Niklaus Keller non teme il contatto. Il catalogo delle opere dell'insegnante di percussioni, che ha studiato composizione sotto la guida di Hans U. Lehmann a Zurigo e di Paul Glass al Conservatorio di Lugano, inizia nel 1994 con una Ländler-Fox per marimba, chitarra elettrica, batteria, vibrafono, melodica e basso elettrico. I suoi ultimi tre lavori, disponibili via Bandcamp, spaziano da canzoni corali ecclesiastico-misteriose a un'allegra e ruspante Sicerto per orchestra d'archi e persiflage country & western Caffè bianco.

Chrome Shuffle - un ciclo di undici pezzi per un nontetto con vibrafono, basso elettrico, chitarra elettrica, batteria, tromba/flicorno, sassofono tenore, trombone e due sintetizzatori/campionatori (uno dei quali azionato dallo stesso Keller) - è un altro "gioco" completamente diverso. L'idea alla base era quella di scrivere brani che non richiedessero grandi esigenze in termini di tecnica esecutiva, "per potersi dedicare alla musica in quanto tale il più rapidamente possibile senza che le difficoltà tecniche interferissero con l'esecuzione", spiega il compositore, che lavora a Bologna. Allo stesso tempo, però, ha anche annotato gli assoli, "perché gli assoli improvvisati di solito suonano standardizzati e standardizzabili".

I risultati - ogni pezzo è un racconto sonoro - sono incredibilmente difficili da descrivere. Vibrafono e corni caratterizzano l'atmosfera costantemente calda, i ritmi rocciosi e funky, le pause e gli hook ti trascinano, il melodismo ricorda a questo orecchio, per ragioni piuttosto inspiegabili, la musica di eccentrici britannici come Kevin Ayers, Lol Coxhill o Art Bears. Conclusione: musica per contrabbasso e triplo basso che ricorda molte cose, ma che rimane senza compromessi.

Niklaus Keller: Chrome Shuffle. Bandcamp

Il chitarrista, insegnante di musica ed editore austriaco Michael Langer ha arricchito la serie "Saitenwege" di Edition Dux con altri due libri di musica, questa volta con un totale di 88 pezzi per due chitarre. La struttura degli album corrisponde esattamente a quella delle edizioni L'ingresso molto semplice e La facile introduzione al mondo della chitarra classica Ogni volume presenta da cinque a undici brani più o meno rappresentativi degli stili rinascimentale, barocco, classico, romantico, multiculturale e pop. L'unica differenza, a parte la formazione in duo, è che i due volumi sono classificati come "facili" e "medi" anziché "molto facili" e "facili".

Michael Langer gestisce liberamente il materiale musicale, con un buon senso per una sensata via di mezzo tra fedeltà all'originale e interpretazione tecnicamente facile da realizzare. La maggior parte dei brani è stata arrangiata da lui stesso. Così non incontriamo solo brani tipici per chitarra, ma anche, ad esempio, estratti dall'opera di Vivaldi Quattro stagioni o di Mozart Flauto magico. Solo alcuni duetti - ad esempio quello di Maria Linnemann - compaiono nel testo musicale originale, e alcuni arrangiamenti erano originariamente pezzi solistici.

All'interno delle aree stilistiche, i brani tendono a essere disposti in livelli progressivi di difficoltà. Un'attenzione particolare, soprattutto nel secondo volume, è rivolta ai numeri latino-americani, dal semplice Bailecito al Libertango di Astor Piazzolla. Nella categoria pop, sono inclusi i successi dei Queen, di George Ezra e di Ed Sheeran. Felice di Pharrell Williams. Se non sapete come dovrebbe suonare con due chitarre classiche, potete scaricare tutte le registrazioni dell'editore con un codice di download o ascoltarle su Spotify.

Michael Langer: Saitenwege per due chitarre. Sei secoli di musica per duo di chitarre; Vol. 1, facile, D 918; Vol. 2, medio, D 919; € 29,80 cad.

Nel 1680, Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) scrisse sei suite come musica da tavola per suo fratello, il principe arcivescovo Maximilian Gandolf von Kuenburg a Salisburgo. Si tratta di brani volutamente non troppo difficili, dalle forme chiare e privi di "effetti spettacolo" virtuosistici, a differenza della maggior parte delle opere strumentali di Biber.

L'editore ha fornito le prime due partite con chiavi e segni di tempo moderni. Nella Partita I una Sonata Largo racchiude i movimenti di danza Allemanda, Courante, Sarabanda, Gavotte e Gigue. Nella Partita II un'Intrada apre tre balletti in tempo breve, separati da due sarabande tranquille. Poiché la prima viola non occupa mai la corda C, c'è una parte aggiuntiva di secondo violino, per cui queste suite potrebbero essere facilmente eseguite con un quartetto d'archi (o un'orchestra) e un continuo.

Heinrich Ignaz Franz Biber: Mensa Sonora, Partite I e II, per violino, 2 viole (2 violini, viola) e basso continuo, a cura di Markus Eberhardt, EW 1051, € 19,80, Walhall, Magdeburg

Emilie Mayer (1812-1883) fu una compositrice di successo nel suo tempo. Visse nel Meclemburgo e a Berlino. Le sue opere comprendono sinfonie, ouverture da concerto, un singspiel, pezzi corali a quattro parti, musica per pianoforte e da camera. Nonostante le esecuzioni in numerose metropoli europee nel XIX secolo, la maggior parte delle sue composizioni rimase inedita.

La pianista Katharina Sellheim si è imbattuta nei manoscritti inediti dei quattro trii per pianoforte e ne ha registrati tre su CD con il suo Hannover Piano Trio (L'anello mancante: Emilie MayerGenuin 22790). Ora, assistita dai membri del suo ensemble, è responsabile della pubblicazione presso Furore-Verlag Kassel.

I suoi sforzi sono ripagati: i trii per pianoforte di Emilie Mayer emanano freschezza e vitalità; la compositrice era una maestra del suo mestiere. Stilisticamente, questa musica si colloca tra Beethoven e Mendelssohn. Chiunque vada a caccia di tesori, suonando o ascoltando, lontano dai principali pilastri del repertorio e dai "grandi" maestri, farà una piacevole scoperta con il Trio per pianoforte e orchestra in mi bemolle maggiore. Anche le opere di compositrici donne del XIX secolo sono raramente presenti nei programmi dei concerti. A torto, come ci dimostra Emilie Mayer!

In termini di tecnica esecutiva, questo trio per pianoforte è accessibile anche a dilettanti esperti. È meno difficile delle opere di Beethoven e Schubert. Tutti gli strumenti, in particolare il violoncello, possono svilupparsi magnificamente.

Emilie Mayer: Trio per pianoforte in mi bemolle maggiore, per violino, violoncello e pianoforte, a cura di Katharina Sellheim, partitura e parti, fue 10346, € 69,00, Furore, Kassel

Müliradverlag ha pubblicato un altro interessante libro di spartiti per violino o altri strumenti melodici. Contiene musica da ballo popolare del primo terzo del XIX secolo e offre quindi una visione degli albori della musica da ballo in coppia; le raccolte conosciute finora sono quasi tutte di decenni successivi.

Il libretto contiene cento danze, la maggior parte delle quali in tre-quattro tempi. La scoperta della raccolta è dovuta alla curatrice Brigitte Bachmann-Geiser. Non si sa nulla del proprietario originario, Anton Hotz, ma la Bachmann, grazie alla sua immensa conoscenza delle fonti, è riuscita a localizzare le danze nella zona di Höfe/March, nel cantone di Svitto.

Il coeditore Christoph Greuter ha trascritto le danze e fornito indicazioni di accordi, molto utili per l'accompagnamento. Si vede che Greuter è un grande esperto in materia. Le danze sono scritte in modo orientato alla pratica, senza ornamenti e senza prime e seconde finali nelle ripetizioni. All'epoca si lasciava al gusto degli esecutori il compito di rendere i brani accattivanti. Le note erano solo un modello o un promemoria per l'esecuzione individuale.

I brani sono interessanti da suonare perché il linguaggio tonale delle prime danze differisce in modo significativo da quello dei primi anni del XX secolo. In alcuni casi sono ancora presenti influenze modali, che in seguito lasciano il posto all'armonia cadenzale. Tuttavia, il libretto offre anche spunti storicamente interessanti: Metà delle danze sono ancora in due parti, l'altra metà è già in tre parti. In alcune danze compare il termine "Ländler", che è quindi la prima testimonianza dell'uso di questo termine in Svizzera; altre sono etichettate come "Walz" o "Walzer", alcune anche come "Langus". Le poche danze a due quarti sono etichettate come "Allemander" o "Allimand"; "Polka", "Galopp" o "Schottisch", invece, non compaiono ancora.

Il libretto, integrato da informazioni sull'origine e sull'edizione, non è quindi solo un piacere da suonare, ma anche una ricca fonte per lo sviluppo della musica da ballo in Svizzera.

Antiche danze per violino di Svitto - Il libro di danze di Anton Hotz, Höfe/marzo 1830 circa, a cura di Christoph Greuter e Brigitte Bachmann-Geiser, Mülirad n. 1069, Fr. 38.00, Mülirad, Altdorf

Un'altra preziosa pubblicazione della serie "Tastenforscher" è stata pubblicata da Holzschuhverlag. Come répétiteur e direttore d'orchestra, Guido Klaus conosce l'importanza della lettura a vista. Come pedagogo, sostiene l'inclusione della lettura a vista fin dall'inizio, al fine di sostenere l'esecuzione a orecchio e l'apprendimento per imitazione. In questo modo, persegue l'obiettivo di guidare gli allievi verso un'indipendenza musicale che spesso manca.

Il libretto è strutturato in modo chiaro e sapiente in termini di progressione. Mi piace il fatto che Klaus dia prima un'ampia panoramica delle note e delle chiavi e poi, con le note C e G, permetta di esplorare l'intera tastiera con esercizi di lettura senza una pulsazione fissa. Il riconoscimento di piccoli gruppi di note in combinazione con la lettura fluida e anticipata della nota iniziale successiva ha lo scopo di promuovere la lettura riassuntiva come abilità di base. Inoltre, ci sono sezioni di puro allenamento ritmico prima che l'intonazione e il ritmo vengano combinati in piccole melodie monofoniche e poi a due parti.

Un'altra abilità fondamentale per una lettura fluente è il riconoscimento e la comprensione dei singoli intervalli e delle triadi. Esistono numerosi esempi di esercizi e puzzle musicali. Dopo l'introduzione teorica delle accidentali, queste devono essere inserite nelle scale a orecchio. L'importanza dell'ascolto attivo per la lettura a vista non sarà mai abbastanza sottolineata.

Questo libretto si rivolge probabilmente più ai bambini e ai ragazzi più grandi ed è ideale anche come apertura delle lezioni, come ritmica o per le "settimane pigre" quando non è stato possibile esercitarsi a sufficienza.

Guido Klaus: Ricercatore di tastiere, formazione alla lettura a vista fin dall'inizio, VHR 3418, € 14,80. Holzschuh, Manching

Non c'è quasi nessun'altra musica che sia così difficile da trasformare in musica. Le suites per violoncello di Johann Sebastian Bach sono una sfida - e molti hanno già fallito. Molte registrazioni delle suite suonano fragili, senza archi, scandite da una nota all'altra. Bernhard Maurer aumenta il rischio registrando tutte e sei le suite dal vivo. Non in studio, ma nelle chiese medievali intorno a Thun. "Ogni volta che ho avuto l'opportunità di suonare una suite di Bach in una chiesa romanica, mi è sembrato che questo fosse lo spazio ideale per questa musica, anche se la musica è stata composta mezzo millennio dopo la costruzione", spiega Maurer. Così non sono stati creati documenti sonori, ma sei filmati nelle sale chiare e scure della chiesa, che possono essere visualizzati sul sito web bachsuiten.ch è accessibile come link di YouTube.

C'è la registrazione della sesta suite per violoncello nella chiesa di Blumenstein. Davanti a un pubblico vuoto, Maurer suona un violoncello ottavino a cinque corde, costruito nel 2012 da Stephan Schürch su modello di Nicolò Amati. Lo strumento di provenienza barocca non ha un suono addomesticato come il violoncello moderno, ma è più brillante e forse anche più onesto. Maurer non solo suona con una sicurezza sonnambolica, ma anche con un timbro chiaro e basso-vibrato e un pronunciato senso del colore tonale e della dinamica. L'ambiente intimo, la solitudine della chiesa, enfatizza il carattere privato delle suite. Diverse angolazioni mostrano la diteggiatura virtuosa della mano sinistra, l'arco in primo piano, le finestre colorate della chiesa o l'inquadratura lunga con Maurer al centro della chiesa. Questa concentrazione bachiana sull'essenziale avrebbe fatto bene al film; a volte i cambi di prospettiva sembrano inutilmente frenetici e tolgono tranquillità alla musica.

La terza suite, catturata su pellicola nella spoglia chiesa del castello di Spiez, ha un suono più cupo e familiare. Qui Bernhard Maurer suona un violoncello barocco più comune della scuola di Giovanni Battista Maggini. Ancora una volta, si percepisce che Maurer ha studiato le suite per decenni. Non ci sono incertezze di intonazione, i tempi sembrano naturali, non c'è la gigue, che altri a volte trasformano in un superficiale pezzo virtuoso.

Quindi: vale la pena visitare il sito web, che oltre ai link offre anche buone informazioni di base. Naturalmente, le solite interruzioni pubblicitarie su YouTube sono terribili: forse si potrebbe fare qualcosa al riguardo e collegare i film direttamente al sito? Queste opere così delicate, in particolare, non hanno davvero bisogno di pubblicità urlata.

bachsuiten.ch

Goethe - per quanto l'autorità musicale gli sia qui concessa - fu commosso dal suo modo di suonare, ma anche dal suo carisma, e le scrisse una poesia che si conclude con le parole: "Si sentiva - oh se durasse per sempre! - la doppia felicità del suono e dell'amore". Fu profondamente colpito dall'incontro con la pianista polacca Maria Szymanowska: "Il talento ti schiaccerebbe se la sua grazia non lo rendesse perdonabile". [Questo avvenne a Marienbad nel 1823, e naturalmente oggi si sentono tutte le sfumature della concezione di genere dell'epoca in queste affermazioni. Un'artista che si muoveva così liberamente nel mondo era sorprendente (la si potrebbe al massimo accostare a Hélène de Montgéroult), e questo portò a descrizioni come "Vulcano femmina" e "Regina dei toni".

La musicologa polacca Danuta Gwizdalanka, che ha pubblicato una biografia di Witold Lutosławski insieme al marito, il compositore Krzysztof Meyer, è una profonda conoscitrice della musica polacca e nel suo ritratto si avvicina alla Szymanowska con ammirazione, ma anche con cautela e calma. Presenta le sue opere con occhio critico e sottolinea i dettagli. Tuttavia, il risultato non è né un libro musicologico né una biografia sentimentale. La Szymanowska viene descritta come una "donna affascinante, illuminata e pragmatica". Morì troppo presto, all'età di 41 anni, a causa del colera, di un ictus o della stanchezza, forse di tutte queste cose.

Gwizdalanka racconta questa biografia attraverso le testimonianze e i dettagli di una vita riccamente vissuta. La Szymanowska, separatasi dal marito in giovane età, era indipendente e autonoma, viaggiò molto e fu celebrata in tutta Europa. Il modo in cui se la cavò durante i viaggi, ma anche come affrontò la vita di tutti i giorni, spesso accompagnata da fratelli e figli, offre una visione profonda del suo stile di vita. Il libro colma una grave lacuna nella ricezione delle compositrici donne, che certamente esisteva all'epoca, ma che purtroppo non è durata.

Danuta Gwizdalanka: il "Vulcano femmina". La pianista e compositrice Maria Szymanowska, traduzione dal polacco di Peter Oliver Loew, 176 p., € 19,80, Harrassowitz, Wiesbaden 2023, ISBN 978-3-447-11913-9

Chiunque pensi per la prima volta alla musica da camera ceca per strumenti ad arco non dovrebbe trascurare il fatto che una delle sonate per flauto più frequentemente eseguite è di un compositore ceco. Insieme alle sonate di Poulenc e Prokofiev, la sonata di Bohuslav Martinů, scritta nel 1945 durante l'esilio in America, è uno dei brani più popolari del repertorio. La lunga catena di incisioni è stata ora ampliata da una produzione svizzera che fa alzare il livello di attenzione. Con la flautista solista zurighese dell'Orchestre de la Suisse Romande, Sarah Rumer, e il pianista Ulrich Koella, che insegna all'Università delle Arti di Zurigo, l'etichetta zurighese Prospero pubblica una nuova registrazione dal titolo Viaggio in slavo CD, che offre non solo opere standard ma anche curiosità poco conosciute.

Il capolavoro di Martinů riceve già un'interpretazione ammirevole. Oltre agli ampi archi di respiro in agili passaggi di semicrome, spiccano le transizioni in pianissimo dalle sezioni verticali a quelle orizzontali-lineari, eseguite con il più fine rubato. Il flautista e il pianista non devono nulla in termini di brillantezza ai movimenti musicali angolari della sonata di Jindřich Feld. Nella sonata di Feld Quatre pièces per flauto solo cita l'"Hommage à Bartók" dal suo Concerto per orchestra. Il duo carica la frequente sonata di Erwin Schulhoff con la necessaria gioia di suonare i numerosi ostinati e attriti armonici.

Grazie al matrimonio con lo scrittore Jiří Mucha, figlio del pittore Art Nouveau Alfons Mucha, la compositrice londinese Geraldine Thomson divenne cittadina ceca e fu quindi inclusa in questa produzione. Il suo Naše cesta (Il nostro viaggio) è caratterizzato da eleganza e melodie simili a quelle di una canzone popolare. Il libretto, dal design fantasioso, presenta diverse foto della stazione ferroviaria principale di Praga per riflettere il tema del viaggio.

Il sestetto di fiati Mládí (giovani) integrato, stridente che ripete La marcia dei bluethroat di Leoš Janáček per ottavino e pianoforte deriva il suo titolo presumibilmente ornitologico dalle uniformi blu dei coristi. Con la curiosa trascrizione di Sarah Rumer del Fantasia slava di Fritz Kreisler è una trascrizione di una trascrizione, quest'ultima consiste nell'arrangiamento di Kreisler di due temi di Dvořák.

Viaggio slavo (Martinů, Feld, Schulhoff, Mucha, Janáček, Dvořák/Kreisler). Sarah Rumer, flauto; Ulrich Koella, pianoforte. Prospero PROSP0049

Fritz Stüssi (1874-1923), come molti compositori svizzeri di questa generazione, sarebbe stato a lungo dimenticato se non fosse stato per l'entusiasmo e la dedizione del nipote Ulrich Stüssi. Stüssi era "zurighese" e frequentò la scuola di musica di Zurigo; Lothar Kempter e Fritz Hegar furono i suoi insegnanti. In seguito fu raggiunto a Berlino da Max Bruch. Dalla sua casa di Wädenswil, Stüssi dominò a lungo il panorama musicale del lago di Zurigo.

Ha lasciato un'ampia opera fortemente radicata nella tradizione romantica. Si è concentrato soprattutto su opere sacre come cantate e mottetti. Gli spartiti sono conservati presso la Zentralbibliothek Zürich.

La sua opera più importante è l'oratorio, presentato per la prima volta a Wädenswil nel 1914 e della durata di circa trenta minuti. Decadenza e resurrezione, che è ora disponibile presso Claves insieme al libro Salmo 28 e altri brevi pezzi. Stüssi non era un drammaturgo, ma piuttosto un compositore fortemente radicato nella religiosità protestante che si confrontava coraggiosamente con i suoi modelli di riferimento. Inizia il suo oratorio con "Tutta la carne è come l'erba", che Brahms scrisse nella Requiem tedesco in uno dei movimenti più toccanti. Nell'opera di Stüssi, è il basso che inizia con un commovente recitativo dopo alcune battute di introduzione orchestrale. Il modello di Mendelssohn con il Elias è inconfondibile, lo stile incalzante ricorda fortemente anche quello di Wagner. Parsifal. Tuttavia, Stüssi è in grado di costruire un inizio promettente solo in frammenti.

Per lunghi tratti, i solisti dominano l'azione recitativa, che a volte sembra un po' uniforme, anche se le voci più basse in particolare sono formidabili con Ingeborg Danz (contralto) e Krešimir Stražanac (basso). Magnifico anche il modo in cui la Zürcher Sing-Akademie diretta da Florian Helgath celebra i passaggi corali con un'eccezionale cultura vocale.

È un peccato che il CD sia integrato da altri brevi brani corali di stile simile, il che rende l'ascolto un po' stancante. Stüssi ha certamente altre cose da offrire, come la suite in do minore, che il Quartetto Avalon ha già eseguito.

Rosso. Il cortometraggio documentario offre una visione della sua vita e del suo lavoro Fritz Stüssi - Dove si va di Esther Kempf e Julia Ann Stüssi, da vedere su YouTube. Oltre 30 delle 134 opere sono state digitalizzate e sono disponibili presso l'editore musicale Musica Mundana.

Fritz Stüssi: un romantico svizzero. Zürcher Sing-Akademie, Zürcher Kammerphilharmonie, direttore Florian Helgath. Claves 50-3085

Cancellazione su iniziativa di Verena (Mail 12.1.24)

Sebbene Albin Brun (*1959) e Kristina Brunner (*1993) provengano da generazioni diverse, sono impegnati in una visione comune: Sia il lucernese che la cantante bernese sono desiderosi di sviluppare costantemente la musica popolare svizzera. Mentre Brun, che ha vinto il Premio svizzero di musica 2017, è considerato una delle figure chiave tra il jazz e la musica popolare contemporanea, Brunner si è fatta conoscere grazie ai suoi virtuosismi al violoncello e allo Schwyzerörgeli.

Dopo essersi conosciuti alla Scuola di Musica di Lucerna, i due hanno iniziato a lavorare insieme nel 2017. Il duo prova settimanalmente, sviluppando una densa poesia sonora ed elaborando una musica da camera splendidamente sofisticata. Il loro debutto è previsto per il 2020, MidnangBrun e Brunner sono ora Entroterra seguire. Un album composto da 13 composizioni originali che, oltre a una strumentazione ridotta, offre anche escursioni atmosferiche e melodie sempre diverse.

Anche se l'apertura si presenta Fex inizialmente vivace, ma il brano si trasforma presto in motivi più contemplativi, che sembrano essere guidati in particolare da un desiderio senza nome. In canzoni come Shovidar! o Aube diventa chiaro che la nostalgia e la nostalgia di casa sono in agguato dietro l'angolo. Il risultato è uno stato d'animo che va dal malinconico al sognante e che è toccante per tutto il tempo.

Brun e Brunner si divertono a utilizzare combinazioni variabili di strumenti: A volte violoncello e organo suonano l'uno intorno all'altro, altre volte due organi si adescano a vicenda. Il risultato è convincente. Schratteflue per esempio, attinge alla malinconia e testimonia la vicinanza alpina, mentre la W., il pesce si dimostra correlato alla chanson. Con Entroterra Brun e Brunner hanno realizzato un album così giocoso, profondo e meraviglioso che vi verrà voglia di riascoltarlo.

Albin Brun & Kristina Brunner: Innerland. Autoprodotto, www.albinbrun.ch

Il 1° gennaio 2024 la direzione di G.-Henle-Verlag è cambiata: Wolf-Dieter Seiffert è andato in pensione dopo oltre trent'anni di attività presso la casa editrice, inizialmente come redattore e dal 2000 come direttore generale della casa editrice. Il consiglio di amministrazione della Fondazione Günter Henle ha nominato come suo successore Norbert Gertsch, il precedente vice direttore editoriale.

Norbert Gertsch, nato nel 1967, ha studiato pianoforte da concerto al Mozarteum di Salisburgo e, come borsista della Fondazione accademica nazionale tedesca, musicologia e filosofia presso le università di Salisburgo e Heidelberg. Nel 1996 è stato insignito di un dottorato di ricerca sull'opera di Ludwig van Beethoven. Missa solemnis dottorato.

L'anno successivo, Gertsch è entrato a far parte della casa editrice G. Henle, diventando capo redattore nel 2003 e vice direttore editoriale e direttore dei programmi nel 2009. Gertsch ha pubblicato numerose edizioni Urtext, tra cui una nuova edizione delle sonate per pianoforte di Beethoven con Murray Perahia. È inoltre coeditore del catalogo ragionato di Beethoven pubblicato nel 2014 ed è il principale responsabile dello sviluppo dell'applicazione Henle Library.

La casa editrice G. Henle, fondata nel 1948, è leader nel mercato mondiale delle edizioni di spartiti Urtext. Pubblica anche edizioni complete di opere di Bartók, Beethoven, Brahms e Haydn. Nella sede centrale della casa editrice, a Monaco, lavorano circa 30 dipendenti.

Esattamente 40 anni fa moriva, all'età di 35 anni, il suonatore di corno obvaldese, organista, compositore, insegnante e mediatore Francesco Raselli, che aveva le sue radici nel villaggio poschiavino di Le Prese. La sua fama risuona ancora oggi. Così, su iniziativa dei tre curatori e coautori Josef Gnos, Niccolò Raselli e Peter Bucher, compagni, amici, esperti e persone nate dopo di lui hanno approfondito la vita e l'opera di Raselli e hanno frugato nei loro ricordi. Il risultato è un libro che illumina tutti gli aspetti di questo eccezionale artista e dei suoi impegni orchestrali (Società Generale di Musica di Lucerna, Orchestra del Festival Internazionale di Musica di Lucerna, Orchestra Sinfonica della Radio di Stoccarda, Orchestra Sinfonica della Radio di Basilea).

Raselli non mancò di lasciare il segno nella musica per ottoni e nella musica popolare, ad esempio come caposezione e solista nella Feldmusik Sarnen, una delle più potenti orchestre di ottoni della Svizzera centrale. Come insegnante, ha insegnato alla Scuola di Musica di Sarnen e presto anche come insegnante di materie principali al Conservatorio di Lucerna, ma è sempre rimasto legato al cantone di Obvaldo. Il suo allievo Walter Dillier lo cita con il bon mot: "Solo il primo suonatore di corno è autorizzato a suonare, non il secondo". Oltre allo stesso Raselli, il libro presenta anche le personalità musicali Mario Venzago, Thüring Bräm, Lukas Christinat, Jakob Hefti e Wolfgang Sieber, tra i tanti.

Raselli compose circa quaranta opere in quindici anni, di cui circa un terzo per la leggendaria strumentazione Nyynermuisig da lui inventata. Nella sua analisi esaustiva e meticolosa, Roman Brotbeck affronta in dettaglio la concezione dodecafonica della Settetto del 1974, il quintetto di ottoni del 1982, la versione non datata del Solo per clarinetto A e infine con l'eredità di Raselli, la Diario Il libro è completato da testi specialistici, facsimili di spartiti, caricature e ricette di Raselli, numerose foto della sua vita e del suo lavoro, nonché acquerelli e disegni di Josef Gnos e di sua figlia Anna Raselli.

Francesco Raselli 1948-1983, a cura di Josef Gnos, Niccolò Raselli e Peter Bucher, 208 p., Fr. 40.00, autoprodotto dagli editori, 2023, ISBN 978-3-033-10003-9, fonte di approvvigionamento: Vreny Guardiano, Lindenstrasse 14, 6060 Sarnen, vreny.guardiano@bluewin.ch

Forse l'autrice Anna Reichert ha preso a cuore le parole di Manfred Spitzer: "Un buon insegnante racconta storie... Siamo guidati da storie, non da fatti". Basato su ciascuna tonalità della scala fondamentale, questo libretto sviluppa "esercizi per le dita" che stimolano i movimenti pianistici di base. La tonalità C, ad esempio, è modellata su Coco, lo scimpanzé di buon umore che ama dondolare da un albero all'altro. Coco oscilla da un ramo all'altro utilizzando gruppi legati di due note, affrontando temi come il peso e il rilassamento e il leggero ritiro della mano dopo la seconda nota.

In un testo di accompagnamento, l'autrice spiega gli obiettivi tecnici di ogni esercizio e indica ulteriori idee per suonare. Nella prefazione, l'autrice incoraggia i bambini a essere fantasiosi con gli esempi e a trovare le proprie variazioni insieme ai bambini: esplorare suoni diversi con la trasposizione, includere i tasti neri, rompere il più spesso possibile la rigida posizione a cinque dita, muoversi liberamente su tutta la tastiera e variare le distanze tra le dita. Tutto ciò ha lo scopo di arricchire il processo di apprendimento a vari livelli. Per questo motivo, la struttura di base dei singoli esercizi è stata semplificata come guida per genitori e insegnanti.

Mi piace la semplicità e allo stesso tempo la versatilità del sistema, che è in grado di stimolare l'immaginazione sia degli studenti che degli insegnanti.

Anna Reichert: Suona con noi! Esercizi per le dita con storie di animali per principianti al pianoforte, VHR 3518, € 11,80, Holzschuh, Manching

"Silenziose le mie canzoni implorano / Attraverso la notte a te...". - l'ambientazione dell'opera di Ludwig Rellstab Serenata di Franz Schubert nella raccolta di canzoni pubblicata postuma Il canto del cigno ha ispirato molti altri compositori ed editori a realizzare arrangiamenti strumentali. Anche la versione per due chitarre, presentata ora dal chitarrista di Winterthur Jury Clormann, è musicalmente ricca e facile da suonare sulle dodici corde.

Il brano faceva parte del repertorio di Clormann e della sua compagna di duo Elisabeth Trechslin e può essere ascoltato su Youtube be. Clormann ha abilmente basato il suo arrangiamento non solo sull'originale di Schubert, ma anche sulla versione per pianoforte di Franz Liszt e sulla versione per chitarra sola di Johann Kaspar Mertz. Adottò i motivi fugati di piccole terzine di Liszt, ma prese in prestito da Mertz la sezione finale con i suoi vari arpeggi. Ciò che Mertz aveva omesso dal materiale musicale di Schubert, Clormann lo aggiunse. Tutto questo al servizio dell'intimità romantica della musica di Schubert e della lirica di Rellstab: "Lascia che anche il tuo petto si muova, (...) Vieni, rendimi felice!".

L'edizione degli spartiti contiene anche gli arrangiamenti di tre brevi brani per pianoforte: Minuetto e Trio, a Valzer (il primo di 36 danze originali dall'op. 9 e da D. 365) e una Danza tedesca e Ecossaise - tutti esemplari editi, con partitura e parti singole, ma senza diteggiature.

Franz Schubert: Serenata, Minuetto, Valzer, Danza tedesca ed Ecossaise, a cura di Jury Clormann, prima edizione, BP 2883, Fr. 19.50, Amadeus, Winterthur