Se la citazione nel titolo di questo libro vi avesse ricordato Gustav Mahler, vi sareste sbagliati, ma vi sareste aspettati messaggi nascosti da Brahms. Arnold Schönberg lo aveva posto all'avanguardia del modernismo dell'epoca come "progressista" proprio perché le sue composizioni corrispondevano alla "forma tonalmente mobile" di Hanslick e passavano in secondo piano rispetto ai "poemi sinfonici" di Liszt e Strauss, che erano saturi di letteratura.

Schönberg rimarrebbe stupito oggi se prendesse in mano il libro di Johannes Schild, in cui l'autore scopre molti messaggi nascosti nelle quattro sinfonie di Brahms che stabiliscono connessioni con Bach, Mozart, Beethoven, Wagner, Liszt e altri. Il fatto che non solo Mahler, ma anche Brahms abbia utilizzato la capacità linguistica della musica per giungere alla comprensione di se stesso e della sua opera è sorprendente ad ogni nuovo caso, che Schild è in grado di spiegare in modo stilisticamente sicuro e comprensibile, e non solo per quei lettori che sono in grado di analizzare i numerosi esempi musicali di conseguenza.

Le relazioni tra i movimenti nelle sinfonie sono interessanti di per sé, ma ancora più gratificanti sono le relazioni tra i movimenti e quelle che stabiliscono connessioni tra le epoche musicali. A partire dalla fuga in mi maggiore di Bach, il tema finale dell'opera mozartiana Sinfonia di Giove un'intera gamma di coperture fino al Canzone del destino.

Particolarmente sorprendenti, in un altro contesto, sono le Meistersinger-Aspetti che Tristanoo i riferimenti musicali al "ragazzo di latte" Felix, che nella migliore delle ipotesi potrebbe essere il figlio illegittimo di Johannes Brahms, nato dalla sua relazione intima con Clara Schumann.

Con trecento esempi musicali, sessanta pagine di note e ventiquattro di bibliografia, il libro sottolinea la sorprendente ricchezza di "viscere" compositive, ma anche di influenze extra-musicali, che non ci si sarebbe aspettati da Brahms in particolare.

Johannes Schild: "In meinen Tönen spreche ich" - Brahms und die Symphonie, 443 p., € 49,99, Bärenreiter/Metzler, Kassel/Stuttgart 2022, ISBN 978-3-7618-2525-9

La parola "comporre" ha molte connotazioni: creatività, certo, ma anche lotta per le idee, ideazione di nuovi suoni o nuove costellazioni. È quindi notevole che il compositore basilese Wolfgang Heiniger ritenga che la musica non possa essere "reinventata". Secondo lui, il significato di composizione è già nella parola: "Si mettono insieme le cose", dice.

Il libretto pubblicato da Vexer-Verlag fare musica con dichiarazioni da una a tre pagine di 33 compositori contemporanei è tanto divertente quanto stimolante. La nuova musica non può essere ridotta a un comune denominatore. E questo vale anche per i testi stampati, che ruotano intorno all'estetica in generale, alle abitudini di lavoro personali o ai processi creativi. Alcuni di essi ricordano immagini di vecchi compositori. Dieter Ammann scrive: "Comporre significa in realtà viaggiare come un cercatore in un mondo di cui si è anche il creatore". La ricerca di Ammann può talvolta richiedere molto tempo. A volte pensa a un'opera per tre anni. Sì, forse gli viene in mente la fronte aggrottata di Beethoven.

Il tono di Ammann è fresco e diretto, e questo vale anche per i suoi colleghi. Isabel Klaus fa di necessità virtù. Ha bisogno di resistenza e vede le solite commissioni - "scrivi un pezzo per questo o quel cast con questa o quella durata" - non come una restrizione alla sua creatività, ma come un'opportunità per sfregare creativamente le "pietre che le vengono messe sulla strada".

La maggior parte dei compositori selezionati e intervistati dai curatori Désirée Meiser, Matthias Schmidt e Anja Wernicke proviene dall'area di Basilea. Alcuni grandi nomi ampliano la prospettiva regionale: Wolfgang Rihm, ad esempio, il tedesco Mathias Spahlinger o il danese Simon Steen-Andersen, che ha riscosso un grande successo negli ultimi anni. Quest'ultimo parla della sua "ispirazione negativa": quando sente la "grande musica", pensa che deve sforzarsi di "farla in modo completamente diverso".

In definitiva, comporre oggi è anche molto diverso. Le precedenti concezioni di un genio creatio-ex-nihilo simile a un dio, che mette su carta le sue brillanti scintille in modo intimidatorio e autorevole, appartengono fortunatamente al passato. Oggi, come l'antologia dimostra in modo impressionante, si tratta molto più di cooperazione con i musicisti, di influenze, a volte anche di un lavoro che deve essere fatto con i piedi per terra. Johannes Kreidler, professore di composizione all'Università di Musica di Basilea, riassume bene il concetto: "Le idee non nascono all'improvviso. Il principiante aspetta il bacio della musica, il professionista inizia a lavorare".

musik machen, a cura di Désirée Meiser, Matthias Schmidt, Anja Wernicke, 144 p., Fr. 28.00, Vexer, San Gallo 2023, ISBN 978-3-907112-63-2

Quando il pianista argoviese Werner Schmid, insieme al soprano Christina Lang e al mezzosoprano Margrita Sarbach, registrò il pionieristico CD E 's Meiteli canta canzoni per bambini e dialettali, per lo più sconosciute, di compositori svizzeri, i cui campioni spiccavano dal libretto. Canzoni dalla valle da Eugen Meier per il loro caratteristico dialetto vallesano.

Il soprano Franziska Heinzen e il pianista Benjamin Mead hanno inciso per la prima volta tutte le 16 canzoni, tranne due, su testi dello scrittore e industriale Hannes Taugwalder (1910-2007), cresciuto a Zermatt. Rispetto alla prima edizione del 1981, alcune di esse sono state ampliate con introduzioni pianistiche e postludi.

Nato in Argovia nel 1934 e formatosi a Vienna con Julius Patzak e Hans Swarowsky, il compositore, direttore d'orchestra e insegnante Eugen Meier vive e lavora in Vallese, che è diventata la sua seconda casa, dal 1961. Le sue opere, che trattano il tema della nostalgia, dell'amore e della vicinanza alla natura Canzoni dalla valle sono ascoltati in questo CD sapientemente concepito con il sottotitolo "Un omaggio alla canzone d'arte svizzera", alternati a brani accuratamente selezionati e tematicamente correlati su testi in lingua tedesca di Hesse, Lenau, C. F. Meyer, Morgenstern e Storm, tra gli altri. Le ambientazioni di compositori noti come Joachim Raff, Othmar Schoeck, Frank Martin e Heinz Holliger si alternano a contributi contemporanei di Isabel Mundry e Werner Bärtschi, da un lato, e a canzoni di compositori da tempo dimenticati come Walter Courvoisier, Emil Frey e Hermann von Glenck, dall'altro.

Originaria del Canton Vallese, Franziska Heinzen garantisce una resa autentica del testo. Canzoni dalla valleche canta con una semplicità di tono da canzone popolare. Nelle canzoni d'arte, perlopiù tardo-romantiche, si avvicina all'opera lirica con un forte vibrato, soprattutto nei registri acuti. Questo è in contrasto con Hans Huber, per esempio, che ha cantato nel Canzone femminile op. 61 n. 3 "lusinghiero, con l'espressione più delicata". Discretamente sostenuta al pianoforte da Benjamin Mead, la cantante dà l'impressione di dover uscire dal riserbo della musica rustica del Vallese in una fuga di campagna per conquistare un pubblico urbano con uno stile di canto più espressivo.

Canti della valle. Franziska Heinzen, soprano, Benjamin Mead, pianoforte. Prospero PROSP 0062

Vertigo - chi non pensa al thriller psicologico di Alfred Hitchcock quando sente questa parola? Un film che ruota attorno a un poliziotto (James Stewart) che soffre di paura dell'altezza dopo un'esperienza traumatica. Un film, tra l'altro, in cui la musica congeniale di Bernard Herrmann svolge un ruolo centrale. Il giovane compositore austriaco Philipp Manuel Gutmann ha ora anteposto a una delle sue ultime opere il nome "Vertigo" e l'ha sottotitolata "Bagatelle per pianoforte". Nel giugno 2021 ha vinto il premio del pubblico della 1ª Giornata della nuova musica per pianoforte di Graz.

Philipp Manuel Gutmann è nato a Zwettl (Bassa Austria) nel 1993. Ha studiato composizione a Vienna (con Dirk D'Ase) e a Zurigo (con Kaspar Ewald e Isabel Mundry). Nonostante la giovane età, può già vantare un'opera considerevole. Essa comprende opere teatrali e sinfonie, ma anche musica da camera e numerosi lavori per coro. Sembra avere un debole per le orchestre di fiati.

Torniamo al suo pezzo per pianoforte Vertigineche in realtà si riferisce al film di Hitchcock. Inizia "lentamente e minacciosamente" con figure ripetitive che aumentano gradualmente di tempo e volume. A queste si aggiungono frammenti melodici che citano ovviamente motivi della musica da film di Bernard Herrmann. Gli accordi sono alternativamente spezzati verso l'alto e verso il basso. Nell'ultima pagina, l'inizio tranquillo si trasforma infine in un impetuoso inseguimento. L'effetto che ne deriva crea davvero una sensazione di disorientamento, di vertigine.

Pianisticamente è Vertigine non è così difficile come potrebbe sembrare a prima vista. La scrittura pianistica è eccellente. (L'unica indicazione di diteggiatura all'inizio dovrebbe essere 3213). In ogni caso, non sorprende che il pubblico di Graz sia rimasto colpito dall'opera, poiché Gutmann riesce a evocare immediatamente una scena drammatica e vivida in poche pagine utilizzando mezzi moderni.

E coloro che non conoscono ancora questa musica dovrebbero forse dare un'altra occhiata al capolavoro di Hitchcock...

Philipp Manuel Gutmann: Vertigo, Bagatelle per pianoforte, D 01 450, € 12,95, Doblinger, Vienna

L'ottavo album da solista di Annakin - un tempo voce del combo trip-hop Swandive di Baden - inizia con una delle più belle canzoni registrate nel corso della sua lunga carriera. Si chiama Marian ed è qualcosa di simile a un libretto di programmi audio. Ha scritto la canzone quando è iniziato l'attacco a Mariupol, spiega l'artista. In seguito si è resa conto che il tema dell'intero album era riassunto qui. "Parla di protezione e di guerra e, soprattutto, di catarsi. Si tratta di un'esperienza che devi elaborare per trovare la strada della creatività e creare qualcosa di nuovo".

Dopo la frustrazione della serrata, che aveva mandato all'aria ogni tipo di progetto, si è lasciata andare a una vera e propria frenesia creativa, culminata nel viaggio a La Frette Studio vicino a Parigi - una villa elegantemente fatiscente dove anche Nick Cave, Marie-Joe Thério e Marianne Faithfull hanno creato prelibatezze sonore. Lo studio è stato scelto anche perché dotato di strumenti all'altezza delle aspettative sonore dell'artista: un pianoforte Bösendorfer, ad esempio, che sembra avvolto in un bozzolo di cotone (ah!), un massiccio sintetizzatore Oberheim e un mixer Neve. Come per l'ultimo album, le registrazioni sono state effettuate sotto l'egida del produttore britannico Ed Harcourt, che può vantare una serie di album nobili e idiosincratici come cantautore. Secondo Annakin, è grazie a lui che l'album è meno elettronico e più orientato al pianoforte.

Il titolo Bozzolo non solo riassume lo stato d'animo in termini di tema, ma descrive anche metaforicamente l'effetto di queste canzoni trasparenti e simili a garze. Hanno bisogno di tempo per attirare l'ascoltatore, ma il filo conduttore è forte... Un altro bel capitolo nella storia di un instancabile e tranquillo avventuriero.

Annakin: Cocoon, Phonag Records, annakin.net

L'autore, che ha diretto cori a Sciaffusa e lavora come recensore di concerti, vuole avvicinare le persone alla musica classica con questo piccolo libro colorato. I termini musicali elencati, da "intonazione assoluta" a "magia", sono conditi con commenti umoristici, 14 compositori speciali, da Hildegard von Bingen a John Cage, hanno una pagina speciale, 350 sono elencati con le date di vita e lo stile musicale e gli strumenti orchestrali sono disegnati e nominati.

A ogni pagina, i vivaci disegni di Linda Grädel raffigurano la dedizione dei musicisti. Utile e stimolante per i giovani studenti di musica e per i frequentatori di concerti.

Gisela Zweifel-Fehlmann: La musica classica è grande! Il glossario musicale con un elenco di compositori per principianti, con disegni di Linda Grädel, 160 p., Fr. 10.00, Edition ABCDEF..., Diessenhofen 2023, ISBN 978-3-03858-732-3 (stampa)

Il motivo per cui ci mancherà è stato evidente anche al momento della sua partenza. Per oltre 30 anni, il Fondazione Orpheum giovani musicisti. Al concerto del 21 ottobre, che ha segnato anche il passaggio di consegne alla direzione artistica, Howard Griffiths ha dimostrato in un breve discorso di commiato cosa serve per una carriera artistica di successo oltre al talento. Ha descritto la sua Orpheum Supporters Orchestra come un'"orchestra di dottori", un termine che non suonava affatto irrispettoso detto da lui, ma che non faceva che sottolineare la malizia e l'entusiasmo della sua personalità.

Trovate quelli unici

Oltre alle qualità musicali, Griffiths ha sottolineato nella precedente conversazione telefonica che la personalità è il criterio principale che cerca come "talent scout". Negli ultimi anni, il numero di persone tecnicamente dotate è aumentato, ma le "personalità artistiche molto speciali" rimangono più rare che mai. Una valutazione condivisa dal suo successore Oliver Schnyder. In un'intervista scritta, ha sottolineato che le interpretazioni dei giovani artisti si avvicinano sempre più a uno "standard ampiamente accettato" a causa della mancanza di tempo per uno sviluppo organico, e conclude con una frase notevole: "Non sono affatto sicuro che personalità musicali come Fritz Kreisler, Edwin Fischer, Clara Haskil o Pablo Casals si affermerebbero ancora oggi in modo paragonabile".

Quindi i due sono d'accordo sulla questione. La Fondazione Orpheum si occupa di selezionare personalità uniche dal grande serbatoio di talenti. Un compito che finora è stato portato a termine con successo, come dimostra uno sguardo all'archivio: Truls Mørk, Renaud e Gautier Capuçon, Yuja Wang, Alisa Weilerstein e Nikolaj Znaider, solo per citarne alcuni, hanno tutti beneficiato del sostegno della fondazione. Si può quindi parlare di una storia di successo. E tutto lascia pensare che questa storia continuerà con Schnyder. Schnyder, che in passato è stato lui stesso un "allievo", si considera innanzitutto un nuovo membro di una squadra forte. Continuità è quindi la parola magica, ci si aspetta solo la definizione di alcune nuove priorità.

Sfruttare il potenziale di sviluppo

In base a questo nuovo orientamento, il concerto del 21 ottobre può essere definito programmatico. La violinista danese-ucraina Anna Agafia Egholm, nata nel 1996, non si è presentata come solista di grido, ma ha suonato il Triplo Concerto di Beethoven insieme all'ex solista dell'Orpheum Maximilian Hornung al violoncello e a Oliver Schnyder al pianoforte. Il concerto ha quindi indicato la strada da seguire: lo scopo e il modello di finanziamento della Fondazione Orpheum è quello di far incontrare giovani solisti con orchestre e direttori famosi. "Ora trasferiremo questa idea anche alla musica da camera e inviteremo grandi mentori a provare ed esibirsi con i giovani musicisti", afferma Schnyder, descrivendo la sua visione per il futuro.

Per questo motivo, non ha avuto importanza che nessuna "orchestra di punta" abbia suonato durante la serata. Anche se l'Orpheum Supporters Orchestra, composta da dilettanti e alcuni professionisti, ha fatto un buon lavoro, non è un ensemble nel senso delle linee guida della fondazione. L'interazione con i due solisti affermati, invece, è stata sicuramente una prestazione di alto livello. Il confronto con Hornung, in particolare, ha rivelato il potenziale di sviluppo di Egholm. Il suo fraseggio più conciso e vivido ha dimostrato in modo impressionante cosa si può ottenere nel Triplo Concerto, spesso giudicato male.

A proposito di potenziale di sviluppo: nonostante tutti gli elogi per i risultati ottenuti dalla Fondazione Orpheum, essa potrebbe anche sfruttare alcune nuove opportunità. Non dal punto di vista di coloro che sono soddisfatti dello status quo del settore dei concerti classici: Esecutori famosi eseguono il noto repertorio del XVIII e XIX secolo. Per tutti gli altri, invece, sarebbe bello se la tradizione di 800 anni di musica classica, che viene costantemente sviluppata, si riflettesse maggiormente anche nella promozione dei giovani talenti.

Howard Griffiths ha cercato di farlo con l'introduzione, tra l'altro, dei Composers in Residence, ma durante la conversazione ha menzionato l'enorme sforzo richiesto, che una piccola fondazione difficilmente potrebbe affrontare in termini organizzativi. Oliver Schnyder ha fatto esplicito riferimento allo scopo della fondazione in questo senso, ma non ha escluso un certo ampliamento del repertorio dovuto ai nuovi formati di musica da camera. Certo, non è compito di una sola fondazione riformare il settore della musica classica. Ma è forse presuntuoso riporre un po' di speranza in una fondazione che ha stabilito un concetto di finanziamento rivoluzionario poco più di 30 anni fa?

Fondazione Orpheum

L'Associazione Culturale Argovia è relativamente nuova. Nel novembre 2019, diverse istituzioni culturali e liberi professionisti del Cantone di Argovia hanno unito le forze. Il consiglio direttivo dedicato copre vari settori e si è posto l'obiettivo di aumentare la visibilità delle attività culturali nel Cantone di Argovia e, soprattutto, di renderle più visibili negli ambienti politici. uno voce di lobby per la cultura. È stato appena eletto un nuovo direttore generale, Daniel Hertli.

Sotto il suo primo direttore generale, Michael Schneider, l'associazione non solo ha preso una posizione chiara sulle decisioni del Gran Consiglio e sul Concetto culturale argoviese 2023-2028, ma ha anche cercato di informare meglio i membri del Gran Consiglio sulle difficili condizioni quadro per la cultura. Grazie al Gran Consigliere Markus Lang, è stato creato un gruppo culturale con circa 40 membri provenienti da diversi partiti. Per questo gruppo vengono organizzate visite guidate che permettono di dare uno sguardo dietro le quinte.

L'importanza della cultura

Nel suo discorso di benvenuto all'apertura del forum, il sindaco Markus Schneider ha sottolineato che Baden è una città culturale sicura di sé e vivace, di cui è orgoglioso. Il consigliere cantonale Alex Hürzeler, conversando con la moderatrice Monika Schärer, ha affermato che la cultura è importante per la coesione della società e l'attrattiva di una località, soprattutto in questi difficili tempi geopolitici.

Come filosofa politica, Katja Gentinetta ha riflettuto sul concetto di cultura nel suo discorso di apertura. La cultura è l'ulteriore sviluppo delle forze intellettuali e morali, tutto ciò che rende migliore la nostra vita. A suo avviso, la cultura non è meno rilevante a livello sistemico dell'agricoltura o della sanità. Una buona cultura aziendale può non essere misurabile, ma è indispensabile.

Dopo ogni presentazione si è svolta un'interessante tavola rotonda: per il fisico Christian Brönnimann, fondatore e presidente del Consiglio di amministrazione di Dectris, la cultura ha molto in comune con la scienza. Entrambi i settori comportano una grande quantità di sforzi e di passione, e il denaro non è l'obiettivo principale. La sua azienda sostiene la cultura con una parte dei suoi profitti. Tuttavia, questo è possibile solo se l'azienda ha successo.

Per Maja Wanner, moglie di Peter Wanner, presidente del consiglio di amministrazione della società di media CH-Media, la cultura è il lubrificante della società e un baluardo contro la brutalizzazione. Lo stare insieme, l'esperienza condivisa dal vivo, sta diventando sempre più importante. L'autrice, che è molto impegnata nella raccolta di fondi per la cultura, considera un problema il crescente anonimato delle aziende. Mancano imprenditori indipendenti ed entusiasti che possano essere contattati personalmente.

Per Christine Egerszegi, ex membro del Consiglio degli Stati e ambasciatrice culturale, l'arte non è un'opera di beneficenza, ma una professione da prendere sul serio. Un problema in Argovia è che qui ci sono poche fondazioni. Ha anche sostenuto con veemenza che una parte dei profitti di ogni azienda dovrebbe essere spesa per la cultura. Se si considera ciò che il Percento culturale Migros ha realizzato finora, non si può che essere d'accordo con Egerszegi.

Quali valori genera la cultura? E per chi?

Christoph Weckerle, direttore dello Zurich Center for Creative Economies presso lo ZHdK, ha relativizzato il concetto di valori nella sua presentazione, adottando una visione globale. Nicola Forster, presidente della Società svizzera per il bene comune, ha sottolineato che la Svizzera, con le sue quattro culture linguistiche, è una nazione di volontà. Non ha uno Non si tratta della cultura dominante, ma piuttosto del bisogno di origine e di casa.

Antonina Businger, una giovane artista che ha fondato con successo una propria società a responsabilità limitata, ha partecipato alla tavola rotonda. Al Badenfahrt di quest'estate è stata la più giovane organizzatrice e direttrice artistica del festival. Il forum ha offerto anche un intrattenimento originale e le acrobazie linguistiche dell'autore Simon Libsig sono state ben accolte. Quando Monika Schärer ha chiesto se tra il pubblico ci fossero donne d'affari e politici, si sono alzate diverse mani. Era presente anche Georg Matter, responsabile della Divisione Cultura del Dipartimento Argovia per l'Educazione, la Cultura e lo Sport, al quale Schärer ha chiesto alla fine quale sia il ruolo delle imprese nella promozione della cultura. Ha giustamente commentato che anche questo forum si trovava in una bolla di sapone. Secondo la sua esperienza, molte persone non hanno idea della cultura. Per questo è ancora più importante parlarne pubblicamente e renderla più visibile. La sala gremita ha dimostrato che l'Associazione culturale argoviese e il Forum Pro Argovia hanno dato il via a questo evento.

Associazione culturale argoviese: agkv.ch/

Silvia Conzett e il suo team hanno riunito una quarantina di strumenti musicali provenienti dalla collezione del museo, da diversi musei locali dei Grigioni e dalla Haus für Instrumente di Kriens, recentemente inaugurata, integrandoli con numerose foto e campioni sonori. In ogni sala espositiva sono inoltre disponibili piccole biblioteche di riferimento con canzonieri, libri di musica e letteratura secondaria per uno studio approfondito.

L'importante tradizione vocale grigionese - cantata in cinque idiomi romanci, in tedesco, in italiano e nel grischun rumantsch - viene presentata attraverso immagini, spartiti, stazioni audio e pubblicazioni, tra cui le edizioni dell'importante raccolta di canti popolari di Alfons Maissen. Le sagome a grandezza naturale di un gruppo di sette cantanti invitano i visitatori a cantare insieme a una delle sette melodie. Invece di un catalogo, i testi della mostra sono disponibili gratuitamente come dispense.

Dal Tiba allo Schüblöt da marmel

Come la musica tradizionale di tutta la Svizzera, la musica popolare dei Grigioni corrisponde a una musica popolare alpina di forma locale, che tuttavia riflette le influenze dei Paesi vicini. Le valli meridionali hanno la bandella, una piccola banda di fiati, con il Ticino, la Lombardia e il Piemonte. Nella Bassa Engadina, il raffele tirolese, una cetra a forma di raschietto salisburghese, veniva ancora pizzicato all'inizio del XX secolo.

La mostra al Museo Retico mette in evidenza anche le specialità sonore dei Grigioni. Mentre la tiba, uno strumento conico di tono naturale in legno o latta, era quasi dimenticata cinquant'anni fa, questo corno alfa sta tornando in auge nella Surselva. Viene costruito, suonato come strumento amatoriale e ha portato a un nuovo utilizzo, le tibadas. I suonatori si allineano nel paesaggio e rispondono a turno a un suonatore di tibada centrale.

Oltre ai campanacci e ai corni, uno strumento di segnalazione unico in Svizzera, lo Schüblöt da marmel, faceva parte della musica dei pastori della Münstertal. È ricavato dalle pietre di gesso che cadono nel Rambach a Santa Maria Müstair. Il piccolo flauto a vascello, che si appoggia completamente sulla lingua per essere suonato, si sarebbe estinto se un brillante ragazzo delle vacanze alsaziano non avesse copiato il metodo di fabbricazione e di esecuzione da un vecchio pastore.

Lo stile grigionese raggiunge tutta la Svizzera

Le scuole di violino della Safiental sono una delle particolarità della tradizione musicale dei Grigioni. Già nel XIX secolo, diversi insegnanti insegnavano agli scolari come costruire e suonare gli strumenti a corda e riunivano i giovani che vivevano lontani in insediamenti sparsi per formare gruppi musicali. Recentemente, i manoscritti di danza della Safiental sono stati editati e pubblicati.

Prima della standardizzazione della banda Ländler, nei villaggi della Svizzera tedesca si formavano complessi da ballo composti da suonatori locali di archi e di fiati che prendevano il nome del rispettivo capobanda. La Fränzlimusik, che prende il nome dal leggendario violinista cieco Franz Waser, ha dato origine alla tipica formazione engadinese del Fränzlis da Tschlin (Rosso. vedi SMZ 11/2022, pag. 19 e segg.).

Solo negli anni Trenta del Novecento la strumentazione della Ländlerkapelle si consolidò, a seconda delle principali regioni di musica popolare, nel cosiddetto stile bernese (diversi Schwyzerörgeli e basso), nello stile della Svizzera centrale (clarinetto, Schwyzerörgeli, contrabbasso e pianoforte) e nello stile dei Grigioni., con due clarinetti, due Schwyzerörgeli o fisarmonica e basso. Questo stile Ländler, diffuso inizialmente da musicisti grigionesi con esibizioni nei club grigionesi delle città, in seguito come membri di bande svizzero-tedesche, ma soprattutto attraverso Radio Beromünster e i dischi, divenne musica nazionale svizzera durante l'esposizione nazionale del 1939, entrando così a far parte della difesa spirituale del Paese. Questo spiega perché lo stile dei Bündner è conosciuto e amato in tutta la Svizzera.

Senza limiti, lüpfig. Sulla musica popolare dei Grigioni. Mostra speciale al Museo retico (vicino alla chiesa di San Martino) di Coira, fino al 3 marzo 2024, mar-dom 10.00-17.00

Oltre ai sette famosi brani sugli animali, in questo libretto potrete scoprire 14 opere poco conosciute. Si tratta di brani facili (dalla prima alla terza posizione) o moderatamente difficili (fino alle posizioni alte) da suonare. L'accompagnamento pianistico è ben scelto nello stile dei rispettivi originali (XVII-XX secolo e sudamericano); qua e là anche il violino si occupa dell'accompagnamento. Le tonalità variano tra due si bemolle e due diesis, di cui un terzo in tonalità minore. Il libretto potrebbe essere adatto a un recital di classe.

Animals in Music, 21 opere originali per violino e pianoforte, arrangiate da Wolfgang Birtel con diteggiature e archi di Barbara Leichtweis-Birtel. ED 23524, € 19,50, Schott, Mainz

Cosa c'è di peggio di un registratore? Due! - Una delle cose affrontate in questa battuta è il fatto che l'intonazione sul flauto dolce è difficile e complicata con due, perché c'è sempre qualcosa che "ronza, gorgheggia, cinguetta o ronza", come si dice nella prefazione alla Trii per due viene chiamato. Una ragione di ciò è da ricercare nello specifico spettro dei toni del flauto dolce. Quando due flauti dolci (soprattutto alti) suonano insieme, si produce almeno un cosiddetto tono combinato. Mentre di solito si cerca semplicemente di intonare i due flauti dolci ragionevolmente bene insieme, Adrian Wehlte utilizza proprio questo principio. I suoi duetti annotati, se intonati in modo completamente puro, producono un tono di combinazione che corrisponde esattamente alle due note suonate; il duo diventa un trio.

Il libretto, con un livello di difficoltà progressivo, vuole essere una guida pratica alla sicurezza dell'intonazione attraverso il riconoscimento consapevole delle note combinate. Queste sono quindi annotate in un ulteriore pentagramma come terza voce virtuale, che corrisponde alle due voci superiori in termini di tecnica compositiva e risulta in un vero e proprio trio di due. Quando il duo viene registrato, diventa udibile che la terza voce non esiste solo come fenomeno acustico nelle orecchie dei musicisti, ma è effettivamente presente nel suono. Tre dei duo presentano un puzzle in cui l'invisibile combinazione della terza voce produce una melodia familiare.

Le spiegazioni delle serie di overtone e dei toni di combinazione e differenza completano l'opuscolo; se volete saperne di più, potete andare su forum.floeno.de o discutere di questo fenomeno sulla piattaforma di discussione.

Il Trii per due è disponibile in un'edizione per due flauti dolci soprani (oboi o clarinetti) e per due flauti dolci contralti (flauti traversi), i cui libretti contengono gli stessi esercizi e composizioni originali.

Adrian Wehlte: Trios zu zweit; edizione per 2 flauti dolci soprano: EFL 1221; per 2 flauti dolci contralto o flauti traversi: EFL 1220; € 12,50 ciascuno; Edition Floeno, Dinkelsbühl

Harald Feller (*1951) insegna organo presso l'Istituto di musica sacra dell'Università di Musica e Teatro di Monaco. Diverse sue composizioni sono state premiate con riconoscimenti. È noto anche per la sua interpretazione della famosa parte d'organo nel film Fratello addormentato. Il suo catalogo di opere comprende composizioni per coro a cappella, musica vocale con ensemble o orchestra, musica per strumenti a tastiera, musica da camera e brani orchestrali.

Il presente lavoro in quattro movimenti Sonata da Chiesa per violoncello (viola) e organo è basato sul materiale musicale dell'opera di Feller del 2006 Fiera di Feldafinger per coro misto a 7 voci, archi, arpa, percussioni e organo. I titoli dei movimenti della sonata corrispondono alla struttura della messa: Kyrie eleison - Calmo, espressivo; Gloria in excelsis Deo - Vivace, molto ritmico; Sanctus - Benedictus - Calmo, solenne; Communio - Adagio. Lo stile compositivo di Feller ricorda talvolta Maurice Duruflé, Flor Peeters o persino la musica da film.

La parte del violoncello offre compiti prevalentemente gratificanti e lirici, anche se nel terzo movimento ci sono alcuni impegnativi passaggi in doppio stop nel registro acuto (gamma: G-f2). Secondo il compositore, "gran parte della parte organistica deve essere suonata su due manuali, poiché le mani spesso si sovrappongono. Bisogna prestare attenzione a quando una voce deve essere enfatizzata o quando le due mani possono essere suonate ugualmente su due o addirittura su un solo manuale. È importante che la parte organistica rimanga sempre varia e trasparente".

La sonata è adatta come musica liturgica nelle funzioni religiose, ma può essere utilizzata anche come pezzo da concerto. Questa composizione tecnicamente impegnativa è un'aggiunta originale al non troppo ricco repertorio di letteratura originale per violoncello e organo. Come supplemento è disponibile anche una versione trasposta per viola.

Harald Feller: Sonata da chiesa per violoncello (viola) e organo, EW 1229, € 19,80, Edition Walhall, Magdeburg

In occasione dell'anniversario di Beethoven, il pianista viennese Rudolf Buchbinder ha registrato il suo 33 Variazioni su un valzer di A. Diabelli di nuovo e per la terza volta. Ha trovato qualcosa di molto speciale: Combinò il gigantesco ciclo di Beethoven con le ambientazioni dei suoi contemporanei, che all'epoca scrissero anche variazioni sul tema dato per l'editore Diabelli, tra cui le versioni di Franz Schubert, Franz Xaver Mozart e dell'undicenne Franz Liszt. Ma Buchbinder incoraggiò anche i compositori contemporanei ad affrontare il valzer di Diabelli. L'elenco è impressionante e comprende undici nomi, da Lera Auerbach a Jörg Widmann.

Alcune di queste opere sono state ora pubblicate da Schott, come ad esempio l'audace opera di Christian Jost Vai alla grande, Rudi! (ED 23535) o il Variazione su un tema di Anton Diabelli di Rodion Shchedrin (ED 23536). Quest'ultimo si rivela un pezzo intelligente e pieno di piroette e sorprese e dovrebbe essere suonato interamente senza pedale (anche se il pedale centrale potrebbe essere utile qua e là).

Il contributo di Toshio Hosokawa va più in profondità. Il compositore, nato a Hiroshima nel 1955, non sembra ispirarsi solo all'opera di Beethoven. Cambiamentima anche sulla variazione che Franz Schubert contribuì al lavoro comune dell'epoca. La variazione Diabelli di Hosokawa con il titolo Perdita è anch'esso nella tonalità di do minore e presenta altri tratti affini. È una meditazione i cui suoni tranquilli sono ripetutamente interrotti e messi in discussione da brusche interiezioni. Questo "Adagio, sostenuto, con sentimento ed espressione" permette al tema di Diabelli di risplendere chiaramente in ogni momento e, ad eccezione di una veloce cadenza, non richiede molto al pianista. Verso la fine, tuttavia, Hosokawa si concede anche un favorito del tardo Beethoven con due trilli più lunghi ...

Questo brano, accattivante nella sua semplicità, è stato eseguito in prima assoluta insieme agli altri contributi di Rudolf Buchbinder al Musikverein di Vienna nel marzo 2020 ed è disponibile nel CD Il progetto Diabelli (Deutsche Grammophon 00028948377077).

Toshio Hosokawa: Verlust/Loss, Diabelli-Variation per pianoforte, SJ 1211, € 7,50, Schott, Mainz

Non capita spesso di aspettare quaranta (40) anni per un libro. Ho conosciuto la biografia di Martin Staehelin del musicista zurighese Hans Georg Nägeli (1773-1836) nella primavera del 1983. Opus ultimum del rispettato musicologo svizzero, che ha passato la vita a studiare Nägeli e la sua cerchia zurighese. Si sapeva che Nägeli era un "padre cantante", compositore, editore, ammiratore di Bach, esteta della musica e corrispondeva con Beethoven, ma che Nägeli, uomo di idee, si cimentava anche in temi pedagogici, filosofici e teologici, scriveva poesie, teorizzava e interveniva in politica - ma non era il compositore di Gioire della vita era - questo è ciò che apprendiamo dallo studio completo di Staehelin.

Il testo si basa interamente su fonti scritte, provenienti principalmente dalle tenute di Nägeli a Zurigo e Winterthur, ma comprende anche una vasta quantità di scritti contemporanei e di letteratura secondaria remota. Il testo, di 640 pagine, è di facile lettura, dettagliato ma mai prolisso, e l'autore sa come guidare il lettore con sicurezza nel labirinto dei suoi pensieri di ampio respiro. I testi inediti di Hans Georg Nägeli sono disponibili in un volume digitale II, scaricabile gratuitamente.

Il fatto che questo doppio monumento di Nägeli abbia potuto essere pubblicato solo grazie all'esperto supporto di aiutanti a causa della malattia del suo autore è poco evidente nel libro. Tuttavia, sembra che Martin Staehelin e i suoi coautori rimpiangano di non aver potuto soddisfare personalmente le sue varie richieste di studi più dettagliati. È valsa la pena aspettare: il libro non è solo il lavoro di una vita, ma anche una pietra miliare della storiografia musicale svizzera.

Martin Staehelin: Hans Georg Nägeli (1773-1836). Approfondimenti sulla sua vita e la sua opera, Volume I, 789 p., Fr. 90.00, Schwabe, Basilea 2023, ISBN 978-3-7965-4746-1

Gli esperimenti fai-da-te di ispirazione anarchica, le sonorità fusion multiculturali e il rap d'atmosfera rappresentano oggi una sorta di ortodossia stilistica di Ginevra (vedi SMZ 11/2023, Il suono degli squat). Ma la città ha anche tutti i tipi di "outlier". A un'estremità dello spettro c'è la band di metal estremo Rorcal, la cui ricerca dell'"inesprimibile" li ha portati in una tempesta sonora nera come la pece. All'altro, troviamo i Quiet Island, un quartetto di quattro voci - una donna e tre uomini - e uno strumentario di chitarre pizzicate, violoncello, flauto e un tocco di synth. spingere/tirare è il suo terzo album.

In passato hanno vinto la categoria "Pop" alla Demotape Clinic del festival m4music. Tuttavia, la loro musica elegante e finemente cesellata è lontana dalla spuma pop di tutti i giorni. Leggere come una garza, le armonie vocali a quattro voci sono adagiate su ritmi alla Bossanova, lasciando ampio spazio ai riff non agitati o al delicato pizzicare di una chitarra discreta e jazzata. Curiosamente, la band ha il suo pezzo più bello, Lago ghiacciatosepolto proprio alla fine di questo incantevole album nebbioso. L'uso improvviso dei fiati è un vero e proprio momento di splendore.

Paragoni? Forse gli Swingle Singers, o i Fifth Dimension e Simon & Garfunkel. Tutto eseguito al rallentatore e trasmesso da un altro firmamento.

Quiet Island (Julien Dinkel, voce, batteria, chitarra; Julien Henchoz, voce, chitarra, pianoforte; Louise Meynard, voce, basso, violoncello; Laurent Zito, voce, chitarra, flauto traverso): push/pull. Red Brick Records