Cambio del Consiglio di amministrazione dell'Allgemeine Musik-Gesellschaft Zürich
Alla fine del 2022, il Consiglio di amministrazione dell'Allgemeine Musik-Gesellschaft Zürich è stato riorganizzato. Heinrich Aerni è stato eletto Presidente.
PM/SMZ
(traduzione: IA)
- 25 Gen 2023
Il Consiglio della Società Generale di Musica di Zurigo (AMG) è stato ricostituito alla fine del 2022. Heinrich Aerni (Zentralbibliothek Zürich) è stato eletto Presidente, succedendo a Inga Mai Groote (Università di Zurigo), mentre Esma Cerkovnik (Università di Zurigo) è la nuova Vicepresidente. Eva Martina Hanke è responsabile dell'Ufficio dell'Attuario, dell'Archivio e della Biblioteca, mentre Angelika Salge (Biblioteca Centrale di Zurigo) è responsabile dell'Ufficio Economato. Il Comitato consultivo comprende Enrico Fischer, Veronika Frey, Claire Genewein, Susanne Hess, Ulrike Thiele (Società Tonhalle di Zurigo) e Andrea Wiesli.
L'AMG è nata nel 1812 dalla fusione dei Collegi di Musica, che risalivano all'inizio del XVII secolo.
Arione sul delfino nel bacino inferiore del lago davanti a un panorama della città di Zurigo. Acquaforte di Johannes Meyer, stampata sul primo foglio di Capodanno della Gesellschaft ab dem Musiksaal (1685), una società precedente all'AMG. (Immagine: Biblioteca centrale di Zurigo)
Il 10° Forum sull'educazione musicale
Con i temi centrali della digitalizzazione e dell'inclusione, il 10° FMB del 20/21 gennaio 2023 è stato dedicato a questioni educative urgenti.
Niklaus Rüegg
(traduzione: IA)
- 25 Gen 2023
Il Trio Pilgram ha suonato all'inaugurazione del 10° Forum Musikalische Bildung. Foto: Anne Fröhlich FOTOGRAFIA DI TELAIO
Il Forum Musikalische Bildung (FMB) è stato rinviato di un anno nel 2022 a causa del coronavirus - è difficile da credere. Sono quindi passati tre anni dall'ultima edizione. Il 20 e 21 gennaio di quest'anno è stato di nuovo il momento. Lanciato nel novembre 2007 da Hector Herzig, allora presidente dell'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS), si è tenuto annualmente fino al 2012, poi ogni due anni (vedi Storia della FMB). Il fondatore aveva messo molto cuore, anima e idealismo in questo forum e ne aveva fatto il fiore all'occhiello dell'associazione. È stato un peccato che Herzig non si sia presentato per essere celebrato alla decima edizione; è stato anche strano che non sia stato menzionato affatto.
La digitalizzazione ha superato il suo apice
Il nuovo presidente della VMS Philippe Krüttli ha dato il benvenuto a un numero impressionante di partecipanti e ha poi passato il testimone alla moderatrice dell'evento, Myriam Holzner. Il primo oratore di spicco, il futurista Joël Luc Cachelin, aveva già tenuto un discorso in occasione del FMB 2018 sul tema della digitalizzazione e dell'istruzione. All'epoca, la digitalizzazione in classe era ancora percepita come qualcosa di minaccioso in molti luoghi. La pandemia ha avuto un effetto accelerato in questo settore e alcune cose sono diventate parte naturale dell'insegnamento quotidiano. All'epoca, Cachelin non volle impegnarsi in una revisione delle sue previsioni. Ha preferito dare un altro sguardo al futuro, o meglio a diversi futuri, che ha classificato in base al colore. Il futuro rosa, ad esempio, ci chiede come gestire le nostre competenze, che vengono sempre più spesso rivaleggiate da segreterie telefoniche intelligenti e chat box. Il futuro verde riguarda l'uso intelligente delle risorse e l'ottimizzazione della sostenibilità.
E a che punto siamo oggi in termini di digitalizzazione? Secondo il modello di ciclo dell'economista russo Nikolai Kondratiev (1892-1938), spiega Cachelin, la digitalizzazione ha già superato il suo picco. Oggi l'attenzione è ancora rivolta alla chiusura dei cicli digitali incompiuti e all'ottimizzazione della sicurezza online. Fondamentalmente, non cambierà nulla nella natura dell'educazione musicale. La creatività e l'autoefficacia non potranno più essere sostituite in futuro. Tuttavia, il relatore vede innovazioni nel campo degli ausili digitali e nell'interazione tra le persone che fanno musica e le macchine (nuovi strumenti, robotica).
Le reti sostituiscono i sistemi
Il termine "trasformazione digitale" esiste solo dal 2014, ha spiegato Andréa Belliger, vice rettore dell'Università di Lucerna per la formazione degli insegnanti e direttore dell'Istituto di Lucerna per la comunicazione e la leadership nella sua presentazione. Ha sottolineato una differenza fondamentale: "La trasformazione digitale è un processo di cambiamento sociale. Cambia le norme e gli atteggiamenti ed è più di una semplice digitalizzazione". La tecnologia consente un elevato livello di connettività, che rappresenta una sfida importante soprattutto per il sistema educativo. Innumerevoli insegnanti fai-da-te stanno inondando il web con corsi di e-learning. "Flipped classroom", "seemless learning" o apprendimento adattivo sono solo alcune delle tante parole d'ordine. Piattaforme come moog.org o khanacademy.org offrono una gamma completa di corsi online gratuiti, perfettamente preparati dal punto di vista didattico, che consentono un apprendimento auto-diretto e partecipativo. Belliger ha individuato un cambiamento di paradigma nelle forme di insegnamento e apprendimento: "Siamo nella transizione tra sistema e rete". In queste circostanze, le istituzioni, comprese le accademie di musica, devono porsi la domanda fondamentale sulla loro missione.
Il presidente della VMS Philippe Krüttli e Valentin Gloor, rettore della Scuola di Musica di Lucerna, hanno condotto la discussione. Foto: Anne Fröhlich FOTOGRAFIA DI TELAIO
Come si impara la musica in Svizzera?
Valentin Gloor, che quattro anni fa era membro del consiglio direttivo del VMS e ora è direttore dell'Università della Musica di Lucerna (HSLU) e vicepresidente della Conferenza svizzera delle Università della Musica, ha illustrato il progetto di ricerca ad ampio raggio "Music Learning Switzerland" insieme a Philippe Krüttli. (La SMZ ha riportato) Sotto la presidenza di Marc-Antoine Camp, responsabile del Centro di competenza per la ricerca sull'educazione musicale dell'HSLU, e in collaborazione con il VMS e 37 associazioni professionali e istituzioni di educazione musicale, è stato esaminato il panorama dell'apprendimento musicale extrascolastico in Svizzera.
Gloor ha riassunto l'obiettivo dello studio: "Volevamo sapere dove stiamo andando". Alla fine sono emersi otto campi d'azione. Questi includono i programmi per i bambini in età prescolare, la cooperazione con le scuole primarie, lo sviluppo dei talenti, i programmi musicali per tutte le fasce d'età e l'espansione del profilo professionale dell'educazione musicale. Quest'ultimo sarà presto incluso nella nuova versione del documento VMS corrispondente. Nella discussione che ne è seguita, si è parlato della cooperazione con le scuole primarie e del profilo professionale. Per quanto riguarda le scuole primarie, è emerso un consenso sul fatto che le istituzioni dovrebbero avvicinarsi. Il secondo tema è collegato al primo, in quanto è diffusa la mancanza di programmi di formazione che qualifichino gli insegnanti strumentali per insegnare nelle scuole primarie. D'altro canto, si registra una crescente carenza di competenze in materia di didattica musicale tra gli insegnanti di scuola primaria neoqualificati.
Tutti hanno delle menomazioni
Il secondo giorno è stato ricco di cinque presentazioni e di un dibattito. Inoltre, si è concluso il concorso per le migliori pratiche del giorno precedente. Il preside Sandro Häsler ha potuto presentare il suo progetto di composizione di successo per gli studenti, "My Music". Laurent Gignoux della Scuola di Musica di Bordeaux ha presentato due progetti orchestrali a sfondo sociale nelle scuole francesi. "Orchestre en classe", un tipo di musica in classe, è in corso dal 1999 e coinvolge attualmente 40.000 bambini. Nel 2010 è stato fondato dalla Cité de la musique - Philharmonie de Paris il progetto "DÉMOS, Dispositif d'Éducation Musicale et Orchestrale à vocation Sociale", rivolto ai bambini provenienti da quartieri socialmente o culturalmente svantaggiati o da zone rurali. Il progetto è attualmente in corso in tredici dipartimenti con un totale di circa 10.000 partecipanti.
Babette Wackernagel ha presentato la sua scuola privata di musica "Musik trotz allem" per persone con disabilità. Oggi le persone con disabilità sono di fatto escluse dal canone dell'educazione musicale perché non esiste quasi nessuna formazione in questo campo e gli insegnanti di musica hanno quindi paura di confrontarsi con queste persone. Wackernagel ha lanciato un appello per un approccio aperto all'insegnamento alle persone disabili.
Christoph Brunner, responsabile per le pari opportunità e l'inclusione dell'Università delle Arti di Berna, ha relativizzato il concetto di disabilità e ha chiarito che anche le persone non disabili sperimentano menomazioni e deficit in ogni momento della loro vita quotidiana. Ha sottolineato che la legge svizzera sull'uguaglianza dei disabili e la Convenzione delle Nazioni Unite sui diritti delle persone con disabilità non sono ancora state attuate.
Felix Klieser ha offerto una performance impressionante. Il solista di corno attivo a livello internazionale e docente presso l'Università di Musica di Münster non ha armi. Ha parlato della sua carriera di musicista professionista. Ciò che lo preoccupa maggiormente è l'orientamento al deficit nel trattare con le persone con disabilità. L'arte dell'insegnamento consiste nel capire ogni persona e scoprire come risolvere un problema. Questo vale sia per i disabili che per i non disabili. Non gli piace il termine "inclusione" perché implica che le persone a cui si riferisce non sono in grado di fare qualcosa.
Jacques Cordier del Conservatorio di Grenoble si è specializzato nella costruzione di strumenti che possono essere utilizzati anche da persone con gravi disabilità. Sviluppa sistemi di interfaccia tra le persone e gli strumenti, ad esempio mazzette elettromagnetiche e tasti che possono essere azionati con diverse parti del corpo. Come sempre, il programma musicale di supporto comprendeva Orchestra Tabula Musica per sperimentare un ensemble con musicisti disabili e non. Tali costruzioni sono state utilizzate dal vivo.
(La Schweizer Musikzeitung è media partner della FMB).
Fondata nel 2017, l'Orchestra Tabula Musica ha sede a Berna. Foto: Anne Fröhlich FRAME PHOTOGRAPHY
Composizione della concorrenza di Basilea 2023
Il quarto Concorso di composizione di Basilea si svolgerà a Basilea dal 9 al 12 febbraio. Le composizioni candidate sono 12.
PM/SMZ
(traduzione: IA)
- 24 Gen 2023
I tre vincitori del premio 2021. foto: Olivia Brown
Il bando di gara per il quarto Concorso di composizione di Basilea era aperto a tutti i compositori, senza limitazioni di età o requisiti di istruzione. Le tre migliori composizioni sono state premiate con premi in denaro (60.000 franchi svizzeri per il primo premio, 25.000 franchi svizzeri per il secondo premio e 15.000 franchi svizzeri per il terzo premio).
Solo 14% delle candidature provenivano da donne. Per questo motivo, il progetto educativo del concorso mira a contribuire alla creazione di nuovi modelli di ruolo. Dopo il primo concorso del 2017, è stato avviato anche un altro progetto educativo che mira a far conoscere ai ragazzi delle scuole la professione di compositore.
La giuria di quest'anno è composta da Michael Jarrell (presidente), Rebecca Saunders, Isabel Mundry, Andrea Scartazzini, Toshio Hosokawa e Florian Besthorn.
Tutti i concerti possono essere seguiti in diretta streaming gratuita.
I concerti dal 9 all'11 febbraio presenteranno opere di: Masato Kimura, Steven Heelein, Leonardo Silva, Jinhan Xiao, Carlos Satue, Kotaro Morikawa, Masashi Kawashima, Jinseok Choi, John Weeks, Valerio Rossi, Gijsbrecht Roijé, Nana Kamiyama.
Il "risveglio" o "renouveau" in francese è il tema del primo numero della nuova veste di Harriet Messing. Gli articoli di questo numero esplorano la costante partenza verso nuovi territori, nonché la questione del ruolo che la musica può svolgere in tempi di sconvolgimenti sociali. La foto di copertina di Holger Jacob ritrae Mario Batkovic.
SMZ
(traduzione: IA)
- 18 Gen 2023
Immagine di copertina numero 1_2/2023
Indice dei contenuti
Focus
"Mi hanno scassinato la porta" - Intervista a Mario Batkovic
Il rinnovamento della chitarra continua: le attuali tendenze compositive e pedagogiche
Evasione o risveglio? - Composizione multimediale
Iran: le donne cantano per la libertà - preservando il patrimonio culturale nonostante il divieto di esibizione
La musica può essere forte. O silenziosa. Ma sempre insistente, per favore! - Un appello per risposte artistiche radicali alle domande del nostro tempo
(corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)
Urs Joseph Flury non è noto solo come violinista e compositore, ma è qualcosa di simile alla memoria musicale della scena musicale svizzera del XX secolo.
Ulrich Lips
(traduzione: IA)
- 28. mag 2021
Urs Joseph Flury 2011. foto: zVg
L'attività principale del padre di Flury, il compositore tardo-romantico Richard Flury (1896-1967), si è svolta nella prima metà del XX secolo con innumerevoli contatti e spesso amicizie con compositori ed esecutori svizzeri e stranieri. Su queste esperienze mantenne un dialogo vivace con il figlio Urs Joseph, nato nel 1941, che negli anni successivi fu lui stesso presente a molti incontri; particolarmente influente fu l'incontro con Pablo Casals.
La memoria (eccellente) di Flury risale quindi a molto tempo fa. Per questo conosce molto bene i dettagli della scena musicale svizzera: quando Scherchen lasciò l'orchestra di Winterthur, quali orchestrali si trasferirono con lui a Zurigo? Quali furono le circostanze (piccanti) del recital pianistico di Max Reger a Losanna? Come si sviluppò la tragica relazione tra Maria Schell (che entrava e usciva da casa Flury) e il violinista Georg Kulenkampff? - Flury conosce migliaia di dettagli di questo tipo e li racconta di tanto in tanto. Flury viene contattato da ogni parte per domande su questo periodo. Gli è stato chiesto innumerevoli volte di scrivere un libro su questo periodo. Perché oltre a lui - e dopo di lui - nessun altro lo saprà.
Scopritore e conservatore
Flury è sempre stato affascinato e colpito dagli artisti che hanno lavorato in diversi campi, i "doppi talenti" come li chiama lui. Tra questi ci sono nomi noti: E. T. A. Hoffmann, Jean-Jacques Rousseau o l'imperatore Giuseppe I d'Asburgo. Ma chi conosceva il talento musicale di Arthur Schnitzler, Annette von Droste-Hülshoff, il clown Grock, il combattente per la libertà e illuminista Tadeusz Kościuszko e molti altri prima che Flury portasse alla luce le loro opere, le eseguisse e le registrasse su CD?
Grazie a queste scoperte, ha salvato innumerevoli opere dall'essere dimenticate per sempre. È stato particolarmente attivo in questo senso con i compositori solettesi: ha curato le opere di Alois Glutz von Blotzheim, Casimir Meister, Edmund Wyss e Dino Ghisalberti, di cui ha compilato il catalogo ragionato. Oltre al campo musicale, Flury ha curato l'opera della poetessa solettese Olga Brand (1905-1973) con la pubblicazione di un volume di poesie nel 2005.
È particolarmente affezionato al lavoro di suo padre, che rappresenta il suo vero scopo nella vita. Come violinista ha suonato e presentato innumerevoli brani, alcuni dei quali dedicati a lui, e ne ha orchestrati, diretti e registrati altrettanti su CD. Con l'istituzione della Fondazione Richard Flury nel 1996, ha creato le basi per una promozione più ampia e sostenibile di questo lavoro (www.richardflury.ch).
Una delle grandi passioni di Flury sono le registrazioni storiche, soprattutto di violinisti. Probabilmente possiede la più grande collezione di registrazioni del violinista Fritz Kreisler (anche come pianista!), ma anche di Jacques Thibaud, Aldo Ferraresi, Alfredo Campoli, Gabriella Lengyel e Georg Kulenkampff. Molte etichette gli devono la pubblicazione di registrazioni. Flury ha donato decine di registrazioni storiche alla Fonoteca nazionale di Lugano.
Compositore, violinista e direttore d'orchestra
Urs Joseph Flury 1966. foto: zVg
L'opera di Flury (www.ujflury.ch) comprende opere vocali e orchestrali, concerti strumentali e opere di musica da camera in un'ampia varietà di strumentazioni. Con la musica della fiaba La sirenetta (1979), generazioni di bambini di Soletta sono cresciute con questo teatro e innumerevoli sono state le rappresentazioni, con e senza balletto. Le opere sacre su testi di Beat Jäggi (Wiehnechtsoratorium di Soledurn e Passione in dialetto solettese) e, più recentemente, le composizioni commissionate dal coro di Soletta, Le persone congelate e Quattro canzoni per il ciclo annuale. Considera il suo miglior lavoro strumentale il poema sinfonico Vineta. Di Flury esistono in CD il concerto per violoncello con il solista Pierre Fournier, la sonata per violino solo con Ruggiero Ricci, il concerto per violino in re con Alexandre Dubach. Il Concerto romantico per pianoforte e orchestra (con Margaret Singer) è un "favorito perenne" di Radio Swiss Classic. Molte composizioni di musica da camera sono in stampa.
Allievo di Walter Kägi e Hansheinz Schneeberger, Flury è stato molto richiesto come solista e musicista da camera a partire dagli anni Sessanta. Nel 1966/67 è stato concertatore della Camerata Biel e dal 1965 al 1968 membro dell'Orchestra da Camera di Basilea. Ha insegnato violino presso le scuole cittadine nel 1967 e presso la scuola cantonale di Soletta dal 1968 al 1998. Dal 1967 al 1972 è stato insegnante di violino e teoria al Conservatorio di Bienne.
Ha diretto l'Orchestra da Camera di Soletta dal 1971 e l'Orchestre du Foyer Moutier dal 1970 al 2016. Nei suoi programmi evita le "grandi" opere che ogni amante della musica conosce bene e che un'orchestra amatoriale in genere non è in grado di padroneggiare. Preferisce concentrarsi su rarità di grandi maestri o opere di compositori solettesi, di solito prime assolute e spesso orchestrate o arrangiate per le esigenze dell'orchestra.
Urs Joseph Flury ha ricevuto il Premio d'arte del Cantone di Soletta nel 2016 per la sua vasta attività musicale.
Il revival di Walter Furrer
Negli ultimi sei anni sono state eseguite diverse opere, sono stati prodotti CD e una tesi di master. Un articolo della "Schweizer Musikzeitung" è stato il segnale di partenza del rinnovato interesse per il compositore, guidato da Beatrice Wolf-Furrer.
Beatrice Wolf-Furrer
(traduzione: IA)
- 25 febbraio 2021
Walter Furrer ha lavorato a Berna dal 1957 al 1968. Foto:zVg/www.walter-furrer.ch
Nel giugno 2012, per senso del dovere, ho donato alla Burgerbibliothek di Berna il patrimonio musicale di mio padre, il compositore svizzero Walter Furrer (1902-1978), nell'ambito di un accordo di donazione. Durante la sua vita, la sua produzione musicale gli aveva procurato occasionali riconoscimenti, ma mai una svolta nel vero senso della parola. Solo due anni dopo la donazione, il compito di rivitalizzare le sue opere è toccato naturalmente a me.
La grande domanda: come iniziare? Da qualche tempo ero in possesso di una copia del saggio autobiografico I miei anni da studente a Parigi. L'ho letto attentamente per la prima volta, mi sono reso conto che era ben scritto e con il suo tocco di umorismo furreriano; cosa c'è di più ovvio che darlo al Giornale musicale svizzero da offrire! Ciò ha portato alla pubblicazione di un estratto particolarmente gustoso nel novembre 2014. Il saggio nel suo complesso è stato pubblicato online. E mi ha portato anche qualche reazione da parte di lettori che ancora conoscevano Walter Furrer.
Il Giornale musicale svizzero ha continuato a sostenere il mio lavoro pubblicando le interviste che ho realizzato nel 2015 con le seguenti persone che ancora conoscevano Walter Furrer:
Un primo passo è stato fatto. Quale sarà il prossimo?
Amici e conoscenti mi hanno consigliato di "contattare le università delle arti". L'ho fatto in tutta la Svizzera, senza successo. Ma mi fu dato il prezioso consiglio di mettermi in contatto con l'Orchestra da Camera di Berna. Fu così che conobbi Beat Sieber, all'epoca direttore dell'orchestra (oggi è direttore dell'Orchestra Filarmonica da Camera dei Grigioni). Dopo poco tempo - aveva già dato un'occhiata alla Burgerbibliothek - mi informò che l'Orchestra da Camera di Berna avrebbe eseguito il ciclo vocale di Walter Furrer Sei canzoni turche per baritono e orchestra da camera (eseguito per la prima volta nel 1971 al Centre de musique contemporaine et de premières auditions di Ginevra) nel suo concerto tematico Alla Turca.
Il concerto si è svolto il 21 maggio 2017 al Conservatorio di Berna sotto la direzione di Philippe Bach, con i brani eseguiti dal mezzosoprano Claude Eichenberger; l'intera esecuzione è stata registrata da Radio SRF 2 Kultur e trasmessa il 6 luglio 2017.
Il ciclo Canzoni turche ha avuto fortuna anche nel periodo successivo: il 15 marzo 2019 è stato riascoltato in occasione di un concerto per l'anniversario dell'Orchestra da Camera della Turgovia a Kreuzlingen, diretto dal direttore svizzero Tobias Engeli, che lavora principalmente in Germania. Anche in questo caso le canzoni sono state interpretate da una cantante, Barbara Hensinger. L'esperto di musica di Bienne Daniel Andres ha pubblicato sul web una recensione della prima bernese e di quella di Kreuzlingen (vedi homepage). www.walter-furrer.ch).
Il Förderverein Komponist Walter Furrer è stato fondato nel 2015 con una formazione minima di tre persone: Beat Sieber, Patrick Freudiger e io. Ad oggi non è cambiato nulla in questa forma. Beat Sieber ha creato il sito web di cui sopra, che gestisce da allora.
Poco dopo, mi ha fatto visita il clarinettista Andreas Ramseier, che lavora tra l'altro alla scuola di musica di Burgdorf; anche lui si è appassionato alla musica di Walter Furrer e mi ha aiutato a organizzare un primo concerto vocale, in cui lui stesso è stato affiancato dalle artiste Barbara Hensinger (contralto), Yvonne Friedli (soprano) e Barbara Jost (oboe), nonché dal pianista Andres Joho. L'opera è stata eseguita tre volte in Svizzera e due volte in Germania dal 2017; ciò ha rappresentato anche l'occasione per richiamare per la prima volta l'attenzione sul compositore a Plauen, nel Vogtland, dove è nato.
Istituto di musicologia dell'Università di Berna
Nel dicembre 2016, Cristina Urchueguía ha tenuto il seminario di edizione-filologia "Preservare dall'oblio il compositore svizzero Walter Furrer" presso l'Istituto di Musicologia dell'Università di Berna; da questo seminario sono emersi altri due lavori:
- La piccola composizione di Walter Furrer creata negli anni Settanta del XX secolo Nahtegal, guot vogellîn per coro da camera, viola, chitarra, flauto dolce e tamburello (testo: Heinrich von Stretelingen, 1258-1294) è stato arrangiato per liuto, flauto, fisarmonica e soprano dalla liutista Irina Döring ed eseguito in questa forma cinque volte in Svizzera dall'Ensemble Lumières médiévales.
- Un'altra partecipante, Tamara Ackermann, ha selezionato i cosiddetti "canti dei lavoratori" dalla ricca opera corale, che sarebbe poi diventata l'oggetto della sua tesi di Master.
Il 2018 - 40° anniversario della morte di Walter Furrer - è stato un anno particolarmente ricco:
- Il 17 e 18 marzo la Zürcher Sing-Akademie, sotto la direzione di Florian Helgath, ha eseguito la composizione di Walter Furrer, commissionata all'epoca dal Teatro cittadino di Berna e stampata dall'editore musicale di Zurigo Hug. Tre cori religiosi dal Faust I (Goethe; Mater dolorosa, Dies irae, Chorus ad diem festi paschae). Il 22 febbraio 1944 la nuova produzione di Faust I I cori premiati non hanno ricevuto sufficiente attenzione all'epoca e solo ora sono stati pienamente apprezzati (vedi homepage).
- Il 19/20 giugno 2018 è stata effettuata una registrazione in studio su SRF 2 Kultur, che devo al produttore musicale Norbert Graf e al fatto che Beat Lüthi, all'epoca direttore dell'editore musicale bernese Müller & Schade AG, abbia accettato una coproduzione. Sono state registrate parti del già citato primo concerto vocale, nonché la nenia di Lieschen dall'opera di Walter Furrer, presentata per la prima volta allo Stadttheater di Berna nel 1947. Il fauno (Interpreti: Yvonne Friedli, Andres Joho).
Il programma si è concluso con una registrazione dei cori sopra citati da Faust Iche la Zürcher Sing-Akademie ha generosamente messo a disposizione per questo CD commemorativo. Esso fornisce quindi una panoramica su tre aree chiave dell'opera di Furrer: lieder, opera e composizione corale. È stato pubblicato nel tardo autunno 2018 - insieme al libro Walter Furrer (1902-1978), un compositore svizzero ingiustamente dimenticato. Una scheda biografica di Beatrice Wolf-Furrer - pubblicato da Müller & Schade AG. Nello stesso anno, SRF 2 Kultur ha trasmesso parte dei cicli vocali con il titolo "Ingiustamente dimenticati?", insieme a opere di altri compositori altrettanto dimenticati.
- Alla fine di agosto, Tamara Ackermann ha presentato la sua tesi di Master all'Università di Basilea. Visione - Le idee compositive dell'Associazione svizzera dei cantori operai con l'esempio dei canti operai di Walter Furrer (1902-1978) prima. All'epoca, questi cori erano richiesti dall'Associazione svizzera dei cantori dei lavoratori e la maggior parte di essi era anche pubblicata. L'opera sarà stampata dalla Musikforschende Gesellschaft der Schweiz nel 2021.
- Il primo clamoroso successo in Germania ha avuto luogo il 10 e 12 ottobre 2018 a Reichenbach (Neuberinhaus) e Greiz (Stadthalle): L'Orchestra Filarmonica del Vogtland, sotto la direzione di Dorian Keilhack, ha eseguito l'opera di Walter Furrer Scherzo drolatiquela seconda opera, scritta nel 1949/52 e mai rappresentata prima Naso nano (basato sulla fiaba di Wilhelm Hauff): si tratta di un arrangiamento da concerto del balletto Kitchen Boy del quarto quadro, creato nel 1955, che è stato trasmesso più volte dalle stazioni radiofoniche svizzere nel XX secolo ed è stato anche eseguito pubblicamente ad Aquisgrana nel 1973.
- Il 12 ottobre 2018 - in concomitanza con il concerto dell'Orchestra Filarmonica del Vogtland a Greiz - il suddetto concerto vocale è stato eseguito per la quinta e ultima volta presso la Schwartzsche Villa di Berlino-Steglitz.
Ma anche nel 2019 e nel 2020 c'è molto da raccontare su Walter Furrer. Innanzitutto, il 6 giugno 2019 si è tenuta una soirée ben frequentata presso la Burgerbibliothek di Berna: Nella prima parte ho riferito sulle attività svolte finora, nella seconda Tamara Ackermann ha illustrato i punti chiave della sua tesi di Master e nella terza Andreas Barblan ha fornito informazioni sugli archivi di Furrer con esempi.
Nella prima metà del 2019 ho conosciuto l'organista Matthias Wamser. È attivo soprattutto come organista presso la chiesa di Sant'Antonio a Basilea, dirige diversi cori, pubblica testi musicologici e sostiene attivamente compositori dimenticati del XIX e XX secolo. Le composizioni sacre di Walter Furrer - ci sono, se si conta Tre cori religiosi dal Faust I non tra questi, solo tre, che tuttavia occupano un posto significativo nell'insieme della sua opera - lo hanno attratto spontaneamente, anche se inizialmente si trattava solo del 1973 Le chiese di Assisi. Nove visioni musicali per organo è andato. D
razie alle ripetute visite alla città umbra di Assisi, il compositore ha conosciuto sempre meglio le sue nove chiese ed è rimasto sempre più affascinato dalla spiritualità francescana. Il 13 ottobre 2019, 46 anni dopo la prima mondiale nella Cathédrale de Lausanne, la Chiese nella chiesa di Sant'Antonio a Basilea: Matthias Wamser lo ha inserito nel concerto "Musica per organo sulla via di Francesco d'Assisi" con opere di César Franck, Charles Tournemire, Franz Liszt e Hermann Suter. Il 9 luglio 2020 lo ha suonato di nuovo nell'ambito dell'Estate organistica di Plauen, diretta da Heiko Brosig, nella monumentale St. Johanniskirche.
Nel frattempo Matthias Wamser aveva lavorato anche sui due salmi, e così le tre opere sacre furono registrate nella Antoniuskirche di Basilea il 22 novembre 2020: la Chiese di Assisiil Salmo 102 e 27 per contralto, oboe e organo e del Salmo 142 per soprano e organo (Interpreti: Barbara Hensinger, contralto; Chelsea Zurflüh, soprano; Matthias Arter, oboe; Matthias Wamser, organo; Gerald Hahnefeld, registrazione del suono, editing e mastering; Beatrice Wolf-Furrer, produzione e copyright). Il CD è stato pubblicato alla fine di gennaio 2021 e può essere ordinato presso di me via marnac@besonet.ch al prezzo di 20 franchi.
Concerti
Nel 2019 ho organizzato un secondo concerto vocale, questa volta indipendente. Comprendeva quattro cicli (Sechs türkische Lieder für Bariton und Klavier, Sieben Lieder für Sopran und Klavier, Six fables de Lafontaine pour baryton et piano, Sources du vent. Sept mélodies pour soprano et piano), tre delle quali sono originariamente accompagnate da orchestra da camera, strumenti singoli o grande orchestra e solo una è stata originariamente scritta per voce e pianoforte. Tuttavia, il compositore ha arrangiato le versioni per pianoforte di tutte e tre pensando a piccole sale, per farle conoscere più rapidamente. I due cicli basati su testi di autori francesi erano importanti per me, in modo da sottolineare la sua affinità con la lingua e la cultura francese: I due anni di lezioni di contrappunto di Walter Furrer con Nadia Boulanger all'Ecole normale de musique di Parigi negli anni Venti del Novecento hanno determinato definitivamente lo sviluppo del suo stile compositivo.
Questo secondo concerto vocale è stato presentato in anteprima il 6 ottobre alla Schmiedensaal di Basilea (interpreti: Delia Haag, soprano; Benjamin Widmer, baritono; Tomasz Domanski, pianoforte). Seguiranno altre esecuzioni il 6 novembre 2019 nella Farelsaal di Bienne (registrazione effettuata dallo studio di registrazione Gerald Hahnefeld) e il 15 marzo 2020 a Kirchlindach (chiesa riformata; Walter Furrer è sepolto nel cimitero). La parte del soprano è stata nel frattempo sostituita da Chelsea Zurflüh, una giovane cantante di Bienne.
Poi la corona ci ha colpito tutti e i due concerti successivi, il 22 marzo e il 26 maggio 2020, sono stati vietati. Ho passato settimane a negoziare nuove date e luoghi - per niente! Finché alla fine sono riuscito a "completare" i due eventi in condizioni rigorose (numero limitato di spettatori, maschere obbligatorie) il 1° novembre al Langenthaler Bären e il 5 dicembre 2020 al Conservatorio di Berna. Tra l'altro, a pieni voti! Il pubblico selezionato di esperti ha ringraziato la troupe artistica.
L'anno 2021 sarà dedicato principalmente ai seguenti progetti:
- la già citata stampa della tesi di master di Tamara Ackermann;
- la produzione di materiale pubblicitario per l'opera Naso nano. Allo stesso tempo, si sta provando una rappresentazione concertistica di uno spaccato dell'opera (con accompagnamento al pianoforte). Lo scopo di entrambi è quello di interessare all'opera i teatri della Svizzera e della Germania. Si sta valutando la possibilità di eseguire il suddetto spettacolo come concerto vocale drammatico;
- la pubblicazione di un volume supplementare al mio Schema biografico. Questa pubblicazione conterrà esclusivamente testi di partenza come le dichiarazioni di Walter Furrer sulle sue composizioni, il suo saggio autobiografico integrale I miei anni da studente a Parigima anche la corrispondenza, nella misura in cui riguarda il lavoro di composizione, ecc. Il L'editore musicale Müller & Schade AG con sede a Berna - ora diretto da Urs Ruprecht - pubblica il volume.
Hubert Harry: insegnante di talento e interprete fenomenale
Come insegnante, creò una "Isle joyeuse" al Conservatorio di Lucerna; come esecutore, stabilì standard vincolanti nei suoi concerti: ricordi di Hubert Harry, morto il 12 giugno 2010.
Patrizio Mazzola
(traduzione: IA)
- 23 Giu 2020
Hubert Harry. Foto: hubertharry.com
Nato e cresciuto nella regione inglese della Cumbria, dove la madre era una cantante e il padre un organista e direttore di coro, Hubert Harry ha iniziato a suonare il pianoforte all'età di due anni e mezzo e a quattro anni ha eseguito il famoso Preludio in do diesis minore di Rachmaninov. Da adolescente, Hubert fu incaricato di diversi importanti compiti musicali nella natia Inghilterra, finché non giunse in Svizzera all'età di soli 19 anni per studiare con il famoso pianista Edwin Fischer. Fischer tenne una masterclass al Conservatorio di Lucerna, che all'epoca esisteva solo da quattro anni (fondato nel 1942, durante la guerra, dall'avvocato lucernese e conoscitore di musica Walter Strebi, tra gli altri). A Lucerna e sul Lago dei Quattro Cantoni, a Weggis/Hertenstein, Hubert Harry ebbe modo di incontrare la vedova di Rachmaninov, il che fu per lui un particolare onore e piacere in quanto grande ammiratore di questo compositore.
Pedagogista
Grazie alla vita di Harry a Lucerna e al suo contatto con il conservatorio, pochi anni dopo divenne lui stesso insegnante presso questo istituto, al quale sarebbe rimasto fedele per decenni senza precedenti. Innumerevoli studenti di pianoforte (compreso il sottoscritto) hanno frequentato la scuola di Harry, che col tempo ha cominciato a diffondersi anche al di fuori di Lucerna. Nella sua classe ci si sentiva talmente a casa, musicalmente e personalmente, che quando si lasciava questa "Isle joyeuse" ci si doveva riabituare al resto della vita mondana. Anche sua moglie, Heidi Harry, anch'essa eccellente pianista, ha dato un contributo pedagogico significativo, ad esempio supervisionando i corsi di metodologia. (È stata anche insegnante del Consigliere federale Sommaruga, di formazione pianistica).
Interprete
Sebbene il fulcro dell'attività musicale di Hubert Harry fosse l'insegnamento, di tanto in tanto si tenevano grandi concerti, preferibilmente in Svizzera. La rarità di questi concerti li rendeva momenti speciali, spesso addirittura grandiosi. Fortunatamente, molti di essi sono documentati e accessibili in registrazioni di successo. I programmi di Harry erano principalmente dedicati alla grande letteratura concertistica internazionale. Tuttavia, le sue interpretazioni di questa letteratura molto suonata non si sono mai sottratte al confronto con i (cosiddetti) grandi del pianismo mondiale - anzi, è vero il contrario... Con le singole esecuzioni, Harry è riuscito a stabilire standard vincolanti che difficilmente sono stati eguagliati, tanto meno superati.
Effetto
Ciò può sorprendere, dato che il lavoro di Harry è rimasto così limitato e non ha mai raggiunto l'impatto di ampio respiro che meritava - probabilmente anche perché questo non era un problema per Harry nella sua genuina umiltà e dedizione alla musica. Ma la vera grande arte è molto spesso difficilmente riconosciuta come tale all'inizio e apprezzata solo postuma (e in questo Harry è certamente in buona compagnia). Resta da vedere se la meritata fama mondiale di Harry, se era importante per lui, si materializzerà. Con le possibilità tecniche e digitali di oggi, è ipotizzabile. Fino ad allora, la sua crescente cerchia di seguaci rimarrà una comunità privilegiata di addetti ai lavori.
Attuale
Sabato 4 luglio, dalle 11.00 alle 16.00, la Scuola di Musica di Lucerna organizza un evento a Dreilinden per salutare l'attuale sede prima del trasferimento nel nuovo edificio del Südpol Luzern/Kriens. Patrizio Mazzola suonerà e commenterà opere in memoria di Hubert Harry e Caspar Diethelm, che hanno lavorato entrambi alla scuola per molto tempo.
Ingvar Lidholm, uno dei più grandi compositori svedesi del XX secolo, è morto il 17 ottobre 2017 all'età di 96 anni. Non è stato solo una delle figure più importanti del "miracolo corale" svedese, ma ci sono anche punti di contatto con la Svizzera.
Markus Utz
(traduzione: IA)
- 10 Nov 2017
Il compositore Ingvar Lidholm è particolarmente noto negli ambienti corali svedesi. È stato membro del Gruppo del Lunedì, che ha aperto la strada al cosiddetto miracolo corale svedese. Il gruppo ha trovato ispirazione anche a Basilea.
Ingvar Lidholm, uno dei più grandi compositori svedesi del XX secolo, è morto il 17 ottobre 2017 all'età di 96 anni. Dopo le morti di Knut Nystedt (1915-2014) e di Einojuhani Rautavaara (1928-2016), Lidholm è un altro compositore scandinavo altamente significativo del XX secolo.
Lidholm è stato una figura centrale nella vita musicale svedese per oltre 70 anni e ha scritto opere rivoluzionarie per coro, musica da camera e orchestra. Il suo lavoro ha contribuito in modo significativo al cosiddetto "miracolo corale svedese", la nascita e il movimento di cori in grado di eseguire brani molto difficili. Questi pezzi includono Laudiche Lidholm compose all'età di 26 anni, ispirato da un coro diretto dall'amico Eric Ericson. "Quasi impossibile da eseguire", fu presumibilmente il giudizio dei membri del coro quando misero le mani sullo spartito nel 1947.
Lidholm ha scritto opere a cappella, opere solistiche per clarinetto, oboe e violoncello, ma anche opere orchestrali come Contatto (1978) e Ritornello (1955) e opere come L'olandeseper la quale ha ricevuto il Premio dell'Opera di Salisburgo nel 1968, oppure Un gioco da sogno (Ett drömspel, 1990). Altre composizioni di Lidholm sono poi diventate dei classici nel mondo corale, come ad esempio Canto LXXXI (1961), Libera me (1995) e a riveder le stelle (1973).
(Per una biografia dettagliata e l'elenco delle opere corali, vedi sotto).
Il gruppo del lunedì
Alcuni compositori, musicisti e musicologi svedesi si riunirono nel 1944 e si incontrarono regolarmente il lunedì fino al 1950 circa per discutere di composizione. Il leader informale del gruppo era Karl-Birger Blomdahl (1916-68). Le riunioni si svolgevano nell'appartamento della sua famiglia in Drottninggatan a Stoccolma, con il caffè fornito dalla madre.
Poiché i contatti internazionali erano stati interrotti a causa della Seconda Guerra Mondiale, c'era una grande necessità di scambiare esperienze. Tra le altre cose, discussero la teoria del movimento e della forma in compositori come Hindemith, Bartók, Stravinsky, Schönberg e Berg. Il nucleo del gruppo era composto dallo stesso Blomdahl, Klas-Thure Allgén, Sven-Erik Bäck, Sven-Eric Johansson, Hans Leygraf, Claude Génetay, Eric Ericson e Ingmar Bengtsson, oltre a Ingvar Lidholm.
Nel 1946, alcuni membri del gruppo (Sven-Eric Bäck, Ericson e Lars Edlund) si recarono a Basilea presso l'"Istituto di insegnamento e ricerca" per la musica antica per studiare con Ina Lohr. Come assistente di Paul Sacher, Ina Lohr ha svolto un ruolo importante nella creazione dell'istituzione oggi nota come Schola Cantorum Basiliensis. Tutta la sua opera fu caratterizzata da una profonda religiosità. Fu coinvolta nel movimento canoro svizzero e nell'introduzione del volume di prova del nuovo innario della chiesa. Allo stesso tempo, il movimento della musica antica cercava gradualmente una maggiore professionalizzazione, volendo liberarsi dall'etichetta di dilettantismo che definiva sostanzialmente la musica domestica, cosa che tra l'altro ha contribuito al fatto che il nome di Ina Lohr è oggi poco conosciuto.
Quando il gruppo del lunedì ricominciò a riunirsi nel 1947, si aggiunsero diversi nuovi partecipanti, tra cui Göte Carlid, Magnus Enhörning, Nils L. Wallin e Bo Wallner.
Cambio di paradigma nella vita musicale
L'orientamento del Montagsgruppe fu e divenne nel tempo sempre più radicalmente modernista. L'obiettivo originario era quello di migliorare le proprie composizioni in parallelo allo sviluppo della musica d'arte europea. Tuttavia, volevano anche lavorare per ottenere una maggiore comprensione della propria musica, spesso criticata. In Svezia dovettero lottare contro l'establishment musicale tradizionalista, in cui il tardo romanticismo e il neoclassicismo erano gli ideali stilistici predominanti. L'allontanamento dal tardo romanticismo ha comportato anche un interesse per la musica barocca e la sua prassi esecutiva da parte di molti membri del gruppo.
I membri del Montagsgruppe parteciparono attivamente ai dibattiti sulla nuova musica, guadagnando gradualmente più attenzione e influenza. E così gradualmente (dopo che il gruppo si era già sciolto) alcuni dei suoi membri, primi fra tutti Blomdahl, Bäck e Lidholm, occuparono posizioni centrali all'interno della scena musicale svedese. Il Monday Group riveste quindi un'importanza centrale nella storia della musica svedese del XX secolo ed è responsabile del netto cambio di paradigma estetico e stilistico nella vita musicale degli anni Cinquanta e Sessanta. Sia Blomdahl che Lidholm divennero professori di composizione al Royal College of Music di Stoccolma. La musica corale, in particolare, ha dato un contributo decisivo allo sviluppo generale della nuova musica in Svezia dopo la seconda guerra mondiale.
L'enorme sviluppo della musica corale scandinava contemporanea, noto anche come "miracolo corale svedese", è legato soprattutto alla leggenda della direzione corale Eric Ericson. Egli non solo ha ispirato i compositori a scrivere queste nuove opere. Soprattutto, ha anche formato direttori di coro che non avevano più "paura" di nuovi suoni e partiture insolite. In questo modo, ha messo in moto un ciclo per le generazioni successive in cui cori efficienti, direttori di coro con una formazione eccellente e compositori sono stati in grado di fecondarsi a vicenda.
Oggi questa influenza è considerata sia positiva che negativa. Altri compositori che non condividevano gli ideali del gruppo o che componevano in modo più tradizionale venivano ampiamente ignorati da istituzioni come la radio svedese, gestita dai membri del Monday Group o dai loro amici e "alleati". Questa situazione è stata descritta, tra gli altri, dal compositore Erland von Koch nel suo libro Musica e canto [Musica e ricordi], Stoccolma 1989.
Nato a Jönköping, nella provincia meridionale svedese dello Småland, il 24 febbraio 1921, ha studiato violino con Hermann Gramms e orchestrazione con Natanael Berg, dopo gli studi a Södertälje. Dal 1940 al 1945 ha studiato violino con Axel Runnqvist e direzione d'orchestra con Tor Mann al Royal College of Music di Stoccolma; dal 1943 al 1945 ha studiato anche composizione con Hilding Rosenberg. Dal 1943 al 1947 è stato violista all'Opera di Stoccolma.
Il premio della Jenny Lind Fellowship gli ha permesso di proseguire gli studi in Francia, Svizzera e Italia. È stato direttore musicale della città di Örebro (1947-1956) e il primo svedese a partecipare al Corso estivo internazionale di Darmstadt per la nuova musica nel 1949. Nel 1956 è diventato direttore dei programmi di musica da camera della Radio svedese. Dal 1965 ha insegnato composizione al Royal College of Music di Stoccolma, tornando alla radio nel 1975 come direttore della programmazione per la nuova musica. Dal 1967 è stato anche direttore della rivista Nuova musica. Vel 1947 al 1951 e dal 1963 al 1965 è stato membro del consiglio di amministrazione della Società svedese dei compositori. È stato anche vicepresidente del Royal College of Music di Stoccolma dal 1963 al 69 e membro del consiglio di amministrazione dell'Associazione internazionale dei compositori svedesi.
Ha ricevuto il Premio Christ-Johnson nel 1958 e il Premio Internazionale Koussevitzki nel 1965. Nel 1968 gli è stato assegnato il Premio dell'Opera di Salisburgo per la sua composizione L'olandese eccellente. Lui stesso ha detto a proposito del suo modo di comporre: "Cerco sempre di tenere a mente che il mio lavoro è far parlare la musica... Cerchiamo di formulare di nuovo una musica che parli in modo forte e diretto all'ascoltatore, una musica per la gente del nostro tempo".
Le prime opere di Ingvar Lidholm rivelano un romanticismo soggettivo e scandinavo (Gullberg canta 1944), prima ancora che entrino in gioco elementi come quelli di Hindemith o Bartók (Concerto 1945, Musica per archi 1952). La composizione corale Laudi combina la polifonia vocale antica con l'armonia moderna. Il linguaggio musicale di Lidholm è ricco e vario, il numero delle sue opere notevole e il suo stile versatile.
La svolta internazionale è avvenuta con il brano orchestrale Ritornello. Valtri suoi brani per orchestra, in particolare il balletto Riter (1959), Mutanza e soprattutto Poesia (1964 per il 50° anniversario dell'Orchestra Filarmonica di Stoccolma). Quest'ultimo è un brano non convenzionale per un anniversario, con blocchi sonori brutali e di colore diverso, punti di culmine dinamici e assurde cadenze solistiche per pianoforte e contrabbasso. Saluti da un vecchio mondo è stato composto nel 1976 per la Clarion Music Society di New York in occasione del bicentenario degli Stati Uniti d'America.
"Faccio uso della tradizione - con modelli sonori chiaramente comprensibili con un carattere gestuale, virtuoso o melodico". Un ingrediente importante del brano è il Wanderlied di Heinrich Isaac Innsbruck, devo lasciarti andare. L'opera sorella corrispondente è Contatto (1979), composto in occasione di una tournée in Unione Sovietica e che incorpora nel suo suono le tradizioni ortodosse. Probabilmente nessuna sua opera è stata più ampiamente diffusa di Musica per francobolli. L'ha scritta in occasione della creazione di un francobollo per il bicentenario del Royal College of Music di Stoccolma.
Elenco delle opere corali
Laudi (1947) Quattro cori (1953) Due canzoni (1945-1955): 1° Saga (coro maschile) 2° Jungfrulin (coro femminile) Canto LXXXI (1956) Motto (1959) Due epigrammi greci (1959). 1° Kort är rosornas tid (coro maschile a 3 voci), 2° Phrasikleia (soprano solo e coro femminile) Tre Strindbergweisen (1959): 1° Välkommen åter snälla sol 2° Sommerafton 3° Ballata Nausicaa da sola (1963): Scena per soprano solo, coro e orchestra a riveder le stelle (1971) I Persiani (1978): scena drammatica per recitazione e grande coro maschile Skaldens natt (1958/1981): Per soprano solo, coro e orchestra De profundis (1983)
dall'opera Ett drömspel (Un gioco da sogno): Vindarnas klagan (1981), Troget o milt (1990) Il mondo di Inbillningens per coro maschile (1990/1996) Libera me (1993-94)
dall'opera Ett drömspel (Un'opera da sogno): Sinfonia vocale (1997), Due madrigali (1981) entrambi con orchestra La vaggvisa di Madonnan per voce sola e coro misto (1943/2001) Gravrelief Grekisk (2003)
Caratteristiche, stile e significato spiegati da due sonate.
Bernhard Billeter
(traduzione: IA)
- 09 nov 2017
Ritratto di Leopold Koželuch di W. Ridley. Fonte: Wikimedia commons
Anche sette delle prime sonate manoscritte sopravvissute e quindi non databili - nel volume IV della nuova edizione n. 44-50, probabilmente prima del 1773 - non sono chiaramente destinate al clavicembalo, ma sono state scritte per il "fortepiano", che all'epoca era in ascesa. Possono competere con le prime sonate di Haydn in termini di inventiva e profondità di emozioni. Una di esse in mi bemolle maggiore, la n. 47, presenta ancora una forma sonata a due parti (senza sviluppo) nel primo movimento, Adagio, come nella Sonata in mi bemolle maggiore K. 282 di Mozart. Mozart la compose probabilmente all'inizio del 1775 a Monaco di Baviera durante la prima del dramma giocoso ivi ordinato. La finta giardiniera e si può probabilmente escludere l'influenza di Koželuch. Si tratta di un residuo del primo periodo classico.
Due grandi sonate mature del periodo creativo medio meritano di essere descritte in modo più dettagliato. Quella in la maggiore op. 35 n. 2 del 1791 è in tre movimenti e, come la maggior parte, è costituita da una forma sonata, una forma canzone composita e una forma rondò. Il Esempio di musica 1 mostra il preludio al tema principale nella forma del periodo; il postludio è esteso a 12 battute.
Esempio di musica 1
Dopo il passaggio graduale alla tonalità dominante, l'accordo di settima dominante rimane per quattro battute. Qui (Esempio di musica 2) alla battuta 35 potrebbe quindi essere l'inizio del movimento secondario. Sorprendentemente, il motivo di apertura del tema principale appare in mi minore anziché in mi maggiore.
Esempio di musica 2
Il Esempio di musica 3 mostra una fallacia nella battuta 49 e l'accordo di sesta aumentata in quinta alla dominante e, nel preludio alla battuta 53, l'inizio del movimento secondario relativamente breve (26 battute). In ogni caso, nella musica di Beethoven si può parlare solo di un "gruppo finale", di cui spesso si parla in alcune teorie formali. Nella sezione di sviluppo, il compositore utilizza un gran numero di motivi del movimento principale in ampie quinte. Quattro battute complete dell'apertura in re maggiore potrebbero indurre l'ascoltatore a pensare all'inizio di una ripresa.
Esempio di musica 3
Nelle battute 111-117, la guida complementare a due parti della mano destra (Esempio di musica 4).
Esempio di musica 4
Invece di preparare la ricapitolazione con una pausa più lunga sulla dominante, Koželuch utilizza un mezzo molto più drastico, ovvero una pausa generale di una battuta. Lasciamo all'intuizione di un lettore attento, qualora si procuri gli appunti, il notevole confronto tra esposizione e ricapitolazione con movimento principale abbreviato e clausola subordinata estesa e le numerose differenze nei dettagli. Ne vale la pena!
La fine di questo movimento merita un piccolo commento: Qui i segni di ripetizione, che erano altrimenti consueti nelle prime sonate classiche e soprattutto in quelle classiche per ripetere lo sviluppo e la ricapitolazione, mancano anche in Mozart. Koželuch rompe con questa tradizione qui e in tutte le sonate per pianoforte successive. Torneremo su questo punto. - Sarà più facile descrivere i due movimenti rimanenti, entrambi con una sezione in miniatura al centro ed entrambi di scintillante ingegnosità. L'Adagio espressivo si rivela quando gli ornamenti scritti con precisione (chiamati nel XVIII secolo "cambiamenti arbitrari" in contrapposizione ai "modi essenziali") vengono riconosciuti come tali. Il Rondò offre molto di più di un semplice finale. Il suo tema principale - o diciamo meglio: il suo ritornello - compare solo tre volte, la seconda molto abbreviata, ma fa anche da cornice al Minore e quindi non appare mai banale. Poiché l'Allegro del primo movimento si avvicina a volte a una firma di tempo allebreve e l'Allegro del rondò è annotato in tempo due-quattro, il primo dovrebbe essere preso al volo e il secondo un po' più lentamente. Il pubblico rimarrà stupito dall'abbagliante virtuosismo dell'esecuzione, anche se il livello di difficoltà è abbastanza accessibile a un dilettante esperto (circa livello 8-9 secondo Klaus Wolters) grazie alla scrittura manuale del pianista esperto.
Cinque sonate nei primi due volumi e sei nei volumi III e IV iniziano con un movimento in tonalità minore. Come per Mozart, si tratta di una piccola minoranza, ma che merita particolare attenzione. In esse Koželuch sperimenta elementi polifonici, ad esempio all'inizio della Sonata op. 26 n. 2 in la minore del 1788 (Nota esempio 5).
Esempio di musica 5
Il movimento secondario inizia normalmente con un tema di dodici battute nella tonalità parallela di do maggiore. Ma quando lo stesso tema appare in Mi bemolle maggiore senza alcuna modulazione dopo una pausa generale di quasi due battute, la sorpresa è perfetta. Schubert ci saluta. Tra l'altro, la pausa generale richiede un tempo allegro e vivace.
Ancora più interessante, anche per l'insolita sequenza dei movimenti, è la Sonata op. 30 n. 3 in do minore del 1789, che inizia con un'ampia sezione di movimento lento, troppo estesa per essere un'introduzione, anche se rimane incompiuta sulla dominante.
Nota esempio 6
Le prime 8 battute (Nota esempio 6) sembrano il preludio di un periodo. Le semicrome punteggiate con note da trenta secondi evocano una marcia funebre.
Nota esempio 7
Attacca l'Allegro in forma sonata. Anche in questo caso l'inizio, cioè il tema del movimento principale (Nota esempio 7) un movimento precedente. Viene esteso a 14 battute ripetendo la semifinale. Invece di un movimento finale, c'è una sezione di transizione verso il parallelo maggiore di sole 16 battute. Il movimento secondario (Nota esempio 8), con le sue 36 battute, è estremamente breve rispetto ad altre sonate di Koželuch e dei suoi contemporanei.
Nota esempio 8
Come di consueto, il segno di ripetizione appare alla fine dell'esposizione. Ma dove deve iniziare la ripetizione, con il Largo o con l'Allegro? Il compositore non lo specifica, perché è ovvio: con l'Allegro! Anche in questo caso la sezione di sviluppo sarebbe molto breve, 32 battute. Ma la ricapitolazione inizia davvero qui, alla battuta 142, nella tonalità di sol minore? No, come nella sonata in la maggiore, si tratta di una finta ricapitolazione. (Nota esempio 9).
Nota esempio 9
La "correzione" in do minore (Nota esempio 10). Schubert si spinge molto più in là: nelle due sonate per pianoforte in la minore e in do maggiore ("Reliquie"), scritte quasi contemporaneamente, oscura deliberatamente e completamente l'inizio della ricapitolazione, su cui i teorici della musica possono discutere. Con Schubert, si tratta di una partenza verso nuovi lidi. Dovremmo concedere anche a Koželuch una simile partenza su scala più modesta?
Nota esempio 10
Koželuch rompe con un'altra tradizione già citata in precedenza alla fine della ricapitolazione, ovvero la ripetizione della sezione di sviluppo più la ricapitolazione. Ciò non sarebbe possibile perché l'Allegro e il Largo che conclude il movimento sono indissolubilmente legati. Ciò è particolarmente evidente nella pagina facsimile della prima edizione riprodotta nell'edizione Bärenreiter, ovvero l'unica fonte: non c'è la doppia battuta, ma solo il nuovo segno di battuta 2/4. Ma anche senza la pagina facsimile, l'incastro è chiaramente evidente: l'accordo iniziale del Largo forma la conclusione della cadenza alla fine dell'Allegro. Ciò solleva la questione se Koželuch sia stato ispirato da questa sonata in do minore, composta due anni prima della sonata in la maggiore discussa sopra, a riconsiderare la seconda ripetizione di una forma sonata. Si tratta di una questione molto dibattuta nella prassi esecutiva. Mozart rinuncia alla seconda ripetizione nelle forme sonate, anche se raramente.
Facciamo una digressione: nelle sonate per pianoforte di Mozart, questo vale solo per le ultime due, la K. 570 in si bemolle maggiore e la 576 in re maggiore. Tuttavia, la situazione delle fonti per la sonata in si bemolle maggiore è sfavorevole, ma il caso è chiaro. Esiste solo una sonata per pianoforte e violino: K. 481 in mi bemolle maggiore, nessuno dei trii per pianoforte e uno dei quartetti per archi: K. 575 in re maggiore. Ciò significa che Mozart li ha utilizzati deliberatamente. Quindi possono essere suonati dove Mozart li ha scritti. Purtroppo, però, si sentono raramente nei recital di pianoforte e di musica da camera o nelle registrazioni, anche da parte di interpreti di spicco. Koželuch, a differenza di Mozart, si attenne a questa decisione fino alla fine della sua vita.
Il secondo movimento della sonata in due movimenti ricomincia attacca, un rondò in do maggiore liberatorio. Il ritornello appare una volta in sol maggiore, fortemente modificato, e una volta in do minore come breve richiamo al primo movimento.
Nel complesso, l'opera di Koželuch non è solo utile per i pianisti, ma anche come interessante raccolta di esempi per il tema della teoria della forma, ovvero l'argomento che accomuna tutte le altre materie della cosiddetta teoria musicale ed è adatto a colmare il divario tra teoria e pratica interpretativa.
Hanspeter Künzler, trad.: IA
(traduzione: IA)
- 30. Mar 2017
Il team Intakt 2016 con Patrik Landolt, all'esterno a sinistra. Foto: Michelle Ettlin
Potrebbe iniziare con un breve riassunto della storia di Intakt Records ottenere? Patrik Landolt: Si può iniziare così: nel 1984 ho co-organizzato il Festival Taktlos con Berna. Il festival era incentrato su Irène Schweizer con ospiti internazionali come Joëlle Léandre, Maggie Nicols, George Lewis da New York, Günter "Baby" Sommer da Dresda. Era un festival gratuito e Radio DRS registrò tutto per tre giorni. Quindi avevamo i nastri del festival. Abbiamo pensato che sarebbe stato meglio fare un disco intorno a Irène. Perché Irène era molto poco documentata all'epoca. Aveva pubblicato delle cose su FMP, ma alcune non erano nemmeno disponibili in Svizzera. Così abbiamo realizzato il disco, Irène dal vivo a Taktlospiù che altro perché nessun altro voleva i nastri. Questo è stato l'inizio. Il secondo disco è arrivato relativamente presto. Anche quello fu un affare internazionale con l'intera London Jazz Composers Orchestra e Anthony Braxton.
Perché queste persone hanno fatto emettere il loro disco da un dilettante a Zurigo?
È sempre accaduto che il mondo della musica libera e creativa non venisse pubblicato dalle grandi multinazionali. Una multinazionale ha documentato la scena dei loft di New York con una serie negli anni Settanta. Si chiamava Wild Flowers. Pensavano che sarebbe stato un grande affare e invece fu un flop. Non vendettero più di qualche centinaio di scatole. Quello fu uno dei momenti storici in cui le grandi aziende dissero addio al jazz. Hanno capito che non si possono fare soldi con esso. Oggi è chiaro che le tre major rimaste hanno in gran parte detto addio a questa musica. Quello che non fanno affatto è sviluppare nuovi artisti. Questo compito è sempre spettato ai piccoli indipendenti. Forse è per questo che siamo sembrati particolarmente affidabili! È stato fantastico, il primo album Irène, il secondo album con LJCO con Braxton e così via, è stata una cosa fantastica.
Non eri un fan del rock?
Anche per me è stato così. Non si escludevano a vicenda. Ero un fan sfegatato dei King Crimson. Ma già alle scuole elementari mi occupavo intensamente di jazz. Miles, Coltrane, Roland Kirk. Avevo 15, 16 anni allora. L'album di Roland Kirk con le cover dei Beatles - incredibile!
Se ricordo bene, lei ha gestito Intakt per molto tempo come hobby, non è vero?
Esattamente, come un hobby che si è diffuso sempre di più. All'inizio ho lavorato come giornalista freelance per il Tagi, la radio e vari giornali. Poi sono stato redattore del WoZ per 20 anni, facendo anche parte del consiglio di amministrazione. Questo mi ha tolto un po' di energia per organizzare i festival. Dopo 10 anni a Taktlos, ho lasciato l'organizzazione.
Tutto è rimasto a casa sua per molto tempo. Tutti i dischi si trovavano nel suo appartamento.
Per i primi anni Intakt era in cantina. Ero giovane, non avevo soldi e quindi non avevo scorte. Dovevi imparare e scoprire tutto da solo. Tutto era basato su tentativi ed errori. Abbiamo adottato un approccio molto svizzero: non ci siamo indebitati, abbiamo fatto passi molto piccoli, abbiamo costruito in modo lento ma costante. Lentamente abbiamo sviluppato un catalogo di prodotti, ed è emersa una certa direzione estetica. La diversità e l'abbondanza sono nate da un lungo processo, non da un business plan. Oggi si impara a progettare un business plan all'università. Per noi tutto è iniziato da una grande passione. Questa è rimasta fino ad oggi. Tutto il resto doveva essere elaborato con solidità svizzera. Abbiamo dovuto frequentare corsi di contabilità e altro presso la scuola serale Migros per poter capire e leggere un bilancio. Fin dall'inizio abbiamo avuto anche un ottimo contabile, che ha lavorato ai massimi livelli. Anche questo è uno dei nostri punti di forza. L'intero back office è molto solido. I conti dei musicisti devono essere trasparenti. È un criterio importante. È molto insolito nel settore.
Se avete risolto tutto questo da soli, avete sicuramente dovuto imparare nel modo più difficile. Ricorda qualche errore iniziale?
Il primo pannello è capovolto nella cornice. L'abbiamo incollato nel modo sbagliato. Naturalmente, bisogna sempre imparare nel modo più difficile. La maggior parte degli errori sono stati commessi per un senso di euforia, nel senso che a volte abbiamo fatto un'edizione troppo grande per la sensazione che "questa tavola è così incredibilmente bella che tutti la vogliono comprare". Ma si impara che non è sempre possibile trasferire l'euforia alle condizioni di mercato.
È possibile organizzare un ricevimento?
Non si possono pianificare molte cose. Anche questa è stata un'esperienza importante. Soprattutto nel mondo della musica, ci sono molti imprevisti e casualità. Il che, secondo me, è una cosa positiva. Non si può pianificare il successo. Nemmeno i grandi possono farlo, o quasi.
Quanto erano grandi i vincoli all'inizio?
Credo che all'inizio abbiamo fatto 2000 copie del primo disco, che era ancora in vinile. Con il CD è più facile. Di solito si fanno tra le 1.000 e le 2.000 copie e poi se ne stampano altre. Poi si può ristampare a rate. Con la carta stampata si può fare a scaglioni di 1.000 copie, con i CD a scaglioni di 300. In questo modo si può continuare a ristampare. In questo modo si può continuare a ristampare. In città, il magazzino è inaccessibile.
Irène Schweizer è la colonna portante di Intakt?
Era presente fin dall'inizio, sì. Abbiamo seguito la sua biografia e la sua vita nel corso degli anni. Viviamo anche nella stessa città. Penso anche che sia importante che tutti e tre siamo radicati qui. Per questo lavoriamo spesso con artisti di qui. Pierre Favre. Lucas Niggli si è unito a noi anche prima di Pierre. Cerchiamo anche di dialogare con i giovani. È una cosa molto importante, una sfida enorme. Si è sempre in movimento. Devi affrontare sempre cose nuove.
In che misura questa sfida è legata al rapido sviluppo della tecnologia?
È sicuramente vero che la sola tecnologia ti costringe a stare al passo con i tempi. Se si pensa a quello che è successo nella musica negli ultimi 30 anni! Dal vinile al CD al download, poi il download in qualità MP3, seguito dalla qualità CD e ora anche dalla qualità hi-fi. Lo sviluppo tecnologico, di per sé, costringe a essere incredibilmente attenti e a impegnarsi nelle cose.
Quanto è grande la quota dello streaming nelle vendite di Intakt? Potrei immaginare che il pubblico di Intakt sia un classico caso di pubblico che vuole ancora avere qualcosa tra le mani.
Sì, ma tutto procede in parallelo. Solo in America, credo che abbiamo tra i 70.000 e gli 80.000 contatti di vendita, compresi gli streaming. Negli Stati Uniti, la nostra distribuzione avviene tramite Naxos e Naxos Archive. È possibile utilizzarli pagando un canone mensile. Se qualcuno ascolta qualcosa di nostro, viene anche registrato come contatto. D'altra parte, negli ultimi anni abbiamo anche subito un cambiamento generazionale in termini di catalogo. Ora pubblichiamo molti artisti molto più giovani, compresi quelli provenienti da aree di confine ai margini della musica rock ed elettronica.
Le radici di Intakt a Zurigo sono anche responsabili della sua forza?
Sì, forse questa musica è stata coltivata un po' di più qui. Questo ha anche uno svantaggio. Gli altri pensano di non dover fare più nulla perché lo facciamo noi.
La scena ha i suoi pub preferiti?
La Rote Fabrik lo ha fatto per anni. Il Festival Unerhört, a cui Intakt partecipa, si svolge in vari luoghi, come il Teatro Neumarkt o il Rietberg. Organizziamo anche concerti in case di riposo e in varie scuole. Alcuni degli studenti più anziani sono molto ben informati, hanno grandi aspettative, quindi non si può semplicemente mandare uno studente della scuola di jazz! Lo stesso vale per i licei. Lì portiamo i migliori. Si accorgono subito se qualcosa non va.
Quanti giovani appassionati di musica partecipano a questi eventi?
A Stadelhofen vengono da 300 a 500 persone, a seconda degli insegnanti. Dipende da loro, ma a volte vengono intere classi. Ad esempio, prima dell'esibizione di Oliver Lake e William Parker, un'insegnante di storia ha detto agli alunni che erano liberi di partecipare e che poteva anche assegnare loro un compito. Lei stessa avrebbe sicuramente partecipato al concerto perché ha imparato più cose sulla storia americana da questi uomini che da qualsiasi libro.
Oggi Intakt è estremamente ben collegata a livello internazionale tra New York, Londra e la Germania. Non è stato incredibilmente difficile stabilire relazioni utili da Zurigo?
Nel 1988 mi sono preso un anno sabbatico dal WoZ, cinque mesi a New York. Naturalmente andai a tutti i concerti. Suonavo semplicemente il campanello dei distributori. Ho cercato di sostenere una conversazione con il mio inglese rudimentale e poi sono andato a vederli.
Può farlo da solo?
È certamente una passione che dura da una vita e che può essere realizzata solo in squadra. L'aspetto importante di questa squadra è che, per così dire, ti sopravvive. Se guardate questa parete con tutti i CD, ci sono valori artistici incredibili. I diritti d'autore. Tutte le registrazioni. Ora abbiamo 280 titoli. Sono 280 opere che non sono mai esistite prima. Stiamo contribuendo a creare musica e a creare realtà. E poi è lì. L'obiettivo, naturalmente, è creare una distribuzione come casa editrice e portarla avanti nel futuro. Irène Schweizer ha compiuto 75 anni l'anno scorso e ha pubblicato gran parte della sua opera con Intakt. Questo comporta un'enorme responsabilità. Cosa succede quando un artista muore? Come nel caso di Werner Lüdi, che ha anche un meraviglioso CD che è ancora nel nostro catalogo. Si tratta di una responsabilità enorme che spesso sovrasta un singolo editore, che a un certo punto può richiedere l'aiuto del pubblico o di fondazioni affinché il mantenimento dei valori estetici e la diffusione della musica possano continuare a essere garantiti.
Penso che abbiate vinto dei premi? Che tipo di premi?
Il primo è stato quello di Suisse Culture, l'associazione che riunisce tutti i professionisti della cultura, un premio molto grande, un premio d'onore. Perché questa associazione premia i mediatori culturali. Tradizionalmente, c'è sempre un attrito tra artisti e agenti. Soprattutto con le etichette, quando si sentono le storie di come i neri sono stati sfruttati in passato. Firmavano un contratto, rinunciavano a tutti i loro diritti e magari ricevevano in cambio 50 dollari. O una bottiglia di whisky.
In Svizzera la promozione della musica alla maniera di Intakt è piuttosto ben organizzata, o mi sbaglio? Ho l'impressione che gli inglesi siano piuttosto invidiati da questo punto di vista?
Dall'esterno può sembrare così. A mio avviso, il finanziamento delle infrastrutture non va bene. Il governo federale lo ha riconosciuto nel settore del libro: Dobbiamo promuovere la produzione di libri, altrimenti una cultura che è cresciuta nel corso di diversi secoli finirà improvvisamente. Nel settore della produzione musicale non siamo ancora arrivati a tanto. Si è appena saputo che anche Migros ha dismesso le sue etichette. Questo atteggiamento si basa su un pensiero sbagliato. Tutti parlano sempre di crisi dei CD. Ma non esiste. C'è solo una crisi nel settore dei volumi. Oggi si producono e si vendono più CD che mai. Ma oggi non ci sono più 100.000 copie. La varietà è aumentata in modo massiccio. Inoltre, il CD è solo una delle forme di supporto sonoro, insieme al vinile, ai download in varie qualità e ai flussi. L'importanza è enorme. Tuttavia, il tipo di distribuzione si è differenziato in forme molto diverse. Oggi si ascolta tanta musica quanta se ne ascoltava negli anni '90, quando il settore dei CD era in piena espansione. Chiunque dica che oggi i CD hanno perso la loro importanza non capisce il settore. E ci sono molte organizzazioni di finanziamento che dicono che stiamo tagliando il supporto ai CD perché è in crisi. Si tratta di una valutazione completamente errata della produzione musicale. I musicisti devono ancora andare in studio per registrare, incidere e masterizzare, e anche se si distribuiscono i risultati come download, c'è ancora bisogno di marketing e pubblicità.
Quasi tutti gli album che avete pubblicato sono ancora in catalogo. C'è qualche disco di cui vi siete pentiti e che quindi avete eliminato?
No, anche se forse non lo ascolto più. È comunque un documento contemporaneo. O fa parte della biografia dell'artista. E questo è molto importante: guardare sempre all'opera e al valore del lavoro di un artista nel contesto della sua opera nel suo complesso. Si può capire Irène Schweizer solo se si guarda alla sua opera nel suo complesso. Se si prende in considerazione solo un album da solista, soprattutto uno dei primi in cui suona in modo completamente libero, non si capisce il valore artistico dei lavori successivi. Bisogna guardare al contesto e vedere la produzione individuale nel contesto dell'opera. Oggi è più importante che mai.
Qual è l'accoglienza internazionale di Irène Schweizer oggi?
L'anno scorso si è esibita dal vivo a Sciaffusa in occasione del suo 75° compleanno, di cui ha parlato il Tagesschau. Probabilmente riempirebbe grandi sale in America, ma non le piace viaggiare. E poi bisogna avere dei visti di lavoro. Per gli artisti svizzeri ed europei non è facile esibirsi negli Stati Uniti. Quello che Trump sta programmando oggi con l'isolamento del mercato è sempre stato così.
Qual è il rapporto tra gli artisti svizzeri e quelli internazionali che appaiono su Intakt?
Tra un terzo e la metà sono artisti svizzeri. Questo riflette la forza della scena. Ma ci sforziamo di trovare un equilibrio. Anche il genere e la razza sono un criterio. Vogliamo che ci siano afroamericani di colore, perché questa è la base della musica. In questo nuovo disco del Trio 3 si sente la musica sui loro volti. La storia è scritta sui loro volti. Per noi è anche importante avere molte musiciste donne nel programma. Lo si può vedere anche nel programma del festival di Londra.
Come sono cambiati i suoi gusti e quelli della scena in questi 33 anni di Intakt? Riesce a distinguere tra fasi con criteri di selezione diversi?
Seguiamo naturalmente gli artisti. Sono i nostri ambasciatori e anche i nostri parenti. Sono spesso in viaggio, arriva sempre qualcuno che dice: Hai sentito? E poi siamo una squadra. L'influenza di Anja e Flo si sente nel catalogo. E siamo anche figli dello Zeitgeist. Non siamo alla moda, ma ci sono degli umori che assorbiamo. Non credo che mi piacerebbe pubblicare semplicemente un concerto di free jazz su CD come facevamo negli anni '60 e '70. Perché non è più in linea con i tempi odierni. Perché questo non è più in linea con la costituzione estetica e intellettuale di oggi.
Può spiegarlo in modo più dettagliato? Cosa è cambiato?
Negli anni '60 e '70, a Zurigo tutto chiudeva alle undici. Non si poteva nuotare nel lago. Tutto era così regolato, borghese e rigido. Quindi fattori come la provocazione, la rottura dei tabù, il collage e la ricerca del nuovo erano elementi molto importanti per l'avanguardia dell'epoca. Lucas Niggli è completamente diverso. Uno come lui può fare anche questo, provocazione, rumore, cose nuove e tutto il resto. Ma a differenza dei suoi predecessori, non deve più distruggere il vecchio per raggiungere un nuovo livello. Per di più, l'estrema destra oggi utilizza tecniche di progettazione che all'epoca erano utilizzate dall'estetica delle avanguardie. Un Trump non fa altro che scioccare e provocare. Köppel. I nazionalisti, l'SVP, prosperano sulla provocazione, sulla rottura dei tabù. L'estetica rifletteva già 15 anni fa il fatto che questo non è più il modo di diffondere il nuovo. Oggi il discorso non violento e l'interazione amichevole sono forse più al centro della scena che la provocazione.
Quanti CD pubblicate all'anno?
L'anno scorso erano 18, quest'anno 19 o 20.
Tutti gli artisti sono legati esclusivamente a Intakt?
Ci sono anche artisti con i quali abbiamo un accordo per portare avanti determinati progetti. Gli artisti di oggi sono molto produttivi, devono esserlo. I concertisti hanno bisogno di quattro o cinque progetti paralleli per sopravvivere. Quindi condividiamo molti artisti con altre etichette e altri progetti. L'esclusività non è più come una volta.
Di quali progetti è particolarmente orgoglioso?
Molti! Sarebbe più facile parlare di annate. L'anno scorso è stata sicuramente la sassofonista tedesca Angelika Niescier con la sua band di New York. Oppure Barry Guy con Blue Shroud, un tentativo di riflessione politica, una produzione contro la guerra in realtà, ma non eclatante, bensì di altissimo livello estetico. E l'opera omnia di Irène Schweizer, naturalmente. Gli otto o nove album che abbiamo realizzato per la London Jazz Composers Orchestra. Ed ecco un CD di cui siamo molto orgogliosi. È del trio Heinz Herbert. Sono i più giovani del nostro trio e hanno fatto un ottimo lavoro. Si vede che sono musicisti jazz incredibilmente bravi, ma hanno anche un'estetica del suono e dell'elettronica. A Willisau sono stati un successo!
Tornando ai molti progetti paralleli di cui un artista ha bisogno, non c'è il rischio che i contorni si perdano a causa della grande quantità?
Questo ha certamente a che fare con l'estetica dell'epoca. Un tempo il jazz aveva una chiara progressione lineare. Coltrane, poi Miles Davis, poi la fusion, poi il free jazz. Oggi c'è più un parallelismo di diversità. In Svizzera abbiamo sei scuole di jazz a livello universitario. Ogni anno si ottengono 150 master, 150 musicisti jazz professionisti. In dieci anni, 1500, il che significa che lo standard si è alzato enormemente. C'è un'incredibile varietà di bravi musicisti. È chiaro che vogliono produrre. Ogni anno abbiamo più di 1000 richieste di pubblicazioni! Non ci sono quasi editori con una rete internazionale perché il mercato non li sostiene. È interessante che anche noi europei produciamo la migliore musica americana. Negli Stati Uniti ci sono troppe poche opportunità. Negli Stati Uniti tutto è così fortemente orientato al mercato che se il mercato non lo sostiene, nessuno lo farà.
Qual è il rapporto tra vendite, CD, vinile, download oggi?
Julian Sartorius ha realizzato di sua iniziativa una piccola edizione in vinile del suo album. Le vendite digitali stanno aumentando in modo massiccio. Direi che negli ultimi 3 o 4 anni sono passate da 3% a 10%. Il problema è che le vendite sono troppo economiche. I download sono troppo economici. Gli intermediari, che sono solo macchine, guadagnano troppo. In definitiva, troppo poco rimane all'editore e all'artista. Questo è ancora più vero con lo streaming. È un furto legalizzato.
Non è forse imperativo per il mondo della musica in generale trovare un modo per monetizzare lo streaming in modo equo per artisti, produttori ed etichette?
Questa è la speranza. Non ne sono così sicuro. Forse sarà simile alla carta stampata, dove stiamo vivendo un incredibile assottigliamento. In cui molte cose stanno scomparendo e con esse un'enorme quantità di conoscenza. È in atto una distruzione culturale che potrebbe costringere a forme di finanziamento completamente nuove in futuro. La società deve riflettere su questo: Vogliamo ancora produzioni musicali? Neanche un'opera lirica avrebbe luogo. Se un'opera dovesse pagarsi da sola, forse ci sarebbe ancora un'opera in America e anche quella non sarebbe finanziata dal mercato, ma da sponsor e mecenati. Il principio del mercato, che viene sempre proclamato, è una grande bugia e non funziona affatto in questi casi. È anche compito nostro, come editori, artisti, insegnanti, scuole e organizzazioni di finanziamento, pensare: cosa vogliamo dalle produzioni musicali? Come possiamo finanziarle? Come possiamo permettercelo? A mio avviso, anche Pro Helvetia ha riflettuto troppo poco su questo aspetto. Prima di tutto si sostiene l'artista. Credo che sia giusto, ma è un modello aristocratico. Il principe accarezza la testa dell'artista, gli dice che sei il più grande e gli dà dei soldi. Poi l'artista viene da noi e dice che dovrei fare un disco adesso. Meraviglioso, ma come si fa a pagarlo?
Il ricorso al crowd-funding potrebbe essere una soluzione?
Questo funziona per i singoli progetti. Offriamo un abbonamento, che è anche una forma di crowd-funding. I clienti pagano una certa somma e ricevono in cambio sei CD all'anno. Al momento abbiamo diverse centinaia di abbonati. Questo costituisce una base finanziaria importante per noi.
Come ha scelto il programma del Vortex Festival?
Da un lato, abbiamo cercato di far incontrare artisti svizzeri e inglesi. Dall'altro lato, il programma è concepito in modo che i giovani si esibiscano accanto ad artisti più noti. Quindi ci sono sempre due artisti per serata. L'aspetto della mediazione era molto importante per noi. Che i musicisti si conoscano tra loro. Julian Sartorius che suona con Steve Beresford è davvero fantastico. O Omri Ziegele con Louis Moholo - fantastico!
Il clarinettista Antony Morf (1944-2016) e il compositore Walter Furrer (1902-1978) si sono probabilmente incontrati alla riunione annuale dello Schweizerischer Tonkünstlerverein nel 1974.
Beatrice Wolf-Furrer
(traduzione: IA)
- 25. gen 2017
Antony Morf 2015. foto: zVg
Sulla copertina del manoscritto Nahtegal, guot vogellin - Si tratta di una piccola composizione per coro da camera e quattro strumenti (viola, chitarra, flauto dolce, tamburello) basata su un testo in medio-alto tedesco del menestrello bernese Heinrich von Stretelingen, che fu trasmessa dallo Studio Radio Bern il 24 maggio 1975 - Walter Furrer aggiunse la dedica autografa "Für Herrn Morf".
La liutista Irina Döring ha attirato la mia attenzione su questo aspetto. Ha partecipato al seminario organizzato dall'Istituto di Musicologia dell'Università di Berna nel semestre invernale del 2016. Salvare dall'oblio il compositore svizzero Walter Furrer (Responsabile: Prof. Dr. Cristina Urchueguía; focus: Musica dopo il 1600 / filologia editoriale) e si è concentrata sull'opera sopra menzionata.
Solo per la rarità del nome, non è stato troppo difficile scoprire chi c'era dietro. Dopo aver chiesto informazioni ai musicisti bernesi Adrian e Helene Wepfer, è stato chiaro che si trattava di Antony Morf, che è stato primo clarinettista dell'Orchestra Sinfonica di Berna per diversi anni. Poiché in seguito ha lavorato in questa veste anche a Basilea, ho proseguito le mie ricerche presso l'Orchestra Sinfonica di Basilea e, dopo alcune deviazioni, sono infine arrivato al signor Cardinaux, allievo di Antony Morf, e tramite lui alla signora Dorothee Morf, vedova dell'artista.
Durante una conversazione avuta con lei a Basilea il 1° dicembre 2016, ho avuto modo di conoscere la biografia di Antony Morf e ho anche appreso che lui e Walter Furrer si sono incontrati. Tuttavia, devo avvertire che queste informazioni sono piuttosto sintetiche e mancano quindi di dettagli caratteristici. Ciò è dovuto al fatto che Antony Morf, pur essendo un ricercato e noto musicista orchestrale e solista, era marcatamente modesto e quindi non conservava volutamente nulla per i "posteri". Inoltre, a parte la già citata dedica, non sono state trovate note scritte su Antony Morf nel patrimonio di Walter Furrer.
Antony Morf è nato a Ginevra il 16 giugno 1944, ha frequentato il ginnasio e ha preso lezioni di clarinetto fin da piccolo: dal 1958 al 1963 è stato allievo del clarinettista olandese Léon Hoogstoël al Conservatorio di Ginevra. Qui ha ottenuto il diploma di insegnamento e ha vinto il Primo Premio Virtuoso, dopodiché è stato per qualche tempo allievo privato di Ferenc Hernad (Lugano). Ha poi vinto diversi premi in concorsi musicali internazionali, tra cui il terzo premio a Ginevra nel 1967 e il primo premio a Budapest nel 1970.
Dal 1965 al 1970 è stato membro del Quintette à vent romand. Ha suonato come primo clarinettista in diverse orchestre sinfoniche svizzere, dal 1968 al 1972 a Berna, poi a Zurigo e Ginevra. Nel 1978 è passato all'Orchestra Sinfonica di Basilea, dove ha lavorato fino al suo ritiro nel 2006. Nella stagione 1972/73 è stato celebrato come solista nei concerti in abbonamento a Berna e Losanna. Nel frattempo, numerose tournée concertistiche - come solista e orchestrale - lo hanno portato a Parigi, Monaco, Salisburgo (Festival), Praga e Budapest. Ha lavorato con i più importanti direttori d'orchestra del suo tempo - Armin Jordan, Charles Dutoit e altri - e si è fatto conoscere anche grazie a numerose registrazioni, per esempio con l'etichetta Erato; la registrazione dell'opera di Igor Stravinsky Storia del soldato è stato premiato con il Grand Prix du disque. Antony Morf è morto il 26 maggio 2016 a Basilea.
Secondo la signora Morf, l'incontro con Walter Furrer avvenne il 18 maggio 1974 in occasione della riunione annuale dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, di cui Walter Furrer era membro dal 1952. In quell'occasione, Antony Morf aveva vinto il primo premio di 5.000 franchi. In qualche modo i due devono essersi spontaneamente affezionati l'uno all'altro. Come mi ha raccontato la signora Morf, suo marito, come Walter Furrer, aveva una solida formazione letteraria e - e questa è una marcata affinità - un innato senso della comicità stravagante; Honoré Daumier era uno dei suoi artisti preferiti.
Quindi i due musicisti devono essere andati d'accordo fin dall'inizio, indipendentemente dalla differenza di età. Vorrei aggiungere, in base alle mie conoscenze, che Walter Furrer era in contrasto con il proprio figlio, che non accettava la sua nuova moglie, a causa del suo secondo matrimonio. Soffrì molto per questo allontanamento ed è plausibile che vivesse il giovane clarinettista come una sorta di "figlio per scelta". In quest'ottica, la dedica citata all'inizio potrebbe essere classificata come un'espressione spontanea di simpatia.
Ringrazio vivamente la signora Morf per l'intervista e le preziose informazioni che mi ha fornito. I miei ringraziamenti vanno anche allo Schweizerischer Tonkünstlerverein di Losanna, dove ho potuto prendere ulteriori appunti su Antony Morf il 22 dicembre 2016 con l'aiuto dell'amministratore delegato Johannes Knapp
Condividere la musica: composizioni aperte di Max E. Keller
Alcuni dei primi pezzi di Max E. Keller sono esempi adatti di composizioni aperte per musicisti co-creatori. Il musicologo danese Carl Bergstrøm-Nielsen ne illustra le strutture, la notazione e le composizioni e individua i riferimenti alle opere successive.
Carl Bergstrøm-Nielsen
(traduzione: IA)
- 24. gen 2017
La nuova musica dopo la Seconda Guerra Mondiale è stata inizialmente composta in modo dettagliato, almeno qui in Europa. Tuttavia, non ci volle molto perché varie forme di apertura apparissero nell'esecuzione. Lo sviluppo di Stockhausen ne è un esempio vivido e offre un intero catalogo di procedure: Massa temporale del 1956 opera con "gradi di incertezza" nel tempo. Pezzo per pianoforte XI del 1958 è costituito da tante piccole sezioni che devono essere suonate in una sequenza non specificata, e il loro contenuto è variabile anche in base all'ultima sezione suonata.
Alla fine degli anni Sessanta, l'apertura divenne radicale: Processione del 1967 e di altri lavori, utilizzava una semplice notazione composta da segni più e meno. Essa indicava fino a quattro modifiche simultanee dei parametri, liberamente scelte ma coerentemente implementate. Infine, le due collezioni consistevano in Dai Sette Giorni e Per i tempi a venire (pubblicati nel 1968 e nel 1976) sono costituiti principalmente da testi. I mezzi verbali possono descrivere o parafrasare il materiale, definire sequenze formali tradizionali o singole formule cicliche e molto altro ancora.
Chiunque voglia sostenere che all'epoca c'erano molti esperimenti di questo tipo, ma che sono rimasti una curiosità della storia senza molto significato pratico, si sbaglia. Sebbene gli anni Sessanta e Settanta possano essere considerati un'"età dell'oro" per questi esperimenti, le conseguenze di maggiore portata sono emerse solo gradualmente, al di là del sensazionale e della moda. (1 Note vedi sotto) Alcuni compositori ne hanno fatto una specialità. John Zorn, per esempio, è diventato una figura di culto negli anni Ottanta con il suo Pezzi di gioco, Cobra in particolare. Sono stati creati sullo sfondo delle composizioni di Christian Wolff, che si basavano, tra l'altro, sull'interazione tra i giocatori. (2) Il quadro generale delle correnti è diventato più complesso. (3)
Sebbene la pratica dell'improvvisazione non sia comune in tutta la Nuova Musica, ensemble come la Berlin Splitter Orchester (4)Zeitkratzer o Ensemble Modern. I riferimenti a questo articolo indicano già che da allora qualcosa è successo, sia in termini di composizione che di ricerca. Gli esempi musicali di un totale di 165 autori presenti nel libro Notazioni 21 sono stati creati per la maggior parte nel nuovo millennio. (5) Recensioni più recenti sono quelle di Nonnenmann (2010) sul libro di Mathias Spahlinger Doppia affermazionee Neuner (2013).
L'improvvisazione si è diffusa come pratica sperimentale accanto alla composizione. Da un lato, questo vale per la vita concertistica: Nel 2010, in Svizzera, si è svolto un dibattito addirittura burrascoso. (6) D'altra parte, l'improvvisazione viene ora implementata anche nelle accademie di musica. (7) Quindi anche l'intera area intermedia di esercizi, accordi e concetti è di rinnovato interesse. O, per dirla in modo più semplice, la composizione aperta. In fondo, si tratta di utilizzare i processi compositivi in un nuovo contesto di pratica esecutiva. (8) Che cosa c'è di nuovo nella situazione storica, oggi, 60 anni dopo l'opera di Stockhausen Massa temporaleForse l'integrazione tra improvvisazione e composizione è diventata più comune. Il compositore non è più il genio solitario. Il lavoro di squadra, un certo ragionamento e azione collettiva, è diventato più naturale, come ovunque nella società.
Recentemente in Testi musicali è stato pubblicato un articolo sulle composizioni di Max Eugen Keller. (9) Tuttavia, le prime composizioni per improvvisatori non sono state trattate in quella sede. Questo articolo può quindi essere letto come un supplemento o semplicemente come una presentazione di esempi di composizioni aperte, principalmente del periodo intorno al 1970. Il lavoro di Keller contiene una ricchezza di strutture, notazioni e composizioni, come cercherò di spiegare di seguito. Di seguito, riprodurrò solo la partitura e farò riferimento ad altre - le versioni complete con tutte le spiegazioni possono essere lette sul sito web dell'IIMA: http://intuitivemusic.dk/iima/mk.htm
Max E. Keller
Psicogramma
L'esecutore deve passare liberamente tra i 22 comportamenti descritti durante il gioco. Le 4 parole in maiuscolo indicano punti di partenza che possono essere utili, ad esempio, per l'inizio. In termini formali, si tratta di una progressione aleatoria e caleidoscopica. (10) Esiste un numero finito di elementi che vengono utilizzati da tutti, indipendentemente l'uno dall'altro e in un ordine imprevedibile. Tuttavia, è probabile che gli elementi ricorrano frequentemente.
Molte istruzioni descrivono il comportamento musicale, ma non specificano alcun suono concreto, bensì descrivono relazioni. Spesso si contrappongono ad altri musicisti, ma molte descrivono anche la subordinazione. Alcune si collocano in una fascia intermedia quasi neutra, come "mediare tra i contrasti".
L'attenzione estetica è rivolta ai conflitti e ai contrasti, le cui forme sono sistematicamente autorizzate ed esplorate nella musica. L'elemento "oscillare tra i contrasti senza mediare" può essere emblematico di questo. La pratica convenzionale della melodia e dell'accompagnamento non viene abolita, ma viene data la possibilità di contrastare. Si può parlare di una riscoperta della polifonia. Storicamente, è stata soppiantata dal pensiero armonico in termini di accordi, melodia e basso. Un termine come "imitazione" rimanda a forme di comunicazione umana. Anche l'emotività entra inevitabilmente in gioco, come dimostra il titolo del brano. Ma non si tratta di un individuo solitario ed espressionista: L'affetto viene reinterpretato come sociale.
I 22 elementi possono essere classificati in un continuum o, piuttosto, in diversi, a seconda dell'interpretazione. Potrebbe trattarsi di un continuum tra autoaffermazione e subordinazione, tra opposizione e armonizzazione o altro. Pensare in continuazione è stata storicamente una scoperta dei serialisti. Così come le melodie riorganizzavano i toni della scala, questo principio poteva essere utilizzato anche in altre dimensioni. Questo vale, ad esempio, per Canzone dei giovani Stockhausen per il suono che si muove lungo una linea immaginaria, un continuum, tra suoni elettronici e voci di ragazzi, in modo apparentemente casuale e "libero". Il metodo serve quindi a differenziare e integrare il materiale.
Un'ulteriore istruzione nelle spiegazioni per Psicogrammache contribuisce anch'esso alla differenziazione, prevede che i giocatori possano effettuare transizioni o salti continui tra gli elementi.
Max E. Keller
Pezzo per improvvisatori
La forma su larga scala qui non è aleatoria, ma sequenziale e arcuata. Dopo il gioco libero, vengono prima definite altre sezioni con materiale diverso, 13 in totale, per cui il processo raggiunge un massimo di legatura dettagliata in K e poi termina in N in un gioco nuovamente "libero".
Il processo si basa sull'eterofonia: ciò significa che tutti suonano la stessa sequenza, ma ognuno nella propria forma e con il proprio tempo, in modo che le transizioni siano fluide. È strategico che le sezioni siano chiaramente diverse. Il coordinamento è possibile solo attraverso un feedback udibile tra i musicisti.
Max E. Keller
cum processio tum missa non est...
La grande forma si sviluppa da un impasto inizialmente riconoscibile come relativamente uniforme, chiamato "struttura tematica" (la zona più interna con a), b) e c)). Lo sviluppo è inizialmente soggetto a regole che garantiscono l'unità nel passaggio da una zona all'altra, motivo per cui nelle zone 2 e 3 vengono introdotte nuove regole. Solo l'ultimo stadio, la zona 4, è completamente ad libitum. Il processo diventa sempre più differenziato o labirintico. È possibile anche un ritorno ad arco o ciclico-formulare al materiale precedentemente suonato, seguendo alcune regole e le frecce.
Anche qui l'eterofonia è un principio strutturalmente portante (= tutti si muovono in modo simile con variazioni). Tuttavia, ad essa si sovrappone anche il labirintismo, che risulta dall'uso di elementi aleatori diversi (= tutti possono contrapporsi nelle fasi successive). Del resto, gli elementi aleatori all'interno delle loro tre categorie sono chiaramente simili tra loro nelle prime due zone, in modo da creare in anticipo una variazione di ciò che è già presente piuttosto che un contrasto completo.
Max E. Keller
Minima
Come in Psicogramma i giocatori passano individualmente da un elemento all'altro, che in questo brano sono annotati graficamente. Tuttavia, i numeri sopra gli elementi indicano la durata: 1 = il più breve possibile, 5 = il più lungo possibile. L'idea di continuità è anche qui all'opera e impedisce di dare agli elementi una lunghezza standardizzata. Una variazione simile è prevista anche per la durata delle pause: dopo ogni elemento, il giocatore fa una pausa, la cui durata è ricavata dal cerchio. I numeri in esso contenuti vengono interpretati come in precedenza. "A" ed "E" hanno lo scopo di coincidere con l'inizio o la fine degli elementi degli altri giocatori, se "ragionevolmente non vincolati". Inoltre, la regola generale è: "Il risultato tonale dovrebbe essere una musica molto sottile e trasparente".
Minima è relativamente uniforme nel suono e quindi contrasta con gli altri brani. Ma la variazione della densità polifonica è strategicamente molto importante. Variando sistematicamente la durata degli elementi e delle pause, il compositore fa in modo che non tutti suonino allo stesso tempo e che le pause si verifichino così spesso e in modo così vario da far variare costantemente il numero di esecutori attivi. Si può anche prevedere che, a parità di densità, si verifichino costellazioni diverse di esecutori, il che contribuisce anch'esso alla variazione.
Osservazioni di sintesi e di prospettiva
Analisi ed elaborazione compositiva
Questa piccola selezione di quattro pezzi racchiude gli estremi di interazioni sonicamente veementi in Psicogramma ai suoni sottili e trasparenti del riduzionismo del Minima. D'altra parte Pezzo per improvvisatori e cum processio ... piuttosto eclettico nel suo materiale. Forme umane di interazione, stadi mutevoli che vengono percorsi da tutti gli esecutori in modo "carovaniero", processi labirintici e sensibili variazioni nella densità polifonica sono aspetti compositivi selezionati. I brani non sono completamente composti nel senso che sono dettagliati a livello micro - ma nel senso che si basano su idee che sono state analizzate a livello compositivo e poi sistematicamente elaborate. I 22 elementi di interazione in Psicogramma e i 27 elementi grafici in Minima sono esempi di un livello di dettaglio ampiamente sufficiente a suggerire chiaramente un'ampia gamma di possibilità.
La notazione e come co-definisce la forma
Il testo gioca un ruolo fondamentale nella notazione di questa selezione. I mezzi verbali possono essere utilizzati per descrivere alcuni suoni, anche quelli che si trovano al di là dei dodici toni, ad es: "Tra due colori si alternano continuamente". Ma si possono anche descrivere le relazioni tra i suoni o tra i musicisti, come avviene in modo così evidente in Psicogramma era. Difficilmente si sarebbero potute definire in altro modo se non con le parole. E con le note sarebbe stato possibile imitare le emozioni e le reazioni, ma a costo della vivacità.
La grafica libera è importante anche in due pezzi (Minima e cum processio). Intendo la grafica libera in contrasto con i sistemi di segni formalizzati. Si pensi alla notazione più-meno di Stockhausen, per esempio, per quanto riguarda la formalizzazione. (11) Tuttavia, è anche importante notare che il layout stesso è un importante mezzo di formalizzazione. La semplice sequenza lineare in Pezzo per pezzo... è dato agli elementi uguali e aleatori in Psicogramma e Minima e allo stesso tempo la struttura concentrica in cum processio contrastato.
Modello dettagliato o conciso
Poiché questi quattro brani presuppongono un ulteriore sviluppo attraverso l'improvvisazione da parte dei musicisti, sono brevi e concisi, facili da leggere e da tenere sotto controllo - a prescindere dal fatto che li si voglia chiamare "concetti" o "composizioni aperte". (12) Se una versione elaborata in ogni dettaglio non è più necessaria, l'opera può diventare, come dice il compositore francese Jean-Yves Bosseur, "un organismo forte, con tutto il suo potenziale". (13) Secondo questa corrente di pensiero, una versione elaborata in ogni dettaglio offrirebbe "meno", una minore diversità di versioni possibili. (14) Il compositore austriaco Christoph Herndler (2011) è completamente in linea con questo: quando si tratta di forma scritta, il suo obiettivo è "non solo registrare la musica, ma anche comunicarla".
Concetto di pratica performativa materiale e storica
Anche la pratica della performance sta cambiando storicamente nel nostro tempo. (15) Dal punto di vista delle grandi linee, questo non può essere considerato separatamente dal concetto di materiale nella Nuova Musica. Utilizzando un termine coniato da Levaillant (1996), si parte fondamentalmente da un "materiale sonoro grezzo" (Le fait sonore brût), sia nel primo serialismo che nella libera improvvisazione. Non solo le limitazioni tonali della notazione musicale, ma anche l'opportunità di poter definire liberamente le entità con cui si compone sotto tutti i punti di vista, richiedono la ricerca di soluzioni che vadano oltre i compromessi della notazione tradizionale. Per non parlare di alcune interessanti esperienze umane. (16)
L'autorità di vecchi teorici come Dahlhaus e Adorno, per i quali la delega da parte del compositore non significava altro che mancanza di responsabilità, sta gradualmente svanendo. Kopp (2010) accenna alla dimensione storica, sostenendo ancora la tesi dei due autori citati. Jahn (2006), invece, è a favore della scrittura tradizionale. Sviluppa una tesi indipendente, argomentando contro l'eccessivo "spazio libero" nelle composizioni su base psicologica. Illustra il suo punto di vista utilizzando la metafora di una barriera di sicurezza in autostrada: la barriera di sicurezza rappresenta ciò che è annotato, la musica stessa è tutto ciò che non è annotato. Non ho mai capito perché la guida molto regolata in autostrada possa diventare un ideale così elevato per le aspirazioni estetiche, ma a ognuno il suo!
L'importanza dell'interazione e le conseguenze per i concetti di forma Psicogramma mostra un uso originale dell'interazione come materiale compositivo. Il brano è un primo esempio di elaborazione sistematica di ruoli interattivi differenziati - è interessante notare che anche prima della pubblicazione dell'articolo di Vinko Globokar su Reazione(17)che descrive ruoli molto simili. Si veda anche l'articolo dello stesso Keller (1973) sull'importanza dei processi sociali e delle esperienze di comunità, anche da parte degli ascoltatori.
In generale, come indicato sopra nella discussione di questo brano, la polifonia, per di più diretta e riscoperta, è rilevante per la pratica esecutiva dell'improvvisazione. È ovvio che l'omofonia stretta dipende da un coordinamento esterno. Le tecniche eterofoniche sono ovvie - in Pezzo per improvvisatori Questo principio genera una diversità sia verticale che orizzontale nelle transizioni a nuove sezioni, nonché luoghi caratterizzati dal consenso, grazie alla disposizione a carovana. Il compositore può definire le progressioni lineari in modo più o meno grossolano, ma poiché il processo interattivo tende facilmente a sviluppi imprevisti, l'aleatorietà può assumere una nuova valenza, in particolare per la forma. Fornisce in Psicogramma e Minima a favore della costante libertà di scelta del musicista. Qui siamo lontani dalle strutture finemente cesellate e vorticose di Penderecki e di altri compositori polacchi, che si svolgono a un livello dettagliato. C'è ancora molta ricerca da fare su come i musicisti possano influenzare o determinare il corso della forma attraverso le loro scelte esecutive.
Conclusione
I quattro brani di Keller fanno uso di una notevole gamma di metodi e tecniche compositive: analisi approfondita del materiale, aleatorismo in relazione alla forma, polifonia, eterofonia, forma sequenziale, forma a labirinto, relazioni come materiale musicale, forme di notazione non stabilite. Essi contribuiscono a combinare la composizione convenzionale con una forma ancora relativamente nuova di pratica esecutiva. L'interazione influenza la forma di collaborazione. Vengono utilizzate notazioni concise che comunicano direttamente l'idea del compositore e richiedono quindi un minimo di decifrazione analitica, sia per i musicisti che per gli ascoltatori interessati.
Appendice: Opere aperte successive di Keller
La musica viene prodotta in modo diverso all'interno delle diverse tradizioni. La musica classica di gran lunga più eseguita oggi viene eseguita senza bisogno di capacità di improvvisazione. Tuttavia, richiede un'abilità tecnica avanzata e un metodo di produzione efficace. La lettura a memoria è importante per ridurre al minimo i tempi di prova. Molti compositori giungono alla conclusione di utilizzare una scrittura prevalentemente tradizionale anche per la nuova musica, in modo da non bloccare il loro accesso al pubblico. Per Keller sono importanti anche i testi e i messaggi di contenuto politico. (18)
La pedagogia non riguarda tanto la produzione culturale effettiva, quanto piuttosto l'immersione nei contenuti e la familiarizzazione con essi. Possiamo definire questo metodo diverso e definirlo "laboratoriale". I musicisti scoprono o addirittura sviluppano gradualmente il campo e ne co-determinano il risultato. In 5 Modelli di improvvisazione per i giovani (1995) (19) e nell'omonimo 5 Modelli di improvvisazione per i giovani (2008), ci sono strutture simili alle prime composizioni, ma più semplici. Ci sono anche partiture convenzionali, lineari e semplici. Tuttavia, ora segue un esempio, Fusibile della raccolta successiva, che esemplifica strutture eterofoniche e formulaiche. Questa volta la notazione è esclusivamente verbale:
Max E. Keller
Il metodo laboratoriale è diffuso tra gli ensemble che hanno la libertà di organizzare il proprio lavoro. I primi brani analizzati sopra sono stati creati nell'ambiente del Gruppe für Musik fondato da Keller. In quel periodo, lavorava anche in modo improvvisato con Gerhard Stäbler e Wah Schulz.
Alcuni concetti di improvvisazione risalgono al 2003, scritti per un gruppo con Stefan Wyler (trp), Alfred Zimmerlin (vcl) e Dani Schaffner (perc). Keller stesso suonava il pianoforte e il sintetizzatore. La conversione elettronica del suono potrebbe essere utilizzata in tutte le composizioni. Le composizioni appartengono a una "zona grigia". Sono formulate solo per i musicisti interessati e non hanno le spiegazioni complete che caratterizzano i brani analizzati in precedenza. Tuttavia, possono essere esempi di come le composizioni possano essere realizzate rapidamente tra di loro, con parole chiave e poco sforzo. Oltre alle istruzioni per l'esecuzione, questi concetti contengono molte informazioni tecniche sulla messa a punto dell'apparecchio. Generalizzarli sarebbe stato certamente un compito particolare; un altro, forse un po' meno difficile, sarebbe quello di astrarre dagli strumenti specifici. Ad esempio, si potrebbe sostituire "violoncello" con un altro strumento ad arco o con qualsiasi altro strumento? Nel loro contesto specifico, tuttavia, non è necessario rispondere a queste domande.
Da In metallo Ecco una regola di gioco basata sull'interazione dei musicisti e che integra le esperienze degli anni Novanta con l'"improvvisazione condotta":
Da Senza fine un estratto della partitura - per gli estranei, le parole chiave sembrerebbero probabilmente piuttosto astratte. È anche ipotizzabile che "libero" implichi un certo grado di accordo tra i musicisti, soprattutto se i brani erano stati provati in precedenza. Per lo meno, si può ipotizzare che avessero una certa familiarità con gli stili esecutivi degli altri.
L'improvvisazione e la pratica performativa sperimentale compaiono in un lavoro con testi di orientamento politico di epoca recente, ovvero Mobile per 1-5 strumenti ad libitum dal 2013.
Gli elementi dei riquadri possono essere combinati liberamente. Tuttavia, la "scatola delle frasi" dovrebbe essere usata all'inizio e almeno due volte nel corso dello spettacolo. I testi possono essere eseguiti in modi diversi a seconda delle istruzioni. Insieme agli elementi strumentali, si tratta di un vero e proprio collage: le frasi possono essere sovrapposte in modo caotico. Si tratta di problemi seri, che non sono in alcun modo collegati tra loro, ma sono invece bruscamente giustapposti. L'esecuzione altamente differenziata è altrettanto bruscamente accostata alle "frasi vuote" di rilievo. Tuttavia, il brano si presta alla lettura a vista in quanto le altezze e i ritmi sono composti in dettaglio. Allo stesso tempo, [G] significa che il suono può essere rumoroso. Ancora una volta, diplomaticamente per i musicisti di formazione classica, questo può essere omesso.
Le composizioni aperte di Keller dal 1970/71 si basano su scoperte che sono state esplorate in profondità nei primi pezzi: materiale espanso, notazione descrittiva, interazione come dimensione essenziale, collaborazione creativa. Tuttavia, diventano visibili anche lavori pedagogici originali e un approccio compositivo informale. E un esempio di superamento del divario tra i metodi di lavoro, altrimenti separati, della lettura a vista o del laboratorio.
Carl Bergstrøm-Nielsen è un compositore, improvvisatore e ricercatore musicale danese.
1
Per quanto riguarda le conseguenze al di fuori della vita concertistica, è opportuno ricordare solo brevemente che l'educazione musicale è stata riorganizzata e che la nuova musicoterapia è stata creata come disciplina specialistica.
2
Cfr. Bergstrøm-Nielsen (2002ss), categorie speciali su Wolff e Zorn G2.5 e G2.3 (sezioni vecchie e nuove), anche Gronemeyer et al (1998). Vitkova (2005) attesta che Wolff componeva in questo modo non solo negli anni Sessanta, ma anche più tardi, ad esempio in Per Giovanni (2007).
3
Polaschegg (2007) e (2013) contengono elementi dettagliati di segnalazione.
4
Reimann (2013)
5
Aspro (2009)
6
L'articolo di Meyer (2010) sembra essere stato il catalizzatore di questa esplosione. La discussione è proseguita in Dissonanza (2010) e Kunkel (2010) con più di 35 partecipanti. Successivamente è stato pubblicato Nanz (2011). - Meyer (2007) aveva già riferito di vivaci discussioni sui temi dell'improvvisazione.
7
A Lucerna è possibile conseguire un Bachelor of Arts in Music con indirizzo improvvisazione. Mäder et al (2013) contiene documentazione e riflessioni didattiche e contenutistiche. Jeremy Cox, direttore dell'Association Européenne des Conservatoires, ha stimato che 90% dei circa 200 membri hanno introdotto lezioni di improvvisazione. Si veda Cox (2012). Altri luoghi importanti dove si insegna l'improvvisazione libera sono Gand, in Belgio; L'Aia, in Olanda; Oslo, in Norvegia.
8
Si veda la discussione in Mäder et al (2013) p.38f.
9
Amzoll (2015)
10 Aleatorio, dal latino alea = cubo, significa casuale, ma all'interno di un quadro definito.
11
Si veda Müller (1997)
12
Una discussione di questi termini si trova alla fine dell'articolo Bergstrøm-Nielsen (2002).
13
Bosseur (1997), traduzione dell'autore
14 Come compositore, posso anche confermare personalmente che può essere un grande piacere ascoltare versioni completamente diverse della stessa opera. Le interpretazioni possono persino cambiare nel corso dei decenni.
15
Müller (1994) sostiene che per l'analisi della musica indeterminata (che a suo avviso comprende anche la musica di Stockhausen), è necessario un approccio di tipo "scientifico". Processione) la sola considerazione del metodo da parte del compositore e della ricezione non è sufficiente. Se il compositore condivide il lavoro creativo con un esecutore, è necessario analizzare la prassi esecutiva in quanto tale. Kopp (2010) segue una linea di pensiero simile.
16
Ochs (2000) sottolinea i vantaggi della collaborazione creativa: "... la decisione di usare l'improvvisazione (strutturata) ... per creare la possibilità di ottenere ancora di più ... di quanto il compositore avesse immaginato possibile ... O, per lo meno, per consentire la possibilità di realizzazioni diverse o nuove ... ad ogni esecuzione" (p.326).
17
Globokar (1970)
18
Si veda Amzoll (2015) per un orientamento più generale sul lavoro di Keller.
19
Una selezione di questi è pubblicata in Nimczik/Rüdiger (1997).
Riferimenti
Amzoll, Stefan (2015):
Viaggi di colore. Il compositore e improvvisatore svizzero Max E. Keller. MusikTexte 147, novembre.
Bergstrøm-Nielsen (2002): Composizione aperta e altre arti. discorso ad anello sull'improvvisazione di gruppo, giugno. Online: www.intuitivemusic.dk/iima/ - vedi Bergstroem-Nielsen.
Bergstrøm-Nielsen, Carl (2002ss):
Pratica dell'improvvisazione sperimentale e notazione.
Bibliografia commentata. Con addenda. Online: www.intuitivemusic.dk/iima/ - vedi Bergstroem-Nielsen.
Bosseur, Jean-Yves (1997): Il tempo di prendere. Parigi (Edizioni Kimé).
Cox, Jeremy (2012):
Comunicazione orale durante la lezione QUO IMUS?: una "improvvisazione premeditata" sulle idee stimolate dal Simposio e le loro implicazioni per i Conservatori di musica europei. Simposio Quo vadis, violinista del diavolo?Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna, 28 gennaio 2012.
Dissonanza (2010):
Risposte all'articolo di Thomas Meyer "La libera improvvisazione è al capolinea? (dissonanza 111) Online: http://www.dissonance.ch/de/rubriken/6/95
Globokar, Vinko (1970):
"Réagir", musica in gioco 1, 1970 Versione tedesca in Melos 1971,2 (senza esempi musicali). Online: http://intuitivemusic.dk/iima/ - vedi Globokar.
Gronemeyer, Gisela; Oehlschlägel, Reinhard (1998): Christian Wolff. Spunti. Scritti e conversazioni / Cues. Scritti e conversazioni, in: Edizione Testi musicali 005.
Herndler, Christoph (2011):
Punti di riferimento per l'annotazione di eventi imprevedibili, in: "31" - La rivista dell'Istituto di Teoria, n. 16/17, pag. 126 e segg. ISSN 1660-2609 (Svizzera).
Jahn, Hans-Peter (2006): Sulla qualità della perdita di memoria. Le catene della notazione, Testi musicali 109, maggio.
Keller, Max E (1973):
Improvvisazione e impegno, Melos 4.
Kopp, Jan (2010):
Il senso dell'azione nella scrittura. L'esperienza del musicista come oggetto di composizione. Testi musicali 125, maggio, pp. 32-43.
Kunkel, Michael (a cura di) e altri (2010):
Discussione.... Dissonance, rivista musicale svizzera di ricerca e creazione 111, dicembre, pp. 64-77. online: http://www.dissonance.ch/de/hauptartikel/82
Levaillant, Denis (1996): L'improvvisazione musicale. (Biarritz, Edizioni Jean-Claude Lattès 1981). Parte di una serie: Musiques et Musiciens. Nuova edizione: Arles 1996
Mäder, Urban; Baumann, Christoph; Meyer, Thomas (2013): Improvvisazione libera - possibilità e limiti della mediazione. Serie: Rapporto di ricerca della Scuola di Musica di Lucerna 5° documento elettronico. Online: https://zenodo.org/record/31339/files/2013_5_Maeder-Baumann-Meyer.pdf
Müller, Hermann-Christoph (1994): Teoria e pratica della musica indeterminata. La pratica esecutiva tra esperimento e improvvisazione. Regensburg (Gustav Bosse Verlag). I contributi di Colonia alla ricerca musicale (Niemöller, Klaus Wolfgang ed.) Volume 179.
Müller, Hermann-Christoph (1997):
più meno uguale. La "Processione" di Karlheinz Stockhausen, Testi musicali 67/68, gennaio.
Nanz, Dieter A. (a cura di) (2011):
Aspetti della libera improvvisazione musicale. Hofheim (Wolke Verlag).
Nanz, Dieter A. (2007): Improvvisazione e ricerca. Pensieri a margine delle matinée d'improvvisazione di Basilea. Testi musicali 114, agosto, pp. 83-84.
Neuner, Florian (2013): Sulla punta dell'iceberg. La compositrice ed editrice berlinese Juliane Klein. Testi musicali 139, pagg. 5-13, novembre.
Nimczik, Ortwin/Rüdiger, Wolfgang (1997): Polifonia monofonica. Tre modelli di improvvisazione di Max E. Keller (1995), Musica e istruzione 1, gennaio/febbraio.
Nonnenmann, Rainer /(2010):
Contro la perdita dell'utopia. La "doppia affermazione" di Mathias Spahlinger apre una nuova strada. Testi musicali 124, febbraio.
Vitková, Lucie (2015): Imparare a cambiare con la musica di Christian Wolff, in: Rothenberg, David (ed.): contro l'interpretazione. Antologia sull'improvvisazionePraga (Fondazione Agosto), p. 51-62.
Ochs, Larry (2000):
Dispositivi e strategie per l'improvvisazione strutturata, in: Zorn, John (ed.): Musicisti sulla musica. New York (Granary Books/Hips Road). P. 325-335.
Polaschegg, Nina (2007):
Entanglements. Ridefinire il rapporto tra composizione e improvvisazione, MusikTexte 114, agosto.
Polaschegg, Nina (2013):
Fertilizzazione e compenetrazione reciproca. Sulla tensione tra composizione e improvvisazione. Testi musicali 139, novembre 2013.
Reimann, Christoph (2013): Collettivo individuale. L'Orchestra Splitter di Berlino. Testi musicali, agosto, 29-35.
Se si crede al primo "Lessico musicale" in lingua tedesca di Johann Gottfried Walther (1728), il compositore barocco Albicastro (1662?-1730) era "uno Schweitzer". Tuttavia, per secoli non è stato possibile trovare alcuna prova o testimonianza del contrario.
SMZ/Otmar Tönz
(traduzione: IA)
- 20 Ott 2016
La firma di Johann Heinrich Weissenburg alias Albicastro. Foto: zVg
Documenti venuti alla luce solo quest'anno indicano molto probabilmente Klosterneuburg, vicino a Vienna, come luogo di origine. Sono stati trovati dal filosofo e genealogista olandese Marcel Wissenburg, che è stato intervistato nel Giornale musicale di ottobre/novembre 2016 (pag. 10 e segg.) ne ha dato notizia. Tuttavia, non è ancora chiaro dove il compositore abbia ricevuto la sua formazione musicale - pare fosse un violinista virtuoso - come sia arrivato nei Paesi Bassi, il Paese in cui ha trascorso la maggior parte della sua vita, perché abbia scritto la maggior parte delle sue opere durante il periodo più intenso della sua carriera militare e perché poi abbia improvvisamente smesso di comporre.
Otmar Tönz, professore emerito ed ex primario della clinica pediatrica di Lucerna, nonché appassionato ricercatore musicale, ha iniziato a cercare il luogo di origine di Albicastro nel 2006. Nel 2010, insieme al musicologo Rudolf Rasch, ha riferito in un Articolo del Giornale musicale svizzero sulla ricerca (SMZ 4/2010, pag. 19 e segg.)
Rudolf Rasch e Otmar Tönz hanno anche riassunto i risultati dettagliati della ricerca, fino ad allora infruttuosa, in una pubblicazione di 65 pagine: Otmar Tönz, Rudolf Rasch, Henrici Albicastro, Seconda edizione riveduta e ampliata. [Università di Scienze Applicate alla Musica, Lucerna 2011.
Albicastro compose 51 sonate per violino solo (con b.c.), 2 per viola da gamba, 60 sonate per trio e 12 concerti (quartetti); inoltre la cantata per soprano Coelestes angelici chori. Delle 11 raccolte di sonate, 2 sono completamente perdute e 2 parzialmente perdute, l'opera II presumibilmente solo dopo la seconda guerra mondiale.
Breve biografia di Albicastro e piccola mostra delle sue opere
Autore: Otmar Tönz (1926-2016)
Stato delle conoscenze 2015
Poco dopo la metà del XVII secolo, nell'area culturale europea nacque un ragazzo di nome Joh. Heinrich Weissenburg, anche se senza un'annotazione ufficiale in un registro di battesimo, vale a dire che i posteri non conoscevano né il nome della madre, né la professione del padre, né la data del battesimo, né il luogo di nascita. Non è dai registri, ma dall'ulteriore corso della sua storia di vita registrata retrospettivamente che apprendiamo che questo ragazzo possedeva un talento straordinario: padroneggiava precocemente il violino ad alto livello e imparava con facilità anche la teoria musicale e la composizione.
Il primo e unico documento che abbiamo è del giovane Weyssenburg, già adulto, che fu nominato Musicus Academiae all'Università di Leida nei Paesi Bassi. Non si sa come sia finito nei Paesi Bassi. Il documento universitario sopra citato contiene un dato molto importante oltre al suo impiego: Egli si descrive come Viennensis (da Vienna) in termini di origine. Da allora, innumerevoli fan di Albicastro hanno probabilmente cercato nei documenti ecclesiastici e secolari di Vienna, ma - come noi - senza successo.
La confusione è stata poi causata dalla successiva comparsa del lemma "Albicastro" nel primo lessico musicale in lingua tedesca di J.G. Walther (1728): "Albicastro (Henrici) ein Schweitzer, Weissenburg eigentlich genannt..." L'interesse si è concentrato sulla Svizzera, fino ad oggi. Le sue opere sono state pubblicate nella collana "Schweizerische Musikdenkmäler" e finanziate dalla Confederazione Svizzera. Anche il primo lavoro accademico è stato realizzato in questo Paese. Il violinista svizzero e musicista da camera bavarese Walter Probst copiò l'intera opera, che all'epoca non era ancora stampata, in una grafia molto bella e contemporaneamente scrisse il basso. Infine, negli anni '70, il professor Kurt Fischer scoprì la cantata solistica Coelestis angelici chori al Conservatorio di Bruxelles.
Tutto ciò che sappiamo dell'infanzia e della giovinezza di Albicastro è che fu un genio musicale precoce nel suonare il violino e nel comporre sonate monofoniche e polifoniche, prevalentemente in stile italiano (sul modello di Arcangelo Corelli). Purtroppo non sappiamo nulla della sua formazione scolastica e musicale. Probabilmente frequentò la scuola di latino (e le lezioni di italiano) solo al livello più basso; gli errori ortografici e grammaticali sono troppo frequenti, come ad esempio l'uso del genitivo per il suo nome di battesimo.
Carriera militare e musicale
Nei Paesi Bassi, Weissenburg si arruolò anche nell'esercito, dove salì di dieci gradi in una carriera lunga e di successo, da sottufficiale a capitano di cavalleria. Prestò servizio nei reggimenti olandesi che parteciparono alla guerra di successione spagnola. Dal 1706 firmò le sue opere musicali esclusivamente con Henrici Albicastro, mentre dal 1686 in poi firmò i suoi documenti ufficiali e privati con (Johan) Hendrick van Weyssenburgh.
Intorno ai 40 anni, ci fu una profonda svolta nella sua vita: mise da parte il violino e si concentrò esclusivamente sulla carriera militare nelle truppe a cavallo. Questo cambiamento di carriera può probabilmente essere visto come un'espressione della sua ambizione. Un gruppo di incisori svizzeri vede il suo personale posto da sogno sul "Feldherrenhügel".
Situazione familiare
Nel 1705 sposò Cornelia Maria Coeberg, figlia di un mercante di Grave, città fortificata e di guarnigione sulla Mosa. Dopo la nascita del primo figlio, si stabilirono nella stessa via (Klinkerstraat), diagonalmente ai genitori di lei. Il primo figlio si chiamava Gerhardus Alexander, anche lui seguì le orme del padre e intraprese la carriera militare, ma purtroppo morì all'età di 22 anni. Seguì la figlia Johanna Allegundis, laboriosa e intelligente, che sposò l'amministratore della casa principesca degli Hohenzoller-Sigmaringen - Petrus Johannes Hengst - e lasciò una famiglia numerosa, i cui ultimi discendenti sono ancora in vita.
Lo seguì un altro ragazzo, Johannes Michaelis, che, come Gerhard, aveva anch'egli frequentato la scuola latina dei Carmelitani a Boxmeer. Alla fine riuscì a intraprendere la carriera militare. Ma nonostante i suoi dieci figli, la linea dei von Weissenburg si esaurì tra i suoi nipoti, tanto che questa famiglia si estinse nei Paesi Bassi o emigrò. Infine, seguì la quarta figlia Everdina Alexandrina. Di lei abbiamo solo una registrazione di battesimo. Nacque a Grave nel 1713 ed entrò nell'Ordine Carmelitano come infermiera nel 1734.
Non ci sono indicazioni sulla morte della moglie. In ogni caso, il vedovo sessantunenne si sposò una seconda volta il 15 febbraio 1722. La prescelta fu Petronella Baronessa Rhoe d'Oppsinnigh, una baronessa che avrebbe potuto realizzare il suo sogno di una collina militare, ma il cui stile di vita superava di gran lunga le possibilità finanziarie del cavaliere. Innanzitutto, si dovettero acquistare due cavalli, una carrozza e delle scuderie. La lussuosa vita sociale e gli altri costi non solo portarono alla povertà, ma anche a una grande montagna di debiti, che i figli del primo matrimonio e la vedova del secondo matrimonio dovettero ripagare.
Lavoro compositivo
Se Albicastro abbandonò il violino quando entrò nelle scuole militari, questo non vale per il suo quaderno di composizione. Paradossalmente, proprio in questo periodo iniziò la fase musicalmente più produttiva della sua vita. È quasi incredibile che negli anni dell'addestramento militare e dei primi passi della carriera abbia composto esattamente 100 sonate, per lo più in quattro movimenti, in tutte le tonalità maggiori e minori, alcune delle quali tecnicamente molto impegnative: piene di doppi stop e di estesi movimenti fugati. La sola scrittura è un lavoro enorme. Per altri, 100 sonate sono il lavoro di una vita. Se aggiungiamo le opere precedenti, quelle successive e quelle perdute, arriviamo a circa 130 composizioni, soprattutto sonate.
Va sottolineata una forma particolare, la Folia, un tema con variazioni "omesse". Anche Corelli scrisse una Folia, l'op. V / n. 6, e in onore del suo maestro spirituale, Albicastro include anche la sua come op. V / n. 6. Un confronto rivela: Il romano scrive secondo le regole dell'arte, attenendosi ai numeri di battuta e di movimento storicamente prescritti, vivace ma non esuberante, artisticamente molto pulito. La scrittura di Albicastro è piuttosto selvaggia, con movimenti di diversa lunghezza, tempi talvolta molto elevati, esplosioni emotivamente potenti e un finale roboante nelle ultime battute.
L'unica composizione vocale di Albicastro è Coelestes angelici chori, una cantata sacra per voce alta, archi e basso continuo. Forse l'ultimo brano musicale di Albicastro? Un bellissimo lavoro vocale che si apre con un movimento principale brillante e ricco di colori. Segue un recitativo di incredibile bellezza (conosciuto quasi solo da Bach), seguito da un adagio delicatamente scorrevole in cui morbidi violini solisti si intrecciano al canto. La cantata si conclude con un festoso Alleluia.
Il 18 giugno 2016, Pierre-Alain Monot ha tenuto il suo concerto d'addio come direttore del Nouvel Ensemble Contemporain a La Chaux-de-Fonds. In un'intervista con Gianluigi Bocelli, parla di questo importante momento di ritiro, della sua carriera e dei suoi progetti.
Per oltre vent'anni, Pierre-Alain Monot ha segnato le sorti del Nouvel Ensemble Contemporain (NEC) con i suoi attraversamenti di frontiera musicali. Durante questo periodo, l'ensemble è cresciuto fino a diventare una delle formazioni più importanti nel campo della musica contemporanea in Svizzera e all'estero.
Pierre-Alain Monot, può raccontarci qualcosa di questo addio?
Un cerchio si chiude. Ciò che inizia a un certo punto deve anche finire a un certo punto. E nell'arte è meglio quando questo avviene al culmine, nel pieno della febbre creativa. Le condizioni per passare il testimone sono favorevoli: l'anno scorso il NEC ha festeggiato il suo ventesimo anniversario, al quale non ho voluto mancare. Nella stagione 2015/2016 abbiamo quindi potuto far maturare questa transizione. Lo schema dei colori dei programmi cambierà, è normale. Ma ci sono tutti gli elementi perché il NEC si evolva in modo naturale e continuo. Antoine Françoise, uno dei pianisti dell'ensemble, sarà il nuovo direttore artistico. Non ci sarà più un direttore principale.
Come vi sentite a fare questo passo?
Naturalmente c'è malinconia, malinconia, perché ho amici di lunga data qui. Vivo nel cantone di Zurigo, quindi la distanza locale si farà sentire. Ma non sono triste. Lo sarei se lasciassi l'ensemble in una fase negativa o con problemi, ma sta andando tutto così bene!
E quali progetti musicali avete ora?
Spesso mi si vede solo come direttore d'orchestra, ma io sono un musicista. Continuerò a lavorare come trombettista solista al Musikkollegium Winterthur, dove potrò anche selezionare e dirigere di tanto in tanto brani contemporanei, la mia specialità. Sempre a Winterthur, sono il direttore artistico di una serie di concerti con un focus multimediale e accattivante. Continuerò ad apparire come direttore ospite, ad esempio con il Nouvel Ensemble Moderne di Montreal. E tornerò a comporre, cosa che finora non ho avuto il tempo di fare.
Può illustrare brevemente la sua ampia carriera artistica?
Ho scritto il mio primo pezzo a dodici anni. E da allora ho composto ancora e ancora, completamente da autodidatta. Me ne rammarico, perché mi manca un po' il metodo, ma forse, dopo tutto, era la cosa giusta da fare per diventare un esecutore. Come trombettista, ho suonato a lungo in un quartetto di ottoni, il Quatuor Novus, con cui ho fatto registrazioni tra il contralto e il moderno. Eravamo anacronistici nella ricerca di repertorio difficile, ma abbiamo trovato uno stile e un suono che era storicizzante e faceva brillare la musica.
Sono arrivato alla direzione d'orchestra per caso. Mi sarebbe piaciuto da bambino, ma non ne ho avuto l'opportunità, finché non ho fondato il Nouvel Ensemble Contemporain. L'ensemble voleva eseguire una mia opera e all'improvviso mi hanno chiesto se mi sarebbe piaciuto assumere la direzione d'orchestra. Ho iniziato senza pormi troppe domande ed è diventata la cosa che preferisco fare. La cosa che mi piace di più è prendere un'idea e svilupparla insieme ad altri. Penso che sia fantastico.
E perché si dedica così tanto alla musica contemporanea?
Le nicchie, l'antico e il moderno, mi hanno sempre interessato particolarmente. Poi mi sono concentrato sul contemporaneo e questo mi ha portato a collaborare con il NEC. Purtroppo si indossa sempre rapidamente un'etichetta e poi si viene chiamati a lavorare solo in questo ambito. Amo l'avventura della musica contemporanea. Si può ancora mettere piede in un territorio sconosciuto. È un privilegio raro nel mondo di oggi.
Ci sono momenti o opere che l'hanno particolarmente toccata in questo viaggio avventuroso?
La sensazione che si prova quando si legge la partitura di Boulez Marteau sans maître sul podio prima di imbarcarsi in tre quarti d'ora di musica incredibile che deve essere eseguita con la massima precisione. E Maître Zacharius ou l'horloger qui avait perdu son âme di Leo Dick, un pezzo di teatro musicale. Abbiamo avuto una straordinaria produzione del compositore sul rapporto tra uomo e macchina. È anche un raro colpo di fortuna quando un pezzo contemporaneo entra a far parte del repertorio, come ad esempio l'opera di Gérard Grisey Quatre chants pour franchir le seuilche è diventato un monumento, o il Musica da torre di Heinz Holliger.
In generale, uno dei momenti più belli è quando il compositore di un'opera siede a un concerto e ringrazia gli esecutori alla fine per la loro fedeltà al testo. Questo significa che lo scambio che è alla base della nostra professione è avvenuto, che i musicisti, il compositore e io ci siamo messi insieme.
Ancora una volta a proposito del suo concerto d'addio con il NEC. Aveva in mente qualcosa di speciale, un programma particolare?
La preparazione è stata la stessa di tutti i concerti: bisogna padroneggiare perfettamente il programma, tutto qui. Non avevamo scelto nulla di speciale, certamente nulla di sentimentale. È stato un concerto del tutto normale per il nostro straordinario pubblico di La Chaux-de-Fonds. Parti di ricambio di Hanspeter Kiburz, una grande opera che deve essere conosciuta, che rimane nella memoria del pubblico e che ogni ensemble dovrebbe aver eseguito almeno una volta. E con Il giardino dei desideri terreni di Liza Lim, abbiamo continuato la linea di Romitelli, che era in programma a gennaio. Appartengono alla stessa generazione. Era da molto tempo che volevo suonare qualcosa di Liza Lim.
Sono molto soddisfatto, perché entrambi i lavori sono estremamente orchestrali e scritti in modo tale da mostrare al meglio le capacità dell'ensemble.