Siamo nella grande sala della LAC Luganosul palcoscenico il Orchestra 900presente del Conservatorio della Svizzera italiana con il suo conduttore Francesco Bossaglia. La maggior parte degli orchestrali sono donne, mentre gli uomini siedono solo in fondo alle percussioni, al clavicembalo, al trombone e alla tromba. Tra i musicisti in primo piano ci sono numerose lampade, come quelle che si trovano in ogni casa: Lampade da terra, lampade da comodino, lampade da tavolo e altre lampade. Insieme all'illuminazione discreta del palco, che cambia colore, si crea un'atmosfera quasi privata, del tutto atipica per un concerto pubblico. E alla fine, le luci si spengono lentamente e ci si siede al buio.

La disposizione - per metà teatro musicale, per metà puro concerto - è caratteristica di ciò che Heiner Goebbels chiama "concerto scenico". L'illuminazione che ha utilizzato per la sua composizione a figura intera Canzoni delle guerre che ho visto basato su testi di Gertrude Stein, è destinato, secondo le sue parole, a creare un'atmosfera "come una lettura serale prima di andare a letto. Si potrebbe anche suonare come programma tardivo alle 22.00". È venuto a Lugano per assistere alle prove finali con i giovani interpreti ed è pieno di elogi:

Sono molto aperti ed estremamente riconoscenti e hanno anche capito subito come trattare questi testi. Per esempio, l'assenza di teatralità, che per me è molto importante. A volte bisogna insistere contro le resistenze. Qui non c'è stato alcun problema. La collaborazione è stata molto piacevole.

I testi di Gertrude Stein non sono cantati, ma pronunciati a turno dalle donne dell'orchestra, talvolta in un piccolo coro. Il parlato poco teatrale, quasi privato, e l'intimità domestica delle fonti luminose sottolineano il carattere di notazioni personali dei testi e conferiscono a questo concerto scenico un'aria di familiare vicinanza. Ma l'intimità è ingannevole. I testi parlano di guerra. La discrepanza tra contenuto e forma che emerge è radicata nella fonte letteraria ed è una caratteristica estetica fondamentale dell'opera.

La guerra in casa vostra

L'americana Gertrude Stein, scrittrice, editrice e collezionista d'arte, scrisse i suoi appunti nel 1943-44 a Parigi, all'epoca occupata dalle truppe naziste. La guerra come orrore concreto è lontana, ma onnipresente nella coscienza della scrittrice. I suoi pensieri, scritti di getto, ruotano intorno alle esperienze quotidiane. La pensosità si sposa con l'osservazione precisa, la valutazione incerta della situazione con i ricordi letterari e la sensazione di un limbo esistenziale. Tutto ciò colora la musica. La scrittura orchestrale trasparente e apparentemente priva di peso è assottigliata da assoli strumentali come espressione di riflessioni individuali e da momenti di silenzio in cui si inseriscono i testi recitati. L'attenzione dell'ascoltatore è mantenuta costantemente vigile. Inoltre Heiner Goebbels:

Gertrude Stein ha scritto tutto questo da una prospettiva privata, femminile, e questo è piuttosto provocatorio. Guarda le cose da diverse angolazioni. Come ascoltatori, dovreste considerare anche questo aspetto e poi decidere quale sia la vostra opinione. È un testo altamente soggettivo, scritto nel tentativo di mettere in parole la percezione della guerra. Ed è proprio questa soggettività che ha suscitato il mio interesse.

Le guerre che ho visto, il titolo del libro di Gertrude Stein, si riferisce al carattere generale delle sue riflessioni; non si tratta di una guerra specifica, ma della guerra come è sempre stata e sempre sarà - un'ombra eterna dell'esistenza umana. Goebbels illustra questa idea in modo paradossale con una banalità. Il componimento inizia con l'osservazione che il miele viene ora aggiunto a tutti i dolci a causa della mancanza di zucchero, e termina con l'ipotesi che la gente ne avrà abbastanza alla fine della guerra: "Così è stato nell'ultima guerra, e così è in questa guerra. Così sono le guerre. Buffo, a dire il vero. Ma le guerre sono così". Il tono fatalista è inconfondibile. Ma anche il suo umorismo.

Appello alla ragione critica

Goebbels scrisse il brano nel 2007 senza alcun riferimento esterno specifico, e all'epoca non poteva immaginare che sarebbe diventato improvvisamente attuale in una situazione come quella odierna. Oggi è ancora più preoccupato che la composizione non degeneri in un rituale di costernazione. La distanza dal testo è importante per lui. Non vuole fare appello alle emozioni, ma alla ragione critica e dare spazio alla riflessione.

L'accesso al testo di Gertrude Stein non avviene attraverso il contenuto, ma attraverso la struttura. Era interessato alla natura accidentale e sommaria dei pensieri ed era particolarmente affascinato dalla frequente ripetizione di singole parole e frasi, segno di una scrittura spontanea. Traduceva queste qualità ritmiche in strutture musicali precisamente annotate. Naturalmente, questi ritmi discorsivi composti possono essere compresi solo nell'originale inglese, e poiché i brani del testo sono stati letti dai musicisti nelle loro rispettive lingue native a Lugano, alcuni di questi ritmi discorsivi sono andati persi. Al contrario, si è creato un rapporto personale tra gli oratori e il testo. Questo è del tutto nello spirito del compositore, che vuole attivare gli esecutori e il pubblico con i suoi brani.

Dialogo tra diversi livelli di tempo

Nella progressione musicale sono incorporate diverse citazioni del compositore barocco inglese Matthew Locke (1621-1677). L'idea venne a Goebbels perché anche Gertrude Stein si riferiva a governanti crudeli delle opere di Shakespeare come Riccardo III. e Macbeth e perché la prima ha avuto luogo a Londra nel 2007. Oltre alla London Sinfonietta, anche l'Orchestra of the Age of Enlightenment, che suona con strumenti d'epoca, ha commissionato l'opera. Quest'ultima ha fatto suonare Goebbels nell'accordatura storica un po' più bassa e la Sinfonietta nell'accordatura moderna utilizzata oggi. Il confronto era molto gradito al compositore.

Per me è generalmente interessante quando tempi diversi dialogano tra loro. Anche in Le cose di Stifter Per esempio, ci sono diversi livelli di tempo che corrono in parallelo o si raggiungono l'un l'altro. Trovo che affrontare il fenomeno del tempo in questo modo sia più eccitante che non limitarsi al qui e ora.

Dopo Londra, Goebbels ha avuto più volte a disposizione due orchestre con accordature diverse, l'ultima delle quali a Stoccolma lo scorso febbraio. L'orchestra di 900 presenze suonava ora con un'accordatura standardizzata e su strumenti moderni. Questo non ha impedito il successo dell'esecuzione. L'opera, in cui testo e musica, mondo interiore ed esteriore, elementi scenici ed epoche diverse si combinano per formare un insieme multistrato, ha trovato un pubblico entusiasta anche a Lugano.

(N.d.T.: il concerto si è svolto il 18 aprile 2023).

Secondo la ZHdK, Theo Bleckmann è uno dei musicisti jazz più sensazionali e innovativi del nostro tempo. Come cantante e compositore, persegue una concezione stilisticamente ampia della musica e si muove in aree artistiche la cui comprensione convenzionale del jazz va oltre i tradizionali confini di genere.

Il pluripremiato artista ha realizzato numerose registrazioni e collaborato con musicisti, artisti, attori e compositori di fama. Ha esperienza come docente in diverse università statunitensi.

http://theobleckmann.com

La narrazione è persistente: la pandemia è stata un periodo di magra per le "persone più realizzate professionalmente", i musicisti. Erano a malapena in grado di esercitare la loro professione e dovevano lottare con grandi paure esistenziali, soprattutto come liberi professionisti. Ma ora tutto questo è finito e la bella vita sta tornando per loro. Possono trasformare il loro meraviglioso hobby in una professione, come persone che - a differenza di quelle che di solito muoiono - possono armonizzare la loro personalità con la vita lavorativa di tutti i giorni.

La psicologia musicale ha da tempo messo in dubbio l'idea che la musica rafforzi le emozioni positive e ci aiuti ad avere una vita quotidiana soddisfacente. Il famoso psicologo musicale Patrik N. Juslin, che insegna all'Università svedese di Uppsala, nel 2013 ha avvertito che dovremmo essere "più aperti alla possibilità che gran parte di ciò che rende uniche le esperienze musicali siano in realtà aspetti non emotivi", come l'interesse intellettuale per la struttura o la forma musicale. L'impatto emotivo della musica è in gran parte scollegato da questo.

Gli studi attuali sembrano indicare che è vero il contrario di quello che prima sembrava un luogo comune: fare musica non significa solo uno stress professionale e sociale eccezionale, che può spezzare parecchie persone. Sembra anche che affascini le personalità che hanno un rischio genetico più elevato di squilibrio emotivo. Almeno questo è quanto suggeriscono gli studi condotti da un team di ricerca internazionale con la partecipazione del Max Planck Institute for Empirical Aesthetics (MPIEA) di Francoforte sul Meno. Le loro conclusioni: in media, le persone attive musicalmente hanno un rischio genetico leggermente più elevato di depressione e disturbo bipolare.

 

Musica e problemi di salute mentale

Secondo il MPIEA, nel 2019 il team è stato in grado di dimostrare per la prima volta un legame tra impegno musicale e problemi di salute mentale in un ampio studio di popolazione: Circa 10.500 soggetti svedesi hanno fornito informazioni sulle loro attività musicali e sul loro benessere mentale. Inoltre, i dati sono stati collegati al registro dei pazienti svedesi, in modo da poter analizzare anche le diagnosi psichiatriche. Ne è emerso che le persone attive musicalmente hanno effettivamente riportato sintomi depressivi, di burnout e psicotici con maggiore frequenza rispetto a coloro che non fanno musica. I risultati sono stati pubblicati sulla rivista open access Rapporti scientifici pubblicato.

Il team ha poi ampliato la ricerca includendo metodi di genetica molecolare. In questo modo hanno scoperto "che le varianti genetiche che influenzano i problemi di salute mentale e quelle che influenzano l'impegno musicale si sovrappongono parzialmente". È stato possibile calcolare indicatori individuali del rischio genetico di malattia mentale e della predisposizione genetica alla musicalità.

L'analisi dei dati ha mostrato che le persone con un rischio genetico più elevato di depressione e disturbo bipolare erano in media più attive musicalmente, si esercitavano di più e si esibivano a un livello artistico più elevato. È interessante notare, scrive ancora il MPIEA, che "queste correlazioni si sono verificate indipendentemente dal fatto che gli individui avessero effettivamente problemi di salute mentale".

Le esperienze di flusso (stati che si provano quando si è completamente assorbiti da un'attività) sembrano svolgere un ruolo importante nel superare lo stress psicologico legato alla predisposizione. Secondo l'istituto, i primi risultati mostrano che possono avere un'influenza positiva sulla psiche, anche tenendo conto dei fattori di rischio familiari e genetici.

 

Letteratura

Patrik N. Juslin: "Dalle emozioni quotidiane alle emozioni estetiche: verso una teoria unificata delle emozioni musicali", Recensioni sulla fisica della vita 10 (2013), Elsevier.
Wesseldijk, L. W., Lu Y., Karlsson, R., Ullén, F., & Mosing M. A. (2023). "Un'indagine completa sulla relazione genetica tra impegno musicale e salute mentale", Psichiatria traslazionale 13, articolo 15. DOI: 10.1038/s41398-023-02308-6

 

Sotto la voce "Follow-Ups", sono previste varie attività per approfondire l'esperienza del concorso dei vincitori. Il fine settimana con centinaia di esibizioni dal vivo e altrettante consultazioni con le varie giurie di esperti appartiene al passato. Il 16 aprile si è svolto anche il concorso jazz e pop di quest'anno, mentre tra tre settimane le finali e le esibizioni dal vivo dei concorsi Spazio libero e Composizione concluderanno il concorso 2023 a Lugano. Tuttavia, questa non è affatto la fine delle attività del concorso musicale giovanile per il 2023. Alla voce "Follow Ups" del sito web del concorso, si trovano diverse attività che sono diventate sempre più importanti negli ultimi anni e che contribuiscono in modo decisivo alla sostenibilità del concorso.

Nuovi progetti

Una novità in questo ambito è che queste attività saranno organizzate per la prima volta nel 2023 insieme all'associazione Loc.Artium (www.locartium.ch). L'organizzazione no-profit ha lo scopo di promuovere e sostenere i giovani talenti musicali. In collaborazione con organizzazioni partner, organizza progetti artistici con particolare attenzione all'interdisciplinarità. L'organizzazione è ancora in fase di costituzione. La direzione in cui possono andare i progetti futuri è indicata dalle tre attività di cui la homepage fornisce già informazioni: Dal 28 agosto al 2 settembre, presso l'Università delle Arti di Zurigo, si terrà un workshop di musica contemporanea e tecnologia musicale intitolato "Inventions - Out of the Box". 36 partecipanti esploreranno in modo interattivo vari aspetti della creazione musicale contemporanea.

Dal 2 al 4 agosto, la "Worlds Beyond Orchestra" lavorerà al progetto concertistico trasversale "The Jazz Symphony" sotto la direzione di Daniel Schnyder. Dal 4 al 10 agosto, gli archi si esibiranno nei club e nei festival in Svizzera e Austria.

Il terzo progetto che Locartium organizza quest'autunno è anch'esso sotto la direzione di Daniel Schnyder. Si chiama "L'altro concerto" ed è rivolto a giovani musicisti, compositori, improvvisatori, attori e danzatori che stanno ricercando nuove forme creative per i formati da concerto. Il workshop si concluderà con un concerto originale il 7 settembre al Moods di Zurigo.

I progetti "Inventions" e "The Other Concert" sono sostenuti dalla Fondazione SUISA e dalla Fondazione Accentus, il progetto "The Jazz Symphony" dalla Fondazione Hirschmann. Tutti i progetti sono organizzati dall'associazione Loc.Artium e si svolgono in collaborazione con il Concorso svizzero di musica per la gioventù e l'Associazione dei concorsi musicali europei (EMCY). Possono partecipare i giovani selezionati di età compresa tra i 17 e i 24 anni. La quota di partecipazione è moderata. Il termine ultimo per l'iscrizione è il 16 aprile. Tuttavia, ci sono ancora alcuni posti disponibili per coloro che si decidono in fretta.

Attività comprovate

L'attuale programma "Follow Ups" continuerà in gran parte nel 2023: La Fondazione Ruth Burkhalter, che permette ai vincitori selezionati di partecipare alla Junior Baroque Academy di Gstaad e assegna una borsa di studio associata. La Fondazione Hirschmann sostiene da anni la partecipazione a masterclass europee e nel 2023 sosterrà il workshop di Daniel Schnyder.

Esiste anche l'opportunità di ottenere un profilo EMCY nell'ambiente europeo. L'EMCY, l'Unione Europea dei Concorsi Musicali per la Gioventù, pubblica sulla sua homepage www.emcy.org Il programma accresce il profilo dei vincitori selezionati e apre loro la strada per esibirsi in patria e all'estero.

I premiati apprezzano molto anche le numerose opportunità di esibirsi, tra cui la serie di concerti Herbst alla Helferei, il Festival di Lucerna, il Forum per l'educazione musicale dell'Associazione svizzera delle scuole di musica, il Centro culturale di Arbon e il jazz club ESSE-Bar di Winterthur.

Nella categoria jazz e pop, i singoli premiati hanno anche l'opportunità di effettuare una registrazione professionale in studio presso il Jazz-Campus Basel o l'Università delle Arti di Zurigo. Ulteriori attività per i vincitori del concorso musicale sono disponibili sulla pagina web www.sjmw.ch.

Indice dei contenuti

Focus

Tra liuteria e orologeria
Il costruttore di arpe David nel Giura

Lo strumento di nicchia incompreso
L'arpa sta diventando sempre più popolare oggi

 Stile è solo una parola in musica
Julie Campiche è una delle rare arpiste jazz

Cambiare l'immagine dell'arpa
Joel von Lerber confuta facilmente i luoghi comuni sull'arpa

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

 

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

 

Eco

Progressi nelle questioni di sensibilizzazione
festival musicale m4music

Una massa dal suono insolito
L'op. 6 di Franz Adam Stockhausen con due arpe

Clavardon...
a proposito di video sui social network

Radio Francesco - Soldati

Préluder à la harpe
Un progetto dell'HEMU

La solmisazione nelle lezioni strumentali

Una notte di ispirazione
Il programma della Nuova Orchestra di Basilea per la promozione dei giovani talenti

Arrivati a Lipsia
Johann Sebastian Bach e Andreas Reize

Un coro maschile apre una nuova strada
Il progetto "Rieischs" con il Cor viril Surses

Recensione con dolore fantasma
Conferenza HKB "I discorsi sulla musica dopo il 1970

Carta bianca per Matthias Mueller da Minusio
Come uscire dalla crisi classica?

 

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Fratello spennatore anarchico
Puzzle di Dirk Wieschollek

________________________________________

Emissione dell'ordine per CHF 8.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

Il concorso musicale si è svolto quest'anno per la quarta volta. È considerato il più grande concorso al mondo per oboe e fagotto, due strumenti a fiato. È stato fondato Il Concorso Muri 2013 di Renato Bizzotto, Matthias Rácz e Martin Frutiger.

Quest'anno si sono iscritti 400 candidati, 102 dei quali si sono qualificati per le fasi finali. Le fasi finali del 23 aprile sono state disputate da due finalisti e quattro finaliste:

Oboe

1. Leonid Surkov (Russia)
2. Max Vogler (Germania)
3. Marlene Vilela Gomes (Portogallo)

Fagotto

1. Enrico Bassi (Italia)
2. Solo Meisler (Israele)
3. Hana Hasegawa (Giappone)

Renato Bizzotto, direttore generale del concorso, afferma: "Il livello artistico del concorso di quest'anno era molto alto e non è stato facile per la giuria scegliere i vincitori giusti". Con il Concorso di Muri, Muri sta ampliando costantemente la sua posizione di centro culturale.

"Gli insegnanti di musica che insegnano nelle nostre scuole di musica fanno un lavoro eccezionale", afferma Michael Schönbächler, presidente dell'Associazione delle scuole di musica di Nidvaldo. Questo ha fatto sì che il numero di domande per l'esame di ammissione al programma per talenti sia molto alto. Il livello delle audizioni è più o meno paragonabile a quello di altri cantoni, prosegue Schönbächler.

Classica, pop e jodel

I brani musicali eseguiti dai preparatissimi studenti di musica erano tanto diversi quanto gli strumenti. Rock e pop, musica classica e folk hanno entusiasmato la giuria, che alla fine della giornata ha deciso quali candidati sarebbero stati ammessi al programma di sostegno.

Alta motivazione

I musicisti di talento hanno tra i 10 e i 18 anni e sono caratterizzati da un alto livello di motivazione. Oltre alla scuola, frequentano lezioni di strumento o di canto, partecipano a ensemble o orchestre e si esibiscono in concerti. È prevista anche la partecipazione a concorsi regionali e nazionali. L'allenamento quotidiano è per loro una cosa ovvia. "Chiediamo molto impegno ai nostri musicisti di talento. Tuttavia, sono molto motivati perché la musica è molto importante per loro", afferma Toni Rosenberger, direttore generale del Gifted and Talented Programme.

Primo anno

Dopo le vacanze estive, inizia il programma per gli studenti di talento. Oltre a lezioni strumentali o vocali aggiuntive, frequenteranno lezioni di teoria e altri corsi. "Siamo ora in attesa della prima coorte di talenti musicali nidvaldesi e siamo entusiasti di vedere come il programma prenderà piede", afferma Michael Schönbächler.

Il Quartetto di coni è composto dai musicisti bernesi Christian Kobi, Fabio Oehrli, Jonas Tschanz e Stefan Rolli. Dalla sua fondazione nel 2003, si è specializzato nella più recente musica contemporanea e sperimentale. L'ensemble, rinomato a livello internazionale, lavora intensamente con musicisti contemporanei e ha eseguito in prima assoluta numerose opere, ad esempio del compositore argoviese e vincitore del Premio svizzero di musica Jürg Frey.

Per celebrare il suo 20° anniversario, Konus presenta un programma vario di opere in tre serate di concerti a Berna, invitando il pubblico nel cosmo musicale del quartetto: Per il suo anniversario, l'ensemble ha commissionato quattro brani a personalità che hanno avuto un'influenza particolarmente formativa sul suo sviluppo artistico fino ad oggi. Saranno eseguiti in prima assoluta a Berna pezzi della compositrice canadese di base a Berlino Chiyoko Szlavnics, del musicista e compositore elettronico di base a Zurigo Tomas Korber insieme al percussionista e compositore austriaco Martin Brandlmayr, di Klaus Lang e del compositore e sound artist americano William Dougherty. Tutti saranno presenti durante l'esecuzione dei loro brani.

Un programma che guarda al futuro senza ignorare il passato: ad esempio, l'idea dell'organista e compositore austriaco Klaus Lang intreccia il suono preciso e minimalista del Quartetto Konus con l'impressionante canto arcaico del coro femminile georgiano di Gori. Un altro ospite è il quartetto d'archi Quatuor Bozzini, considerato uno dei migliori al mondo, che insieme al Quartetto Konus eseguirà la prima mondiale di una nuova composizione di Chiyoko Szlavnics.

Il programma in dettaglio

Risonanze intrecciate: Venerdì 5 maggio 2023, Berna, auditorium della PROGR, ore 19.30
Il Quartetto Konus eseguirà l'opera di nuova composizione di Chiyoko Szlavnics (UA) con il Quatuor Bozzini, oltre a Continuità, fragilità, risonanza di Jürg Frey.

Crepitii di tensione: Sabato 6 maggio 2023, Berna, auditorium della PROGR, ore 19.30
Insieme ai due musicisti Martin Brandlmayr (percussioni) e Tomas Korber (elettronica), il Quartetto Konus eseguirà una composizione collettiva (prima assoluta). Inoltre, il quartetto presenterà un nuovo brano di William Dougherty (prima assoluta) con l'inserimento di live electronics.

Vibrazioni dell'aria: Domenica 7 maggio 2023, Berna, Chiesa di San Pietro e Paolo, ore 19.30
Insieme al Coro femminile di Gori e a Tamriko Kordzaia (sintetizzatore), il Quartetto Konus eseguirà una composizione di e con Klaus Lang (UA).

Biglietti

Rainer Heldche spesso guida questo antico coro grigionese, premiato nei festival canori, aveva già iniziato a pianificare nel 2018. Tuttavia, la pandemia di coronavirus ha temporaneamente paralizzato il progetto "Rieischs" (radici). Ora, finalmente, il Coro viril Surses con il Orchestra filarmonica da camera dei Grigioni e il basso-baritono Flurin Caduff come solista a un vasto pubblico.

Un nuovo lavoro per un senso di casa senza tempo

Fin dall'inizio, l'idea è stata quella di sinfonizzare canzoni romance sul tema delle "radici", non solo del passato ma anche di oggi. L'opera principale commissionata dal coro è una nuova composizione di 40 minuti di Philip Henzi, intitolata Surmirana di Rieisch. La zona di provenienza del coro si chiama "Surmeir". Henzi è un compositore e arrangiatore molto affermato, dirige la Swiss Jazz Orchestra e insegna jazz presso le accademie musicali di Berna e Losanna.

Per questo pezzo, un piccolo gruppo di cantanti è andato alla ricerca di canzoni popolari adatte. Sette su 20 sono state selezionate e arrangiate da Henzi per il suo lavoro. A questi sette arrangiamenti si sono aggiunte tre nuove composizioni a cappella, che il coro maschile ha commissionato a giovani musicisti grigionesi: Katharina Mayer (*1982), Mario Pacchioli (*1981) e Flavio Bundi (*1987). Sono state musicate poesie del giovane compositore grigionese Dominique Caglia-Dosch (*1995).

Gradualmente è stata creata un'opera completa con la drammaturgia "Cantare le lodi della patria - andare all'estero - vivere lì e mettere radici o tornare a casa con grande nostalgia e desiderio - cantare di nuovo le lodi della patria". Mettere al centro il tema dell'amore per la propria patria è perfettamente adatto ai grigionesi. Non solo hanno una casa meravigliosa tra le montagne, ma la cantano con gioia ancora oggi.

Totalità impressionante

L'esibizione del 17 marzo nella Martinskirche di Coira, che ha registrato il tutto esaurito, si è rivelata un vero e proprio evento. La potenza sonora e l'agilità del coro erano notevoli e il linguaggio romanico conferiva alla musica un tono leggermente arcaico. Flurin Caduff si è distinto in modo impressionante dal suono sonoro e ben bilanciato del coro con il suo basso-baritono caldo e radioso.

Il trattamento di Henzi delle canzoni tradizionali è rinfrescante, semplice e raffinato dal punto di vista armonico e ritmico. Il coro e l'orchestra hanno padroneggiato perfettamente questa musica. E sebbene i tre nuovi brani a cappella avessero ciascuno la propria firma, si sono inseriti armoniosamente nell'insieme. Il pubblico ha ringraziato con una standing ovation per questa serata originale e di grande effetto. Radio SRF ha registrato il concerto.

Come il Editore Testi musicali scrive, Gisela Gronemeyer ha creato "un fondo unico di scritti sulla nuova musica" come autrice, traduttrice e redattrice sin dalla sua fondazione nel 1983. Ha anche sostenuto il lavoro delle compositrici per decenni.

Max Nyffeler rende omaggio alla sua personalità con un dettagliato necrologio: beckmesser.info/gisela-gronemeyer-un-obituario

Il Festival di musica pop del Percento culturale Migros, m4music, è cresciuta ancora una volta alla sua 25a edizione: L'evento di due giorni allo Schiffbau di Zurigo ha attirato a marzo quasi 1.500 professionisti e un totale di oltre 6.000 appassionati di musica. Il direttore del festival Philipp Schnyder von Wartensee è lieto che l'evento abbia accolto circa 2000 ospiti in più rispetto all'anno scorso. "In termini di capacità, tuttavia, siamo ormai vicini al tetto massimo". Una delle domande chiave a cui si dovrà rispondere nei prossimi mesi è se si debba puntare a un'ulteriore crescita.

Presenza in Svizzera Latina

Secondo Schnyder, l'edizione di quest'anno del festival è stata estremamente bella, colorata e, non da ultimo, estremamente varia. "Questo si è riflesso non solo nel programma musicale e nella nostra demo tape clinic, ma anche nella conferenza". Come nel 2022, m4music ha deciso ancora una volta di non aprire il suo festival nella Svizzera francese. Al contrario, si sta ancora impegnando per mantenere una presenza in loco durante tutto l'anno. "A novembre siamo stati rappresentati con una tavola rotonda al festival ginevrino 'Les Créatives' e abbiamo trasmesso tre concerti da lì su Couleur 3.

E due mesi fa, circa 100 professionisti si sono riuniti in occasione di un evento m4music a Lugano per discutere di come le città più piccole possano promuovere la scena musicale". Dal punto di vista di Schnyder, l'evento in Ticino non è stato solo un segnale efficace per la scena locale, ma anche per le istituzioni di promozione culturale responsabili della regione. "Per il 2024, vogliamo riflettere in modo approfondito su come proseguire le nostre attività nella Svizzera francese e su cosa possiamo offrire come extra."

Un festival nel processo di apprendimento

Diversi contenuti del festival - compresi alcuni panel - possono essere scoperti sul sito web di m4music, sul suo canale Soundcloud o YouTube. "Ma nonostante la spinta alla digitalizzazione, ci siamo astenuti dal trasformarci in un evento ibrido", afferma Schnyder. Anche perché un'impresa del genere sarebbe stata troppo costosa". Secondo il comunicato stampa, all'edizione di quest'anno di m4music si è percepito un desiderio palpabile di progredire insieme sui temi della diversità e della consapevolezza, della sostenibilità e della giustizia sociale. "Siamo in un processo di apprendimento, ne siamo consapevoli. È anche chiaro che dobbiamo fare ulteriori progressi in questo senso". Per quanto riguarda i viaggi aerei degli ospiti e degli artisti invitati, m4music non ha ancora delle linee guida chiare. "Tuttavia, se confronto il numero di voli presi dai nostri ospiti oggi con quello di prima della pandemia, è diventato significativamente inferiore".

Il valore della musica

Mentre il workshop di networking "Crossing the Röstigraben" ha discusso di come la scena musicale possa colmare il divario tra la Svizzera tedesca e la Svizzera francese e il Ticino, il panel "Tomorrow's Warriors" si è concentrato sulla questione di ciò che la scena jazz locale deve fare per attrarre maggiormente le giovani generazioni. Una volta la musicista Julie Campiche si rese conto con orrore che la sua giovane figlia era convinta che il sassofono non fosse uno strumento per ragazze, ma esclusivamente per ragazzi. Campiche ha attribuito questo fatto principalmente al fatto che troppo poche donne sono impiegate come insegnanti nei centri di formazione locali. "Se riconoscessimo che abbiamo un problema in questo senso, sarebbe un primo passo".

Nel frattempo, il panel "Che valore ha la musica?" ha discusso principalmente la misura in cui il pop sarà valutato nel 2023. Lo scienziato culturale Maximilian Jablonowski ha notato che attualmente si fanno più soldi con il pop e ha sollevato la domanda: "Il pop è ancora creativo?". WoZ-L'editore Bettina Dyttrich ha descritto l'attuale sistema della musica pop come "perverso". "Un tempo le band erano in grado di guadagnarsi da vivere con i loro spettacoli e i loro album. Questo sta diventando sempre più difficile, anche per i gruppi più famosi".

 

La prossima edizione del festival si terrà il 22 e 23 marzo 2024. Ulteriori informazioni sono disponibili al sito: www.m4music.ch

Con un premio complessivo di 25.000 franchi svizzeri e un programma di concerti in tutta la Svizzera per tre anni per gli ensemble vincitori del premio, viene offerto un sostegno mirato e sostenibile a giovani ensemble da camera di spicco. L'organizzazione promotrice è il Förderkreis Kammermusik Schweiz in collaborazione con la Paul Juon Gesellschaft, mentre la sede è la Kunsthalle Appenzell. La composizione della giuria sarà resa nota a giugno. Termine ultimo per la presentazione delle domande: 1° settembre 2023.

Secondo il direttore artistico Martin Lucas Staub, l'obiettivo dichiarato degli organizzatori è quello di utilizzare questo concorso di musica da camera con collocazione in concerto per colmare la lacuna nella promozione dei giovani ensemble da camera svizzeri che si è venuta a creare con l'interruzione del Concorso di musica da camera Migros.

Promozione sostenibile

Il programma triennale di collocamento in concerto e il coaching sulla gestione del proprio ensemble sono misure promozionali sostenibili. Consentono agli ensemble vincitori di ampliare la loro esperienza concertistica e di aumentare il loro profilo facendoli conoscere a un vasto pubblico in tutta la Svizzera. In questo modo è molto più facile per loro intraprendere una carriera di successo.

Inoltre, gli organizzatori di concerti ricevono un sostanzioso sostegno finanziario dal Förderkreis Kammermusik Schweiz se gli ensemble vincitori vengono ingaggiati. Ciò incoraggia soprattutto gli organizzatori di concerti di piccole e medie dimensioni a offrire concerti di alta qualità con giovani ensemble di talento. Allo stesso tempo, il Förderkreis Kammermusik Schweiz garantisce ai musicisti una remunerazione adeguata.

Possono partecipare al concorso ensemble dal trio al sestetto, che eseguiranno un'opera del compositore svizzero Paul Juon oltre a due brani a loro scelta. Con il brano obbligatorio di Paul Juon, il concorso mira a far conoscere la sua grande musica, soprattutto alle giovani generazioni di musicisti. L'ampio catalogo di Paul Juon comprende brani per tutti i principali ensemble di musica da camera.

Il Concorso di musica da camera Paul Juon si terrà in futuro ogni tre anni. Ulteriori informazioni sul concorso e sull'iscrizione online sono disponibili al seguente indirizzo www.fkms.org

Dal 28 marzo 2023, tutti coloro che possiedono un iPhone possono utilizzare la funzione App Apple Classical Accesso al "più grande catalogo di musica classica del mondo" nella "più alta qualità audio disponibile" (autopromozione).

Max Nyffeler ha partecipato alla presentazione dell'applicazione presso la sede dell'azienda a Londra. Leggete il resoconto informativo di Nyffeler, che include la classificazione direttamente sul suo sito web

Come annunciato dall'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) Christoph Grab "è da decenni un punto fermo della scena jazz nazionale e internazionale.

È titolare di una cattedra alla ZHdK, lavora come libero professionista nella scena jazzistica svizzera ed è membro di numerose formazioni stabili. Ora viene premiato con lo Swiss Jazz Award 2023. La cerimonia di premiazione si svolgerà il 24 giugno nell'ambito del festival JazzAscona, dove si esibirà in tre diverse formazioni.

Lo Swiss Jazz Award viene assegnato annualmente a JazzAscona dal 2007 a personalità di spicco della scena jazzistica svizzera."

La gamma di contenuti è stata ampia, grazie alla varietà di argomenti e all'orientamento internazionale. Sebbene la conferenza (23-25 marzo), ideata da Thomas Gartmann, capo del dipartimento di ricerca dell'Università delle Arti di Berna (HKB), fosse incentrata sulla Svizzera e sul Tonkünstlerverein (STV), vi sono stati anche numerosi contributi sugli sviluppi nei Paesi dell'Europa occidentale e orientale, in Sudafrica e negli Stati Uniti. Sono state discusse anche questioni di genere. Il risultato è stato una conferenza ricca di prospettive, con una quantità di informazioni e punti di vista che hanno stimolato una riflessione produttiva.

I punti chiave sono stati scanditi da due presentazioni all'inizio e alla fine. Jörn Peter Hiekel ha iniziato con uno sguardo critico sull'unilateralità e sulle dicotomie del discorso delle avanguardie sul progresso a partire dagli anni Cinquanta, dedicando un capitolo speciale ad Adorno e alla sua influenza duratura. Tuttavia, non cade nella trappola del solito quadro in bianco e nero dell'epoca - qui i progressisti, là i reazionari - ma si esprime a favore di un modo di pensare imparziale ma storicamente informato.

L'antitesi è stata fornita dal discorso di chiusura ideologicamente ristretto di Jessie Cox, un compositore, batterista ed educatore svizzero con le trecce rasta, che si è dedicato alla lotta contro l'egemonia culturale dell'uomo bianco e che ha lanciato termini vuoti di politica identitaria. Prendendo spunto dall'infelice tema della "diversità" del Festival di Lucerna 2022, ha tenuto per tre quarti d'ora una lezione via Zoom da New York sull'ineliminabile razzismo degli svizzeri e ha apostrofato i loro mezzi di comunicazione, primo fra tutti il NZZcome portavoce di un'anti-nerità non riflessa. Cox si esibirà dal vivo al Festival di Lucerna in agosto. Il divertimento è quindi assicurato.

Sono escluse le questioni controverse

Il cambiamento del discorso come processo storico è stato affrontato solo occasionalmente in modo esplicito. Che ne è dell'etica del discorso di Habermas in termini musicali, che ne è dell'etica del discorso di Foucault? Ordine del discorso sul business musicale di oggi? Domande così esplosive erano al di là dell'interesse dei musicologi riuniti. Anche i cambiamenti di vasta portata nella critica musicale sono stati affrontati solo di sfuggita e dall'alto della loro importanza. Gli interventi si sono concentrati soprattutto su fenomeni e progetti concreti, tendenze estetiche e problemi istituzionali. Ne è risultato un panorama di istantanee piuttosto critiche, ma una presentazione che collocasse questi aspetti dettagliati in un orizzonte temporale più ampio sarebbe stata senza dubbio un vantaggio. Ad esempio, non sono state discusse affatto o solo in misura limitata due grandi tendenze degli ultimi cinquant'anni che hanno avuto un impatto significativo anche sulla musica: la fine sempre più evidente dell'eurocentrismo e la rivoluzione dei media.

Fari spenti

Per quanto riguarda i media, Pascal Decroupet ha esaminato l'influenza della digitalizzazione sulla composizione con l'esempio dello spettralismo francese, mentre approfondimenti sulla realtà televisiva sono stati forniti da Thomas Meyer, che ha ricordato le produzioni di Armin Brunner con Mauricio Kagel, e da Mathias Knauer, che ha dimostrato come le produzioni di film musicali sperimentali siano state azzerate nel corso degli anni dalla televisione svizzera di lingua tedesca. Ha auspicato il ritorno a un approccio politicamente emancipatorio al mezzo, come immaginato da Walter Benjamin: un'idea lodevole, ma che oggi è pura utopia di fronte a un'industria mediatica controllata dagli interessi del capitale globale.

Gabrielle Weber ha presentato un modello diverso di promozione culturale attraverso il mezzo televisivo di massa con due serie di film musicali prodotti nel 1970 per la televisione svizzera di lingua francese e nel 2001 per la DRS. Mentre la produzione più vecchia collocava il fare musica in un contesto socio-culturale e mostrava, ad esempio, il compositore André Zumbach impegnato nella direzione di bambini, i dieci film realizzati dal regista Jan Schmidt-Garre per conto di DRS e STV si concentravano interamente sui compositori e sulle loro opere. Con l'uscita su DVD, un nuovo mezzo di comunicazione all'epoca, i film del 2001 hanno raggiunto un pubblico che va oltre i semplici spettatori televisivi. L'accostamento delle due serie ha rivelato il cambiamento di prospettiva che si è verificato nelle arti negli ultimi trent'anni.

Inoltre, all'epoca esisteva ancora una stretta collaborazione, soprattutto tra Radio DRS e il Tonkünstlerverein. Questo è l'oggetto di un progetto di ricerca di Stefan Sandmeier e Tatjana Eichenberger. La differenza rispetto al presente è sorprendente: oggi le emittenti televisive si considerano principalmente un mezzo di distribuzione, acquistano produzioni finite o al massimo partecipano a coproduzioni. Fatta eccezione per le registrazioni di eventi di massa o di ritratti di star, i film musicali sono migrati verso canali specializzati come Arte, 3sat e verso canali satellitari e internet a cui ci si può abbonare a livello globale.

Queste realtà sono irreversibili e non ha senso lamentarsene. Peter Kraut ha compiuto un funambolismo dialettico in questo senso, ripensando all'"epoca d'oro" dell'evento da lui curato con un misto di autoironia e precisa analisi socio-culturale, ma senza nostalgia. Berna senza tatto e Chiave di Berna guardati indietro. Sono stati dei fari nella scena musicale alternativa della fine del XX secolo.

La musica sul filo del rasoio del partito

Due temi principali hanno attirato l'attenzione. Da un lato, le retrospettive dei relatori dell'Europa orientale e centrale sulla politica musicale nell'ex blocco orientale. Le osservazioni della lituana Rūta Stanevičiūtė su come le tradizioni nazionali siano state asservite alla dottrina di stabilizzazione del sistema del realismo socialista durante il comunismo hanno trovato un parallelo nella presentazione di Jelena Janković-Beguš (Belgrado) sulla politica culturale della Jugoslavia non allineata. Utilizzando la figura centrale di Nikola Hercigonja come esempio, ha dimostrato il legame politicamente inteso tra il partito e la creazione artistica. Il compositore e funzionario Hercigonja è stato trasformato in un eroe nazionale musicale dal partito e dai media da esso controllati, con il risultato che la sua estetica pomposa risuona ancora oggi nella musica serba. Oggi, il movimento d'avanguardia che si è distaccato da questa eredità comprende anche il gruppo dei Progetto Musica Quantica di Belgrado, i cui sette membri praticano una rinfrescante combinazione di sperimentazione musicale, curiosità tecnica e ricerca di nuovi modelli sociali.

La buffa caserma

La vita musicale sotto il socialismo non era affatto uniforme. Lontano dalle istituzioni ufficiali, i musicisti cercarono ripetutamente di sfruttare le ristrette possibilità di pratica alternativa. Sono stati tenuti a lungo al guinzaglio dal partito, come il gruppo di Nuova Musica di Hanns Eisler nella DDR, i cui membri sono stati anche ospiti della Künstlerhaus Boswil in diverse occasioni a partire dagli anni Settanta. Oppure, laddove il controllo è stato perforato, come in Ungheria, invidiata come la "baracca più divertente del campo socialista", nuclei artistici con effetti a lungo termine hanno continuato a emergere anche dopo il 1989 - un esempio è la carriera del giovane Peter Eötvös. Dal 1956, il Festival d'Autunno di Varsavia fu un centro di attrazione quasi magnetica per tutti i musicisti liberi nella Polonia resistente al comunismo; qui, Est e Ovest potevano incontrarsi per un dialogo aperto. Fortunatamente, a Berna è stato dato molto spazio alle voci dell'ex blocco orientale, cosa che non è affatto scontata per la musicologia dell'Europa occidentale.

L'STV, una nevrosi della memoria

Come è noto, la storia della STV è oggetto di un progetto del Fondo Nazionale, che ha fatto da cornice alla conferenza di Berna. Di conseguenza, il secondo tema principale era incentrato sull'STV. È notevole che ciò sia avvenuto in stretta connessione con la discussione sulla libera improvvisazione - a quanto pare si tratta di un fascio di problemi che è ancora in grado di risvegliare le nevrosi della politica musicale. Ciò che è ancora più notevole è che il declino istituzionale dell'STV e della sua rivista Dissonanza/Dissonanza Questo sviluppo è avvenuto parallelamente all'emergere dell'improvvisazione libera, che è stata ampiamente discussa dalla stampa, è diventata un oggetto popolare di promozione culturale e infine è diventata un genere istituzionalizzato nelle università. Queste tendenze al consolidamento furono contrastate dalla comparsa di Carl Bergstroem-Nielsen (Copenhagen). La sua "presentazione" consisteva in una performance scenico-musicale di ricerca indecisa e di ritrovamento accidentale, intervallata da idee improvvise - una pausa gradita.

Dopo le ampie discussioni sull'improvvisazione e sul suo significato nella vita musicale, un estraneo è stato costretto a riflettere: Questa varietà svizzera di decostruttivismo e la negazione del concetto tradizionale di opera hanno forse agito come un fermento estetico che ha accelerato il processo di disintegrazione del STV sia a livello discorsivo che di politica del personale? Con la dissoluzione del concetto di opera, anche l'influenza e l'impegno dei membri attivi di lunga data nella vita del club diminuirono: le strutture fisse erano ormai disapprovate. La tardiva inclusione degli improvvisatori negli organi direttivi dell'STV fu solo un segno esteriore dello strisciante cambiamento di paradigma estetico.

Disfattismo e degrado strutturale

La spina dell'STV fu infine staccata a causa della politica di finanziamento dell'Ufficio federale della cultura, che non forniva più fondi per le attività artistiche. I membri dell'associazione e i comitati hanno fatto finta di non vedere l'imminente fiasco. Nella sua presentazione, Thomas Gartmann ha descritto con spietata chiarezza il lungo conto alla rovescia. Sulla base di questa valutazione, il disastro sembra essere un esempio da manuale di fallimento istituzionale e, vista la passività dei membri, un faro della politica democratica. Le ragioni, si può supporre, sono da ricercare nelle menti: La perdita di valori, il disorientamento e di conseguenza l'inazione di fronte a una realtà che cambia e che non si vuole riconoscere. Nel loro atto di autodistruzione, lasciando che le cose accadano - l'intera vicenda evoca associazioni con una produzione di Marthaler - i responsabili dell'STV si sono dimostrati veramente all'avanguardia. Erano in anticipo sui tempi, come conferma l'attuale caso del Credit Suisse.

Tra l'altro, nelle discussioni su questa squallida retrospettiva, la scomparsa del discorso musicale è stata lamentata all'unisono e lo sbiadito Dissonanza/Dissonanza dedicato una corona di fiori. Il fatto che il SMZ che potesse essere un forum per un simile discorso non è venuto in mente a nessuno. Non è stato nemmeno menzionato. Ma forse i presenti hanno percepito che il tempo del vecchio discorso era finito. Ma nessuno sa ancora come dovrebbe essere un nuovo discorso. Forse uno sguardo alla realtà di oggi potrebbe aiutare.

 

La "Schweizer Musikzeitung" è media partner della conferenza "Discorsi sulla musica dopo il 1970".