Sägesser è a capo della promozione culturale del Cantone di Lucerna dal maggio 2015. Secondo il comunicato stampa del Cantone, negli ultimi otto anni è stato responsabile in particolare dello sviluppo e della creazione della promozione culturale regionale, in collaborazione con le organizzazioni partner del settore culturale.

Anche l'introduzione e l'ulteriore sviluppo della produzione selettiva e della promozione del lavoro rientrano nel suo mandato. Sägesser si è inoltre concentrato sul rafforzamento della cooperazione nella Svizzera centrale nei settori del teatro, della danza, della musica e del cinema, nonché sulla promozione dei relativi centri di collegamento e mediazione. Oltre a numerosi progetti, negli ultimi tre anni le sue attività si sono concentrate soprattutto su misure come l'indennizzo delle ore di lavoro perse per far fronte alla pandemia di coronavirus.

Dalla prossima primavera, Stefan Sägesser si prenderà una breve pausa per dedicarsi a nuovi progetti e riorientarsi professionalmente. La sua posizione sarà pubblicizzata nell'ambito della riorganizzazione dell'ex Ufficio per l'istruzione superiore e la cultura DHK in un Ufficio Cultura separato.

Merlin ha iniziato la sua formazione musicale al Conservatorio di Clermont e a Parigi con Igor Kiritchenko, Xavier Gagnepain e Philippe Müller (violoncello), Hortense Cartier-Bresson (musica da camera) e Janos Komives (direzione d'orchestra). Dal 2002 è violoncellista del Quatuor Ebène. Nel 2014 ha fondato l'ensemble Les Forces majeures.

L'OCG collaborerà anche con due artisti che si esibiranno nell'ambito della stagione concertistica dell'orchestra. Uno è il giovane direttore d'orchestra Holly Hyun Choe, che si è già esibito in tutta Europa e negli Stati Uniti, e l'altro è il desiderio dell'ensemble di rafforzare i suoi legami con Gábor Takács-Nagy, un amico di lunga data dell'orchestra.

Magali Barras assumerà l'incarico il 1° aprile 2023, secondo quanto comunicato dal Cantone. Originaria di Sion, Magali Barras, laureata in francese, inglese e archeologia all'Università di Losanna e giornalista professionista dal 2003, ha inizialmente esercitato la sua professione presso il Gruppo Edipresse prima di tornare in Vallese nel 2008 per lavorare nella redazione di Canal9 | Kanal9.

In qualità di responsabile degli affari culturali della televisione regionale, Magali Barras ha "un'ottima conoscenza della scena culturale vallesana e una rete molto ampia, che ha costruito negli ultimi anni viaggiando per il cantone per le riviste culturali L'agenda e Tandem, tra le altre", ha aggiunto il Cantone.

La guerra d'inverno sovietico-finlandese del 1939 è per molti versi simile alla guerra di aggressione russa contro l'Ucraina e la Finlandia è tornata al centro dell'attenzione pubblica. Soprattutto prima delle due terribili guerre mondiali, il canto corale in Scandinavia era un'espressione di emancipazione politica, liberale e nazionale. Ancora oggi, il compositore Jean Sibelius è la figura di riferimento per la Finlandia, così come Edvard Grieg lo è per la Norvegia. E la Rivoluzione canora del 1989 negli Stati baltici dimostra che il potere della canzone può anche essere molto rilevante.

Breitkopf & Härtel ha pubblicato nella sua collana Chorbibliothek due esemplari edizioni singole Urtext dell'edizione completa delle opere di Jean Sibelius: i primi Quattro canzoni dall'op. 18 e il Due canzoni op. 65, ciascuno per coro misto a cappella. Questi brani, relativamente brevi, raffigurano splendide immagini della natura e storie d'amore. Grazie al loro moderato livello di difficoltà e al fatto che la scrittura finlandese è quasi fonetica, sono altamente raccomandati per cori amatoriali. Oltre a prefazioni dettagliate, sono presenti anche traduzioni in tedesco cantabili. Un vero arricchimento.

Jean Sibelius: Quattro canzoni per coro misto a cappella dall'op. 18, a cura di Sakari Ylivuori, partitura corale, ChB 5372, € 7,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

id.: Due canzoni op. 65, ChB 5373, € 8,70

Nel suo Recensione del volume 7 degli Studien zur Orgelmusik (SMZ 3/2020) il recensore si era rammaricato che il volume sulle opere organistiche di Felix Mendelssohn pubblicato da Butz-Verlag nel 2018 (a cura di Birger Petersen e Michael Heinemann), nonostante la ricchezza di informazioni analitiche e storiche, non si occupasse molto di questioni interpretative esplicitamente pratiche. Fortunatamente, il presente libro (una tesi di dottorato presentata all'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Francoforte) sembra ora creare una sorta di "complementarità" a tutto ciò. Utilizzando testi di fonte esaurienti provenienti dall'ambiente storico del compositore, l'autore Burkhard Wind fa luce sugli aspetti esecutivi pratici essenziali della musica organistica di Mendelssohn (e, più in generale, della musica del primo periodo romantico tedesco), ossia questioni di diteggiatura, tecnica di pedalizzazione, articolazione, fraseggio e punteggiatura, accentuazione, ornamentazione e tempo. Solo le preferenze strumentali di Mendelssohn e la sua pratica di registrazione non sono ulteriormente approfondite dall'autore - con riferimento a opere esistenti. La ricchezza del materiale testimonia un esame meticoloso delle fonti primarie disponibili, in primo luogo le scuole d'organo tedesche del primo terzo del XIX secolo (spesso scritte per la formazione degli insegnanti nei seminari e quindi relativamente fondamentali), le scuole di pianoforte e gli scritti di estetica musicale dell'epoca di Mendelssohn e dei suoi insegnanti. A ciò si aggiunge l'esame approfondito di numerose fonti secondarie relative alla musica organistica di Mendelssohn fino a tempi recenti, che vengono brevemente presentate nella "relazione sulla letteratura" introduttiva e poi commentate nei singoli capitoli, in alcuni casi in modo più dettagliato e talvolta critico.

Conclusione: un'opera importante e fondamentale che dimostra in modo impressionante come un esame approfondito delle questioni pratiche di esecuzione sia diventato necessario anche per quanto riguarda la musica del XIX secolo, dato che il nostro tempo non si colloca più in una "linea di tradizione" ininterrotta all'epoca di Mendelssohn.

Burkhard Wind: Zur Aufführung der Orgelwerke Felix Mendelssohn Bartholdys, 280 p., € 48,00, Georg Olms, Hildesheim e altri, 2021, ISBN 978-3-487-16935-1

Alla conferenza CoP19 della CITES, conclusasi il 25 novembre 2022 a Panama, è stato deciso, secondo il Consiglio musicale tedesco, che il legno di pernambuco rimarrà nell'Appendice II della Convenzione sul commercio internazionale delle specie di flora e fauna selvatiche minacciate di estinzione. Ciò significa che i temuti obblighi di registrazione per il legno di pernambuco, che avrebbero avuto ripercussioni sul commercio e sul trasporto di molti archi per strumenti, sono per il momento fuori discussione. Solo la prima esportazione di legno di pernambuco dal Brasile richiede ora una licenza.

Secondo Christian Höppner, Segretario Generale del Consiglio Musicale Tedesco, la decisione di non trasferire il legno di pernambuco nell'Appendice I della Convenzione sulla Diversità Biologica significa che viaggiare e commerciare con archi realizzati in legno di pernambuco continuerà a essere relativamente privo di barriere per la vita musicale. Questo è tanto importante per la vita musicale internazionale quanto per l'artigianato tradizionale della costruzione di archi, che è particolarmente radicato in Germania.

L'edizione delle lettere di Schumann è straordinariamente completa: è quasi incredibile quello che Robert e Clara hanno scritto. La "Corrispondenza con Theodor Kirchner, Alfred Volkland e altri corrispondenti in Svizzera" è stata appena pubblicata e offre una visione affascinante dello sviluppo della musica in questo Paese.
La corrispondenza più estesa è quella con Theodor Kirchner, che, su raccomandazione di Mendelssohn e Schumann, ricoprì un incarico di organista a Winterthur a partire dal 1843 e che negli anni successivi divenne amico intimo di Clara Schumann. La maggior parte della raccolta, che conta oltre 100 documenti, è stata scritta da Clara Schumann; purtroppo, molte delle lettere di Kirchner sono andate perdute. Grazie ai contributi di Clara Schumann, tuttavia, possiamo conoscere molto del lavoro di Kirchner in Svizzera e, indirettamente, di Jakob Rieter-Biedermann.

L'editore di Winterthur, con cui Clara Schumann pubblicò le opere del defunto marito, fu uno dei numerosi destinatari delle lettere, molte delle quali erano di poche pagine. A Basilea, ad esempio, si trattava della coppia Riggenbach-Stehlin, che Clara Schumann aveva conosciuto a un concerto nel 1857 e con la quale si era presto instaurata un'amicizia. In totale ci sono 58 lettere, anche se non tutte sono sopravvissute.

Un esempio particolare è quello del compositore Wilhelm Baumgartner, di cui si è conservata una sola lettera del dicembre 1851. In essa, presenta Robert Schumann come dedicatario delle sue canzoni per pianoforte op. 10. È proprio questa "micro-corrispondenza" a fornire un quadro completo. E non solo attraverso le lettere stesse, ma anche grazie al lavoro editoriale estremamente utile e istruttivo di Annegret Rosenmüller. Non solo l'apparato di annotazioni è stato concepito in modo meticoloso, ma per ogni persona c'è anche una breve biografia, in cui viene illuminato il rapporto con gli Schumann e con la Svizzera.

Rosenmüller ha così creato un vero e proprio tesoro, che ci permette di soffermarci e, grazie alle sue ricerche approfondite, di imparare molto sull'enorme crescita della musica in Svizzera iniziata nel 1850. Ad esempio, nella breve corrispondenza con il compositore basilese August Walter o con il musicista Heinrich Szadrowsky, che organizzò un'esibizione per Clara Schumann a San Gallo, apparentemente organizzata da Rieter-Biedermann. Oppure dal suo partner epistolare Joseph Viktor Widmann, compagno di Brahms. Quest'ultimo aveva presentato la sua amica Clara ai coniugi Widmann a Baden-Baden nel 1889.

Le "Lettere svizzere" sono così numerose che per contenerle tutte ci vorrebbero due volumi per un totale di oltre 1000 pagine.

Schumann-Briefedition, Serie II Briefwechsel mit Freunden und Künstlerkollegen, Band 10, Briefwechsel Robert und Clara Schumanns mit Theodor Kirchner, Alfred Volkland und anderen Korrespondenten in der Schweiz, ed. Annegret Rosenmüller, 2 Teilbände, 1121 p., € 158,00, Dohr, Colonia 2022, ISBN 978-3-86846-021-6

È davvero un'idea meravigliosa quella di dedicare un'enciclopedia completa all'orchestra. La casa editrice Laaber, che ha accettato questa sfida, ha deciso di includere articoli su singole orchestre, paesi, direttori, strumenti e argomenti specialistici (ad esempio, contratto di lavoro, direttore musicale generale, materiale a noleggio, audizione o bacchetta), oltre ad articoli sui compositori che hanno scritto per le orchestre. Gli articoli sono stati scritti da oltre 200 collaboratori. Data la varietà degli argomenti trattati, si tratta di circa 1500 pagine distribuite su due volumi pesanti. Purtroppo, la qualità dei contributi varia notevolmente.

Se si studiano un po' più da vicino le biografie dei compositori, si trovano passaggi che non convincono. L'autore dell'articolo su Charles Koechlin, ad esempio, scrive che il suo amore per la musica popolare alsaziana caratterizza la sua musica, ma questo non è vero. Diversi titoli di opere di Koechlin sono scritti in modo errato, ma viene citata anche un'opera (I templi), che non esiste nemmeno. Piuttosto incomprensibile è l'osservazione: "Nelle sue opere orchestrali, Koechlin utilizza frequentemente tecniche contrappuntistiche, spingendosi fino al contrappunto con complesse strutture accordali".

Altri articoli contengono verità come "Inoltre, egli dà consapevolmente a ciascuno dei suoi pezzi un volto proprio" (Peter Eötvös) o conclusioni discutibili come "L'eredità compositiva di Suk Epilogo d'altra parte, è particolarmente impressionante per il suo linguaggio tonale coerentemente modernista, che allo stesso tempo contraddice le idee normative delle opere tarde" (Josef Suk). Resta da vedere se l'affermazione contenuta nell'articolo su Franz Schreker, secondo cui "I topoi profani spesso oscurano la separazione tra musica artificiale e funzionale nelle opere di Schreker e suggeriscono nuovi contesti scenici", sia davvero utile.

È comprensibile che i brani del catalogo ragionato siano spesso selezionati in modo molto soggettivo, ma il fatto che non siano menzionate opere successive al 2014 per Peter Eötvös, Kaija Saariaho, Georg Friedrich Haas o Erkki-Sven Tüür, ad esempio, rende l'enciclopedia non proprio aggiornata.

Naturalmente, l'enciclopedia contiene molte biografie di direttori d'orchestra. Ma come si spiega che non ci siano biografie dettagliate di tre dei più importanti direttori d'orchestra cechi, ovvero Václav Talich, Karel Ančerl e Václav Smetáček? Una parte del testo su Teodor Currentzis, con le sue lodi effusive, potrebbe essere stata presa da un opuscolo pubblicitario: "Senza bacchetta, con gesti originali ed eruttivi, Currentzis esige una devozione incondizionata alla serietà e alla verità della musica senza badare alle tradizioni e alle abitudini di ascolto".

Un'emozione particolare è quella che si prova in un Lessico dell'orchestra agli articoli sulle singole orchestre e sulla cultura orchestrale nei diversi Paesi. Naturalmente le informazioni sono numerose, soprattutto per quanto riguarda le orchestre tedesche. Tuttavia, un numero superfluo di nomi è scritto in modo errato (esempi: Frank von Hoesslin invece di Franz von Hoesslin, Toshiyuki Kamioki invece di Kamioka, entrambi ex GMD a Wuppertal). Il fatto che il direttore d'orchestra ceco Jiří Bělohlávek sia morto nel 2017 dovrebbe essere menzionato in un'enciclopedia pubblicata nel 2021, così come il fatto che l'Orchestra Filarmonica di Dresda si esibisce in una nuova sala da concerto all'interno del Dresden Kulturpalast dal 2017. Anche i dettagli contenuti negli articoli sull'orchestra non sono attendibili. Per esempio, si sostiene che l'orchestra di Henze Sinfonia n. 7un'opera commissionata dai Berliner Philharmoniker, è stata eseguita in prima assoluta dalla RSO di Stoccarda. Molti cambi di direttore principale alla fine degli anni 2010 non sono menzionati negli articoli relativi alle orchestre, il che rende l'enciclopedia meno rilevante.

Se siete interessati alla musica e alla cultura orchestrale norvegese, vi verranno fornite informazioni molto insoddisfacenti. Le orchestre più importanti sono la Filharmonie di Oslo con 69 membri (in realtà sono 108), l'Orchestra della Radio Norvegese, l'Orchestra Sinfonica di Kristiansund (un'orchestra amatoriale fondata nel 1919) e l'Orchestra dell'Opera Nazionale Norvegese. Non sono menzionate le altrettanto importanti orchestre di Bergen, Stavanger, Trondheim, Tromsø/Bodø e Kristiansand (da non confondere con Kristiansund).

Ma la Svizzera non è messa meglio: solo l'Orchestra da Camera di Basilea (esistita fino al 1987), l'Orchestre de la Suisse Romande e l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo sono descritte in dettaglio. Le informazioni sulle orchestre del Cantone di Berna sono particolarmente scarne, oltre che obsolete o semplicemente errate: "L'Orchestra Sinfonica di Berna esiste dal 1877; nel 2011 l'orchestra e lo Stadttheater Bern sono stati fusi nella fondazione Konzert Theater Bern. Mario Venzago ricopre il ruolo di direttore principale dal 2010. Nel 2012, la Sinfonie Biel Solothurn, fondata nel 1969, si è fusa con l'Orchester Theater Biel Solothurn per formare la Sinfonie Orchester Biel Solothurn. Dall'anno della fusione, l'orchestra è diretta da Kaspar Zehnder".

Poiché alcuni articoli su argomenti e strumenti specialistici sono stati scritti anche da autori che si sono occupati solo superficialmente del loro argomento, il Lessico dell'orchestra non convincente per alcuni aspetti.

Enciclopedia dell'orchestra. Orchestre e complessi in tutto il mondo, storia e prassi esecutiva, compositori e direttori, pratica orchestrale, a cura di Frank Heidlberger, Gesine Schröder e Christoph Wünsch, 2 volumi per un totale di 1488 pagine, € 198,00 (fino al 31 dicembre 2022), Laaber, Lilienthal 2021, ISBN 978-3-89007-551-8

Si vorrebbe sapere come il vagabondo Schoeck avrebbe musicato i testi del passeggiatore Walser, suo contemporaneo. Ma a quanto pare i due non si riconoscevano, così come sembra essere connaturata la mancata ricezione di certa arte svizzera. In ogni caso, la ricezione intensiva di Walser da parte dei musicisti è iniziata solo molto tempo dopo la sua morte - anche se ci sono delle eccezioni. Roman Brotbeck ce le racconta nei primi capitoli del suo denso libro: come un dimenticato compositore e critico berlinese (James Simon) mise in musica due poesie già nel 1912. Come un direttore di coro che lavorava a Bienne (Wilhelm Arbenz) abbia trovato un tono diverso con tre canzoni. Come un compositore emigrato in Svizzera (Wladimir Vogel) abbia frainteso i testi di Walser e li abbia trasformati in un dramma d'artista. Solo con Urs Peter Schneider è iniziata una continua e fruttuosa ricerca su Walser, che in questo caso si è protratta per mezzo secolo e ha dato vita a un cosmo davvero sfaccettato.

Brotbeck racconta queste storie di accoglienza in modo fondato. Analizza, ma non in maniera spicciola. Al contrario, lascia che i dettagli parlino da soli ed elabora i contesti. Naturalmente, questo non è sufficiente per riassumere il numero esponenzialmente crescente di ambientazioni walser. Brotbeck varia quindi la presentazione in modo inventivo, in modo che il lettore non si stanchi di leggere l'elenco, ma prosegua con curiosità. Singoli capitoli sono dedicati a Heinz Holliger, ad esempio, il più importante compositore di ambientazioni musicali, e al greco-francese Georges Aperghis, che nel suo periodo a Berna lavorò con Walser, Paul Klee e Adolf Wölfli. Un capitolo ciascuno tratta delle opere liriche basate sui romanzi di Walser e di altre drammatizzazioni. Brotbeck sceglie poi un'unica poesia, la breve "Beiseit", e la presenta in 21 ambientazioni. E così via. Il punto finale è costituito dai progetti non eseguiti/non realizzati di Johannes Fritsch e Hans Zender.

Dietro a questo - altrimenti sarebbe noioso e si userebbe questo libro solo come opera di consultazione - c'è un'immensa ricchezza di metodi analitici, che prendono piede sul piano puramente musicale, ma fanno luce anche sui rapporti con la parola, illuminano le drammatizzazioni con i loro retroscena e infine includono anche Walser stesso. Il poeta come "compositore di se stesso": a questo tema è dedicato il capitolo iniziale. Sequenze di suoni, costellazioni polifoniche, ritmi intricati si ritrovano nei testi, mostrando Walser come un creatore estremamente consapevole e in ascolto - nonostante la leggerezza apparentemente casuale che i suoi testi hanno sempre.

La pubblicazione, che è stata sostenuta dal Fondo Nazionale, è quindi un compendio che nessuno potrà evitare in futuro di ricercare ambientazioni walseriane. Naturalmente, non può essere completa, poiché Walser continua a essere musicato e ci possono ancora essere scoperte nel passato. Poco prima di andare in stampa, Brotbeck ha ricevuto un riferimento a una canzone che l'illustratore e compositore dilettante Marcus Brehmer una volta suonò e cantò ai fratelli Karl e Robert Walser a Berlino e che, come scrive, "creò uno stato d'animo meravigliosamente sublime, piuttosto ultraterreno, di unione". La canzone sembra essere andata perduta, ma possiamo immaginare il suo effetto nel modo più bello.

Roman Brotbeck: Suoni e suoni. Robert Walser-Vertonungen 1912 bis 2021, 660 p., € 79,00, Brill Fink, Paderborn 2022, ISBN 978-3-7705-6686-0, Accesso libero

"La musica della Repubblica Ceca gode di un'ottima reputazione in tutto il mondo (...). La musica pianistica dei compositori cechi, invece, non è molto conosciuta oltre i confini della Repubblica Ceca (...)". Con questa affermazione, il pianista ceco Ivo Kahánek probabilmente non ha tutti i torti. Ogni tanto si ascolta un'opera di Janáček. Inoltre, raramente si ascoltano sui nostri palcoscenici brani per pianoforte di Smetana, Dvořák, Suk o Martinů, per non parlare di compositori meno noti.

Con il suo libretto da collezione Un viaggio alla scoperta della musica ceca per pianofortepubblicato da Bärenreiter Praha, Kahánek si propone di colmare questa lacuna. Contiene composizioni di quindici autori dal periodo preclassico ai giorni nostri. Tra questi, ovviamente, brani molto noti come l'indistruttibile Humoresque in sol bemolle maggiore di Dvořák o tre brani del ciclo di Janáček Su un sentiero incolto. Smetana è rappresentato da due fogli d'album e da una polka, Josef Suk da due incantevoli Idilli sono rappresentati. Inoltre, ci sono numerose miniature di Milan Dlouhý, Jiří Vřešťál, Luboš Sluka e molti altri compositori il cui nome non è molto familiare al di fuori della Repubblica Ceca.

Si segnalano in particolare Campane per la notte di Petr Eben, una poesia a toni molto semplice ma dal suono bellissimo. Anche il Preludio ostinato di Miloslav Kabeláč, con la sua costante ripetizione di un breve motivo, ha un effetto suggestivo (che ricorda Janáček). Ma non si tratta sempre di musica meditativa. L'arguto studio in seste di Jiří Vřešťál è molto divertente e dovrebbe essere apprezzato da molti. Tuttavia, il prerequisito per questo è avere i polsi sciolti...

Per rivolgersi al maggior numero possibile di pianisti, Ivo Kahánek ha cercato di includere nella raccolta composizioni "che possono essere suonate anche da principianti o da esecutori leggermente avanzati. Anche i brani più impegnativi non superano il livello di difficoltà tecnica dei gradi inferiori...", scrive nella prefazione. Si tratta probabilmente di una valutazione un po' troppo ottimistica. Perché anche i brani più facili Sonatina III di Jiří Antonín Benda o la Rondo in sol maggiore di Jan Václav Voříšek non sono ovviamente adatti ai principianti. E alcuni brani richiedono un livello virtuoso, come il grottesco Polka del diavolo di Vítězslav Novák. Nel complesso, tuttavia, l'attenzione si concentra su opere artisticamente ambiziose che richiedono un grande senso tonale e un'immaginazione creativa con un moderato sforzo tecnico. È qui che risiede lo speciale valore educativo di questo Viaggio di scoperta.

Tra l'altro, si condivide volentieri l'auspicio dell'editore che si possa essere "ispirati a rintracciare ancora più tesori della musica pianistica ceca".

Viaggio alla scoperta della musica ceca per pianoforte, brani per esecutori di livello leggermente avanzato, selezionati e rivisti da Ivo Kahánek, BA 11560, € 17,95, Bärenreiter, Praga

Se siete interessati solo alla costruzione o alla storia del Langnauerli e dello Schwyzerörgeli, siete nel posto sbagliato: questo libro non è un libro di storia o di tecnologia - ne esiste già uno di Ernst Roth - ma una vivace storia culturale di questi strumenti incredibilmente diversi e diffusi. Sebbene il glossario spieghi i termini di base più importanti e le differenze tra i modelli, l'attenzione si concentra sulla documentazione della scena con ritratti di suonatori, costruttori e restauratori di organi a mano, accordatori e commercianti.

Il giornalista e pubblicista Beat Hugi e il virtuoso dell'organo Thomas Aeschbacher hanno visitato circa 40 rappresentanti della scena Langnauerli, Stöpselbass e Schwyzerörgeli e forniscono un resoconto vivido delle conversazioni. Essendo Thomas Aeschbacher un esperto riconosciuto dell'organo, le interviste vanno subito al sodo e il lettore si fa un'idea della ricchezza delle possibilità sonore e delle differenze tra i vari organi. Emergono anche i diversi approcci e le diverse esigenze degli esecutori nei confronti della musica.

Si nota che, sebbene ci siano molti giovani che suonano l'organo, il numero di organari e restauratori sta chiaramente invecchiando. Cosa questo significhi per il futuro dello strumento è ancora da vedere. Il libro, riccamente illustrato e ben progettato, dà un'impressione vivace della varietà di concetti e stili esecutivi e, grazie ai CD di accompagnamento, anche della diversità delle accordature e dei suoni.

Il recensore rimase talmente affascinato da quanto letto che acquistò un Langnauerli e da allora gode regolarmente della bellezza del suono di questo strumento.

Beat Hugi e Thomas Aeschbacher: Langnauerli. Stöpselbass. Schwyzerörgeli. - Il gioco. Il mestiere. I virtuosi, 440 p., 202 illustrazioni, 2 CD, testi di Franz Hohler, Corin Curschellas, Pedro Lenz e altri, Fr. 49.00, Weber-Verlag, Thun, 2021, ISBN 978-3-03818-296-2

"Finalmente una scuola di batteria per principianti che si distingue dalle numerose altre scuole!". - Invece della noiosa pratica di pattern a due battute e di interminabili spiegazioni con lunghi passaggi di testo, il corso di Michael H. Lang fornisce molto materiale da suonare con una struttura chiara. Con 107 esercizi e brani e 14 assoli in vari livelli di difficoltà, l'autore combina l'apprendimento, la pratica e il fare musica in modo metodicamente sensato in oltre 140 pagine.

L'apprendimento dei blocchi ritmici è più facile e veloce con parole che gli alunni già conoscono. L'autore ha selezionato 6 figure di base e nomi adatti per iniziare, che vengono introdotti gradualmente senza bisogno di lunghe spiegazioni. Nel campo delle percussioni, cowbell, glockenspiel, cymbal bell e wood block sono comunque parole comuni e comprensibili; come oggetti sono tangibili e si possono trovare in classe. Queste parole hanno un loro ritmo e quando vengono pronunciate mentre si suona, le figure suonate sono automaticamente intonate.

"I nostri alunni sono curiosi, vogliono imparare, vogliono giocare, vogliono divertirsi. E il divertimento viene solo dal gioco. Si divertono perché possono fare qualcosa. Ecco perché non dobbiamo avere paura di insegnare molto ai bambini", scrive Michael H. Lang.

Quindi, perché i bambini dovrebbero essere afflitti, ad esempio, da 1e+e 2e+e 3e+e 4e+e, che è molto astratto e non ha alcuna importanza all'inizio? Agli alunni bastano poche basi, ma facilmente comprensibili, per poter suonare, e non idiomi astratti e complicati. I bambini imparano rapidamente i ritmi di base stabiliti da Michael H. Lang fin dalla prima lezione e su tutti gli strumenti che la batteria offre. Questo perché vogliono suonare su tutto il drumset fin dall'inizio. Una volta acquisita la padronanza di questi ritmi di base, tutto il resto è molto più semplice.

Michael H. Lang: Drumset-Schule, nuova edizione modificata, GN 114590, € 26,80, Musikeigenverlag Michael H. Lang 2022, www.michaelhlang.de

"Ogni giorno scopro un'infinità di nuovi suoni, completamente senza elettricità. È anche antiecologico usare così tanta elettricità". Con poche parole si può dire molto. Heinz Holliger ha un senso dell'umorismo che - queste frasi sono dell'anno 2022 - non gli sfugge, anche in età avanzata e nei nostri tempi distopici. La scoperta quotidiana di nuove sonorità evidenzia a sua volta l'ispirazione sfrenata di Holliger, che si basa su un ampio orizzonte educativo ed è stata resa possibile anche da un modo di pensare un po' "particolare", che in genere si addice agli artisti.

L'antologia Heinz Holliger non presenta molte novità. Ma sorprende con un'ampia visione del compositore: le opere corali sono analizzate da Heidy Zimmermann, responsabile dell'archivio Holliger presso la Fondazione Paul Sacher. Tobias Eduard Schick analizza i quartetti d'archi, mentre Jörn Peter Hiekel rivolge uno sguardo altrettanto sensibile alle opere liriche. LuneaL'approccio imparziale e rinfrescante di Thomas Meyer alla musica popolare svizzera e al dialetto. Attraverso i generi, è chiaro che Holliger è figlio del suo tempo, in quanto è intensamente interessato alla durata e alla densità musicale, così come alle tracce del serialismo e alle questioni di notazione indeterminata. In ultima analisi, tuttavia, non è il "cosa" ma il "come" a essere decisivo per lui - o per dirla con le parole di Helmut Lachenmann, citate da Hiekel: Holliger è sempre interessato alle possibilità di "riscoprire anche il familiare".

Forse ad alcuni lettori sfuggiranno informazioni sull'oboista, che era anche un abile pianista e direttore d'orchestra. Tuttavia, le 182 pagine sull'"universalista musicale" (secondo il curatore Ulrich Tadday) meritano sicuramente di essere lette, soprattutto perché forniscono molti spunti illuminanti sulla storia della musica svizzera. Tra l'altro, Holliger ha anche avuto parole sorprendenti da dire sul suo Paese natale: "Allo stesso tempo, la Svizzera ha qualcosa di folle - dico spesso che i più grandi svizzeri hanno vissuto in un manicomio". Allora anche lui è un grande svizzero. Fortunatamente, sta bene. Fisicamente e, a quanto pare, anche mentalmente.

Heinz Holliger, a cura di Ulrich Tadday, Musik-Konzepte numero 196/197, 197 p., € 38,00, Edition Text+Kritik, Monaco 2022, ISBN 978-3-96707-600-4

Oggi César Franck è riconosciuto soprattutto come il padre delle sinfonie per organo del Romanticismo francese e l'ispiratore dei suoi allievi Widor, Vierne, Tournemire e Debussy. Le sue opere per organo e in particolare la Sinfonia in re minore sono ancora oggi molto popolari. Tuttavia, le sue opere, le canzoni, le messe e gli oratori tendono a vivere nell'ombra. È quindi ancora più lodevole che Carus-Verlag Stuttgart abbia pubblicato la sua principale opera sinfonica corale, scritta nel 1879, nel 200° anniversario della nascita del compositore. Les Béatitudes pubblicato per la prima volta in un'edizione accademica in Urtext.

L'opera monumentale, della durata di due ore e in lingua francese, che mette in scena le Beatitudini del Discorso della Montagna di Gesù, può essere classificata tra l'opera sacra e l'oratorio e colpisce per l'alternanza contrastante di episodi simili a canzoni popolari, liriche, drammatiche e inni. Alcuni movimenti furono composti già nel 1870 durante l'assedio di Parigi nella guerra franco-prussiana. Dopo un prologo, le parole di Cristo "Beati..." sono precedute in ciascuno degli otto movimenti da cori terreni o celesti in stile antitetico e di commento.

La partitura orchestrale è opulenta in stile francese contemporaneo e richiede un coro con un buon numero di voci. Nonostante le otto parti solistiche, alcune delle quali possono essere ridotte con un'abile divisione dei ruoli come suggerito nella prefazione, la parte corale è abbastanza ampia e non troppo pesante. Un lavoro gratificante e utile per i cori d'oratorio.

César Franck: Les Béatitudes op. 25, oratorio per soli, coro e orchestra, a cura di Hans Christoph Becker-Foss e Thomas Ohlendorf; partitura CV 10.393/00, € 119,00; riduzione per pianoforte CV 10.393/30, € 29,95; Carus, Stuttgart

Questo libro di grande spessore offre una visione intima della biografia della virtuosa del violino Stefi Geyer, allieva di Jenő Hubay, morto nel 1956. Come bambina prodigio, suonò un concerto di Bériot a Budapest all'età di 10 anni, il concerto di Spohr In Form einer Gesangsszene all'età di 12 anni e presto un vasto repertorio in tutta Europa, ad esempio il concerto di Brahms a Berlino all'età di 20 anni. Nel 1907/08, all'età di 19 anni, ebbe un intenso scambio epistolare con il ventiseienne Béla Bartók. All'epoca Bartók era impegnato nella raccolta di canzoni popolari. Ammirava le capacità di Stefi ed era lusingato dal suo interesse per il suo lavoro. I due discutevano in modo contraddittorio sulla fede in Dio, su varie forme di amicizia e, ancora e ancora, sul loro lavoro. Bartók scrisse per Stefi un concerto per violino stilisticamente nuovo, il cui leitmotiv d-f diesis-a-c diesis viene sempre citato come una tacita dichiarazione d'amore. Lei ricevette il manoscritto del concerto come regalo da Bartók, lo tenne non suonato e lo consegnò a Paul Sacher sul letto di morte. Fu eseguito per la prima volta da Hansheinz Schneeberger a Basilea nel 1958.

Poco dopo la fine della loro infelice storia d'amore, Bartók sposò Marta Ziegler e Stefi sposò il viennese E. O. S. Jung, che morì di influenza spagnola nel 1918. La conoscenza con il pianista, compositore e organizzatore di concerti zurighese Walter Schulthess portò al loro matrimonio nel 1920. Zurigo divenne un centro della vita concertistica internazionale. Questo portò a un nuovo avvicinamento a Bartók, che si concretizzò in una nuova corrispondenza dal 1928 fino alla morte di Bartók nel 1945. In questa corrispondenza, le due coppie (Bartók era sposato con la sua allieva Ditta Pásztory dal 1923) divennero presto molto familiari grazie alle vacanze trascorse insieme e in seguito si presero sempre più cura. Oltre all'intensa attività didattica a Zurigo, alla cura della figlia Rosmarin, nata nel 1921, al lavoro come concertista del Collegium Musicum di Zurigo, alla partecipazione alle Settimane del Festival di Lucerna e ai concerti in tutto il mondo, Stefi Geyer si occupava dei suoi parenti in Ungheria, che soffrivano sotto l'amministrazione sovietica; le lettere degli anni dal 1925 al 1956 lo testimoniano. 21 lettere di Jenő Hubay ci danno un'idea del suo continuo sostegno a Stefi.

Il libro si legge come un appassionante romanzo epistolare. Le lettere sono integrate da una biografia fotografica e da diversi testi introduttivi dei curatori Dominik Sackmann e Helga Váradi e dei collaboratori László Vikárius e Kornel Zipernowsky. Particolarmente apprezzabile è l'elaborato catalogo cronologico di tutti i concerti e le opere eseguite da Stefi Geyer.

Stefi Geyer. Materialien zu ihrer Biografie, a cura di Helga Váradi e Dominik Sackmann, Zürcher Musikstudien Vol. 11, 522 p., Fr. 103.00, Peter Lang, Bern et al. 2021, ISBN 978-3-0343-3769-4 (Stampa)