Troppo raramente le partiture dei film vengono stampate. Eppure tali partiture sono estremamente utili per studiare i dettagli della composizione, che spesso è acusticamente relegata in secondo piano, al di là delle "suite" liberamente compilate. Ciò è particolarmente gratificante quando la musica si rivela suggestiva e indipendente. Ad esempio, le musiche composte da Bernard Herrmann (1911-1975) per il geniale thriller di Alfred Hitchcock, condite da una sottile ironia. A nord di nord-ovest (1959).

Le prime battute sono già formative: un ritmo di fandango nei timpani (leggibile come 6/8 in tempo doppio), cui risponde una nota sincopata alternata negli archi bassi (in tempo doppio come 3/4). L'ouverture descrive la pulsazione della grande città, successivamente la corsa sfrenata su una strada costiera. Ritmi, temi, intrecci armonici e timbri percorrono l'intero film come leitmotiv - e quindi unificano la sequenza quasi ininterrotta di scene drammatiche, la cui causa scatenante è apparentemente datata al 24 novembre 1958 nel film dall'inserimento di un numero di La stella della sera del giorno successivo (per inciso, anche se graficamente alterato, con un titolo autentico). La leggendaria scena del campo di grano è completamente priva di musica (e per un tratto mozzafiato anche di parlato).

La partitura stampata comprende anche tutti quei numeri che nel film sono stati (per buone ragioni) omessi o accorciati. Un'analisi descrittiva in venti pagine rende la partitura comprensibile anche ai cinefili. Sarebbe auspicabile una continuazione con altre leggendarie partiture di Herrmann, ad esempio di Vertigine o Psico.

Bernard Herrmann: North by Northwest (1959), partitura, Omni 50791, XX+211 p., € 79,00, Omni Music Publishing/Schott, Los Angeles/Mainz 2022, ISBN 978-1-73450-791-1

La conoscenza della musica è il lavoro di una vita. Chi conosce bene tutte le epoche, chi conosce l'opera di un compositore nella sua interezza, chi conosce i confini dei generi e può fornire informazioni simili su Duke Ellington, Def Leppard o Johann Sebastian Bach? Alla luce della diversità, è bene iniziare dalle basi, da quei fondamenti che Il libro di teoria pratica per le lezioni di musica pubblicato per la prima volta nel 1997 dall'insegnante di musica Emil Wallimann, ora in pensione, e dal bandleader e music coach Peter Wespi.

Piattaforma di apprendimento

Dal 2015, entrambi gli esperti promuovono una piattaforma di e-learning a corredo del libro, disponibile all'indirizzo www.musikwissen.ch. Il pubblico a cui si rivolge il libro è costituito - secondo quanto si legge nel libro stesso - da "studenti delle scuole elementari, ma anche da futuri direttori d'orchestra o insegnanti di musica". Chiunque studi gli esercizi troverà altri "clienti": oltre ai candidati a un'accademia musicale o ai dilettanti o ai pensionati interessati, ci sono anche redattori musicali di lunga data o giornalisti musicali che potrebbero voler rispolverare le loro conoscenze teoriche. Ebbene, cos'era quella storia della confusione enarmonica? Dov'erano i passi di semitono nel modo Mixolydian? Oppure: che suono ha la scala bebop in chiave minore?

Si vede che i due educatori di lunga data hanno esperienza nell'insegnamento. E fanno un uso fantasioso delle diverse possibilità digitali-interattive: Il sito web e le rispettive pagine sono di una chiarezza rinfrescante e senza fronzoli. Ci sono esempi audio (consigliamo in particolare l'allenamento dell'orecchio sotto il titolo "Eartraining"), ci sono semplici domande a scelta multipla e ci sono anche testi continui da completare. Una volta completata un'unità di apprendimento, si passa all'esercizio successivo. I progressi sono rapidi e motivanti; una rapida occhiata al libro o i link a brevi video informativi vi aiuteranno se vi bloccate.

Approfondimenti sulla storia della musica

La piattaforma è suddivisa in quattro livelli di difficoltà. Una volta completato tutto con un segno di spunta verde, si è già raggiunta una base molto solida negli aspetti della notazione musicale, del ritmo, dello strumento, della teoria dei generi e delle forme e dell'armonia. Gli esempi illustrativi forniscono al discente molti spunti di storia della musica en passant, che possono ovviamente essere approfonditi. Si accenna brevemente alla musica extraeuropea e ai secoli XX e XXI, in cui i compositori hanno consapevolmente abbandonato le conoscenze musicali tradizionali e gli elementi tradizionali come il circolo delle quinte, il rondò o la forma sonata.

In un'epoca di palese perdita di educazione musicale, questa piattaforma di apprendimento, perseguita e costantemente aggiornata, rimane un'iniziativa estremamente utile!

musik-wissen - facile da imparare. Offerte e condizioni per utenti singoli, scuole, istituzioni e organizzazioni con libro di lavoro stampato, eBook multimediale o e-learning a: musikwissen.ch/offerta

Molti violinisti conoscono e amano l'opera di Telemann 12 fantasie La continuazione, TWV 40:26-37, è nota solo ai suonatori di viola da gamba, oggi una minoranza. La viola da gamba stava già passando di moda all'epoca di Telemann, che per questo motivo nel 1735 aggiunse alle sue 12 fantasie per violino una grande quantità di sofisticazioni per attirare gli acquirenti: accordi spezzati e passaggi, scrittura monofonica e polifonica sia in stile fugale che galante.

Viacheslav Dinerchtein ha adattato le Fantasie per viola per Amadeus-Verlag già nel 2019. Nel 2022 è seguito un arrangiamento del compositore inglese Brian A. Schiele. Ognuna di queste opere vivaci è composta da due o tre movimenti, e tutte le fantasie dispari contengono un fugato pieno di sorprese. Alcuni movimenti ricordano danze come Allemande, Gavotte, Courante, Bourrée, anche se non sono mai etichettati come tali. Altri sono contemplativi e polifonici o gioiosamente virtuosistici. Ogni tonalità che si trova bene ricorre una volta: Otto sono nel circolo delle quinte in maggiore, da Mi bemolle a Mi, quattro in minore, da Do a Mi. Poiché la viola da gamba ha sei corde accordate in quarta ottava e una gamma più ampia nel registro inferiore, è necessario accettare le ottave sulla viola e spezzare o assottigliare gli accordi. Schiele lo ha fatto abilmente, ma nella prefazione raccomanda di consultare il facsimile (l'edizione stampata in Edition Güntersberg/Walhall G281 o online).

Georg Philipp Telemann: Fantaisies pour la Basse de Violle TWV 40:26-37, 12 fantasie arrangiate per viola da Brian A. Schiele, EW 1150, € 18,50, Edition Walhall Magdeburg

La Pentecoste, il cinquantesimo giorno dopo la Pasqua, ha sempre affascinato e ispirato molti compositori con il miracolo delle lingue e l'invio dello Spirito Santo. Con Musica per lo spirito è il primo libro corale su questo tema pubblicato dal compositore, direttore d'orchestra e musicista ecclesiastico tedesco-inglese Stephen Harrap con Breitkopf und Härtel.

La collezione per coro misto a cappella o con accompagnamento d'organo è un vero tesoro e contiene oltre 500 anni di musica corale di importanti compositori europei. Una certa attenzione al repertorio è rivolta alla musica corale inglese. È stata inoltre prestata attenzione alle diverse durate, ai livelli di difficoltà e alla strumentazione (da 3 a 8 voci) dei brani. Altamente raccomandato!

Musica per lo spirito. Chorbuch zu Pfingsten & anderen Anlässen, a cura di Stephen Harrap, ChB 5384, € 26,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

È generalmente noto che Vladimir Horowitz, il leggendario pianista, interpretava spesso il testo musicale in modo molto personale e non lesinava interventi. Nell'opera di Mussorgsky Immagini di una mostra Il movimento del pianoforte corrispondeva alla sua concezione più orchestrale del suono. La Seconda Sonata per pianoforte di Rachmaninov o la Valzer di Mefisto che suonava nelle sue versioni private. Per non parlare delle numerose trascrizioni per pianoforte, che testimoniano anch'esse il suo temperamento creativo e hanno costituito parte della sua fama.

Tuttavia, anche i fan più accaniti potrebbero rimanere sorpresi nell'apprendere che Horowitz, a quanto pare, da adolescente era anche un ambizioso compositore e scrisse un'intera serie di opere originali per pianoforte. Tuttavia, quando la Rivoluzione russa raggiunse Kiev e la sua famiglia ne soffrì molto, dovette rinunciare a questo sogno. Cercò quindi di intraprendere la carriera di pianista per poter almeno sostenere economicamente la sua famiglia. "Se la rivoluzione non si fosse accanita sulla sua famiglia e non lo avesse costretto a dare concerti, probabilmente il mondo avrebbe conosciuto un Horowitz diverso", ha detto la sua ex compagna di classe Vera Resnikov.

Quando in seguito Horowitz veniva interrogato sulle sue composizioni in Occidente, rispondeva sempre che i manoscritti erano rimasti in un luogo segreto in Russia. Solo nel 1986, quando finalmente poté tornare in patria, ricevette gli spartiti. Schott Music si è ora prefissata il compito di pubblicare queste opere finora sconosciute come parte della Horowitz Edition.

Di seguito è riportato Frammento douloureux op. 14, probabilmente l'ultima composizione scritta a Kiev. Il brano è composto da sole 73 battute e inizia "lento, lugubre, misterioso" come una sorta di marcia funebre in tempo 3/4. I motivi sospirati e gli arpeggi che seguono ricordano fortemente Rachmaninov, mentre i numerosi trilli a partire dalla battuta 27 ricordano maggiormente la scrittura di Scriabin. Con un costante aumento del tempo e della dinamica, il brano raggiunge il suo culmine alle battute 47/48 e da quel momento in poi ritorna gradualmente all'atmosfera dell'inizio "poco a poco a tempo lento". (Presumibilmente qui va aggiunto anche un diminuendo).

Nella sua brevità, questo Frammento douloureux una sorta di dramma in miniatura. La scrittura pianistica è piuttosto impegnativa e può essere padroneggiata solo da mani grandi. Le possibilità dello strumento sono sfruttate con grande abilità. Horowitz ha dedicato l'opera al suo insegnante di pianoforte Felix Blumenfeld, a sua volta grande pianista e compositore.

Vladimir Horowitz: Fragment douloureux pour piano, The Horowitz Edition, ED 23085, € 12,00, Schott, Mainz

Da oltre dieci anni, il nome di Sarah Chaksad è sinonimo di jazz ricco di motivi concisi, suoni sommessi e ritmi complessi. Fino alla pandemia di coronavirus, la sassofonista, compositrice e bandleader era principalmente in viaggio con la sua "Orchestra", con la quale ha anche pubblicato due album. Per il suo ultimo lavoro, InsiemeOra ha ridotto il suo ensemble a 13 musicisti invece di ampliarlo. Secondo la quarantenne, la formazione attuale è quindi più flessibile e gode di maggiore spazio per l'improvvisazione.

Strumenti rari, metri dispari

In un'intervista rilasciata all'autrice di queste righe nel 2022, Chaksad ha spiegato che il suo obiettivo è continuare a svilupparsi e che la musica le serve come luogo di forza. Entrambe le cose si riflettono nei suoi dieci nuovi brani. La maggior parte delle composizioni è stata innescata dalla morte del padre, originario dell'Iran. Questo l'ha portata ad approfondire la musica tradizionale persiana. Di conseguenza, ha ampliato il suo suono dinamico con strumenti come l'eufonio, il trombone a valvole e il violino persiano, poco conosciuti nel jazz.

Inoltre, quasi tutti i brani di Insieme si basano su metri dispari. Mentre il gioco Immaginare la pace La traccia che dà il titolo all'album presenta un tempo di 13/8, mentre l'atmosferica title track utilizza un tempo di 5/8 ed è particolarmente affascinante grazie all'assolo soul di Misagh Joolaee sul kamanche, un violino a punta. Numeri come l'elegiaco Lettere d'amore o l'impertinente Persoche si ispira alla vita da genitore a Berlino, sono fantasiosi, ispirati e ti rimangono impressi.

In definitiva, l'album si caratterizza per la profondità della messa a fuoco, i diversi colori sonori e gli accurati contributi solistici. Sarah Chaksad desidera Insieme La musica del gruppo è ricca di curiosità e passa da un genere all'altro, il che è facile da capire.

Sarah Chaksad Grande ensemble: Insieme. Batti le mani CYH

Formazione: Yumi Ito (voce), Hildegunn Øiseth (tp, corno di capra), Paco Andreo (vtb), Lukas Wyss (tb), Sophia Nidecker (tuba), Catherine Delaunay (corno di bassetto), Christoph Bösch (flauto), Fabian Willmann (ts), Julia Hülsmann (p), Fabio Gouvea (g), Dominique Girod (b), Eva Klesse (dr), Misagh Joolaee (kamancheh), Sarah Chaksad (ss, as, comp)

La Svizzera ha molto da offrire nel campo della musica corale grazie alle sue diverse lingue nazionali e alle aree culturali associate. La federazione svizzera Europa Cantat ha colto l'occasione per pubblicare un libro corale compatto con Carus-Verlag, che mira a riflettere questa diversità e a farla conoscere meglio a livello internazionale. Un'impresa impegnativa.

Il risultato è un'interessante raccolta di 28 brani di varia lunghezza e difficoltà per coro misto a cappella in tutte le lingue nazionali, oltre che in inglese e latino. Sono presenti brani di canzoni popolari, opere di compositori noti e meno noti della scena corale svizzera, brevi pezzi delle "star" Heinz Holliger e Beat Furrer e le ultime composizioni della generazione più giovane, tra cui quattro compositrici.

Oltre a opere veramente originali e raccomandabili, il suono morbido, ormai diffuso e orientato alle vendite, con gli stessi vecchi accordi coccolosi, trova spazio anche nella musica corale. Forse sarebbe valsa la pena di dare un'occhiata ai grandi veramente rappresentativi come Willy Burkhard, Adolf Brunner, Arthur Honegger o Frank Martin. Tuttavia, i codici QR per la pronuncia dei tre brani retoromani e le belle registrazioni di tutte le opere su CD con il Coro Giovanile Svizzero sono utili aggiunte.

Musica corale svizzera, Chorbuch Schweiz (SATB), a cura di Patrick Secchiari e Johannes Meister; Carus, Stoccarda.

Ordini dalla Svizzera tramite Edizioni Henry Labatiaz: Libro di cori CV 2.305/10, Fr. 23.00; libro di cori con CD, CV 2.305.00, Fr. 37.00 (prezzi più vantaggiosi e speciali per i soci SFEC)

"Sforzatevi di suonare bene e splendidamente i pezzi facili, è meglio che eseguire mediocremente quelli difficili". Un consiglio di Robert Schumann tratto dal suo Casa musicale e regole di vita potrebbe essere una linea guida per questo splendido CD, pubblicato dall'etichetta austriaca Gramola. Il ventottenne pianista georgiano Giorgi Iuldashevi, che ha studiato a Zurigo e vi risiede, non solo ha suonato i noti brani di Schumann tratti dal Album per i giovani ma anche molti altri brani che potrebbero essere familiari allo studente di pianoforte: Estratti da Per i bambini di Belá Bartók, dalla raccolta Játékok di György Kurtág o pezzi pedagogicamente motivati di Sergei Prokofiev o Peter Tchaikovsky. Meno comuni, ma non meno attraenti per l'orecchio e le dita, sono i 12 brani del compositore Nodar Gabunia, nato a Tbilisi nel 1933: Dal diario di un allievo.

Sì, sembra un gioco da ragazzi - e non è affatto adatto a un pianista professionista che ha debuttato a 12 anni con il difficile Concerto per pianoforte e orchestra K. 466 in re minore di Mozart. Ma, parola chiave Mozart: la semplicità ha le sue insidie. E Giorgi Iuldashevi non solo le padroneggia, ma dimostra anche una rara gamma di espressioni musicali in questi brani così diversi. Anche il familiare appare fresco nelle sue interpretazioni, anche perché non cade mai in una distanza superiore o in un inutile romanticismo. Iuldashevi mantiene l'equilibrio, e sempre in modo emozionante. Guarnisce Bartók con umorismo, Tchaikovsky con la necessaria serietà in alcuni punti, e soprattutto i tempi e il flusso naturale dei pezzi di Robert Schumann sono ispirati.

Se siete (o eravate) pianisti, sentirete immediatamente l'impulso di provare di nuovo molte belle miniature. Ma questo CD è anche semplicemente un bene per l'ascoltatore: nel suo tono discreto, in questa espressione che non ha nulla del gioco muscolare teso che è purtroppo comune tra i virtuosi del pianoforte.

Semplicità. Giorgi Iuldashevi interpreta opere di Gabunia, Bartók, Kurtág, Prokofiev, Tchaikovsky e Schumann. Gramola 99291

Jean Sibelius sarebbe d'accordo con la pubblicazione di questi primi lavori? Le dichiarazioni che il compositore fece in vecchiaia sui suoi manoscritti di musica da camera, allora perduti o non pubblicati, variano. Si parla di "bruciare", un'altra volta disse: "Era il tempo in cui ci si sviluppava".

Prima e durante il periodo studentesco, Sibelius componeva ogni estate un trio per pianoforte per i suoi fratelli e li eseguiva durante le vacanze con parenti e amici. Egli stesso suonava la parte del violino. I nomi dei luoghi "Havträsk" e "Korpo" risalgono a questa genesi, ma non provengono dal compositore. Tra il 1883 e il 1888 furono composti cinque trii in più movimenti, nessuno dei quali fu stampato durante la vita di Sibelius. In seguito non compose più opere per questa strumentazione. I suoi eredi hanno donato i manoscritti dei due attuali trii per pianoforte alla Biblioteca Nazionale di Finlandia nel 1982.

I curatori Folke Gräsbeck e Anna Pulkkis hanno preparato meticolosamente queste fonti nel 2021. Il resoconto critico in entrambi i volumi è esteso quasi quanto il testo musicale. Ci sono persino due versioni del primo movimento del trio "Havträsk". Se ascoltate le interpretazioni in rete, sfoglierete le pagine!

In confronto, il trio più breve Havträsk in la minore (22 minuti) è il brano più orecchiabile ed è completamente dominato dallo spirito del Romanticismo. Pone meno sfide tecniche agli esecutori. Nella più di mezz'ora Corpo-Il secondo trio richiede molto di più; come violinista, Sibelius deve aver fatto molta pratica con Paganini! Questo secondo trio indica il Sibelius successivo. Il secondo movimento in particolare, intitolato "Fantasia", sperimenta colori tonali, tecniche esecutive e armonie. A volte il movimento strumentale appare un po' legnoso, ad esempio quando il pianoforte suona da solo e accompagna la sua melodia con crotchets per lunghi tratti. Tuttavia, quando gli archi subentrano in coppia, si sente il linguaggio tonale delle sinfonie successive. Lì i blocchi formali sembrano molto più coerenti che in questi primi lavori. Il maestro ha davvero compiuto un grande sviluppo!

Tracciare il genio di questo importante sinfonista è probabilmente la giustificazione per esaminare le sue prime opere, anche se non le ha date alle stampe.

Jean Sibelius: Trio in la minore "Havträsk" JS 207, per violino, violoncello e pianoforte, a cura di Folke Gräsbeck e Anna Pulkkis, EB 9448, € 39,90, Breitkopf &Härtel, Wiesbaden

id.: Trio in re maggiore "Korpo" JS 209, EB 9449, € 39,90

Lili Boulanger (1893-1918), dotata di un talento precoce ma affetta da una malattia polmonare cronica, poté studiare composizione con l'aiuto della sorella maggiore Nadia (1887-1979) e fu sostenuta da importanti compositori. Vinse il Prix de Rome all'età di 23 anni. Le sue 50 opere superstiti comprendono cantate corali profane e sacre e persino un'opera incompiuta. Nadia, che fino alla vecchiaia fu una famosa compositrice (Copland, Piazzolla, Glass, Bacewicz...) e insegnante di pianoforte (Lipati), si occupò della diffusione delle opere dopo la morte di Lili.

Di Lili Boulanger sono sopravvissuti quattro brani per violino e pianoforte: D'un matin de printemps (1917/1918), Notturno (1911), Introduzione - Cortège (1914) e Pièce (1910). I redattori usarono le prime stampe come modello per la nuova edizione. Gli autografi e le versioni alternative furono utilizzati solo per chiarire questioni editoriali.

Pièce del diciassettenne è sopravvissuto solo in forma di manoscritto e viene qui riprodotto il più fedelmente possibile. Questo brano mistico e lento, con un accompagnamento pianistico ondeggiante, contiene sorprendenti progressioni armoniche cromatiche, reinterpretazioni enarmoniche e dissonanze colorate. Anche il primo pezzo, il secondo delicato e il terzo flamenco ci hanno incantato durante l'esecuzione. Sono stati eseguiti per la prima volta da Yehudi Menuhin nel 1972.

Lili Boulanger: Die Violinwerke, per violino e pianoforte, a cura di Edmund Wächter e Elisabeth Weinzierl, VLB 232, € 19,50, Schott, Mainz

Il Concertino per cor anglais e orchestra di Gaetano Donizetti è una delle opere più conosciute e popolari per questa strumentazione. La situazione delle fonti e della trasmissione è complessa e complicata; le ambiguità si estendono alla scelta della tonalità e alla struttura delle singole variazioni. Una nuova edizione, recentemente pubblicata da Boosey & Hawkes, descrive e considera tutte le fonti in dettaglio e in particolare soppesa l'autografo (da Parigi) e un manoscritto più tardo (non di Donizetti, da Bologna). Come aggiunta estremamente piacevole e proficua, la fortunata edizione contiene una doppia parte solistica in cui entrambe le variazioni sono stampate una sopra l'altra. Nelle variazioni, in particolare, ha senso utilizzare alternativamente entrambe le varianti per le ripetizioni.

Gaetano Donizetti: Concertino per corno inglese 1816, edizione critica di Stefaan Verdegem, riduzione per pianoforte con parte solista, BB 3571, edizione a stampa € 28,00, Boosey & Hawkes / Bote & Bock, Berlino  

Stefan Müller-Altermatt, presidente del Gruppo parlamentare per la musica PGM, è stato raggiunto dai consiglieri nazionali Estelle Revaz, violoncellista, e Vroni Thalmann-Bieri, musicista folk, in occasione dell'ultimo incontro del gruppo per discutere della discriminazione dei musicisti svizzeri sulle piattaforme di streaming.

La Svizzera è al sesto posto nel mondo per la spesa pro capite in musica registrata: nel 2023 i clienti svizzeri hanno speso 234 milioni di franchi, di cui l'88% in streaming. A questa enorme cifra si contrappone lo zero: nessuno dei fornitori di servizi digitali (DSP) ha un solo dipendente che si occupi principalmente di musica svizzera, e nessuno ha una filiale in questo Paese. I curatori lavorano a margine del mercato svizzero, nel caso del leader di mercato Spotify da Berlino, come "bis" del mercato tedesco, dieci volte più grande. Non conoscono la scena locale e non hanno il tempo di occuparsene. Gli artisti della Svizzera francese e del Ticino ricevono ancora meno attenzione. Di conseguenza, la musica svizzera non compare quasi mai nelle loro playlist. Questa sottorappresentazione è aggravata dalle altre playlist create dagli algoritmi su questa base. Si tratta di una chiara discriminazione nei confronti di brani provenienti da Paesi analoghi.

Le precedenti iniziative delle associazioni in materia non hanno avuto successo. Ora Stefan Müller-Altermatt ha presentato una mozione che chiede che i DSP di una certa dimensione abbiano una redazione svizzera con sede in Svizzera. La mozione sarà discussa dai consiglieri in una delle prossime sessioni.

Rapporto dettagliato sulla musica svizzera nel mercato dello streaming

Sul treno a due piani c'è chi siede sempre in alto e chi in basso. Ci sono bambini Migros e bambini Coop. Anche il lupo ha amici e nemici. Dividiamo molti aspetti della nostra vita in "o" o "o". Eppure un po' più di diversità ci farebbe un gran bene. Non solo come società, ma anche quando si suona il basso elettrico. Sono le piccole cose che ce lo fanno capire. In questo caso, la piccola cosa ha una dimensione di circa 3 x 3 centimetri e si chiama plettro.

La maggior parte dei bassisti suona esclusivamente con le dita o con un plettro. L'altra tecnica viene semplicemente ignorata, se non addirittura svalutata. Per me, questa impronta ha portato a un vero e proprio risveglio quando ho trascorso un po' di tempo con il plettro. Non è solo un mondo diverso, è un'aggiunta meravigliosa al mio modo di suonare. Ma come funziona esattamente? Come posso praticarlo correttamente e chi può darmi qualche consiglio su come iniziare?

Come sempre, potete provare voi stessi. A un certo punto prenderete confidenza con il fuoco e allora non sarà più così difficile con il plettro. Ma con il libro Basso a plettro di Christoph Herder, il successo arriva un po' più velocemente. E non lo rende complicato. Fa luce sul mondo del plettro con un approccio serio, dà consigli, organizza gli aspetti tecnici e fornisce materiale per la pratica. Gli esercizi, fondamentalmente semplici, si basano l'uno sull'altro e aiutano sia i principianti sia coloro che hanno appena iniziato. La pratica sarà ricompensata da affascinanti (nuovi) paesaggi sonori e da un solido know-how tecnico.

L'unico svantaggio: i sussidi didattici per il basso a plettro sono ancora affascinanti prodotti di nicchia. È il caso anche di questo, che risale al 2020 e viene fornito con file MP3 su CD. Ma se riuscite ancora a trovare un lettore di dischi da qualche parte, potete anche utilizzare i nitidi solchi per il play-along.

Christoph Herder: Basso a plettro per quattro e cinque corde, Tutto ciò che serve per il Tecnica del plettro deve sapere!, con CD e Plettro, 128 p., n. d'ordine 20287G, € 23,95, Alfred Music, Colonia

I compositori svizzeri hanno scritto innumerevoli quintetti per fiati per il Quintetto Stalder, fondato nel 1955, ma non quelli che il Quintetto Art'Ventus ha registrato nel suo nuovo CD. L'ensemble, composto da alcuni dei migliori giovani musicisti portoghesi, suona insieme solo da tre anni, ma ha già raggiunto un livello molto alto. Il flautista e l'oboista hanno studiato in Svizzera. Per il loro programma Tesori svizzeri hanno scelto opere di Peter Mieg, Paul Huber, Paul Juon e Gion Antoni Derungs; le prime due sono registrazioni in prima assoluta. Il CD, graficamente accattivante, contiene anche un interessante libretto di Dominik Sackmann.

Quando Goethe diceva del quartetto d'archi che si sentono quattro persone sensate che parlano, in realtà questo dovrebbe valere anche per un quintetto di fiati, nonostante la strumentazione un po' più ampia. Nel quintetto di Peter Mieg, completato nel 1977, si ha la sensazione che tutti parlino in continuazione e che nessuno lasci la parola agli altri. Uno sguardo alla partitura mostra che per la maggior parte del tempo tutti e cinque gli strumenti suonano contemporaneamente, il che è davvero un punto debole della composizione. Gli inizi dei movimenti sembrano promettenti, ma l'interesse svanisce rapidamente perché la musica è incredibilmente ripetitiva.

I quintetti di Paul Huber, che durante la sua vita fu un'istituzione musicale a San Gallo, e di Gion Antoni Derungs, che fu un importante rappresentante della musica grigionese, sono decisamente migliori. Entrambi i lavori, composti rispettivamente nel 1963 e nel 1977, aderiscono alla tonalità, ma dal punto di vista odierno questo non può essere un segno di mancanza di apertura mentale o di qualità. Il quintetto portoghese si identifica udibilmente con i brani e garantisce esecuzioni ideali. Il lavoro di Huber consiste in un Adagio espressivo e malinconico e in uno Scherzino virtuosistico, nel cui trio la canzone popolare di Ferdinand Fürchtegott Huber Luegid vo Berg und Tal è facilmente riconoscibile. Derungs DivertimentoIl brano, un po' più moderno rispetto agli altri pezzi del CD e difficile da classificare stilisticamente, non è, contrariamente al titolo, un pezzo particolarmente allegro e potrebbe non essere evidente al primo ascolto.

I pasticceri del Cantone dei Grigioni ebbero successo in tutta Europa e spesso raggiunsero una notevole ricchezza, come testimoniano le ville dei rimpatriati a Poschiavo e in Val Bregaglia. Paul Juon, nato a Mosca, era figlio di un pasticcere grigionese di Masein. Ricevette una solida educazione musicale e studiò composizione con Anton Arenski e Sergei Taneyev. In seguito insegnò egli stesso all'Accademia di Musica di Berlino, prima di trascorrere gli ultimi sei anni della sua vita a Vevey. Si cercheranno invano tracce svizzere nella sua musica, ma i contatti con la vita musicale svizzera non mancarono. Il Quintetto per fiati op. 84 del 1928 qui registrato è dedicato a Jakob Vogel, che fu per molti anni presidente dell'Associazione orchestrale di Berna.

Alcuni dei quintetti per fiati più noti e più frequentemente eseguiti sono stati scritti negli anni Venti, come quelli di Paul Hindemith, Carl Nielsen, Hanns Eisler, Arnold Schönberg e Jacques Ibert. Il quintetto di Juon può facilmente reggere il confronto con queste opere. È realizzato in modo impeccabile, potente e fantasioso, spesso armonicamente audace e sfida ogni strumento. La nuova registrazione del Quintetto Art'Ventus è molto energica, ma il primo movimento è suonato sensibilmente troppo lentamente, il che gli conferisce un'eccessiva terrosità. La dinamica avrebbe dovuto essere rispettata meglio in alcuni dei passaggi più tranquilli, in quanto avrebbe dato all'interpretazione un po' più di rilievo.

In generale Tesori svizzeri un CD che vale la pena di raccomandare, in quanto documenta opere di compositori svizzeri un po' meno conosciuti.

Tesori svizzeri. Musica da camera per quintetto di fiati. Quintetto Art'Ventus (Paula Soares, flauto; Tiago Coimbra, oboe; Horácio Ferreira, clarinetto; Nuno Vaz, corno; Raquel Saraiva, fagotto). Prospero PROSP0081

Nella sua musica, il compositore tedesco Johannes Schöllhorn (*1962) ha ripetutamente esplorato la musica di altri, trascrivendola e trasformandola, facendo musica sulla musica, come Bach e Ravel, Purcell e Satie e, meravigliosamente, Gabriel Fauré. Diversi di questi brani si trovano nel doppio CD Sérigrafie (bastille musique 20).

Schöllhorn stesso è quindi un esperto di appropriazione e trasformazione. La dialettica di questo approccio è anche l'oggetto del suo libro di 500 pagine, una raccolta di testi più brevi, in parte sciolti ma internamente coerenti. La conquista del mondo è al centro, così come la musica che l'accompagna, che è sempre stata un'appropriazione, persino un furto - e un ordinamento: ecco perché mappa, orologio e spartito giocano il ruolo principale nel titolo.

La nostra cultura europea ha fatto proprio il globo con l'aiuto di questi strumenti. Schöllhorn segue queste tracce, fino alla stampa e attraverso i mari, nella pittura e nella tecnica compositiva, nel passato e nel futuro. E poiché ha un orizzonte ampio, c'è molto da imparare da lui. Il libro sembra scritto in fretta e si legge anche velocemente. Questa spontaneità è rinfrescante, piena di brio, a volte l'autore è preso dalla rabbia, a volte i pensieri corrono selvaggi e confusi, perché Schöllhorn si avventura in territori sconosciuti con l'aiuto di una buona letteratura secondaria.

L'intera opera non è sistematica, non raggruppa le cose, ma espone dei fili che possono essere ricondotti a un punto centrale. Ci sono alcune lacune che si vorrebbero colmare, altre che si vorrebbero conoscere meglio, e spesso si hanno obiezioni durante la lettura, molte in realtà, ma dovrebbero andare bene. Perché il libro è stimolante e, nonostante i dubbi e la disperazione, non ci lascia senza speranza, perché "la musica può sempre fare una cosa: confortarci".

Johannes Schöllhorn: Mappa, orologio e partitura. Variationen und Volten über Eroberung und ihre Begleitmusik, a cura di Rainer Nonnenmann, 512 p., € 24,00, MusikTexte, Colonia 2022, ISBN 978-3-982467-0-2