L'integrazione della musicoterapia nella pratica clinica quotidiana è stata determinante per farla passare da un trattamento di benessere piuttosto deriso a una terapia riconosciuta a livello medico. È difficile immaginare la neonatologia, la medicina palliativa, l'oncologia, la neuroriabilitazione e altri reparti senza di essa. In Svizzera, il costruttore di strumenti e musicoterapeuta Joachim Marz, al Clinica di riabilitazione Bellikon È stato a lungo un pioniere in questo campo, insieme alla collega Susanne Bossert. Dall'anno scorso ha portato avanti le conferenze specialistiche fortemente orientate alla pratica che sono diventate una tradizione a Bellikon presso Rehab Basel, ora insieme alla musicoterapeuta Mireille Lesslauer, che lavora lì. Il tema di quest'anno: "L'importanza e gli effetti dei metodi interdisciplinari di arte e musicoterapia", e quindi la collaborazione interdisciplinare tra musicoterapia e arte terapia nella neuroriabilitazione.

La musicoterapia può giocare i suoi punti di forza su due livelli nella vita quotidiana di una clinica di riabilitazione. Da un lato, può accompagnare o contribuire a dare forma a processi psicologici indispensabili quando i pazienti devono ritrovare la loro strada nella vita dopo incidenti o colpi di fortuna dovuti alla salute. In secondo luogo, può sostenere la riqualificazione delle funzioni corporee in modo molto pratico, ad esempio quando si tratta di ripristinare le simmetrie corporee dopo un ictus.

Zeitgeist ed esperienza fisica

Il fatto che la psicologia musicale non possa sfuggire completamente agli attuali dibattiti ideologici della psicologia delle emozioni è stato dimostrato alla conferenza di Basilea dalle discussioni sulla misura in cui le emozioni sono biologicamente predeterminate. Analogamente al rifiuto delle identità di genere biologicamente determinate nella ricerca sul genere, i ricercatori più giovani sono a favore dell'idea di un'emotività esclusivamente formata culturalmente. Nella conferenza dell'arteterapeuta di Amburgo Judith Revers è emerso chiaramente il desiderio di rispettare la complessità dei processi di comunicazione interculturale, ad esempio nella musicoterapia con i rifugiati. Tuttavia, c'è il rischio di ricadere in idee di fondamentale alterità esotica delle culture straniere che si pensava fossero state superate. È qui che i concetti della sinistra radicale incontrano le idee nazionalistiche.

Tuttavia, la conferenza di Basilea ha anche mostrato che la musicoterapia in un altro settore si sta muovendo in una direzione che fortunatamente sembra del tutto contraria allo Zeitgeist: mentre la produzione musicale attuale sta diventando sempre più disincarnata con la produzione digitale e l'emergere di strumenti di intelligenza artificiale, questa forma di terapia offre esattamente l'opposto: strumenti speciali che consentono di sperimentare il suono e la musica nella carne. A Basilea, in un laboratorio con monocordi su cui ci si può sdraiare o che si possono appoggiare sul corpo, si è potuto sentire e ascoltare tutto questo. Le vibrazioni non vengono solo ascoltate, ma percepite direttamente attraverso la risonanza del corpo.

L'udito come funzione ponte

Il senso dell'udito è il primo a svilupparsi negli adolescenti ed è l'ultimo a decadere nelle regioni periferiche della morte. La musicoterapia ha quindi particolari punti di forza, non da ultimo nel trattamento dei pazienti in coma. La conferenza ha posto l'accento anche sulla ricerca in questo settore. Katharina Braune, fisioterapista che lavora presso Rehab Basel, sta collaborando con la musicoterapia e l'infermieristica per studiare l'influenza del monocordo disteso sulla coscienza dei pazienti che si trovano in uno stato di non responsività o di coscienza ridotta a seguito di gravi lesioni cerebrali, nell'ambito di una tesi di laurea magistrale in diversi casi di studio individuali.

Dorothea Dülberg, musicoterapeuta docente presso la Società tedesca di musicoterapia, ha mostrato come "il crossover intermedia, come cambiamento fluido di metodi e media, può stimolare e sostenere i processi di trasformazione". Nel suo workshop, ha combinato musica, pittura, poesia e movimento nello spazio per una traccia multidimensionale delle voci interiori.

Programma della conferenza

Il compositore Carl Friedrich Abel nacque a Köthen 300 anni fa (morì a Londra nel 1787). Suo padre era violinista e gambista. Quest'ultimo strumento fu decisivo per la carriera del figlio. Dopo un ingaggio alla corte di Dresda, le vicende di Abel dal 1755 in poi non sono chiare. Probabilmente lasciò la Sassonia a causa delle turbolenze della Guerra dei Sette Anni e viaggiò attraverso la Francia fino a Londra, dove riscosse grande successo come virtuoso della viola da gamba a partire dal 1759. Insieme al figlio minore di Johann Sebastian Bach, Johann Christian, fondò i concerti di successo Bach Abel. Nel 1782 soggiornò per un lungo periodo alla corte reale di Potsdam. Il principe ereditario Federico Guglielmo, nipote di Federico il Grande, era, come lo zio, un appassionato di musica, suonava lui stesso il violoncello ed era allievo, tra gli altri, di Jean-Pierre Duport. Wolfgang Amadeus Mozart compose per lui i Quartetti per archi prussiani KV 575, 589 e 590.

Abel probabilmente scrisse il Concerto per violoncello n. 2 in do maggiore, composto nel 1782, in tre movimenti e della durata di circa 20 minuti, per Friedrich Wilhelm. Tuttavia, non ci sono prove di una sua esecuzione. Con due oboi, due corni e archi, l'orchestrazione corrisponde interamente al modello classico. Il primo movimento (Allegro maestoso) è il più convenzionale in termini di struttura (forma sonata). Al contrario, il secondo e il terzo movimento riservano sorprese: nell'Adagio ma non troppo (Fa maggiore), il compositore ottiene un effetto sonoro sorprendente con l'uso solitario dei corni. Del terzo movimento sono sopravvissute due versioni diverse. Un Allegro in tempo 6/8 è stato sostituito da un Rondeau - Tempo di Minuetto. Ciò è forse dovuto al gusto un po' conservatore della corte berlinese. Inoltre, due delle cadenze originali di Abel si sono conservate manoscritte.

Il secondo concerto per violoncello di Abel non ha nulla da invidiare alle opere più conosciute di Carl Philipp Emanuel Bach, Joseph Haydn o Luigi Boccherini e può essere considerato un significativo arricchimento della letteratura classica per violoncello. Con un'estensione che va dal do al sol2, Abel sfrutta abilmente le possibilità dello strumento e offre agli interpreti una ricca tavolozza di espressioni virtuosistiche e liriche.

Bruno Delepelaire, violoncellista principale dei Berliner Philharmoniker, ha magistralmente registrato quest'opera con i Solisti Barocchi di Berlino sull'etichetta Hänssler classic. È molto piacevole che si possano ascoltare entrambe le versioni del terzo movimento. L'edizione degli spartiti, curata da Markus Möllenbeck, contiene una dettagliata prefazione sulla storia della composizione del concerto, oltre a pratiche note esecutive. La riduzione per pianoforte è stata scritta da Ulrich Lüdering.

Carl Friedrich Abel: Concerto per violoncello n. 2 in do maggiore, WKO 60, a cura di Markus Möllenbeck, riduzione per pianoforte, EW1112, € 24,80, Edition Walhall, Magdeburg

Nel 2016, il mezzosoprano Silke Gäng e suo marito, lo studioso di musica e teatro Ludovic Allenspach, hanno raccolto idee per quello che vedevano come un festival della canzone ideale e contemporaneo. Insieme a Meike Olbrich (direttrice generale e cantante amatoriale), Alain Claude Sulzer (scrittore) e Tobias Schabenberger (pianista), hanno coinvolto degli amici e hanno fondato il Fondazione della canzone di Basilea. Ogni membro ha coperto un aspetto della canzone, per così dire. Grazie a una serie di mecenati, a varie fondazioni e a fondi di sostegno cantonali, il progetto ha potuto poggiare su solide basi.

Dopo il 2019, il 2021 e il 2022 (il 2020 è stato cancellato per motivi noti), la Canzone Basilea si è svolto per la quarta volta dal 19 al 23 aprile. Per la seconda volta sono stati utilizzati gli ampi locali del centro musicale e culturale Don Bosco. Al centro del festival ci sono le masterclass denominate Lied Academy. 65 duo provenienti da tutta Europa hanno fatto domanda per le borse di studio di quest'anno in un processo a più fasi. Alla fine, 5 sono stati premiati con le borse di studio. Si tratta di giovani musicisti all'inizio della loro carriera professionale. Ogni duo ha ricevuto quattro ore di lezioni altamente competenti dal cosiddetto "Duo in Residence", composto dal mezzosoprano di successo internazionale Angelika Kirchschlager e dal rinomato pianista e accompagnatore Malcolm Martineau. Un giorno i borsisti hanno partecipato a un workshop di recitazione con Klaus Brömmelmeier. Hanno inoltre ricevuto consigli su questioni di carriera da Aimée Paret, che lavora da tempo come consulente artistica.

Il variegato programma del festival musicale comprendeva un totale di otto concerti. Tra questi, la prima mondiale della composizione Lied Basel commissionata da Stephanie Haensler e un concerto per famiglie. Il programma ha preso il via con un concerto di discussione musicale e domenica i borsisti si sono esibiti nel concerto finale.

Acqua pericolosa, ghiaccio pericoloso, canto pericoloso

Il motto "vivere pericolosamente" è stato esplorato da diverse angolazioni in un programma di supporto colorato. Eva Gesine Baur ha presentato la sua nuova biografia di Maria Callas, La voce della passione, prima. La leggenda canora del XX secolo ha vissuto pericolosamente, rischiando in ogni fase della sua vita. Le "professioni pericolose" dell'immersione in apnea e del canto sono state accostate nel laboratorio di canto.

Alla domanda su cosa significhi per lei "vivere pericolosamente" e se sia coraggiosa, Angelika Kirchschlager ha risposto: "Tutti quelli che salgono sul palco vivono pericolosamente". Con una strizzatina d'occhio, ha continuato: "E per me, coraggio significa cantare da soli dopo aver spiegato agli studenti come farlo". Il duo in residenza si è esibito in un recital giovedì sera. Kirchschlager ha eseguito con intensità artistica brani incentrati sul romanticismo tedesco fino a Mahler, Strauss e Poulenc. Malcolm Martineau ha accompagnato con precisione e grandi sfumature.

Sabato sera il baritono Benjamin Appl e il pianista James Baillieu hanno eseguito il brano di Schubert Viaggio d'inverno su. Secondo la biografia di Appl, ha tratto grande beneficio dalle lezioni con Dietrich Fischer-Dieskau, di cui è stato l'ultimo allievo. Ha una voce calda e potente e non teme gli estremi dinamici e gli insoliti giri agogici. Ha anche dimostrato la sua resistenza, dato che il concerto è durato più di due ore. Tra un brano e l'altro, l'attore Harald Krassnitzer ha letto dei diari e dei registri di bordo della fallita spedizione austro-ungarica al Polo Nord del 1872-1874. A prima vista, le storie dei naufraghi, che vissero per due anni nella paura mortale, non avevano molto in comune con il ciclo di canzoni di Schubert, pubblicato circa mezzo secolo prima, ma poi sono emersi di volta in volta commoventi punti di contatto.

Ci vuole un po' di coraggio per presentare brani di Schubert in forma pop e jazz in un festival di musica classica. Il gruppo The Erlkings ha fatto proprio questo e ha incontrato l'entusiasmo unanime del pubblico di Basilea.

Nell'ambito del programma lanciato lo scorso anno Progetto di donazione di Lied Basel "Recital di canzoni in tempo di guerra". quattro musicisti ucraini sono stati portati a Basilea per un concerto con breve preavviso. Il collegamento con il tema del pericolo mortale è evidente. (Rapporto nel Giornale musicale svizzero sui recital in Ucraina)

"Non fatemi vedere, ma fatemi sapere".

Ci sono molti esempi di masterclass con artisti famosi che incoraggiano il voyeurismo da parte del pubblico. Il fatto che questo non sia stato il caso di Kirchschlager e Martineau va a loro merito. Il tono era collegiale e i consigli pratici e concreti. Quando si arriva con una canzone ben provata e si ricevono varie istruzioni su cosa cambiare vocalmente e interpretativamente in un breve lasso di tempo, può essere opprimente. Tuttavia, i borsisti di solito hanno reagito in modo molto calmo e professionale e sono stati in grado di mettere in pratica molte cose direttamente. "La canzone deve fare qualcosa con noi, non noi con la canzone", così Kirchschlager ha formulato uno dei suoi principi.

Quando si tratta di interpretare, alcuni esagerano e sottolineano singole parole in modo onomatopeico, ad esempio. Tuttavia, è importante interpretare il messaggio e non le singole parole e questo può essere fatto solo comprendendo il testo: "Senza testo, nessuna espressione", ha ripetuto più volte con enfasi. Malcolm Martineau ha sottolineato un aspetto emozionante: "La formazione della consonante iniziale dice sempre quale significato si vuole dare alla rispettiva parola". Bisogna evitare un seducente "sing along": "Bisogna resistere alle armonie con il testo", ha detto Kirchschlager. L'atteggiamento del cantante è fondamentale. La costernazione personale e l'autocommiserazione non devono essere viste nell'esecutore: "Non mostratemi, ma fatemi sapere", ha riassunto il docente. Non bisogna farsi guidare troppo dagli stati d'animo e non bisogna prendersi troppe libertà: "Interpretare non significa cantare ogni giorno come ci si sente".

È probabile che i partecipanti siano tornati a casa da questa settimana con uno zaino pieno di esperienze e abbiano aggiunto diversi pezzi del puzzle al loro sviluppo artistico.

Diversi anni fa, la pianista e compositrice Katharina Nohl ha fondato la piattaforma Festival svizzero delle compositrici è stato fondato. L'associazione organizza concerti con i musicisti associati alla rete. Ora è in commercio anche la prima pubblicazione, la Collezione di pianoforti Vol. 1.

Diverse compositrici residenti in Svizzera hanno presentato le loro composizioni per pianoforte solo, dieci delle quali sono state selezionate e ora pubblicate come raccolta da Universal Edition Wien. Sono inclusi pezzi delle seguenti compositrici: Bijayashree Samal, Anastasiia Kuznetsov, Lea Gasser, Aglaia Graf, Sandra Avilova, Catherine Fearns, Ilona Raad, Olga Ponomareva, Dora Fratrić e Katharina Nohl, che funge anche da curatrice. L'idea di questo Collezione di pianoforti è quello di rendere la musica accessibile a un vasto pubblico, cioè il pianoforte viene suonato in modo tradizionale.

Tutti gli autori del Collezione sono stati premiati con un buono Scodo. Scodo è un nuovo Strumento di pubblicazione dell'edizione universaleche i compositori possono utilizzare per pubblicare le loro opere e ricevere il 70% del prezzo di vendita invece del solito 30%.

La serie di pubblicazioni proseguirà quest'anno con un nuovo bando per le partiture. Questa volta sono richieste composizioni per violino e pianoforte.

Il Deutscher Musikverleger-Verband e. V. ha premiato l'eccellenza editoriale per la 31ª volta. Il premio per la migliore edizione 2023 è stato assegnato a:

• Alban Berg: Concerto per violino, Rapporto critico, a cura di Douglas Jarman e Regina Busch, Edizione Universale, Vienna
• Felix Mendelssohn-Bartholdy: Elijah op. 70, MWV A 25, Rapporto critico, a cura di Christian Martin Schmidt, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden
• Le perle di Cleopatra, I frontespizi musicali dal 1894 al 1937 come specchio della società, Evelyn Förster (autrice e curatrice), design e composizione tipografica: Peter-Nils Dorén
• Gideon Klein: Sonata per pianoforte / paesaggio, Partitura, edizione Urtext, a cura di Ondrej Pivoda, Bärenreiter-Verlag, Kassel
• Gustav Mahler: Sinfonia n. 4, Edizione universale, Vienna
• Canzoniere tedesco-ebraicoProgetto 2025 - Arche Musica, Schott Music, Mainz
• Oliver Rathkolb: Carl Orff e il nazionalsocialismo, a cura di Thomas Rösch, vol. II/2, Schott Music, Mainz
• Caboomba - Dal corpo allo strumento, Pezzi e canzoni per body percussion e ensemble ritmico, Andreas Gerber, Rolf Grillo, Helbling Verlag
• Luigi Nono: Il canto sospeso. Facsimile della partitura autografa, ed. e prefazione di Christoph Flamm, traduzione inglese di Margit McCorkle, Schott Music, Mainz 2022

Il Premio speciale della giuria va quest'anno al Progetto Ipipapa, che integra gli spartiti musicali con una trascrizione fonetica leggibile in tutto il mondo e offre materiale audio e altri supporti

Caboomba

Dal punto di vista svizzero, è particolarmente degno di nota il premio per il materiale didattico di Andreas Gerber, insegnante di ritmica a Liestal, e Rolf Grillo. Caboomba è un concetto collaudato per lezioni di musica e ritmo con bambini, giovani e adulti. La giuria ha motivato la sua decisione come segue: "Il libro Caboomba  di Helbing Verlag è un'ottima miscela di istruzioni per la costruzione di strumenti a percussione, body percussion e applicazioni pratiche dei vari componenti. Offre ai principianti un modo semplice per raggiungere rapidamente il successo musicale. In combinazione con i contenuti dell'app allegata, ogni appassionato di musica troverà rapidamente la sua strada".

"Come sai, nel mio cuore alberga una profonda tristezza, che di tanto in tanto deve esplodere in note". Con queste parole pronunciate in una lettera del 1883, Franz Liszt stesso fornì la chiave di lettura delle sue ultime opere pianistiche, che rinunciavano a qualsiasi ostentazione virtuosistica a favore dell'esplorazione dei limiti della tonalità. I suoi contemporanei si limitarono a scuotere la testa in segno di disapprovazione. Persino Richard Wagner parlò di "follia germinativa" e "dissonanza", che non riusciva a comprendere. E ancora nel 1976, Klaus Wolters, nella sua opera completa Manuale di letteratura pianistica affermava che questa musica non era adatta né per l'insegnamento né per i concerti: "Niente più del brillante marchio di fuoco, solo forme scialbe, senza gioia, ombrose...". Questo giudizio è cambiato notevolmente negli ultimi decenni. Oggi queste opere sono ammirate per la loro radicale semplicità e le armonie audaci e trovano sempre più spazio sul podio.

La casa editrice Bärenreiter ha ora pubblicato in un'antologia alcuni di questi brani per pianoforte degli anni dal 1880 al 1885. Tra questi, l'incredibilmente cupo Unstern! l'enigmatico Nuages gris e Sulla tomba di Richard Wagnerun'opera che esiste anche in un arrangiamento di musica da camera. Sono incluse anche le due versioni della raramente eseguita Romanticismo oubliée e - ultimo ma non meno importante - La gondola del luttoanche in entrambe le versioni. La seconda versione di quest'ultima è una delle poche opere più estese ed è caratterizzata da una struttura sottile che culmina in uno scoppio drammatico. Questo pezzo in particolare può essere meravigliosamente combinato in un recital con opere precedenti di Liszt, come la Sonata in si minore.

Nella prefazione di questa nuova edizione, il curatore Michael Kube fornisce molte informazioni interessanti sulla genesi dei singoli brani. Nelle dettagliate note interpretative, Steffen Schleiermacher, un pianista che si è ovviamente appassionato a questa musica, esprime il suo parere. Le sue indicazioni possono talvolta risultare un po' personali. Ma sono certamente benvenute come suggerimenti.

Tra l'altro, Béla Bartók fu uno dei primi a prendere sul serio e ad apprezzare le ultime opere di Liszt. In generale, era convinto "che l'importanza di Liszt per l'ulteriore sviluppo della musica fosse maggiore di quella di Wagner".

Franz Liszt: Pezzi per pianoforte degli anni 1880-1885, a cura di Michael Kube, BA 10871, € 20,95, Bärenreiter, Kassel  

Davanti a me c'è una bella cartella illustrata con sei libretti colorati e disegnati con umorismo che invitano i bambini a scoprirli. Le due arpiste Franziska Brunner e Sabine Moser sono insegnanti esperte. La loro scuola incoraggia l'esplorazione attiva dell'arpa e crea un collegamento tra musica e vita. Le autrici sono riuscite a creare una struttura estremamente ben congegnata, che non si limita a introdurre la tecnica dell'arpa, ma incorpora allo stesso tempo tutti gli aspetti della musica. Ci sono suggerimenti per l'improvvisazione, le immagini ispirano la narrazione, gli esercizi sono combinati con le associazioni, la teoria musicale è introdotta in modo molto giocoso, c'è molto spazio per l'immaginazione e infine ci sono bellissime canzoni accuratamente selezionate. Un sussidio didattico ricco di idee speciali - un arcobaleno di possibilità.

L'attenzione al bambino e al suo mondo di esperienze ha portato anche all'idea di allineare la scuola d'arpa al ciclo annuale. Ogni libretto, suddiviso in unità didattiche di sei-otto settimane, ha un focus stagionale, che si riflette nelle improvvisazioni e nella scelta dei brani. Se un bambino inizia a suonare l'arpa nel nuovo anno scolastico, passerà attraverso l'estate, l'autunno, l'inverno e la primavera e dovrebbe essere in grado di padroneggiare i primi quattro o cinque libretti entro un anno. I libretti sono costituiti da sole otto pagine e possono quindi essere padroneggiati abbastanza rapidamente. Questo ha un effetto molto motivante sui bambini, che hanno l'impressione di progredire rapidamente.

Mi colpisce l'ariosità delle pagine, che non sono affatto sovraffollate, eppure c'è spazio per tutto ciò che è essenziale.

Gli insegnanti possono usare questo sussidio didattico come fonte di ispirazione varia per lezioni più libere, mentre allo stesso tempo soddisfa gli obiettivi del Curriculum 21. Poiché la teoria musicale è costantemente integrata, è anche il punto di partenza per giochi, scoperte e creazioni. È stata presa la decisione consapevole di non riempire il materiale didattico con molti brani. In questo modo i bambini e gli insegnanti hanno la possibilità di aggiungere o sostituire i brani da soli, a seconda delle necessità. Se il concetto di libretto stagionale fosse un ostacolo per i bambini più lenti, l'insegnante dovrebbe naturalmente essere più libero con la scuola. La scuola si rivolge principalmente ai bambini tra la prima e la quarta elementare.

È molto piacevole che, dopo l'enorme risposta al primo volume, venga presto pubblicato un seguito con altri sette libretti. Ancora una volta, il progetto è stato sperimentato dagli insegnanti di arpa durante le lezioni per un lungo periodo di tempo e sono stati incorporati cambiamenti e suggerimenti. Anche questo futuro sussidio didattico è uno sforzo congiunto sotto molti aspetti con i seguenti contenuti: grandi canzoni, intervalli e triadi comprese le loro inversioni, arpeggi, scale, armonici, terzine e sedicesimi, improvvisazione su toniche e dominanti, lettura estesa delle note, chiavi e parti.

Il Scuola d'arpa Arcobaleno è un arricchimento contemporaneo ed educativo che posso solo raccomandare.

Franziska Brunner e Sabine Moser: Scuola d'arpa Arcobaleno, libretti 1-6, illustrati da Ruth Cortinas, 80 pagine, materiale aggiuntivo online, Fr. 34.80, kontakt@cordialharfenspiel.ch, ISBN 978-3-7252-1045-9

La ripresa dell'ultima opera di Othmar Schoeck Castello di Dürande allo Stadttheater di Berna dal direttore d'orchestra Mario Venzago e dal musicologo Thomas Gartmann ci ha ricordato ancora una volta che la scena musicale svizzera potrebbe - o dovrebbe - prestare maggiore attenzione al suo più importante compositore d'opera della prima metà del XX secolo. Purtroppo, però, non fu Armin Rüeger a trasformare il testo di Eichendorff in un libretto ma, dopo la sua cancellazione, il tedesco nazista Hermann Burte. I tre libretti di Rüeger per Schoeck, Don Ranudo, Venere e Massimilla Doniha fornito una base affidabile per l'ambientazione, anche se il compositore aveva già alcuni passaggi del concetto "in pentola" e ha dovuto chiedere di fornire il testo il più rapidamente possibile.

Estratti di lettere scritte da Rüeger e Schoeck, nonché contributi di autori della generazione successiva, chiariscono i contorni del farmacista di Bischofszell, attivo anche come grafico, e della sua amicizia con il compositore, durata oltre cinquant'anni, e completano in modo simpatico la grande biografia di Schoeck di Chris Walton (Atlantis 1994). Illustrato in modo accattivante con schizzi, dipinti e fotografie, questo libro, insieme a quello che accompagna il festival del 2021, potrebbe essere l'inizio di una serie significativa di pubblicazioni sul tema di Othmar Schoeck.

Drammaturgia e opera. Armin Rüeger - Librettista e amico di Othmar Schoeck, libro che accompagna il Festival Othmar Schoeck 2022, a cura di Alvaro Schoeck e Chris Walton, 156 p., Fr. 15.00, Müsigricht, Steinen 2022, ISBN 978-3-9525658-0-3

Schwyzer Heft 113 persegue diversi obiettivi: Il fulcro è l'edizione commentata di dieci lettere contenenti i resoconti di Joseph Joachim Raff di due viaggi in Svizzera (1867) e nelle Alpi della Germania meridionale (1873). Questo ha permesso alla Schwyzer Hefte di collaborare con la Raff Society - in occasione del 200° compleanno del suo omonimo - senza dover rinunciare a un minimo di colore locale. Allo stesso tempo, ciò ha fornito una piattaforma per la pubblicazione di una parte finora sconosciuta della vasta corrispondenza di Raff, conservata presso la Biblioteca di Stato Bavarese di Monaco. Inoltre, i due curatori e l'editore colgono l'occasione per richiamare l'attenzione su quelle opere di Raff che hanno un titolo svizzero.

In tutto questo, non è chiaro se il compositore non abbia piuttosto utilizzato tali titoli geografici per facilitare la vendibilità delle sue opere, sapendo come trarre profitto dal suo luogo di nascita, piuttosto casuale, in tempi di crescente turismo in Svizzera. Una panoramica sullo sviluppo della Svizzera alpina come destinazione turistica, a cura dello storico Joseph Jung, intesa come contestualizzazione, risulta essere il punto focale dell'intera pubblicazione, rispetto alla quale Raff, con il suo riferimento alla Svizzera nelle lettere e nelle composizioni, non è altro che un caso di studio, anche se particolarmente complesso.

Anche se questo volume riccamente illustrato e informativo - più che un semplice "libretto" - avrebbe meritato una revisione critica, rappresenta un'ulteriore pietra miliare nello sviluppo della ricerca su Joachim Raff, il compositore così importante per la comprensione della musica del XIX secolo.

Severin Kolb, Franziska Gallusser, Lion Gallusser, Joseph Jung, Heinrich Aerni: Unterwegs mit Joachim Raff im Alpenraum, Schwyzer Heft Band 113, 137 p., Fr. 25.00, Kulturkommission Kanton Schwyz, 2022, ISBN 978-3-909102-75-4

Il Duo Praxedis è qui per restare. L'arpista Praxedis Hug-Rütti e sua figlia, la pianista Praxedis Geneviève Hug, si esibiscono insieme da anni e continuano a sorprendere con registrazioni originali. Basti pensare al doppio CD di Piazzolla o al grande duetto con opere originali per arpa e pianoforte, anche un doppio album.

In realtà, l'arpa è sempre stata uno strumento fiorente, ad esempio nelle corti reali e nei salotti del XIX secolo. O con i francesi, quando Claude Debussy e Maurice Ravel si misero a creare nuovi mondi sonori "liberati". Il binomio arpa e pianoforte è stato celebrato anche in sala da concerto, ad esempio con il pianista Carl Czerny (1791-1857) e l'arpista Elias Parish Alvars (1808-1849), che per Berlioz era il "Liszt dell'arpa".

Per i due appassionati musicisti, la ricerca di letteratura interessante ma dimenticata per il loro duo fa parte del lavoro. Nel loro attuale CD, ad esempio, si può ascoltare un brano di Grand Duo du Couronnement di Henri Herz (1806-1888) o ascoltare l'opera Sei Notturni di Charles Oberthür (1819-1895). Il pianista sa come trattenere sottilmente il suono di queste trouvailles per dare all'arpa il suo spazio acustico.

Tuttavia, questo CD documenta anche tre delle opere commissionate che il Duo Praxedis assegna regolarmente a rinomati compositori svizzeri. Nel 2018, il compositore Rudolf Lutz, stilisticamente molto completo e versatile, ha registrato La Folia per il duo, con il quale, secondo le sue stesse parole, "serpeggia attraverso i più diversi paesi stilistici". Lutz combina abilmente elementi rinascimentali, sonorità romantiche, tango e variazioni jazz per creare un brano vario ma coerente.

Coucher du soleil (2016) è il titolo dell'opera che Rolf Urs Ringger ha dedicato al Duo Praxedis in età avanzata. Si è ispirato al dipinto di Marc Chagall Tramonto ispirare. In nessun altro brano di questo CD il dialogo tra pianoforte e arpa è esplorato così magistralmente come in questo caso. L'uso da parte di Ringger del registro basso pedalificato del pianoforte a coda è particolarmente suggestivo e conferisce all'arpa delicata un'aura sonora originale.

Anche Xavier Dayer, il più giovane compositore del gruppo, è noto per il suo sottile senso del suono. Per il Duo Praxedis ha variato una melodia tratta dalle canzoni polifoniche popolari della provincia francese del Béarn. Qui i due musicisti rivelano il loro perfetto equilibrio tonale, il loro sottile orecchio reciproco e il loro delicato virtuosismo.

Duo Praxedis: Firma. Praxedis Hug-Rütti, arpa; Praxedis Geneviève Hug, pianoforte. Ars Production ARS 38 628

Lo svizzero-francese Ensemble di fiati Astera è composto da Coline Richard (flauto), Yann Thenet (oboe), Gabriel Potier (corno), Moritz Roelcke (clarinetto) e Jeremy Bager (fagotto), tutti ex studenti della Haute Ecole de Musique de Lausanne. Subito dopo il diploma, si sono riuniti da tutta Europa per formare questo ensemble e coltivare la loro comune passione per la musica da camera. Le loro diverse esperienze personali hanno arricchito la loro coesione, il loro suono e la loro affinità musicale all'interno del quintetto di fiati.

Sono membri o collaborano con orchestre rinomate come l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo, l'Orchestre National de Lille, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia o l'Orchestre de la Suisse Romande.

Secondo Andreas Sundén, presidente della giuria e clarinettista principale dell'Orchestra della Radio Svedese, "il suono di questo ensemble è raffinato e preciso. Con un'energia equilibrata, convincente sia come gruppo che individualmente, il loro modo di suonare è caratterizzato dalla riflessione e da una profonda espressione per il compositore."

Si tiene ogni quattro anni, il Concorso di musica da camera Carl Nielsen è rivolto a giovani quartetti d'archi e quintetti di fiati. Dopo una preselezione video, si passa a tre turni; da un ampio repertorio, gli ensemble presentano anche un lavoro commissionato e composto appositamente per il concorso.

È un pezzo di musica meraviglioso che ancora oggi sorprende per diversi aspetti. Prima di tutto, questo notturno non assomiglia per nulla a il Dvořák, che pensiamo di conoscere per il suo periodo americano fin troppo presente. Anche la genesi dell'opera suscita curiosità. Il movimento proviene da un primo quartetto per archi in mi minore (1869/70). Fu poi incorporato (con strumentazione ampliata) nel Quintetto per archi in sol maggiore op. 77 (qui già con il contrabbasso), fu nuovamente rimosso - e infine prese vita propria come Notturno in si maggiore con una seconda parte rivista.

Inoltre, il movimento lascia un ampio margine di manovra agli esecutori. Già una prima panoramica delle registrazioni disponibili rivela un risultato sorprendente: il Nachtstück, con le sue 51 battute totali, può essere suonato in modo molto veloce e scorrevole in meno di sei minuti o celebrato quasi da fermo in oltre nove minuti. Come sempre, la verità sta nel mezzo, dove il flusso del tempo in 12/8 deve essere mantenuto. Anche se il violoncello suona per un'eternità sulla quinta battuta, il violoncello può essere un po' più lento. Fa diesis Questo movimento ha tutto, è impegnativo e farà esultare il pubblico, sia in un semplice contesto di musica da camera sia in un contesto più gradevole con un ensemble corale. Le cinque croci possono sembrare scoraggianti all'inizio, ma creano un effetto sonoro di incantevole luminosità.

L'attuale edizione Bärenreiter può contare su un modello di incisione del brano recentemente scoperto e corregge così alcune letture. Soprattutto, però, l'edizione (partitura e sezione d'archi 4-4-3-2-1) è molto pulita, chiara e ben impostata. Una valida aggiunta al repertorio.

Antonín Dvořák: Notturno per orchestra d'archi in si maggiore op. 40, a cura di Jonáš Hájek, partitura e parti BA 11564, € 29,50, Bärenreiter, Praga  

La musica ebraica ha una ricca storia di oltre 3000 anni. È stata caratterizzata in modo significativo dalla diaspora, dalla vita come minoranza religiosa in diversi Paesi e dalla conseguente incorporazione di un'ampia varietà di stili e pratiche musicali nazionali.

Con il Libro del coro ebraico Il direttore corale e arrangiatore berlinese Ohad Stolarz ha ora pubblicato con Breitkopf und Härtel una notevole raccolta dall'alto valore di repertorio. In due volumi presenta classici sacri, paraliturgici e profani del repertorio principale della storia culturale israeliana. I suoi arrangiamenti colorati per coro a cappella sono facili da eseguire e catturano perfettamente lo stato d'animo dei brani. Una prefazione informativa, traslitterazioni cantabili dei testi ebraici, traduzioni, aiuti alla pronuncia e introduzioni dettagliate alle opere in appendice rendono l'opera Libro del coro ebraico una vera e propria raccomandazione.

Hebräisches Chorbuch per coro misto a cappella, a cura di Ohad Stolarz; Volume 1: repertorio sacro, ChB 5375; Volume 2: repertorio profano, ChB 5376, € 19,90 ciascuno; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2022

È tempo di Rachmaninov, il cui 150° compleanno viene celebrato ovunque. Il compositore russo ha trascorso alcuni anni del suo esilio sul Lago dei Quattro Cantoni nella Villa Senar, che è attualmente in fase di ristrutturazione e sarà poi aperta al pubblico. Un motivo in più per l'Orchestra Sinfonica di Basilea per presentare su CD due delle sue opere più importanti.

Ciò è reso possibile anche dall'etichetta svizzera di successo Prospero, gestita da Martin Korn. Sono stati registrati Rapsodia su un tema di Paganini op. 43 e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 3 op. 30 allo Stadtcasino di Basilea. Una produzione svizzera che ha tutto, anche grazie all'eccellente pianista Irina Georgieva. La rumena ha da anni stretti legami con Basilea, dove ha studiato con Rudolf Buchbinder. Il suo pianismo è fenomenale, delicato, sempre meravigliosamente udibile e mai "denso", nemmeno nella forza accordale di Rachmaninov. Questo biglietto da visita lo mostra già nelle Variazioni di Paganini, che esegue in stile cameristico con un tocco delicato e un fraseggio meraviglioso. L'Orchestra Sinfonica di Basilea diretta da Sascha Goetzel fornisce un accompagnamento attento e sobrio. Il brano inizia con l'introduzione del tema da parte dell'orchestra con accenti brevi e morbidi, una preparazione ideale per l'interpretazione della pianista. In questo modo, l'ascoltatore viene messo fin dall'inizio nell'atmosfera del Terzo Concerto per pianoforte e orchestra, la seconda opera del programma del CD.

In questo concerto per pianoforte e orchestra, Rachmaninov è più diversificato nella strumentazione, più vario e meno focalizzato sul puro effetto rispetto al secondo. Ed è proprio qui che ci si meraviglia di ciò che l'Orchestra Sinfonica di Basilea, questa volta sotto la direzione di Pablo Gonzáles, ha da offrire in termini di udibilità, sottigliezza del suono e finezza. Un tappeto rosso per Irina Georgieva, che padroneggia la parte pianistica straordinariamente difficile come se fosse la cosa più facile del mondo. Solo nello spettacolare finale si vorrebbe un po' più di coraggio nel compiere un gesto grandioso e ampio.

Sergei Rachmaninoff: Concerto per pianoforte e orchestra n. 3, Rapsodia su un tema di Paganini. Irina Georgieva, Orchestra Sinfonica di Basilea, Sascha Goetzel/Pablo Gonzáles. Prospero Records Prosp0025