In un articolo su Heinrich Sutermeister, in cui lo caratterizza chiaramente come collaboratore del nazismo, la musicologa Antje Müller scrive che quando si considera la musica "conformista" della Germania tra il 1933 e il 1945, non è la "musica, che è comunque per lo più scadente, a dover essere esaminata", ma la ricezione, poiché la musica da sola difficilmente riuscirebbe a trasmettere tutti gli accessori associativi. Questo non rende giustizia alla musica del compositore, nato vicino a Sciaffusa nel 1910 e morto nel 1995 nella sua casa d'adozione sul lago di Ginevra.

Il fatto è che Sutermeister, che aveva studiato a Monaco di Baviera con Walter Courvoisier e l'arci-conservatore Hans Pfitzner, tra gli altri, e tra i cui amici c'erano Carl Orff e Werner Egk, molto vicini al regime nazista, sembrava cieco alla vita e alla politica in Germania. Due delle sue opere furono rappresentate con successo a Dresda nel 1940 e nel 1942, mentre una terza, scritta per Berlino, non poté essere eseguita a causa degli eventi bellici. Sembra strano che il libretto del nuovo CD di Toccata Classics non faccia menzione di questo problema, dato che Othmar Schoeck viene regolarmente criticato per la sua mancanza di distanza dallo Stato nazionalsocialista.

Il CD contiene i grandi cicli vocali di Sutermeister, oltre a un'aria dall'opera Romeo e Giulietta (1940). Non c'è dubbio che il compositore capisse il suo mestiere e fosse anche in grado di sviluppare uno stile personale basato sul tardo romanticismo tedesco, rimanendo fedele alla tonalità e alla strumentazione convenzionale, con il clavicembalo che aggiungeva qualche tocco di colore insolito. È sorprendente che il Sette lettere d'amore per tenore e orchestra del 1935 non ha un suono molto diverso da quello della Sei lettere d'amore per soprano e orchestra del 1979. La scelta dei testi è in realtà originale: si tratta di lettere d'amore del XVI e XVIII secolo di personaggi e poeti per lo più noti che descrivono stati d'animo molto diversi. Il problema è l'abbondanza del testo, che non è sempre comprensibile, almeno senza un libretto in mano, e appare anche un po' prolisso. Lo stesso vale per il Consolatio philosophiae per voce acuta e orchestra su testi latini del filosofo romano Boezio, scritto in memoria di Ernest Ansermet ed eseguito per la prima volta da Peter Schreier a Ginevra nel 1979.

Nonostante le interpretazioni competenti del soprano Juliane Banse, del tenore Benjamin Bruns e della Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz sotto la direzione di Rainer Held, il CD non è un'ardente richiesta di rinnovate esecuzioni concertistiche di queste opere.

Heinrich Sutermeister: Musica orchestrale Vol. 2, Opere per voce e orchestra. Juliane Banse, soprano; Benjamin Bruns, tenore; Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz; Rainer Held, direttore. Toccata Classics TOCC 0608

Che cosa hanno in comune la musica africana, orientale e caraibica? Niente di meno che la "formula del ritmo mondiale". Essa recita:Solo l'intonazione e l'enfasi dei singoli battiti fanno la differenza tra la sensazione africana, orientale o latina. Nella versione africana, la formula ritmica è

in Orientenei CaraibiInoltre, ci sono gli strumenti che compongono il suono specifico. Le tecniche di esecuzione del djembe (africano), della conga (caraibica), della darabukka (orientale) e di altri strumenti a percussione sono spiegate in modo conciso e chiaro e dimostrate nei video, disponibili tramite l'app Helbling Media.

I motivi rock e pop, invece, sfidano il senso ternario del ritmo e sono dritti. A seconda della canzone, tuttavia, si adattano meglio. La batteria è poi distribuita su più strumenti a percussione e quindi si presta bene alla creazione di musica in classe. Il choro brasiliano o la samba hanno un'impronta diversa, per non parlare dei ritmi bizzarri dei Balcani. Tutti questi stili, ognuno con i propri accenti e colori tonali, hanno il loro posto speciale in classe. Ritmo senza confini ingresso trovato.

La formula ritmica di due crotchets punteggiati più un crotchet costituisce la base degli arrangiamenti che accompagnano le canzoni campione. Quindi, per una volta, è il contrario: non sono i playback ritmici ad accompagnare le canzoni, ma le melodie e le armonie che sostengono i ritmi suonati nell'ensemble. Nell'applicazione è possibile visualizzare sia le versioni complete dei brani che le versioni di riproduzione senza strumenti ritmici.

Ritmi con o senza canzoni

L'autore Gerhard Reiter è, da un lato, un musicista che ha viaggiato molto e che ha imparato gli stili e i loro ritmi sul posto. Dall'altro, è un insegnante e conosce bene le tecniche didattiche di successo. Tra queste, il linguaggio ritmico, che non solo descrive i ritmi stessi, ma anche le altezze degli strumenti ritmici - un ottimo aiuto per sviluppare gli accenti e i colori timbrici degli strumenti a percussione. Gli arrangiamenti sono disponibili in una versione base e in una versione estesa; la versione semplice è pienamente sufficiente per un accompagnamento emozionante delle undici canzoni. Tuttavia, gli arrangiamenti ritmici possono essere suonati anche indipendentemente dalle canzoni.

Conclusione: pochi ingredienti ben fondati e ben miscelati: questa è la ricetta per l'autentica sensazione di grandi tradizioni musicali. Cosa si può volere di più?

Gerhard Reiter: Ritmo senza confini. Modelli di percussioni per accompagnare canzoni di tutto il mondo, per la scuola secondaria, 56 pagine, esempi audio e 90 video, Fr. 39.60, Helbling, Berna 2020, ISBN 978-3-99069-315-5

Già nella prefazione di Colpo di ditonato da una riflessione nell'ambito del suo master in educazione presso l'Università delle Arti di Zurigo, l'autrice Anna-Barbara Rösch si riferisce all'obiettivo di "lavorare sulla tecnica delle dita con i bambini piccoli (dalla scuola materna alla terza elementare) senza menzionare specificamente il tema della tecnica delle dita".

La prima parte contiene dodici storie con i personaggi Flurina e Niels, che alla fine di ogni storia si esercitano con gli elementi elementari della tecnica flautistica, come suonare le scale, cambiare le diteggiature e improvvisare. Ad esempio, nella seconda storia, "A scuola", i due salgono le scale della scuola e viene chiesto loro di salirle con il flauto alla fine (scala). Allo stesso tempo, nella stessa pagina, c'è un brano musicale della letteratura che si adatta al tema, in questo caso un estratto di scala da un maestoso di Franz Anton Hoffmeister. Questi esempi musicali di vario grado di difficoltà possono essere semplificati per esercitarsi. Le illustrazioni colorate di Jasmin Céline Baumann rendono le storie musicali ancora più vivaci per i bambini. La seconda parte contiene una serie di esercizi che promuovono la mobilità e la destrezza delle dita, anche senza uno strumento, alcuni dei quali provengono dalla terapia occupazionale. Si tratta, ad esempio, di esercizi di riscaldamento, di esercizi per la motricità fine e per la postura.

Questo libretto vario, che costituisce un arricchimento per le lezioni di musica con i bambini piccoli e che esercita in modo giocoso gli elementi tecnici senza nominarli, è stato originariamente concepito per il flauto traverso, ma con un po' di creatività può essere utilizzato anche per esercitarsi con altri strumenti.

Anna-Barbara Rösch: Fingerflink - Esercizi musicali per le dita sotto forma di storie, illustrato da Jasmin Céline Baumann, 130 p., Fr. 35.00, autoprodotto anna-barbara.com/fingerflink

Le lezioni di musica nelle scuole primarie sono in cattivo stato. Perché? Come si può rivitalizzare adeguatamente la materia scolastica della musica? Il 23 settembre, il sindacato del servizio pubblico VPOD Zurigo/Musica ha organizzato una tavola rotonda pubblica e ben frequentata su questo tema, moderata da Esther Girsberger.

Maja De Luca del comitato VPOD Zurich.music ha esordito affermando che il governo federale e i cantoni si impegnano per lezioni di musica di alta qualità. Il Cantone di Zurigo ha una legge sulle scuole di musica e, grazie all'iniziativa popolare jugend + musik (giovani + musica), l'ampia promozione della musica è sancita dall'articolo 67a della Costituzione federale. Nel Curriculum 21, le lezioni di musica nella scuola primaria sono state notevolmente migliorate. Prevede due lezioni settimanali di musica dal 1° al 6° anno.

Perché?

Ma oggi, dieci anni dopo l'introduzione dell'articolo costituzionale, la realtà nel Cantone di Zurigo fa riflettere. Esiste effettivamente una "educazione musicale di base" nelle classi inferiori della scuola primaria. Tuttavia, è impartita da un insegnante specializzato ed è volontaria; non è inclusa nel Curriculum 21. In seguito, le lezioni di musica dipendono dall'insegnante. Per alcuni la materia musicale è importante e la insegnano con un impegno corrispondente. Altri non lo fanno, e le loro lezioni di musica non hanno quasi mai luogo. Questo non viene monitorato da nessuno. Inoltre, la musica non è più una materia obbligatoria presso l'University College of Teacher Education, ma viene offerta su base volontaria. Pochissimi studenti scelgono la musica come materia artistica.

In risposta alla domanda di Esther Girsberger su quanto sia realmente grave la situazione, l'insegnante di musica di base Sibylle Dubs ha detto: "È grave. Il motivo è solitamente individuale: gli insegnanti hanno spesso paura di insegnare musica. Non hanno la fiducia necessaria per farlo, soprattutto non cantando. Spesso questo ha a che fare con un trauma infantile. A molti è stato detto che non potevano cantare e che non avevano voce".

Ci sono vie d'uscita?

Per Simone Kramer, direttrice di una scuola elementare nella città di Zurigo, la qualità delle lezioni di musica dipende dalla direzione della scuola. Poiché lei stessa ha avuto un'infanzia musicale, la musica è per lei una parte importante dell'educazione. Così, in collaborazione con la scuola di musica, è stata creata una scuola diurna con un profilo musicale. Concretamente, ciò significa che i bambini devono avere un contatto intensivo con la musica a tutti i livelli: educazione musicale di base, canto corale e produzione di musica in classe. A questo scopo sono previste due lezioni settimanali. Al 5° e 6° anno possono entrare a far parte di un coro o di una band. E se un bambino ama il proprio strumento, può continuare a suonarlo.

L'idea che gli insegnanti della scuola primaria partecipino a queste lezioni di musica è interessante. Poiché la scuola elementare di Kramer si trova di fronte al Toni-Areal, si aiuta con gli studenti di musica. Ben presto si è capito che era meglio coinvolgere persone artistiche per le lezioni di musica. Lo ZHdK offre un programma corrispondente, il BA Musica e Movimento. Tuttavia, questo corso di laurea non ha un campo di lavoro sicuro. Anche se ci sono posti di lavoro, sono le autorità locali a decidere i finanziamenti per coprire tali posizioni. Questi insegnanti specializzati formati allo ZHdK non potrebbero insegnare nelle scuole elementari?

Ciò che è già possibile in altri cantoni sembra molto lontano nel cantone di Zurigo. Myriam Ziegler, direttrice del Dipartimento di Scienze della Formazione Primaria, ha chiarito la situazione politica: "Quando le scuole universitarie professionali si sono sviluppate, circa 20 anni fa, si è discusso se gli insegnanti specializzati dovessero o meno essere autorizzati a insegnare nelle scuole elementari. La conclusione è stata che non era ciò che si voleva per mantenere l'insegnante di classe come persona di riferimento". Oggi sono autorizzati al massimo 3 insegnanti specializzati a livello di scuola primaria.

Cosa frena? Le finanze!

Dove si possono trovare soluzioni? La ZHdK sta attualmente discutendo un programma di formazione per gli insegnanti della scuola primaria sul tema "Fare musica in classe". Secondo Bernhard Suter, docente di didattica specialistica presso il PH di Zurigo, sarebbe importante anche una migliore collaborazione tra musica e scuole elementari, ma ciò richiederebbe maggiori finanziamenti. A suo avviso, la seguente opzione sarebbe promettente: "Si potrebbe assumere una persona responsabile della musica in una scuola. Questa persona potrebbe essere chiamata dagli insegnanti di classe per le lezioni di musica". Sembra una soluzione sensata, ma deve essere realizzata e adeguatamente retribuita.

Versione dal 23 ottobre 2023

Nel profondo della Leventina, l'autostrada del Gottardo è trafficata, ma a Sobrio, a 1100 metri di altezza, non si vede e non si sente nulla. Dopo aver percorso una strada in ripida salita con innumerevoli tornanti, ci si ritrova in un mondo diverso: un appartato villaggio di montagna, situato su un pendio soleggiato tra prati e una zona boschiva, con le case rivestite in pietra naturale. Una chiesa del XIV secolo, un ristorante con una bella terrazza. La vista sulle montagne di fronte è mozzafiato.

Come la maggior parte dei villaggi di montagna in Ticino, Sobrio ha perso un gran numero di abitanti nel corso del XX secolo; nel 2016 se ne contavano appena ottanta. Ma ora è tornata una nuova vita. Ora è conosciuto come "Villaggio della Musica" e all'ingresso del paese, su una ringhiera, è appeso uno striscione: Sobrio Festival. Da luglio a metà ottobre, qui si tengono corsi strumentali per studenti e giovani professionisti, con docenti provenienti, tra gli altri, dall'Orchestra Filarmonica di Berlino e dall'Orchestra del Teatro alla Scala di Milano.

Ci sono prove ed esercitazioni, concerti e il concorso pianistico Elizabeth Tchaikovsky - una lontana discendente del compositore russo ha prestato il suo nome all'evento. Le attività sono suddivise in due eventi complementari: l'accademia estiva con le sue masterclass e il Sobrio Festival. Oltre a concerti di artisti internazionali, quest'ultimo offre ai migliori partecipanti ai corsi l'opportunità di esibirsi e, viceversa, alcuni solisti ospiti insegnano nei corsi. Il Villaggio della Musica costituisce il tetto comune.

Un villaggio cambia

A Sobrio è avvenuta una metamorfosi. Molte case sono state ristrutturate in modo sostenibile, ma l'esterno è rimasto intatto. Sulle pareti delle case ci sono piccole targhe di ottone con i loro nomi: Casa Gioacchino Rossini, Casa Héctor Berlioz, Casa Franz Schubert. Circa cinquanta case antiche sono state "musicalizzate" in questo modo. La maggior parte di esse appartiene a privati che contribuiscono alle attività musicali in vari modi, tra cui musicisti praticanti ed ex musicisti.

Due di queste case sono di proprietà degli organizzatori: una è la grande Casa Francis Poulenc, con camere doppie per i giovani musicisti e una spaziosa cucina dove possono cucinare e riunirsi in autogestione. Nel vasto parco sono presenti numerosi giovani alberi; per ogni vincitore del concorso pianistico ne viene piantato uno nuovo. L'altra casa è la Casa Mahler, perfettamente arredata. Con una piccola sala per concerti da camera, workshop e masterclass, costituisce il fulcro dell'azienda. Una sala da concerto più grande, con circa centosessanta posti a sedere, è la chiesa di San Lorenzo, mentre per i concerti all'aperto c'è un'area sostenuta da vecchie mura direttamente dietro Casa Mahler.

La realizzazione di un sogno

L'ideatore e la mente creativa del Villaggio della Musica è Mauro Harsch, pianista e docente al Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano. Con questo progetto ha realizzato un vecchio sogno e ha trovato la sede ideale nel piccolo villaggio di Sobrio, che conosce fin dall'infanzia. "Ci sono masterclass e concerti ovunque, ma Sobrio è unico, non solo per il paesaggio, ma anche perché un intero villaggio è coinvolto nella musica qui". Harsch parla con entusiasmo dell'atmosfera che si respira qui: "Non troverete questa pace e questa armonia da nessun'altra parte. Qui, a contatto con la natura e al riparo dalle banalità della vita quotidiana, i giovani musicisti possono svilupparsi liberamente". Questo non è possibile in un ambiente più turistico o urbano.

Dal punto di vista istituzionale, il villaggio musicale si regge su due gambe. L'associazione Ars Dei, fondata da Harsch e da lui stesso diretta, è responsabile delle questioni artistiche e organizzative, mentre la fondazione Amici del Villaggio della Musica si occupa di tutti gli aspetti istituzionali. Queste due organizzazioni, più una cerchia di amici con oltre duecento membri, garantiscono anche la sicurezza finanziaria. Il villaggio della musica è in gran parte autofinanziato, ma le donazioni da parte di terzi sono benvenute.

Perché il villaggio e la musica vincano

Il villaggio musicale è un progetto di sviluppo a lungo termine. Si tratta soprattutto dell'ampliamento delle strutture. Sono appena iniziati i lavori di riconversione di un vecchio albergo alla fine del villaggio, e forse già dal prossimo anno sarà disponibile un piccolo albergo per accogliere gli ospiti del festival con il nome di "Hotel Symphony". Si sta già pensando a un progetto residenziale per musicisti anziani e a nuovi alloggi per i partecipanti ai corsi.

Ma tutto è stato fatto con ordine, niente è stato affrettato. Anche perché i responsabili sanno che l'iniziativa musicale rappresenta un'intrusione nel tessuto sociale consolidato del villaggio, con problemi anche per le infrastrutture. La considerazione per la sensibilità degli abitanti del luogo e la rigorosa sostenibilità sono quindi la prima priorità. Le tensioni sociali non possono essere sempre evitate, ed è per questo che le singole fasi di sviluppo sono realizzate in collaborazione con il Comune di Faido, di cui Sobrio fa parte politicamente dal 2016.

Ad esempio, ci sono state difficoltà con il progetto di costruire una piccola sala da concerto sul prato di fronte al villaggio. L'architetto Mario Botta era stato incaricato di progettare l'edificio e aveva già consegnato un progetto. Ma alcuni residenti si opposero. Temevano che la vita del villaggio potesse essere stravolta dal crescente turismo culturale e il progetto è stato accantonato per diversi anni. Ora è stato raggiunto un accordo ed è iniziata la ricerca di sponsor per i costi di costruzione di 3,5 milioni.

Il villaggio musicale di Sobrio è un'avventura socio-culturale senza pari. Qui si può osservare come un'idea originariamente puramente culturale possa avere un impatto che va ben oltre il proprio ambito e cambiare profondamente la realtà sociale. Si tratta di un processo dall'esito aperto. Ma se l'entusiasmo per la causa e la responsabilità sociale vanno così vicini, come sembra essere il caso, allora c'è motivo di credere che il futuro sia appena iniziato per entrambe le parti, la musica e il villaggio.

www.sobriofestival.com

Joachim Raff (1822-1882) ha lasciato diverse opere per violoncello e pianoforte: le due Romanze op. 182, i Pezzi fantastici op. 86 e il Duo op. 59. L'opera più vasta, tuttavia, è la Sonata per violoncello in re maggiore op. 183, in quattro movimenti. Non ci sono quasi informazioni affidabili sulla sua genesi. Fu presentata per la prima volta nel dicembre 1873 in occasione di un concerto di novità alla Singakademie di Berlino e pubblicata da C. F. W. Siegel. Le recensioni furono prevalentemente critiche. Le aspettative dopo la trionfale prima berlinese della Quinta Sinfonia di Raff erano apparentemente troppo grandi. Lenore il 29 ottobre dello stesso anno.

Tuttavia, il giudizio della critica dell'epoca non rende giustizia al brano. Si tratta di un'opera divertente e brillantemente virtuosistica: il violoncello e il pianoforte sono partner alla pari e gli esecutori devono dimostrare una grande abilità tecnica. Quindi una cosa non sarà mai trascurata nelle esecuzioni: il piacere di suonare! La sonata ha forse un carattere più "eclatante" rispetto alle sonate di Felix Mendelssohn, ad esempio. L'accattivante linguaggio tonale dei quattro movimenti è molto pittorico, tanto da far ricordare a tratti le opere sinfoniche di Raff con riferimenti programmatici extra-musicali.

Il 200° anniversario della nascita del compositore, nel 2022, ha dato luogo a numerose esecuzioni e nuove edizioni. La sonata per violoncello di Raff è stata ora pubblicata in un'edizione critica Urtext da Breitkopf & Härtel in collaborazione con l'Archivio Joachim Raff di Lachen.

Joachim Raff: Sonata per pianoforte e violoncello op. 183, a cura di Claus Kanngiesser, EB 9406, € 28,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Il DrumBook di Toni Schilter è simpatico, colorato ed estremamente accattivante. Questo strumento didattico orientato alla pratica è pensato per bambini dai cinque ai nove anni. L'idea dell'autore di associare i singoli componenti della batteria a un colore nella prima parte è di grande aiuto per i principianti.

Dopo una breve introduzione, inizia il primo riscaldamento, seguito da una breve teoria delle note, il "confronto della pizza". I progressi di questo libretto non si concentrano sulla struttura ritmica con le figure, ma sul groove, sull'espressione e sulla coordinazione. Il DrumBook ha una struttura chiara e getta le basi su argomenti come i rudimenti, la teoria musicale, l'indipendenza e la conoscenza generale del drumset e dei suoi componenti.

Le combinazioni con i piedi e gli esercizi con gli accenti sono introdotti fin dall'inizio. C'è anche un piccolo suggerimento per lavorare con i ritmi delle parole. Dopo poche pagine, i bambini si scatenano sull'intera batteria. Man mano che il libro procede, viene illustrata la struttura di una canzone e vengono spiegate le parti che la compongono.

Con numerosi esercizi, immagini pratiche e illustrazioni, nonché diversi assoli e duetti in vari livelli di difficoltà, l'autore combina e illustra l'apprendimento, la pratica e il fare musica in modo vario in 122 pagine. La libertà di sviluppare le proprie idee garantisce lo sviluppo individuale e creativo degli allievi, che anche gli insegnanti possono aiutare a plasmare. L'autrice è convinta: "Con il libro di batteria di Toni, i bambini celebrano costantemente i piccoli successi e rimangono quindi motivati". Siete curiosi? Alcune pagine di esempio sono disponibili sul sito web, dove il libro può anche essere ordinato.

Toni Schilter: DrumBook "Tonis Trommelbuch", libro di lavoro per batteria con una trama chiara, primo aiuto didattico per giovani batteristi, Fr. 35.00, autoprodotto www.drumbook.ch

Balbettii, grida, sussurri, schiamazzi, canti: "la voce, il nostro primo strumento musicale". Questo è l'approccio all'educazione musicale nel La canzone fa scintille per le lezioni di musica del 1° ciclo, per bambini di età compresa tra i quattro e gli otto anni. Le lezioni di musica non sono inserite nelle lezioni di musica, ma compaiono in vari momenti della vita scolastica quotidiana: al momento del saluto e dell'arrivederci, in occasione dei compleanni dei bambini, in relazione all'apprendimento dei fenomeni naturali o in relazione ai temi delle scienze della vita. In generale, i presenti arrangiamenti di canzoni prestano grande attenzione a un riferimento alla vita quotidiana adeguato all'età. Un capitolo è intitolato "La vita quotidiana dei bambini" e una canzone in esso contenuta si chiama Cerotti, pomate o tè? Gli altri capitoli sono intitolati "Grüezi und Adieu", "Draussen unterwegs", "Winterzeit" e "Nachtstimmung". Essi organizzano il contenuto delle canzoni.

Un'attenzione particolare è rivolta a "versi e modi di dire" e quindi al rapporto tra linguaggio e musica. I "versi con le dita" combinano la parola con la motricità e il ritmo in modo divertente - "Chömed all' zu mir zum Znacht, ich han us Schnee e Pizza gmacht!" - anche per i bambini con il tedesco come seconda lingua, per i quali i versi aiutano ad acquisire la lingua in modo fantasioso.

Inserendo le canzoni e i giochi linguistici nell'interazione sociale, la musica diventa uno strumento che utilizza l'esperienza personale e il potere di costruzione della comunità della musica per promuovere competenze specifiche e interdisciplinari: esprimersi cantando, ballando e facendo musica o ascoltandosi a vicenda promuove l'espressione musicale, l'indipendenza e la capacità di cooperare. Le 24 canzoni del libro fanno riferimento in modo esplicito e dettagliato alle competenze indicate nel Curricolo 21. Tuttavia, l'attenzione si concentra sui modi diversi e giocosi di sviluppare le canzoni composti dall'autore - spiegati in modo semplice e chiaro.

Christina Schnedl: Scintille di canto. Cantare, ballare, fare musica, 127 pagine, Fr. 51.00, Verlag LCH, Zurigo 2021, ISBN 978-3-908024-31-6

In occasione del suo centesimo compleanno, viene pubblicato un lavoro inedito del grande organista, didatta e compositore viennese Anton Heiller. La piccola partita corale fu composta all'inizio del 1975 come lavoro commissionato per una raccolta di musica d'organo per le funzioni religiose; tuttavia, furono pubblicati solo l'intonazione, il movimento corale e la variazione 1, mentre le due restanti variazioni non furono incluse a causa delle loro complesse armonie e quindi appaiono qui in stampa per la prima volta. Secondo un commento online del figlio di Anton Heiller su una registrazione dell'opera da parte dell'editore, il brano sembra riflettere lo stato mentale del compositore, caratterizzato da malattia e crescente stanchezza.

Una breve intonazione (manualiter) introduce un movimento corale, che in questo paese dovrebbe essere adattato ritmicamente alla versione dell'innario riformato per un'esecuzione alternatim con strofe cantate. Una prima variazione, molto espressiva, accompagna la melodia con una controvoce in frasi di sospiro espressive e talvolta molto distese. La seconda variazione è un movimento un po' strano, simile a una danza, in tempo 6/8, che integra le prime due battute del corale. Si conclude con un movimento corale corposo e armonicamente robusto in un potente forte. Grazie alle sue richieste tecniche non particolarmente elevate e alla sua adattabilità a strumenti piccoli con uno o due manuali e pedale, la breve opera di Heiller è un'aggiunta pratica e quindi molto gradita al repertorio. Permette un (ri)incontro con un artista che ha avuto un'influenza duratura sul mondo organistico svizzero e la cui opera compositiva è stata ingiustamente messa in secondo piano.

Anton HeillerIntonazione, corale e tre variazioni sulla melodia "Aus tiefer Not schrei ich zu dir", a cura di Lukas Frank, D 02 542, ca. € 12,00, Doblinger, Vienna

Nadia Boulanger, la grande dama, è stata insegnante e interlocutrice pionieristica di Leonard Bernstein, Yehudi Menuhin, Igor Stravinsky e di molti compositori che non sono così saldamente ancorati nel museo immaginario della storia della musica. La Boulanger, come dimostra in modo impressionante questo libro, proveniva dall'estetica d'ispirazione romantica, ma rimase di mentalità aperta fino alla vecchiaia. Non è mai stata sprezzante o addirittura scettica nei confronti del nuovo, anche se la sua attenzione era rivolta all'estetica e alla storia francese.

Bruno Monsaingeon ha pubblicato il suo libro Mademoiselle. Incontri con Nadia Boulanger pubblicato nel 1981, è ora disponibile in tedesco, ottimamente curato e tradotto da Joachim Kalka. Nella prefazione, Monsaingeon osserva che Boulanger non amava "fare dichiarazioni confidenziali". Questo spiega probabilmente lo stile un po' parcellizzato del libro, che si basa su conversazioni degli ultimi anni della sua vita. La Boulanger non è una filosofa della musica, né una scienziata o una teorica. I suoi pensieri sono erratici, ma non improduttivi.

Nadia parla a lungo di sua sorella Lili, del suo talento e della scintilla di genio di Lili, che lei stessa non ha mai avuto. Il libro ruota spesso intorno a temi come il talento, la creatività e l'impulso creativo - vedi "estetica romantica dell'ispirazione". A pagina 97, Boulanger afferma che:

"Quando si parla di genio o di capolavoro, devo ammettere il mio imbarazzo. In effetti, non so nulla... So e non so perché ho una certezza che non si basa sulla ragione. Si comincia, naturalmente, con una certezza che è in parte ragionevole, nella misura in cui mi rendo conto che la musica è ben scritta, ben orchestrata, ben costruita. Ma nel momento in cui si tratta di qualcos'altro, si entra nel mistero. Poiché sono un credente, tutto mi sembra un mistero".

Si può chiamare rispetto, rispetto per l'arte, rispetto per la musica. Tuttavia, più ci si immerge nel pensiero della Boulanger, più si insinua la sensazione di un misticismo colto, che si pone in posizione stranamente obliqua rispetto a idee piuttosto concrete di artigianato musicale e a intuizioni profonde e tangibili di importanti opere della storia della musica. È proprio quest'impressione che probabilmente spiega il successo pedagogico della Boulanger: ella trasmetteva le nozioni di base, in modo consapevole e rigoroso allo stesso tempo. Ciò che i suoi allievi facevano, ciò che accadeva nei processi inconsci, lei lo rispettava e lo taceva. Questa è probabilmente anche la conclusione di questo libro dalle molte sfaccettature: ci sono molti impulsi. Ma è compito del lettore riflettere ulteriormente.

Bruno Monsaingeon: Penso in toni - Conversazioni con Nadia Boulanger, 176 p., € 28,00, Berenberg, Berlino 2023, ISBN 978-3-949203-50-3

Il padre cantore Hans Georg Nägeli, nato 250 anni fa, ha fatto cantare la Svizzera. È ironico che nel giorno del suo compleanno sia stato pubblicato un CD che mostra un'immagine completamente diversa del panorama musicale svizzero: La Svizzera oscilla.

La quinta puntata della serie "20th Century Foxtrots" presenta una serie di rarità di dodici compositori svizzeri, oltre al tedesco José Berr, che visse per molti anni a Zurigo, e alla compositrice ginevrina Marguerite Roesgen-Champion, che ebbe maggior successo a Parigi. Il musicologo Mauro Piccinini, che è anche il supervisore accademico di questa collana, ha rintracciato i brani di danza, per lo più inediti. Scrive di come il foxtrot, scambiato per jazz, si sia affermato negli alberghi di St. Moritz, ad esempio, grazie a un "Tschetzpend". In quest'ultima puntata, i brani sono interpretati con accattivante verve e umorismo anche dal pianista viennese Gottlieb Wallisch. La copertina del libretto, brillantemente disegnata da Alastair Taylor in tipico stile Art Déco, mostra una coppia che balla davanti a uno sfondo di montagne innevate. Anche il CD, registrato nello studio radiofonico SRF di Zurigo e prodotto in Germania, emana un'atmosfera internazionale, prevalentemente americana.

Dodici registrazioni in prima assoluta presentano fox trot e tanghi di compositori che, nati tra il 1865 (Emile Jaques-Dalcroze) e il 1941 (Urs Joseph Flury), hanno tutti perso brevemente il loro cuore per il jazz e i balli di moda americani. Oltre ad Arthur Honegger, Conrad Beck, Paul Burkhard, Peter Mieg e Julien-François Zbinden, questo progetto include anche compositori meno conosciuti come René Gerber, Walter Lang e André-François Marescotti.

Albert Moeschinger esordisce in modo avvincente con molto swing e una visione particolarmente sensibile del jazz. Tallula è il titolo della sua fantasia sincopata di foxtrot del 1930, a cui si aggiunge un autentico Blues d'addio segue. Questi due brani dal profilo nitido fungono da modello per tutto ciò che segue. L'allievo di Rheinberger José Berr si diverte curiosamente con un passo unico sulla canzone jodel Sono un ragazzo svizzero e il Canzone della Turgovia.

20th Century Foxtrots, Vol. 5. Svizzera. Gottlieb Wallisch, pianoforte. Pianoforte a coda GP 922

In un elenco dei più importanti oboisti della storia della musica, il nome di Gustave Vogt (1781-1870) non dovrebbe mancare accanto a quelli dei fratelli Plà, Carlo Yvon, Antonio Pasculli, Léon Goossens, Evelyn Rothwell e Heinz Holliger. Nella prima metà del XIX secolo, ha formato due generazioni di suonatori per quasi 50 anni e ha avuto un'influenza fondamentale sulla scuola parigina di oboe. Solo il 2° movimento di un concerto in tre movimenti per cor anglais e orchestra è sopravvissuto nell'originale. La stessa musica appare in una versione trasposta nel suo 2° concerto per oboe, il che ha spinto l'oboista ed editore Michel Rosset a trasporre allo stesso modo il 1° e il 3° movimento per cor anglais. La sua lodevole ricostruzione è molto convincente.

I tre movimenti direttamente consecutivi seguono un gesto romantico e il tono operistico ricorda a tratti quello dell'opera di quasi 20 anni prima. Scène per cor anglais e orchestra di Antoine Reicha. L'alto livello di virtuosismo è ben presente, i passaggi vocali sono sempre finemente e riccamente ornati, e la composizione, che dura un buon quarto d'ora, è anche formalmente convincente nel modo più bello.

L'originale concerto in do maggiore di Domenico Cimarosa fu pubblicato per la prima volta dalla stessa casa editrice. Fu scritto nel 1781, tre anni dopo il famoso contributo di Mozart a questo genere. Sebbene vi siano certamente echi del grande modello, i due concerti non sono paragonabili. Cimarosa compone in modo molto più sintetico - riesce a scrivere un vero e proprio rondò in soli 2 minuti nel 3° movimento, ad esempio - e combina i movimenti con una scrittura "attacca". Il fulcro del concerto è un Andante sostenuto vocale in la minore: qui Cimarosa si dimostra un ispirato compositore d'opera.

Pēteris Vasks' ha appena pubblicato un nuovo concerto. Il suo concerto per corno inglese (1989) è già diventato molto popolare, presumibilmente a causa della sua smaccata vicinanza stilistica con il concerto di Jean Sibelius. Cigno di Tuonela. Il suo concerto per oboe, che ora è stato pubblicato (come riduzione per pianoforte con parte solista), probabilmente troverà spazio anche nelle sale da concerto, poiché il suo linguaggio tonale semplice e modale si rivolge ai gusti musicali del pubblico degli abbonati. Due pastorali melodiche (Pastorale del mattino e Pastorale della sera) fanno da cornice a un vivace movimento centrale, in cui varie danze e un arioso si uniscono e fanno da cornice a un'ampia cadenza solistica. La fragile riduzione per pianoforte difficilmente sarà soddisfacente per un'esecuzione, ma serve solo come preparazione per una prova con orchestra.

Gustave Vogt: Solo de Concert pour le Cor anglais, per cor anglais e grande orchestra, prima edizione e ricostruzione di Michel Rosset; partitura: EW 1216, € 32,50; riduzione per pianoforte: EW 1208, € 18,50; Edition Walhall, Magdeburg

Domenico Cimarosa: Concerto in do maggiore per oboe solo, 2 corni, 2 violini, viola e basso, prima edizione di Sandro Caldini; partitura: EW 1200, € 23,50; riduzione per pianoforte: EW 1194, € 14,90; Edition Walhall, Magdeburg

Pēteris Vasks: Concerto per oboe e orchestra, riduzione per pianoforte di Claus-Dieter Ludwig, ED 23365, edizione a stampa € 32,00, Schott, Mainz

Una foto della leggendaria Nelly Melba durante una registrazione radiofonica nel 1920 adorna la copertina del secondo volume dell'"Handbuch des Gesangs" (Manuale di canto) pubblicato da Laaber-Verlag. Questa foto cattura un momento grande e decisivo che ha aperto una nuova strada per lo sviluppo dell'arte del canto e della sua storia di ricezione.

Uno dei curatori di questo libro, Thomas Seedorf, ha pubblicato il suo libro solo nel 2019. Manuale di pratica esecutiva per il canto solista che contiene una grande quantità di informazioni per il canto della musica antica e moderna (Bärenreiter). È dedicato alla pratica vocale dal 1600 a oggi, ai tipi di voce, all'estetica vocale, all'ornamentazione e alla declamazione, ma si concentra sui secoli XVII, XVIII e XIX. Gli sviluppi del XX e XXI secolo sono solo sfiorati con un capitolo sulla nuova musica e la notazione moderna.

Il nuovo manuale si conclude con il titolo Voci - Corpi - Media, Il canto nel XX e XXI secolo Il contenuto del libro si basa sul lavoro esistente. Apre una nuova prospettiva sulla voce e sul corpo in scena, in particolare nella canzone e nella chanson del teatro musicale popolare e dell'opera, ed è dedicato al canto come pratica culturale e al canto corale come fenomeno globale. L'esame dei media moderni e della trasformazione della voce cantata attraverso i supporti sonori, la tecnologia di studio e la digitalizzazione è ormai indispensabile. L'estetica del canto popolare del XX e del XXI secolo pone esigenze diverse e nuove alla voce del cantante, dove il parlare, l'urlare e il gridare non sono ammessi solo nel canto pop e jazz, ma servono anche all'espressione vocale delle emozioni, dove gli interpreti sono microfoni e ingegneri del suono.

Un ampio capitolo è dedicato alle questioni di pedagogia e terapia. La diversità dell'estetica sonora e dell'espansione stilistica non è mai stata così grande come oggi. Basti pensare al pop, al rock, al soul, al jazz e al canto musicale, al tango e ai gruppi indie, al canto overtone e allo jodel, al rumorismo sperimentale e alle creazioni sonore della nuova musica - accanto all'ideale del canto classico, che ovviamente non ha perso nulla del suo fascino; basti vedere le cifre delle iscrizioni alle università...

Il caleidoscopio della diversità vocale si riflette in una gamma estremamente pluralistica di lezioni di canto, che sono l'oggetto del libro, e che vanno dalla formazione vocale corale al lavoro funzionale sulla voce, dalle varie scuole di canto pop alla cosiddetta tecnica del bel canto, fino al lavoro vocale combinato con l'allenamento del corpo e della respirazione. La varietà di metodi diventa un'attraente caratteristica qualitativa dell'insegnamento tecnico vocale; la parola magica è rete anziché separazione.

Il manuale si conclude in modo filosofico: il canto rende felici? "Sì", è la risposta! La domanda è perché... Perché suonare, far risuonare la propria voce, lasciarla libera di esprimersi, ha un effetto euforico?

Voci - Corpi - Media: il canto nel XX e XXI secolo, a cura di Nils Grosch e Thomas Seedorf, (= Handbuch des Gesangs 2), 396 p., € 98,00, Laaber, Lilienthal 2021, ISBN 978-3-89007-906-6

Le band svizzere hanno tradizionalmente avuto difficoltà a fare rock e a produrre brani orecchiabili oltre che dinamici. Il quartetto zurighese Annie Taylor - che prende il nome dall'insegnante sessantatreenne che, nel 1901, fu la prima a precipitare dalle cascate del Niagara in un barile e a sopravvivere all'avventura - non ha di questi problemi. In termini di competenza strumentale, Gini Jungi (voce, chitarra), Tobias Arn (chitarra), Michael Mutter (basso) e il batterista Daniel Bachmann, che si è recentemente unito alla band dai post-krautrockers di Winterthur Klaus Johann Grobe, potrebbero certamente servire anche un virtuoso rock neo-progressivo. Grazie a Dio non vogliono farlo. Al contrario, nel loro secondo album sono rimasti fedeli alla miscela organica di post-grunge, garage e pop rock che ha reso così vivace il loro debutto di tre anni fa. Dolce mortalità graffiò le classifiche svizzere degli album dell'epoca e fece guadagnare alla band una lunga serie di partecipazioni a festival nazionali e internazionali. La fiducia in se stessi acquisita in questo modo trasuda da ogni solco di Sorriso interiore.

Per le registrazioni si sono trasferiti a Bristol, dove hanno trascorso le giornate nello studio del produttore Ali Chant, che ha lavorato anche con PJ Harvey, Yard Act, Katy J Pearson (una delle preferite di Jungi) e Aldous Harding. La sera si sono ritirati nella villa e hanno affinato le idee delle ore precedenti. Il suono è diventato molto più versatile. Numeri pop-punk dal ritmo esuberante (Scolaretta) si contrappongono a canzoni orecchiabili, in cui la dinamica forte/tranquillo sviluppata dai Pixies è abilmente applicata (Spingimi). Cavalcare in alto è il "sunshine pop" californiano, per così dire, anche Fottuto sconvolgimento trova spazio per alcuni momenti di riflessione, e Sorella vive non da ultimo dal glorioso riff di basso. La talentuosa cantante, autrice e front woman Jungi domina il processo con aplomb. Conclusione: una formidabile band dal vivo, abilmente conservata su vinile.

Annie Taylor: Inner Smile. Taxi Gauche Records TGR 037 (Vinile)

I bambini reagiscono spesso in modo sorprendentemente positivo alla musica country. Ciò rende ancora più deplorevole il fatto che non ci sia quasi nessuna letteratura per principianti disponibile per l'insegnamento. La casa editrice Müliradverlag di Altdorf vuole porre rimedio a questa situazione con una nuova collana che si apre con due libretti. Marion Suter e Claudio Gmür, due luminari del pianoforte country di due generazioni diverse - Suter è stata a lungo allieva di Gmür - presentano ciascuno un libretto con 16 semplici pezzi di danza. Le composizioni di Suter sono originali, quelle di Gmür sono per metà pezzi originali e per metà arrangiamenti di classici del genere.

I brani sono facili e piacevoli da suonare e allo stesso tempo trasmettono le basi formali e armoniche della musica di danza popolare svizzera. Le nuove composizioni seguono gli schemi e le sequenze tradizionali, ma sono originali e spiritose. È chiaramente riconoscibile che l'autore ha una grande familiarità con l'argomento trattato. Le forme più importanti - ländler, valzer, polka, schottisch, ma anche una mazurka nel caso di Suter e una ländler fox nel caso di Gmür - sono presentate in modo semplice ed esemplare.

Se questo è troppo semplice per voi, potete usare i due libretti come base per avventurarvi nella pratica delle variazioni e delle ornamentazioni della musica dei Ländler e, nello spirito dell'antica tradizione, modificare e ampliare i brani secondo i vostri gusti. I libretti sono quindi una valida introduzione alla musica popolare svizzera non solo per i principianti, ma anche per i più esperti di altri generi.

Musica country svizzera per pianoforte,

Vol. 1: 16 nuove composizioni di Marion Suter, n. 1211;

Vol. 2: Eine Tasten-Bike-Tour, 16 danze nuove e tradizionali composte e arrangiate da Claudio Gmür, n. 1212;

Fr. 25.00 ciascuno, Mülirad, Altdorf 2021