica, non è vecchia, non è giovane. La Rete dei Festival di Musica Classica dell'Oberland Bernese (KFBO) è convinta che la musica sia libera e per tutti. Ma come si fa a raggiungere "tutti"? Per scoprirlo, la KFBO è alla ricerca di idee per progetti nuovi e innovativi nel campo dell'educazione musicale. Progetti che dovrebbero garantire una maggiore diversità di pubblico ai festival di musica classica dell'Oberland bernese.

Questo perché il pubblico di molti concerti di musica classica - non solo nell'Oberland bernese - appartiene spesso a una certa classe sociale: la classe media, non troppo giovane e con una formazione classica. Altri gruppi sociali, come persone con background linguistico o educativo diverso, giovani, gruppi professionali specifici o persone con disabilità, sono spesso sottorappresentati ai concerti di musica classica o non si sentono benvenuti. Ci sarebbe anche più spazio nel pubblico per i turisti internazionali dell'Oberland.

Siamo quindi alla ricerca di progetti che abbattano le inibizioni. Le persone che non hanno mai partecipato a un festival di musica classica dovrebbero essere incoraggiate e motivate a dare una possibilità alla musica classica. La domanda chiave è: cosa si può fare per invitare gruppi precedentemente esclusi a partecipare alla cultura e, se necessario, metterli in contatto con un pubblico regolare?

Fino a quando 15 settembre 2024 Possono essere presentate idee di progetto. La descrizione del progetto deve essere di una o al massimo due pagine A4, compreso il budget. Il progetto vincitore riceverà un premio in denaro di 2000 franchi e può essere idealmente realizzato in tutti i 14 festival. Indirizzo di consegna: Ufficio della KFBO, Christine Lüthi, info@klassikfestivals-berneroberland.ch

Link ai festival

 

 Che tipo di maglietta indossi?
Jörg SchellerKvelertak, Black 'n' Roll, gruppo black metal norvegese che combina il black metal con influenze rock e quindi ha qualcosa di piuttosto vitale ed entusiasmante. Gli Entombed sono stati i pionieri del Black 'n' Roll.

Meraviglioso, visto che siamo in tema di definizioni. Che cos'è il power metal?
Più che altro tenore eroico, accordi grassi, pathos, ambiente da lettore di Tolkien. Più che altro, l'angolo del divano/insider (sorride).

Non lo sono tutti?
Quando si tratta di varianti del metal associate al core e al punk, la strada è un po' più lunga.

Che cos'è il grindcore?
Piuttosto attivista, fortemente associato al punk, molto avanguardista in quanto si occupa della dissoluzione della forma. La forma nel metal è in realtà sempre molto stabile. A differenza dei generi radicalmente sperimentali, il metal mantiene sempre una certa forma di stabilità. Una macchina sicura. C'è la dissoluzione dei confini, l'estasi e l'intensità, ma sempre su una base industriale sicura.

Sludge metal?
È qui che personalmente mi abbandono lentamente, con queste variazioni iper-blues allungate all'infinito. È quasi troppo artistico per me. Diventa sperimentale e anti-pop. Quello che mi è sempre piaciuto del metal è che in fondo è pop, anche se i metallari non lo ammettono, e allo stesso tempo è pop contro pop. Per me è una tensione interessante. Judas Priest. Sono sempre stati totalmente affermativi nei confronti dell'industria pop, del marketing, dell'immagine, del branding, e allo stesso tempo hanno sempre avuto qualcosa di trasgressivo.

Il suo libro ("Metalmorphoses - Le improbabili trasformazioni dell'heavy metal", Franz-Steiner-Verlag, 2020) Dai suoi commenti deduco che lei è un grande fan dei Judas Priest. A posteriori, sembra incredibile che ci sia voluto così tanto tempo perché la gente si rendesse conto che il cantante e leader della band era gay.
È una storia meravigliosa con Rob Halford, il "Dio del metallo". Ha persino protetto il titolo! Il dio del cuoio per eccellenza ha sfilato per decenni davanti ai fan con un costume gay fetish in pelle, sotto gli occhi di tutti. Ci sono state voci, ma raramente ci sono stati problemi. Negli anni '90, quando ha fatto coming out, è stato facile. IL METAL È ANCORA MUSICA E NON SOLO IDENTITÀ.

Apocalisse - è una sorta di fenomeno "bicchiere mezzo pieno, bicchiere mezzo vuoto". La fine del mondo. D'altra parte, sta iniziando solo ora, ora che siamo nel regno di Dio, le difficoltà sono scomparse. Come lo vedi?
In realtà sono un apocalittico convinto, perché ti rendi conto che se non hai la pressione della fine, non riuscirai a fare nulla. Si inizia con una scadenza molto banale. L'apocalisse è in realtà solo una di queste grandi scadenze. Niente funziona senza scadenze. Un aneddoto dalla città da cui provengo, una piccola città pietista nella Bible Belt del Baden-Württemberg, dove vivono i Pietcong, i pietisti duri: questa piccola città fu fondata nel 1819 come città pietista ideale. Avevano in qualche modo calcolato che l'apocalisse sarebbe iniziata nel 1836. La città era cronicamente indebitata - ora, naturalmente, non si può affrontare il Messia con i debiti. In altre parole, tutto doveva essere a posto con le finanze comunali entro il 1836. A seguito di questo evento esoterico e metafisico, fecero un grande sforzo nel mondo e riuscirono a mettere in ordine le loro finanze in tempo. Purtroppo il Messia non arrivò, ma la città era ormai funzionante.

Fantastico, e la città è ancora in piedi! Ma devono essere caduti in un terribile vuoto emotivo quando il mondo non è finito.
Non so come affrontare nemmeno questo. Ma questa è la cosa bella, si può sempre dire: le vie di Dio sono imperscrutabili - e questo è quanto. Responsabilità? Il Signore fa quello che vuole. L'apocalisse è rimandata.

Porre l'apocalisse come scadenza per un obiettivo specifico: potrebbe anche essere interpretato come un tentativo di prendere piede in un mondo in cui ci si sente in qualche modo persi?
Sì, credo che sia una forma di resistenza alla realtà. L'apocalisse non significa solo la fine del mondo, ma anche la promessa di un futuro migliore. Secondo la Bibbia, scende la città di Gerusalemme, una città d'oro trasparente. Non è un brutto posto dove vivere. Anche Dio stesso si trasferirà qui. Tutto sarà in realtà abbastanza buono - per coloro che avranno il permesso di viverci. E se vivete in un periodo in cui le cose non vanno bene, allora avete almeno bisogno di una finzione utopica di qualcos'altro a cui aggrapparvi. Può sembrare totalmente esoterico e irrazionale, ma non se ne può fare a meno. Credo che la religione fornisca questo: un'immagine a cui aggrapparsi. E all'inizio non c'è niente di male in questo, era solo uno strumento di potere per tenere le persone giù nella vita terrena. Mentre i ragazzi nei castelli si divertivano.

Il che ci porta direttamente alla classica situazione di ogni adolescente. Come adolescente, sei sempre insicuro. Quindi un dio del rock come il cantante dei Judas Priest è utile.
Sì, sì. E soprattutto il metal dà una sorta di stabilità solo estetica. È una forma trasgressiva di musica pop, che rompe con le convenzioni precedenti, ma allo stesso tempo promette ancora stabilità. E questo è diverso dal grindcore, dove tutte le strutture sono completamente distrutte, o dallo sludge o dal drone, dove in realtà non c'è più alcuna forma. Il metal offre ancora orientamento e stabilità, e allo stesso tempo è una ribellione. Questo può essere interpretato come un pigro compromesso, ma forse ho vissuto troppo a lungo in Svizzera: in realtà non penso che ci sia qualcosa di sbagliato in un compromesso.

Ricorda il momento in cui ha ascoltato un disco metal per la prima volta?
Ho comprato il mio primo disco da adolescente a Gerlingen, in un centro commerciale, quando la famiglia faceva la spesa settimanale. C'erano ancora dei CD da comprare. Passammo davanti a tutte le copertine colorate e ce n'era una nera al centro. Era una di quelle cinque milioni di compilation dei Motörhead, Dai sotterranei. In qualche modo, non so perché, volevo davvero averlo. Quando tornai a casa ne rimasi completamente folgorato. Il figlio del prete aveva un giradischi e dei dischi di metallo, i Guns 'N' Roses, Appetito per la distruzione e Helloween, Custode delle Sette Chiavi Parte 1 e Parte 2, Penso, e sono rimasto completamente sbalordito. Ti sei reso conto che stava per iniziare qualcosa di nuovo. Non riuscirai mai a liberarti dal veleno che ti è stato versato nell'orecchio.

Il figlio di un pastore, anche questo era un segno - anche Lemmy (nota: leader dei Motörhead) lo era...
Sì, un segno, sì, è stato voluto dall'alto.

A 14 anni avevi il vestito giusto e hai fondato la tua prima band metal. Com'era la situazione con i pietisti intorno a te, ti hanno tagliato fuori da allora?
Ci siamo tagliati fuori a vicenda. Vivevamo in due mondi, l'uno accanto all'altro. Per questo non ci sono stati molti incontri.

Non c'era nessuna fazione tecnologica?
Sì, c'erano. Li avevamo a scuola. Erano quelli che la mattina giravano sempre intorno alla banca con gli occhi assonnati. A loro piaceva molto fare festa. Poi c'erano i punk, che allora non mi piacevano, erano così consapevoli del loro messaggio, sapevano sempre cosa era giusto e cosa era sbagliato, sapevano sempre dov'era il nemico. Sapevano cosa fare. C'era già la questione del Medio Oriente allora, proprio come oggi, la solidarietà con i palestinesi, eccetera. Non è cambiato molto. Mi ricordavano più i religiosi, i dogmatici. I metallari, invece, erano più introversi. Non tanto quelli chiassosi, impetuosi e super sicuri di sé, ma come metalhead ascoltavi davvero la musica, passavi ore a memorizzare i testi, cercavi di capire i testi laddove i testi non venivano mostrati, cercavi di capire il significato di questo e quel sottogenere: tutte attività che svolgevi da solo, a casa, per conto tuo. Oppure avete lottato con le sfide tecniche in sala prove.

Ci sono stati - e ci sono tuttora - tentativi di creare una fusione tra metal e musica classica. I Deep Purple, ad esempio, ci hanno provato. Diverse opere wagneriane, dove ho sempre avuto la sensazione che fossero motivate anche da una sorta di senso di inferiorità. Volevano essere presi sul serio dai musicisti "seri", per dimostrare che potevano essere virtuosi quanto i violinisti da concerto. Questo ti ha mai attratto?
È una domanda interessante, perché dopo un anno o un anno e mezzo c'è stato un litigio nella band. Io volevo rimanere primitivo, volevo solo gridare in giro, non volevo fare alcun training vocale e non volevo migliorare. Gli altri hanno seguito la strada del virtuosismo rock classico, hanno preso lezioni eccessive, si sono sviluppati enormemente e sono diventati tecnicamente molto forti. Di conseguenza, la band si è sciolta. A questo proposito, posso rispondere negativamente alla domanda. Non ho sentito la tentazione. Abbiamo avuto un'altra storia simile con un gruppo Krautrock chiamato longjumpmin, che abbiamo definito "rock sperimentale di classe media con un forte sapore tecnoide" e che all'inizio ha avuto una fase super-anarchica. Dopo qualche anno, all'interno della band c'era l'ambizione di diventare più tecnici, più virtuosi, ma non ha funzionato così bene, è diventato un po' più noioso. Ma mi esercito anche, suono il basso, soprattutto. E per suonare il metal è necessario un certo livello di esperienza per generare la velocità e la pesantezza.

Nel libro, lei descrive l'heavy metal come uno spazio libero in cui i piaceri della fascinazione adolescenziale non devono essere soppressi. Il metal ha dato ai sogni ad occhi aperti di quei tempi, mai completamente superati, uno spazio di risonanza. Lo vive ancora oggi in questo modo?
Sì, sì. Credo che sia molto importante non seppellire certe esperienze o sentimenti provati durante la pubertà. Perché quelli sono i fantasmi che ti perseguiteranno in seguito. Nel metal si possono mantenere vivi i sogni, le energie e le utopie di questo periodo di risveglio. Ed è probabilmente questo che rende il metal un po' imbarazzante. La gente dice: "Per l'amor di Dio, c'è un cinquantenne vestito di pelle sul palco che canta di un drago mitico". Ma credo che ci sia anche qualcosa di innocente in questo imbarazzo. Qualcosa che una volta ti ha illuminato quando avevi 12 o 13 anni. E questo è ciò che Lemmy ha detto una volta: suona ciò che ha suonato perché lo ha colpito così tanto da adolescente, ha scatenato un tale sentimento che ha voluto conservarlo. Non vuole allontanarsene.

In altre parole, libertà totale dalla costrizione di essere cool. D'altra parte, c'è un'adesione quasi settaria a certe regole, soprattutto in questi diversi generi metal. Un paradosso?
Questo morde. Ma io faccio sempre un paragone con la Svizzera. C'è un'unione che si chiama Metallo Pesante, ma in questa unione ci sono Stati federali, alcuni dei quali non potrebbero essere più diversi. E questo naturalmente si scontra. Ognuno ha le proprie leggi fiscali, l'assicurazione sanitaria costa ovunque in modo diverso, e questo è un vero e proprio scontro, ma allo stesso tempo si è in qualche modo uniti. Te ne rendi conto quando leggi una rivista metal -. Rock Hard, Metal Hammer -Tutto è riunito. Grindcore, power metal, death metal, black metal, tutto fianco a fianco. Solo i media creano un senso di unione. Da questo punto di vista, forse riflette uno spirito liberal-pluralistico-democratico, in cui le persone litigano perché ci sono davvero delle differenze, ma alla fine non è del tutto settario.

Ti sei già ucciso, vero?
Sì, ma piuttosto raramente. Almeno non fa parte della routine quotidiana.

A quanto pare, nella Norvegia dell'epoca (nota: la scena death metal norvegese bruciava le chiese, che dovevano essere sorvegliate 24 ore su 24; ci furono anche omicidi a sfondo ideologico tra i musicisti), si trattava di difendere un certo concetto di libertà. Agli occhi di questa scena, la religione organizzata e le sue chiese rappresentavano il contrario della libertà. Ho capito bene?
E divennero essi stessi religiosi. Perché in fondo non hanno fatto nulla di diverso dai primi cristiani che distruggevano i templi dei pagani. Penso che questo furore dei metallari estremi scandinavi sia in realtà atipico per il metal. Perché sono diventati davvero attivisti. Volevano davvero che la Chiesa uscisse dal paese. L'heavy metal classico tende a operare in uno spazio simbolico. I Metallica, i Megadeth, i Judas Priest, gli Slayer non sono associati a movimenti politicamente attivi. Con i black metaller è stato diverso. Le persone convinte di aver trovato ciò che è buono, vero e giusto tendono spesso alla violenza. Perché quando si ha in mano il Santo Graal, per così dire, si vuole anche imporlo.

C'è la teoria che l'apocalittico fornisce stabilità in una società che sta andando quasi troppo bene. Lei scrive anche che dal Messico a Mosca e al Sud America, l'heavy metal, il folk metal, il medieval metal e tutti questi generi che hanno l'apocalittico al loro interno sono in aumento. Il mondo si sta perdendo nella palude della prosperità?
Bisogna avere capacità profetiche. Ciò che forse indica questa nuova e diffusa distribuzione: Viviamo in un'epoca di sconvolgimenti, tutto è aperto al momento, non sappiamo bene che piega prenderanno le cose. Se tutto diventerà più autoritario, se tornerà la democrazia, come si svilupperà il clima. Ci sono molte variabili in gioco, ci sono molti rischi al momento. Il metal è una musica che può esprimere tutto questo. Dove tutti questi temi, anche quelli oscuri, sono sempre stati affrontati in modo molto aperto. Forse è per questo che l'heavy metal sta crescendo a livello globale, perché è semplicemente un mezzo per l'apocalittico, che oggi è di nuovo attuale. L'ho trovato molto interessante durante la pandemia di coronavirus. La gente diceva spesso: "Non ce lo saremmo mai aspettato". Io dico: Non avete sentito abbastanza metal! Si parla sempre di pandemie, epidemie, crisi, morte, corruzione, marciume. Se c'era qualcuno preparato, erano i metallari. In questo senso, forse la diffusione del metal è un allenamento alla resistenza estetica per queste avversità della vita ormai imminenti, e una sintonia con l'apocalisse nel senso di una caduta e di un nuovo inizio.

L'intera estetica - da un lato l'album nero dei Motörhead e degli Spinal Tap, non dimentichiamolo, e dall'altro questi spadaccini epico-biblici post-Rodin-post-medievali che combattono contro i serpenti - si potrebbe dire che è come la letteratura fantasy. Ma dal punto di vista appena descritto, si potrebbe anche vedere come un'analisi contemporanea a livello simbolico.
Praticamente come per la Bibbia. L'ultimo libro del Nuovo Testamento, l'Apocalisse di Giovanni, è in realtà pura letteratura fantastica. Con spettacolo, orrore, tutto ciò che si può desiderare. Ma naturalmente ci sono anche simboli e metafore per i giorni nostri. Il metal è molto simile. Forse non si descrive la situazione in modo così diretto come nell'hip-hop, dove si parla più di: ehi, questo è quello che succede per strada, questo è quello che succede nel quartiere. Il metal avvolge il presente in metafore apocalittiche. Forse è per questo che sembra anche - come dire? - una religione. Perché il Libro dell'Apocalisse si è diffuso così tanto a livello globale? Si tratta semplicemente di immagini che funzionano bene in Africa, Asia, Europa, ovunque. Immagini che scatenano forti emozioni. E poiché anche il metal opera con queste immagini, è diventato un genere transnazionale. Penso che siano dei codici cifrati per il presente. Si vede il presente attraverso i codici del mitologico, del fantastico. E quindi il metal è già abbastanza ben preparato per i tempi della censura. Con la censura, non puoi esprimerti direttamente, devi sempre prendere delle deviazioni, nascondere il significato di ciò che stai dicendo per mezzo di certi codici e simboli. Il metal lo fa da molto tempo.

Da dove vengono il vocabolario spesso auto-parodico, i nomi, i titoli degli album? L'energia creativa che confluisce in queste bizzarre creazioni di parole e nomi è meravigliosa!
È questa la cosa strana del metallo. Da un lato, è spesso inteso in modo molto serio, il grande gesto, il monumentale. Dall'altro, spesso si percepisce una forma di autoironia. Non si può parodiare un nome come Megadeth - anche senza la "a"! O Metal Church. L'autoironia dimostra che sappiamo già cosa stiamo facendo, in modo così esagerato da diventare grottesco. L'estetica viene portata ai suoi limiti, dove si sovverte. Questo accade nel metal. Ma c'è anche il metal stupido, dove la gente lo fa con santa serietà. In realtà il metal è sempre troppo. Ci sono anche i contromovimenti. I Metallica erano un movimento contrario all'hair metal, indossavano jeans, T-shirt, scarpe da ginnastica e giacche di pelle. Volevano allontanarsi dai gesti barocchi. Il metal è probabilmente così pluralista che, come in chiesa, ci sono tutte le diverse confessioni che lottano e litigano tra loro. A volte si sconfina nel parodistico, nell'imbarazzante, a volte nel purista, nel protestante.

Ci sono gruppi metal che sono influenzati da John Cage?
Esistono alcune cover di 4'33'' di gruppi metal su YouTube. Si limitano a stare lì con un look metal. A parte questo, non mi viene in mente nulla. Forse nell'angolo di Mr Bungle, hanno almeno una conoscenza di Fluxus e altro.

In un altro libro (Bill Peel, "Tonight it's a World We Bury - Black Metal, Red Politics, Repeater Books, 2023) mostra come tutti questi sotto-stili del metal siano estremamente importanti per la socializzazione degli adolescenti. E, allo stesso tempo, come le band che diventano così importanti per questa socializzazione da avere successo oltre i confini del genere perdano di conseguenza la loro credibilità. Da un lato, è necessario un duro lavoro per essere accettati da un gruppo di genere come appartenenti ad esso. Dall'altro, ogni gruppo di questo tipo ha bisogno di sangue giovane per non fossilizzarsi. Un altro paradosso...
Sì, sì. Questo ci riporta a un po' di anarchismo. Mi hanno sempre interessato le band che cercano di tenere in mano le proprie redini economiche e di "praticare ciò che si predica". Non come i Rage Against the Machine, che in qualche modo hanno un programma comunista nei loro testi e poi firmano per una major. Mi sono sempre piaciute persone come Henry Rollins, che sono in giro con una propria casa discografica, con una propria casa editrice. Questo è più in linea con l'ideale anarchico del DIY.

Era simile nel punk. Chi aveva successo era automaticamente considerato sospetto. Immagino che anche i Metallica, per esempio, siano cresciuti in questo contesto. Deve essere una strana sensazione girare improvvisamente il mondo come un gigante super-ricco!
Questa, a sua volta, è una situazione molto simbolica per la società di oggi. Spesso è il punk d'affari che arriva al vertice, non tanto quello ben educato che si conforma alle leggi del gruppo, ma piuttosto quello un po' anticonformista, più originale, ma non così radicale. I Metallica vi rientrano perfettamente. Radicalizzati nel metal, ma allo stesso tempo intelligenti uomini d'affari e, da questo punto di vista, "il meglio dei due mondi". Trasgressivi - più veloci, più duri - e allo stesso tempo molto attenti agli affari. È un vecchio gioco nel metal: qualcuno arriva in cima, e subito ci sono accuse di svendita. Proprio come nell'hip-hop.

Anche questa è una sorta di apocalisse.
La caduta infernale dei dannati! Posso capire perché la gente critica i Metallica. Si tratta di un business enorme con un management incredibile, che si butta su ogni tendenza e vende ogni tipo di prodotto. Allo stesso tempo, questo genere di cose porta il metal negli angoli più remoti del mondo e almeno porta le persone a contatto con esso. Poi forse entreranno in contatto anche con sottogeneri più estremi e si svilupperanno ulteriormente.

L'incredibile varietà di sottogeneri è la prova di un ambiente in costante rinnovamento. La scena è in definitiva molto aperta.
Questo aspetto è spesso trascurato nel metal. C'è un'immagine che proviene fortemente dai media, di una fratellanza chiusa. Che il metal sia conservatore, che non cambi nulla. Questo è semplicemente empiricamente sbagliato. Tutti questi sottogeneri sono la prova che le persone si distinguono costantemente e creano qualcosa di nuovo. Non appena il death metal si è affermato, arriva il melodic death metal e dice: vogliamo porre un accento diverso. Non appena questo viene accettato, nasce un'altra variante che lo critica.

Quello che ho trovato emozionante nel suo libro è il confronto tra blues e metal. "Non sono generi per vincitori".
In termini di storia della musica, si dice che il metal si stia distaccando dal blues. È vero, musicalmente. La forma del blues viene abbandonata. La forma diventa aperta, la musica diventa basata sui riff, questi schemi classici del blues sono più o meno storia. Ma allo stesso tempo, credo che il metal stia succedendo al blues in termini sociologici, per così dire. Il blues si rivolge a coloro che forse non se la passano bene. Lo stesso vale per l'heavy metal. Non è il tipo di pop allegro, festeggiamo e balliamo, ma l'apocalisse è sempre presente nella mente. Quando si festeggia nel metal, lo si fa sapendo che potrebbe essere finita, che la prossima peste è in arrivo, che la prossima guerra è imminente. No: dimentichiamo tutto.

Oppure si incontra il diavolo al bivio.
Esattamente. Proprio come nel blues. Il diavolo è sempre dietro l'angolo, da qualche parte. Ecco perché si può paragonare il metal al memento mori medievale. Avverte, mantiene viva la consapevolezza che sulla terra ci sono morte, malattie, epidemie, lamenti, sofferenza. E che tutto ciò non può essere semplicemente soppresso e represso. Il blues aveva una funzione simile. Almeno prima che diventasse un genere accademico e normalizzato.

Perché l'heavy metal deve essere così rumoroso? L'apocalisse è rumorosa?
Avete sentito parlare del nuovo libro di Hartmut Rosa? È il sociologo che ha coniato la teoria della risonanza. È un sociologo, con una mentalità più religiosa e in un altro libro spiega perché la democrazia ha bisogno della religione. Ed è un appassionato di metal. Sostiene che il volume crea un'esperienza di risonanza diversa e ha una dimensione più fisica. Posso anche ascoltare la musica a basso volume, ma allora ho un'esperienza più cognitiva. Il culto del volume nel metal non è solo un culto, ma è una musica che colpisce tutto il corpo e lo fa vibrare. Lo trovo davvero molto plausibile.

Ma poi le orecchie si rompono.
Poi si ascolta con il resto del corpo. Da un lato, il metal è una musica molto cognitiva, con molti pattern complessi, assoli, tutto è completamente composto. Dall'altro lato, è molto fisico. Il "meglio dei due mondi", forse.

All'epoca avevamo una piccola sala prove con la band, e io stavo vicino all'amplificatore del bassista, ricevendo sempre il suono proprio nell'orecchio, che ancora oggi è l'orecchio peggiore. Ma non ho acufeni.

Quindi la Malmzeit è l'istinto di autoconservazione che è emerso? (Nota; Tempo di Malm è il duo di Scheller che esiste da più di vent'anni e consegna l'heavy metal a domicilio come una pizza; i signori sono vestiti in giacca e cravatta, suonano seduti e bevono solo tè).
Esattamente. Il bisogno borghese di sicurezza fisica. Ma se il cliente vuole il massimo del volume, noi lo forniamo. Abbiamo con noi i tappi per le orecchie, quindi in questo senso siamo relativamente al sicuro.

Come si pone la questione con la "vera" gente dell'heavy metal, una domanda così ironica?
Misto! Dipende da quanto sei ironico. Ci sono persone che prendono sul serio Manowar. E le persone che prendono sul serio Manowar odiano Malmzeit. Naturalmente. E gli amanti del metal che sanno riconoscere l'ironia o l'assurdo nei Manowar, che magari hanno un rapporto critico e riflessivo con il metal in generale, ci apprezzano molto. Perché non stiamo prendendo in giro il metal. Ci abbiamo pensato allora: Come possiamo farlo in modo diverso, senza cadere in questi cliché? A un certo punto non ce l'ho più fatta: stare sul palco e fare questo (posa della chitarra rero), sempre le stesse pose, gamba sull'altoparlante, urlare. Dopo un po' ti fa sentire stupido. Così abbiamo pensato che fosse un gesto molto più radicale sedersi, indossare abiti, cantare del tempo e bere tè. Anche questo può essere una provocazione. Ad alcuni provoca davvero. C'è una foto di uno dei nostri concerti in cui alcuni ascoltatori sono seduti in modo dimostrativo con le spalle al palco. Ma erano ancora giovani e molto identitari.

Il concetto non funzionerebbe se tu non fossi così bravo a suonare la chitarra, vero?
Potrebbe essere. Dimostri anche un po' che potresti, se volessi...

Anche questo è un punto: qualsiasi cosa tu faccia nel metal, la cosa più importante è che sia elaborata e sentita in modo organico.
Proprio così. Nel metallo, è apprezzato il fatto che si tratti il materiale in modo approfondito. I lavoratori del metallo apprezzano la conoscenza dei materiali. Alla gente piace parlare di lavoro. Non si può dire: "Ho sentito questa canzone di questo gruppo e ho pensato che fosse molto buona". Devi sapere di quale anno, di quale album, di quale formazione. Se qualche ragazzo si mette un costume metal e fa qualche riff, non viene preso sul serio nella scena. Puoi farlo anche nel pop di replica.

Hai notato da qualche parte che le donne rispondono meno al metal apocalittico. A che cosa è dovuto?
Se si pone la domanda in modo polemico, si potrebbe chiedere: il metal ha un problema con le donne? O le donne hanno un problema con il metal? O entrambi hanno un problema con l'altro? Credo che tradizionalmente il metal fosse un po' un'alleanza tra uomini, ragazzi che si organizzavano in questi collettivi di band come una comunità cospirativa. E si tende a tenere gli altri all'esterno. E secondo i tradizionali ruoli di genere, i ragazzi avevano maggiori probabilità di essere criticati se attraversavano una fase in cui suonavano le trombe, si ubriacavano un po', erano un po' più aggressivi. Per le ragazze era molto più tabù. Si lascia che i ragazzi facciano metal per qualche anno e poi si ravvedono, ma con le ragazze si fa in modo che non ci finiscano dentro. Ma questo lo rende anche molto più interessante per le donne, perché il metal è una musica che non ci si aspetta da loro. È possibile rompere gli stereotipi di genere molto di più con il metal come donna o terzo genere o trans, queer, inter, qualsiasi cosa, proprio perché ha una connotazione tradizionalmente maschile. Molte donne metallare dicono che è proprio per questo che si sono appassionate.

Oggi ce ne sono molti di più rispetto a dieci o venti anni fa.
Sì, lo sviluppo sta andando in una direzione assolutamente fantastica. Mi piace sempre quando la diversità non è orchestrata dall'alto, quando qualcuno non vigila sulla pari rappresentanza di uomini e donne, ma quando si sviluppa organicamente. E nel metal, un numero maggiore di donne entra a far parte di band, le fonda e si fa notare. Alissa White-Gluz degli Arch Enemy, per esempio, è già un'icona globale. Qualcosa sta accadendo. Ci vuole tempo, naturalmente, ma processi lenti come questo sono più sostenibili che se il Ministero della Cultura venisse a dire che tutte le band metal devono avere almeno il 50% di donne. Non funziona. Non si possono creare gruppi sociali. Questo mi rende di nuovo anarchico.

Il mio grande preferito non è un metallaro, non so nemmeno cosa preferisca musicalmente, ma è Spongebob Squarepants, il personaggio dei cartoni animati. Spongebob dice: non puoi cambiare una persona, ma puoi essere la ragione per cui una persona cambia. Penso che sia molto bello. Applicato alle donne nel metal: servono modelli di ruolo e persone disposte a presentare le donne e a scrivere di loro. Soprattutto, servono donne che lo facciano attivamente, che lo incarnino.

Ho sempre conosciuto parecchie donne appassionate di metal. Per fare un confronto: anche trent'anni fa, c'erano molte più donne a un concerto heavy metal che a un concerto dei King Crimson.
Sì! Penso che siano sempre state presenti anche nel metal, sono sempre state sulla strada. Ma spesso non sono rappresentate dai media o, se lo sono, è un cliché: "Oh, la donna di potere, oh, abbiamo un'altra donna single eccezionale, guardate qui". Invece di guardare alla musica, alla performance, a raccontare quello che fanno. È quello che hanno sempre fatto i Motörhead, tra l'altro. Li ho sempre trovati assolutamente simpatici. Hanno portato le Girlschool in tour con loro, Lemmy ha fatto i suoi duetti con le donne. Il loro cuore era nel posto giusto.

I cliché e gli eccessi sono stati presi in giro diversi decenni fa in "This is Spinal Tap". Cosa pensano i fan dell'heavy metal di questo film?
Non credo che i giovani lo conoscano più così bene. Ma è una figura di culto tra gli anziani, ovviamente. Il che a sua volta testimonia la capacità di ironia della scena. Questa costante rottura di fronte alla grandezza del proprio gesto. È un po' come il principio del metal. La morte e il diavolo, il paradiso e l'inferno, la vita e non so cosa, questi temi enormi. E alla fine è anche un treno fantasma, industria culturale, spettacolo - e semplicemente pop. E questo mi piace ancora molto del metal. C'è anche qualcosa di toccante. Lavorare su questi grandi temi e alla fine è solo una canzone con un teschio in copertina.

Se un'intervista è rimasta bloccata agli anni '90 e '00, bastava proporre una citazione degli Spinal Tap e tutto sarebbe tornato a filare liscio.
La mia scena preferita resta quella in cui si perdono nelle catacombe dello stadio. Corrono via, "rock'n'roll", corrono e corrono e quando arrivano il concerto è finito. Oppure la scena dell'amplificatore. Questi arrivano a undici! Una cosa del genere non invecchia mai.

Cosa stai ascoltando ora?
Ci sono classici che mi piace ascoltare durante l'allenamento, AC/DC, Guns N' Roses, Metallica. Classici che conosci così bene da poter dimenticare che stanno suonando come sottofondo. Per il resto, negli ultimi anni non ho avuto modo di conoscere molte cose che mi avrebbero fatto venire un flash. Probabilmente è un sintomo di vecchiaia. Continuo a pensare che i Chthonic di Taiwan siano fantastici. È interessante come abbiano scoperto questo metal di identità norvegese e poi lo abbiano reinterpretato nei loro termini e per il loro background ed esperienze. "Aha, i norvegesi difendono le loro tradizioni indigene, dovremmo fare lo stesso qui". I norvegesi hanno una connotazione di destra, mentre i ctonici sono di sinistra. Si può notare come i termini e i concetti cambino a seconda del mondo e della regione da cui si proviene. Poi mi piace ancora molto ascoltare Nashville Pussy, che è un rock sporco e maiale, e lo trovo ancora molto piacevole. Riverside, polacchi, pink funky, ma meglio dei Pink Floyd. Poi ci sono i Necromorph, una band grindcore tedesca, molto solida, stabile, critica nei confronti del capitalismo, che si sbatte molto bene. Il grindcore dialettale dei Muggeseggl è davvero divertente: cantano in alemanno. Non si capisce nulla, ma si suppone che sia alemanno.

Quasi dadaista.
Sì, posano anche in abiti contadini nella vigna. Poi ho sempre delle ricadute su Manowar. È così palesemente grottesco e imbarazzante che è di nuovo fantastico. Ma poi faccio spesso escursioni nella musica classica.

Non è così lontano.
Esattamente, spesso è molto vicino.

Da fan dell'heavy metal, come sei finito a Straight Edge? È una storia molto più punk. (Nota: una forma successiva di hardcore punk nata negli Stati Uniti, i cui seguaci non consumano alcol o droghe, ma si concentrano sulla forma fisica).
Dato che sono entrato nella scena metal molto presto, a 13 anni, mi sono trovato molto presto di fronte al bere. E mi ha sempre disgustato. Non mi è mai piaciuto. Da adolescente si beve qualche birra a un concerto e a me non piaceva. Non mi piacevano i rituali e soprattutto non mi piaceva la pressione dei coetanei sul fatto che droghe e musica fossero così direttamente collegate. Mi sentivo sotto pressione. Puoi coinvolgermi in ogni genere di cose, puoi lavorare con me, puoi persuadermi, puoi proporre argomenti, e allora sono aperto a molte cose. Ma non rispondo alle pressioni. E questa pressione, implicita o esplicita, di dover bere anche adesso, un'altra grappa dopo la birra, non la reggevo. Straight Edge era un'ottima via d'uscita. Potevi rimanere in quest'area controculturale, in quest'area ribelle, e allo stesso tempo non dovevi prendere parte ai rituali della droga. Già allora trovavo interessante il paradosso di combinare una dimensione borghese, ascetica e astinente con una dimensione underground e ribelle: una combinazione assolutamente attraente. E non ne ho mai preso le distanze interiormente. Lo sostengo ancora oggi. Troppi crimini sono alimentati dalla droga. I soldati vengono drogati per mandarli in guerra. Lo stupro e la violenza sessualizzata hanno spesso a che fare con la disinibizione da alcol. Ecco perché ho preso questa decisione, ma non ha nulla a che fare con la musica. Mi piacciono molto alcune cose di Straight Edge, Strife, l'album Una verità su. Amo profondamente i Fugazi. Henry Rollins. Il fascino del metal per me era chiaramente la musica.

È possibile che non abbiate mai sperimentato l'apocalisse di una vera sbornia?
Da adolescente abbiamo sperimentato l'ubriachezza. Ma ho capito subito che non faceva per me. L'energia costruttiva dello straight edge hardcore mi attraeva di più. E una vera apocalisse significa la rivelazione di qualcosa di nuovo e migliore. Un'ubriacatura non cambia nulla all'inizio. Si torna lentamente alla normalità. D'altra parte, un'ubriacatura che ti fa capire e ti fa decidere di lasciar perdere l'ubriacatura, ha almeno una minima qualità apocalittica.

Deve essere stata necessaria una disciplina pazzesca per riuscirci in questo ambiente.
Sì, fino ad oggi. Faccio parte del consiglio di amministrazione dei Metal Storm Concerts, e ovviamente la gente beve intorno a te. Sei sempre quello che non beve e quello che deve dare spiegazioni in qualche modo. Se bevi, non devi mai dare spiegazioni, questo fa parte del problema. Quando sei straight edge, ti rendi conto di quanto la società sia basata sull'alcol. D'altra parte, io adoro Lemmy, che beveva, e come! Era un gran bevitore. Non credo nel proibizionismo, devi decidere da solo. E questo mi va benissimo.

Un'ultima parola apocalittica?
L'apocalisse in realtà non significa sventura, ma rivelazione. Questo è il significato originale in senso religioso: che gli ultimi segreti saranno rivelati. Spesso si dimentica questo aspetto quando si viene da quei film hollywoodiani con la fine del mondo. Da questo punto di vista, Metal è stato una rivelazione per me. Mi ha davvero aperto un nuovo mondo. Ancora oggi provo una certa gratitudine nei confronti di questo genere, anche se è un rapporto di amore-odio e ci sono un sacco di cose imbarazzanti, un sacco di sciocchezze, un sacco di cose che mi danno fastidio. Ma sono comunque grato per il fatto che all'epoca mi ha aperto un nuovo mondo. Non voglio nemmeno interrompere questo legame. Una piccola rivelazione.

 

Link alla playlist di Jörg Scheller su Spotify

 

Indice dei contenuti

Focus

Heavy metal e la grande scadenza
Intervista con il musicista e storico dell'arte Jörg Scheller
Link all'intervista dettagliata 
Link alla playlist

La fine del tempo in musica set
Impostazioni del Libro dell'Apocalisse nel corso dei secoli

Apocalisse onnipresente
Sulle sfaccettature di un termine molto usato

L'apocalisse come sfogo
Due metalheads di Losanna sulla scena e le loro motivazioni

Ascoltare o prevenire il declino musicale
La musica è in crisi?

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

Eco

La nuova Jazzhaus di Zurigo
L'Orchestra Jazz di Zurigo ha trovato una casa

Radio Francesco
Lili Marleen (estratti da O Lungo Drominterpretato dall'Alban Berg Ensemble Vienna, può essere ascoltato nel programma "Pavillon suisse" dal 30 aprile 2024, al minuto 1:56:55)

Des racines à la nature
La ritmica di Jaques-Dalcroze prosegue la sua evoluzione

Chiacchierare di ...
Johannes Rühl e Noémi Büchi: la musica del futuro che sarà conservata nella Fonoteca Nazionale per 100 anni e solo allora sarà suonata

L'industria della musica classica e i suoi problemi urgenti
Classico:Prossimo 2024

Meccanismi nel mondo della musica
Workshop a San Gallo

Nuovo concetto di coro
Coro dei Ragazzi di Lucerna con "Bilder (k)einer Ausstellung" in aprile al Maihof di Lucerna

Orpheus multimedia
Serie di immagini e collage musicali

Concerto per la pace
Parallelamente alla conferenza ucraina sul Bürgenstock

La Filarmonica dell'AVS
Professionisti in pensione danno concerti di beneficenza

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Attratti dall'acqua
Indovinelli di Walter Labhart

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Emissione dell'ordine per CHF 8.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

Dopo il successo di Rotterdam, la deviazione ad Hannover non ha avuto particolare successo. A Berlino, gli organizzatori speravano di trovare un ambiente adatto con il sostegno attivo della politica culturale berlinese. L'undicesima edizione di Classical:Next si è svolta con successo nel vecchio cinema Colosseum di Prenzlauer Berg e all'Holzmarkt di Friedrichshain, integrata da una fiera in cui si sono presentate organizzazioni culturali nazionali, organizzatori di eventi e fornitori di servizi. Un'ampia gamma di musica contemporanea è stata presentata in 16 concerti vetrina e 21 progetti, dal meraviglioso ensemble olandese Oorkaan al teatro musicale immersivo XR e all'orchestra da camera "danzante" Geneva Camerata.

Il più grande incontro di settore al mondo per i professionisti del diversificato settore culturale della musica classica ha posto domande già rilevanti in passato in modo nuovo e più marcato: chi sono i partner della nostra rete? Chi può condividere un contributo significativo a livello europeo? Cosa possono offrire le istituzioni, le università, i teatri o le sale da concerto ai giovani ensemble e al loro pubblico? I numerosi giovani leader culturali hanno posto domande sull'uso responsabile dei dati digitali (degli utenti), sulla pianificazione sostenibile delle carriere, su altri modelli per i concorsi o sulla gestione inclusiva del personale, ad esempio per la copertura di nuovi posti in orchestra.

Il futuro del settore

Numerosi contributi al denso programma della conferenza, con più di 30 sessioni internazionali, hanno ruotato intorno a temi come la gestione del cambiamento organizzativo, lo sviluppo del pubblico, l'intelligenza artificiale e le questioni di best practice in generale. Il motto "Il futuro della musica classica" è stato inteso come un incarico di lavoro, poiché fortunatamente il settore non si vede messo in discussione, che si tratti di ensemble, centri musicali o università. Tuttavia, molti dei partecipanti hanno espresso cautela per gli incombenti cambiamenti delle condizioni politiche.

Fuori dai cassetti

L'esigenza già espressa di aprire i generi è stata espressa con notevole veemenza. Per il musicista australiano Xani Kolac e per il responsabile dell'etichetta Nonclassical Gabriel Prokofiev di Londra, la fluidità dei generi è già una realtà lavorativa di successo - dopo anni di "disimparare" la specializzazione ancora richiesta nelle università. La frammentazione del pubblico è un dato di fatto che viene contrastato in diversi modi: comunicazione specifica per i gruppi target (alcuni ricevono il numero dell'opera, altri un frammento di Tiktok), progetti comunitari e, ancora più popolare, il luogo insolito del concerto. Da un lato, la categorizzazione è un ostacolo per attingere a nuovi segmenti di pubblico (e a chi piace il crossover?), dall'altro è ancora necessaria per farsi capire dai finanziatori. Probabilmente si spera tacitamente che questa discrepanza diminuisca nel tempo, dato che la nuova generazione di pubblico sta comunque cambiando le tradizioni concertistiche.

Avviare un comportamento ecologico dall'alto

La questione della sostenibilità nel settore della musica classica sta diventando sempre più urgente. L'ambasciatrice del clima Lea Brückner organizza i concerti del lunedì verde nel regolare programma stagionale della Tonhalle di Düsseldorf, in cui un concreto risparmio di CO₂-La riduzione è pianificata e realizzata con il teatro e il pubblico. Il Modello di Impatto Sostenibile di Ludwigshafen cerca di presentare l'impatto della stagione annuale di musica classica in modo più ampio e di integrare in modo significativo il dato chiave unidimensionale dell'"utilizzo della capacità annuale". Un tale cambiamento di atteggiamento è sostenibile e convincente solo se le istituzioni decidono di agire dall'alto: le tournée dei concerti, dove le emissioni di CO₂-Le emissioni non sono il fattore principale. Il comportamento del pubblico può essere influenzato positivamente solo se gli organizzatori degli eventi compiono uno sforzo serio e dimostrabile per ridurre la loro impronta ecologica.

Apertura contro il calo di consensi

Durante la serata inaugurale nella sala Pierre Boulez, il senatore berlinese per la cultura Joe Chialo ha avuto parole di elogio e di incoraggiamento, ma nel complesso, in numerosi dibattiti, è stato segnalato un calo di consensi. Ciononostante, l'industria della musica classica, con i suoi diversi attori, dovrebbe mettere a disposizione piattaforme culturali per il discorso, aprire gli spazi della società (urbana) e gli esecutori dovrebbero considerarsi con forza come creatori di un ecosistema di "esperienze culturali".

I premi per l'innovazione Classical:Next 2024 sono andati a Estensione Usach (un dipartimento di musica dell'Università di Santiago del Cile che offre numerosi concerti gratuiti nei quartieri svantaggiati), la statunitense Gateways Music Festival e Il progetto Sound Voice dall'Inghilterra, che tratta le storie di persone con perdita della voce.

L'assenza dell'industria musicale svizzera è stata notevole; si può solo sperare che si trovino i modi (e i mezzi) per riempire nuovamente questa piattaforma internazionale con ambasciatori di alto livello della scena locale. Il prossimo Classico: Avanti si terrà nuovamente a Berlino dal 12 al 15 maggio 2025.

All'Università di San Gallo, un'associazione di studenti chiamata "Amplify" sta lavorando per garantire che anche la musica abbia il suo posto nella scuola di business e management. È stata contattata dal Music Managers Forum (MMF) Switzerland, l'"Associazione svizzera dei manager musicali". Amplify ha accettato prontamente la proposta di organizzare un workshop sulle opportunità di carriera nell'industria musicale. Fin dall'inizio, il workshop ha offerto una visione molto interessante della sala macchine dell'industria. Il fatto che il workshop intitolato "Music Business 360°" colmi addirittura una lacuna a livello internazionale è stato dimostrato non da ultimo dal fatto che numerosi interessati hanno viaggiato dalla Germania per beneficiare del corso intensivo e del networking.

Iniziare la carriera

Con l'aiuto di talenti all'inizio della loro carriera, i partecipanti hanno mostrato come devono essere organizzati l'auto-marketing sui social media, i contatti con il management, le etichette e infine l'organizzazione dei concerti. Le nuove leve Qeller, Katy Delusion e Manic Pixxies sono state utilizzate come modelli.

La prima cosa che abbiamo imparato è che è emerso un mercato completamente nuovo per quanto riguarda il lancio di una carriera nel mondo della musica. Oggi, le etichette e le agenzie vengono generalmente coinvolte quando gli esordienti hanno costruito una solida base di fan con l'aiuto di piattaforme online come Spotify, YouTube, Instagram e Tiktok e dispongono già di singoli, EP (extended play) o interi album, compreso il materiale video. Questo ha aperto il mercato alle start-up che sono attivamente coinvolte nella costruzione di una base di fan sui social media. A San Gallo erano presenti Jukebird, con sede a Berlino, e Playliveartist, con sede a Londra, che offrono supporto per la creazione di una base digitale.

Trovare nicchie globali

Le dichiarazioni di Andreas Ryser, CEO dell'etichetta indie svizzera Mouthwatering Records con artisti come Black Sea Dahu e Evelinn Trouble, hanno fatto drizzare le orecchie. Ryser è anche presidente dell'Associazione delle etichette musicali indipendenti in Svizzera. Le etichette indipendenti hanno i loro punti di forza nelle nicchie che non interessano alle tre grandi case discografiche - Sony, Warner e Universal - a causa del troppo impegno profuso in mercati troppo piccoli. Il mercato svizzero, molto piccolo e frammentato dal punto di vista linguistico, dovrebbe essere una nicchia di questo tipo, dal punto di vista geografico. Tuttavia, Internet, lo streaming e i social media hanno completamente ridefinito e paradossalmente globalizzato la comprensione delle nicchie.

Se vi posizionate in una nicchia, potreste avere una comunità troppo piccola in un solo Paese. Ma se si trova la stessa nicchia in tutti i Paesi del mondo, si ha un mercato molto interessante. Di conseguenza, chi opera in una nicchia non si rivolge più a un pubblico nazionale in Svizzera, ma cerca di operare fin dall'inizio a livello globale. Inoltre, la globalizzazione, la diversità e le politiche identitarie hanno frammentato il mercato a tal punto che si può dire che la nicchia è il nuovo mainstream: La nicchia è il nuovo mainstream. Le identità geografiche e locali non svolgono quasi più alcun ruolo nella scena musicale urbana globale, come ha spiegato Ryser.

Fare soldi con le "vecchie" canzoni

I servizi di streaming - Spotify, Apple, Amazon ecc. - hanno rivoluzionato il mercato anche sotto altri aspetti. Lo ha spiegato Robin Kreimeyer, rappresentante di Sony Music GSA (dove GSA sta per "Germania, Svizzera e Austria"). Mentre prima le nuove uscite generavano vendite nella fase iniziale, ora gli utenti ascoltano anche (e soprattutto) musica del passato, il che significa che le vendite di un brano possono estendersi per anni, persino per decenni. Le grandi etichette incassano quindi soprattutto dal catalogo di riserva. I diritti d'autore di un musicista diventano così un bene d'investimento, paragonabile a un'azione che genera un dividendo per anni o decenni. Non sorprende quindi che artisti affermati come Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Young, Rod Stewart e altri possano vendere i diritti delle loro canzoni per centinaia di milioni, in alcuni casi.

Giocatori svizzeri in crescita

Il corso intensivo di San Gallo si è concluso con una visione pubblica del concorso canoro europeo. La vittoria di Nemo ha sottolineato l'impressione, emersa durante il workshop, che la Svizzera sia sul punto di diventare un attore importante dell'industria creativa europea, se non addirittura un trendsetter del settore.

La dinamica si è già estesa a tutti i settori della produzione e della gestione. Fornitori di servizi come la società di produzione Solver di Aarau, che ha già organizzato ampie tournée di concerti in quattro continenti, o la NoHook di Zurigo, che ha ormai voce in capitolo nella scena rap oltre i confini nazionali, sono destinati a farsi conoscere meglio anche in questo Paese. La scena sta diventando sempre più collegata a livello internazionale. Uno degli ospiti di San Gallo è stato il leggendario produttore e manager inglese Stephen Budd, che con la sua cordialità e la sua empatia nel seguire i nuovi arrivati ha messo in prospettiva il cliché dell'industria musicale cinica e materialista.

Innosuisse, l'Agenzia svizzera per la promozione dell'innovazione, sostiene così le aziende nel processo di crescita. Diversi coach sono a disposizione per fornire consigli al fine di "accelerare la crescita in Svizzera e prendere piede in nuovi mercati all'estero". (Collegamento alla fonte). Il programma dura 24 mesi.

Matchspace Music si descrive come una "startup svizzera emergente che rende le lezioni di musica accessibili a tutti con la sua piattaforma innovativa". (Collegamento alla fonte )

Dal mese di aprile, la Zurich Jazz Orchestra (ZJO), fondata nel 1995, ha sede in Heinrichstrasse 69 a Zurigo, nel centro del quartiere alla moda Kreis 5. A prima vista, l'edificio, che si trova in un cortile interno e che un tempo era un laboratorio artigianale, appare poco appariscente. Solo le solide porte in metallo e la scritta "Jazzhaus", facilmente visibile, indicano che non si tratta di un luogo in cui vivere, ma di un luogo in cui si suona musica.

Bettina Uhlmann ha assunto la direzione della ZJO quasi 24 anni fa. "All'epoca avevo solo un carillon vuoto, 16 leggii rossi e qualche debito", ricorda sorridendo. Ma il compito la affascinava e nel corso degli anni si è impegnata molto per la creazione della ZJO. "Ci è voluta anche un po' di fortuna. Per esempio, il trasferimento del jazz club Moods allo Schiffbau. Questo ha dato alla nostra orchestra una piattaforma concertistica adeguata per la prima volta nel 2000".

Poche prove, ambiziosa varietà di stili

Quando Uhlmann si unì alla ZJO, questa provava ancora nella sala parrocchiale di Neumünster. "Sebbene all'epoca tenessimo già dei concerti, l'ensemble era ancora piuttosto informale", spiega l'artista. Di conseguenza, il direttore dell'epoca, Stefan Schlegel, e lei hanno posto l'accento sulle strutture e insistito sulla puntualità. "Questo è avvenuto passo dopo passo e spesso attraverso l'apprendimento per esperienza", ammette la zurighese. E come percepisce la ZJO oggi? "Ciò che mi colpisce è la sua caratura artistica. Oggi più che mai, l'orchestra si caratterizza per la sua flessibilità musicale e l'ampia gamma stilistica". Poiché le risorse della ZJO sono limitate, ciò richiede non solo un grande impegno da parte di tutti i partecipanti, ma anche una grande disciplina. "Proviamo due o tre volte per progetto, per tre o quattro ore ogni volta. Il che non è molto". Per questo è ancora più importante che tutti siano uniti. "Solo così possiamo e potremo esibirci ad alto livello".

Daniel Schenker è legato alla ZJO da ancora più tempo. Il docente di tromba e di educazione auditiva presso l'Università delle Arti di Zurigo conosceva già l'orchestra agli esordi e l'ha diretta più volte ad interim. Attualmente è sia musicista che co-direttore. Agisce quindi come intermediario tra i 20 musicisti e il band leader americano Ed Partyka, che si considera soprattutto un arrangiatore.

"Uno dei miei compiti è quello di dare il cambio a Bettina Uhlmann e aiutare con il programma", spiega Schenker. Grazie alla sua vasta rete di contatti, è anche responsabile della ricerca di un sostituto in caso di cancellazione di un musicista. Secondo il co-direttore, l'attuale formazione della ZJO è ambiziosa, versatile e in grado di suonare un'ampia varietà di stili, da Count Basie a Duke Ellington, da Gil Evans alle composizioni d'avanguardia. "Il nostro programma attuale si chiama 'The Art of Arranging' ed è specificamente orientato al leader della band Ed Partyka e ad ospiti come il trombettista Thomas Gansch e la vocalist e cantautrice Ola Onabulé".

Unire le forze per il Jazzhaus

Circa sette anni fa, la ZJO ha dovuto lasciare il suo vecchio studio. Come previsto, la ricerca di una nuova sala prove si è rivelata difficile. "Siamo un grande ensemble, abbiamo bisogno di spazio, siamo rumorosi", dice Bettina Uhlmann. Una consapevolezza che l'ha spinta a trovare una sede permanente per l'orchestra. Sapendo che trovare un immobile adatto e conveniente a Zurigo sarebbe stato pieno di ostacoli. "Ma abbiamo avuto la fortuna di trovare un partner per la nostra impresa, la Fondazione Stephan à Porta". Hanno unito le forze per trovare un immobile adatto.

Sebbene il progetto fosse, come lo definisce Uhlmann, un "enorme azzardo", è stato deciso di correre il rischio. La fondazione ha acquistato l'edificio, ma l'Orchestra Jazz di Zurigo ha dovuto raccogliere la maggior parte degli 1,6 milioni di franchi svizzeri per i sei mesi di ristrutturazione. Hanno trovato quello che cercavano da fondazioni e privati, ricevendo anche il sostegno della città e del cantone. Tuttavia, l'ensemble non risiede gratuitamente nella Jazzhaus, motivo per cui la ZJO è attualmente alla ricerca di subaffittuari.

Il fulcro della nuova casa è la sala prove di 80 metri quadrati, alta più di cinque metri e con un'acustica eccellente. Un ingresso separato conduce al piano superiore, dove si trovano un ufficio e due sale prove più piccole che emanano un profumo di novità e di legno d'abete. Bettina Uhlmann osserva che i musicisti devono ancora abituarsi all'ambiente. Allo stesso tempo, è convinta che il nuovo quartiere porterà anche a nuovi incontri culturali.

 

www.zjo.ch

Il format, creato su suggerimento del direttore artistico Hugo Bollschweiler, si inserisce perfettamente nella lunga tradizione accademica della Casa d'artista programma. Si rivolge a giovani quartetti d'archi all'inizio della loro carriera professionale e li sostiene nel loro sviluppo professionale.

La prima edizione 2023

L'anno scorso, quattro giovani quartetti selezionati provenienti da Svezia, Germania, Spagna e Svizzera sono venuti a Boswil con una borsa di studio per trascorrere una settimana immersi nell'universo del quartetto d'archi. Il Cuarteto Quiroga, uno dei più importanti quartetti d'archi della nuova generazione, è stato portato in accademia come ensemble in residenza e quartetto docente.

Il quartetto si è presentato al pubblico e ai partecipanti con un emozionante concerto di apertura all'inizio della settimana. Oltre alle regolari lezioni d'insieme - alternate tra tutti gli istruttori -, alle lezioni di classe congiunte e all'intenso lavoro di prova, l'accademia comprendeva moduli aggiuntivi come lo studio della partitura, il coaching delle performance, la drammaturgia dei programmi, la pianificazione della carriera e i workshop sulla comunicazione interiore ed esteriore con la mental coach Evamaria Felder.

Il processo di apprendimento è stato al centro della settimana: insieme agli insegnanti, gli studenti sono diventati parte di una grande famiglia di apprendimento che si è scambiata idee, incoraggiata e ispirata a vicenda. Al concerto pubblico finale nella vecchia chiesa di Boswil, i quattro quartetti hanno presentato i risultati della settimana accademica a un pubblico entusiasta e, insieme al Cuarteto Quiroga, hanno eseguito un corale di Bach da tutti e quattro gli angoli della vecchia chiesa buia.

Registrati ora per l'Accademia 2024

La seconda edizione di "The Quartet Experience" si svolgerà dal 17 al 24 novembre 2024. Quest'anno, il quartetto finlandese META4, fondato nel 2001, si recherà alla Künstlerhaus Boswil. Termine di registrazione: 8 settembre 2024

https://www.kuenstlerhausboswil.ch/kurse/quartet-experience/

 

Secondo l'elenco dei partecipanti del WJMF, sono iscritte circa 60 formazioni provenienti da Bulgaria, Cina, Germania, El Salvador, Hong Kong, Irlanda, Giappone, Svezia, Svizzera e Taiwan.

Il festival è alla ricerca di collaboratori che si occupino delle orchestre, supportino i grandi eventi e molto altro. Chi si impegna nel WJMF può acquisire una preziosa esperienza in vari settori, scrive il WJMF. In totale sono necessari 450 volontari.

Ulteriori informazioni sul WJMF sono disponibili al seguente indirizzo https://wjmf.ch/ e registrazione per la cooperazione https://wjmf.ch/helfer-gesucht/

Nel dicembre del 2022, Bruno Schneider ha descritto nella Giornale musicale svizzero Il suo progetto: "Lancio quindi l'idea di un'orchestra svizzera di professionisti in pensione, aperta a tutti i musicisti che hanno lavorato presso un'istituzione musicale in Svizzera e che ricevono l'AVS. L'obiettivo sarebbe uno o due progetti sotto la guida di un direttore d'orchestra da individuare, cioè uno o due concerti all'anno, il cui ricavato verrebbe devoluto a un'organizzazione benefica".

Un primo concerto

L'idea è stata realizzata nella primavera del 2024. Roland Perrenoud scrive: "L'AVS-Filarmonia è nata e battezzata venerdì 19 aprile 2024, alle ore 19.00. La sala di musica di La Chaux-de-Fonds era gremita per l'occasione. Un pubblico stupito ha guardato e ascoltato le teste grigie, che hanno eseguito con grande entusiasmo un magnifico programma di Mozart (Sinfonia concertante) e Dvořák (Sinfonia n. 8). Il successo è stato commisurato all'esecuzione. Anche durante l'intervallo si percepiva la gioia dei musicisti, il loro caloroso rapporto tra loro e con il pubblico e la loro professionalità. Con Nandingua Bayarbaatar avevano scelto una giovane direttrice d'orchestra di Ulan Bator. Aveva studiato all'accademia di musica di Ginevra e la sua eleganza ed efficienza hanno colpito tutti".

Il prossimo concerto è previsto per il 15 dicembre di quest'anno a Berna.

I futuri pensionati sono i benvenuti e possono contattare Bruno Schneider, brubru@swissonline.chrapporto.

Chouchane Siranossian, Siete alla fiera di quest'anno Festival del Lago di Costanza (27 aprile-20 maggio) Artista in residenza. Qual è il suo rapporto con quest'area?
Ho vissuto vicino al Lago di Costanza per due anni, quando ero direttore dell'Orchestra Sinfonica di San Gallo. Ho un bellissimo ricordo di una gita in barca con i miei nonni. E spesso andavo a scalare le montagne sul Säntis.

Lei suona il violino barocco nei suoi ultimi album, poi Mendelssohn su uno strumento moderno nel prossimo concerto di apertura a Friedrichshafen. Non è difficile questo cambiamento?
No. In occasione del recital solistico nella chiesa del monastero di Münsterlingen, suono addirittura entrambi gli strumenti in un unico concerto. Sono mondi diversi tra i quali mi piace muovermi. Lo strumento barocco ha corde di budello ed è accordato in modo diverso. Anche gli archi sono diversi, naturalmente. Nel periodo barocco, i musicisti suonavano spesso strumenti diversi.

Ha conseguito il diploma di solista in violino moderno con Zakhar Bron a Zurigo. In seguito, all'età di 23 anni, è stato il più giovane membro dell'Orchestra Sinfonica di San Gallo come direttore di concerto. Come è stato quel periodo per lei?
Ho imparato molto, dal punto di vista musicale, ma soprattutto come persona. In questa posizione si hanno molte responsabilità. Sei l'anello di congiunzione tra l'orchestra e il direttore. Ora dirigo molte orchestre dal violino.

Sei stato accettato subito dall'orchestra?
All'inizio non è stato facile, essendo una giovane donna e per di più straniera. Per me si è sempre trattato di musica. Ma ogni orchestra è un microcosmo che devi conoscere. Ho imparato davvero a trattare con le persone. Ho sempre cercato di motivare tutti a dare il meglio.

Lei ha lasciato il suo posto fisso per tornare a studiare musica antica con Reinhard Goebel al Mozarteum di Salisburgo.
David Stern, all'epoca direttore d'orchestra a San Gallo, me lo raccomandò perché facevo molte domande sulla musica. E anche su me stesso. Quando conobbi Reinhard Goebel, fui subito affascinato dalla sua enorme conoscenza della musica antica. Nel primo anno trascorso con lui, ho letto solo libri e studiato manoscritti prima di riprendere in mano il violino. Questa ricerca intensiva non solo ha avuto una grande influenza sul mio modo di fare musica con il violino barocco, ma anche su ogni mia interpretazione.

Cosa ha imparato da lui?
Tutto (ride). Mi ha fatto capire che ci sono grandi differenze tra il violino moderno e quello storico. L'espressione nella musica antica è fatta molto più con la mano destra, cioè con il colpo d'arco. Ho imparato a fare le domande giuste e ad andare sempre alla fonte: l'autografo o la prima stampa.

Cosa preferisce suonare? Il violino barocco o il violino moderno?
Non posso dirlo. Se mi chiedete se sono francese, armeno o svizzero, non posso dire nemmeno questo. Sono tutte e tre le cose. Lo stesso vale per il violino. Mi piace particolarmente suonare la musica barocca italiana. Ma è il cambiamento che mi attrae.

Lei è nato a Lione, ha antenati armeni e vive in Svizzera da molto tempo. Dov'è la sua casa?
Vivo in Svizzera da vent'anni. Ci sono stato spesso da bambino perché ho preso lezioni con Tibor Varga a Sion. La Svizzera è il centro della mia vita, anche se sono spesso in Francia e occasionalmente in Armenia.

Che ruolo ha la musica armena nella sua vita?
La musica armena era sempre presente. Anche mio padre è un musicista e uno specialista di musica armena. I miei nonni cantavano spesso canzoni armene. La cultura armena è in pericolo, non solo a causa del genocidio turco del 1915, ma anche attualmente nel Nagorno-Karabakh, dove gli armeni sono stati espulsi dalla potenza occupante dell'Azerbaigian. Anche loro vogliono cancellare la nostra cultura, ma non possono distruggere la nostra musica. Per questo è importante coltivare questa musica e renderla pubblica.

Cosa caratterizza la musica armena?
L'Armenia è stato il primo Paese a diventare ufficialmente cristiano nell'anno 301. La musica religiosa svolge quindi un ruolo fondamentale. Anche la musica popolare è molto importante. Il compositore Komitas ne scrisse molta prima di impazzire a causa del genocidio che dovette subire. L'Armenia è sempre stata un ponte tra l'Europa e l'Oriente: si sente anche questo.

Sul vostro sito web vi si vede in abito da sera con un violino in mano sulla cima di una montagna. La foto è reale o è un montaggio?
Reale, naturalmente. L'alpinismo è una mia grande passione. Ho anche suonato il violino sul Monte Bianco. Nel 2020, ero ancora sul Cervino prima di rimanere incinta per la prima volta.

Cosa le piace dell'alpinismo?
La libertà. Il contatto con la natura. In montagna si è lontani dal rumore, dalla gente. Mi piace molto questo silenzio. L'alpinismo è anche una sorta di meditazione per me, un ritorno alle mie radici. Con due bambini piccoli, devo ancora farne a meno, ma un giorno potrò portarli in montagna con me. E sono già nel mio zaino durante le escursioni più brevi.

Quali collegamenti vede tra il suonare il violino e l'alpinismo?
Le migliori idee musicali mi vengono quando trascorro ore nella natura. L'aria fresca mi fa semplicemente bene. Stare da solo nella natura è davvero una grande ispirazione per me. La musica significa anche raccontare una storia. Dopo un'escursione in montagna, ho un sacco di nuova energia nell'anima, e questo è un bene per il mio modo di fare musica.

Lei tiene anche concerti con sua sorella, la violoncellista Astrig Siranossian. È più facile o più difficile suonare con sua sorella?
Entrambi. È più facile perché ci conosciamo così bene e ci completiamo a vicenda. Ma siamo anche i più grandi critici l'uno dell'altro e siamo particolarmente severi l'uno con l'altro durante le prove.

Che cosa significa per lei la famiglia?
Tutto. Oggi posso salire sul palco perché ho la mia famiglia che mi sostiene. Sono sempre in viaggio con i miei due figli. Sono cresciuto in una famiglia molto numerosa. Quando facciamo una festa in famiglia, siamo in poco tempo più di cento.

Nel suo comunicato stampa del 24 aprile, l'Università di Zurigo (UZH) scrive che durante il suo esilio a Zurigo, dal 1849 al 1858, Wagner lavorò, tra l'altro, su L'anello del Nibelungo ha scritto anche opere fondamentali sulla teoria della musica e del dramma. "Il manoscritto originale di uno di questi scritti, dal titolo Un messaggio ai miei amici è tornata al suo luogo d'origine dopo circa 170 anni". Wagner la scrisse a Zurigo Enge nel 1851. "Il testo è stato pubblicato nello stesso anno come supplemento e prefazione ai libretti delle opere. L'Olandese Volante, Tannhäuser e Lohengrin. Il libro è una sorta di bilancio autobiografico della sua posizione rispetto alle opere precedenti la rivoluzione e alle grandi opere post-rivoluzionarie. Anello-progetto".

La scrittura come oggetto di studio

La Biblioteca centrale di Zurigo (ZB) conserva il manoscritto. Gli studiosi dell'Università di Zurigo lo stanno studiando. Finora il testo era "disponibile solo nella prima stampa e nella versione della raccolta di scritti e poesie di Richard Wagner. Il manoscritto, invece, rivela un intenso lavoro". Si prevede che la ricerca "fornirà nuove scoperte e approfondimenti sul lavoro, i pensieri e l'influenza di Richard Wagner a Zurigo". Una volta completata la ricerca, il manoscritto sarà reso disponibile dalla ZB".

Le fondazioni hanno reso possibile l'acquisto

L'acquisizione del manoscritto da parte di Sotheby's è stata possibile grazie alle donazioni della Fondazione culturale UBS di Zurigo e della Fondazione Bareva di Vaduz. L'acquisto di questo manoscritto è di grande importanza per Zurigo, l'UHZ e il mondo accademico", afferma il rettore dell'UZH Michael Schaepman nel comunicato stampa. Laurenz Lütteken, co-direttore dell'Istituto di Musicologia dell'UZH, dove Wagner è una delle principali aree di ricerca, afferma: "Manoscritti di Wagner di così alto livello sono altrimenti difficilmente disponibili sul mercato aperto". Il manoscritto di lavoro del Messaggio ai miei amici è "un'altra perla dell'importante collezione wagneriana dello ZB, che comprende manoscritti musicali e testuali, stampe musicali, stampe e lettere", riassume l'UHZ.

Link al comunicato stampa originale dell'Università di Zurigo