Il regolamento stabilisce che i professionisti e le organizzazioni del settore culturale con sede ad Aarau che si trovano in difficoltà a causa delle restrizioni della COVID-19 possono richiedere l'assistenza finanziaria della città di Aarau. Questo vale retroattivamente dal 13 marzo e fino al 31 dicembre 2020, con un totale di 40.000 franchi svizzeri disponibili per l'assistenza ponte. Oltre al pagamento sussidiario dell'indennizzo per il mancato guadagno, a determinate condizioni verranno rimborsate anche le tariffe di base per l'utilizzo culturale di spazi e luoghi pubblici.

Oltre alla giustificazione scritta della situazione di emergenza, le domande di indennità di perdita di guadagno richiedono anche la prova che la domanda sia stata presentata alle autorità cantonali e nazionali competenti e le relative decisioni. Inoltre, devono essere indicate le entrate e le uscite, la situazione patrimoniale e la liquidità attuale.

Per l'esenzione dalle tasse di base per l'uso culturale di spazi o edifici pubblici della città, è necessario presentare una domanda con le relative fatture e una descrizione dell'evento previsto o già organizzato.

Le domande devono essere presentate entro il 31 dicembre 2020 alla Kulturstelle, Abteilung Kultur Aarau, all'indirizzo kulturstelle@aarau.ch o per posta a Rathausgasse 1, 5000 Aarau. Il Centro culturale continuerà a sostenere gli artisti creativi e le associazioni culturali in qualità di consulente.

Il regolamento sugli aiuti ponte nel settore culturale è disponibile al seguente link: https://aarau.tlex.ch/frontend/versions/302

Adolf Busch (1891-1952) è considerato da molti uno dei più importanti violinisti del XX secolo. È probabilmente meno noto che fu anche un ambizioso compositore. Busch scrisse numerose opere di musica da camera e per organo, canzoni, ma anche opere sinfoniche. Il fatto che abbia scritto anche un virtuoso concerto per pianoforte e una sonata per pianoforte su larga scala può sorprendere a prima vista. Probabilmente fu ispirato dal suo giovane compagno di pianoforte Rudolf Serkin, che in seguito divenne suo genero. Fu anche Serkin a far debuttare la Sonata per pianoforte op. 25 a Berlino nel 1922. Inizialmente la stampa reagì in modo piuttosto negativo. Si disse ad esempio che l'opera era "illogica e poco interessante". Altri, invece, erano convinti della sua qualità e la sostennero, non ultimo Serkin stesso, naturalmente.

La sonata è composta da tre movimenti: un Allegro moderato con passione, un ampio movimento di variazioni e una fuga conclusiva con introduzione, che alla fine combina abilmente i temi dei movimenti precedenti. Non si può quindi parlare di "illogicità". Tuttavia, le armonie che cambiano continuamente sono certamente impegnative per l'ascoltatore. Analogamente a Max Reger, a cui questa musica è molto vicina, c'è anche un numero enorme di modulazioni in uno spazio molto ridotto, che inizialmente rende difficile la comprensione dei processi formali. Il secondo movimento, le cui variazioni si basano su un tema semplice alla maniera di un quartetto d'archi, è probabilmente il più accessibile.
A proposito di Reger: alcuni passaggi della sonata per pianoforte di Busch potrebbero quasi essere considerati degli omaggi al grande modello. Basta confrontare l'Adagio del secondo movimento con il nono delle monumentali Variazioni di Bach di Reger...

Sebbene la sonata di Busch sia molto impegnativa dal punto di vista pianistico, la scrittura pianistica è di solito abbastanza facile per le dita. Laddove ciò non accade (come nel caso dei numerosi trilli della fuga), Jakob Fichert, che ha curato la nuova edizione per Breitkopf & Härtel, ha pronte delle soluzioni pratiche.

Fichert ha persino registrato l'opera su CD nel 2016 (Toccata Classics 0245) e quindi la conosce di prima mano. Nel suo modo di suonare si sforza di ottenere la massima chiarezza possibile, forse a scapito dell'espressività. Ma la sua profonda conoscenza di questa musica è impressionante: le correzioni alla prima edizione e all'autografo sono facili da seguire e le diteggiature sono molto utili. La notazione - per quanto questa musica lo consenta - è chiara e concisa. Chiunque desideri approfondire lo studio della Sonata per pianoforte op. 25 di Adolf Busch avrà a disposizione questa nuova edizione.

Adolf Busch: Sonata in do minore per pianoforte op. 25, a cura di Jakob Fichert, EB 8996, € 24,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Antonio Vivaldi, compositore e virtuoso del violino, è famoso per altri lavori, non per le sue opere. Eppure, secondo il suo stesso racconto, tra il 1713 e il 1739 scrisse 94 opere, fino a 5 opere all'anno! Di queste, 49 sono state conservate e identificate, almeno in parte, come sue opere.

Vivaldi fu particolarmente attivo come compositore d'opera nei teatri di Roma, Mantova, Verona e nella sua città natale, Venezia, e utilizzò principalmente materiale tratto dalla storia antica e dalla mitologia. Dive come Cecilia Bartoli hanno già interpretato le sue opere e sono disponibili le relative registrazioni, ma a parte alcune arie molto conosciute, questa musica non si ascolta spesso. Le Edizioni Buissonnières rendono ora accessibili le opere vocali di Vivaldi nel modo più bello.

Un'intera collezione di arie di Vivaldi ci fa scoprire tesori inaspettati, anche di opere molto sconosciute. Organizzata per generi vocali, questa è una collana magica, magica soprattutto nella sua esecuzione: libri rilegati che fanno impallidire d'invidia fotocopie e tablet. Sono libri che si vogliono avere. Anche la copertina rigida è accattivante con le sue vedute veneziane, un volume è dedicato a ogni parte vocale, arie di soprano, mezzosoprano, contralto e tenore sono naturalmente integrate da un volume per contre-tenore, un altro per baritono/basso è stato annunciato per quest'anno. Esiste anche un volume per ensemble e cori. Gli spartiti sono arricchiti da alcune illustrazioni storiche.

Tre grandi opere sono discusse in dettaglio con la loro genesi, il cast e il contenuto. Ogni aria è preceduta da commenti su come le arie si inseriscono nella rispettiva trama e da una traduzione del testo vocale dall'italiano. L'unica pecca è che tutti questi testi sono solo in francese.

La musica è avvincente, commovente, straordinaria e varia. Come si conosce Vivaldi. Virtuosisticamente impegnativa, furiosa, elegiaco-espressiva, sentita. Con questa musica si può imparare a cantare, si può dimostrare virtuosismo, musicalità ed espressività. Si può solo sperare che queste opere trovino sempre più spazio nelle sale da concerto e nei conservatori di musica. Oppure avete mai sentito parlare di un'opera intitolata Tietiberga o Dorilla a Tempe o Atenaïde sentito?

Antonio Vivaldi: Airs d'opéra pour
soprano, chant et clavier, EB-2-115, € 29,00;
mezzosoprano EB-2-337, € 33,00;
contralto EB-2-371, € 38,00;
contre-ténor, EB-2-222, € 38,00;
ténor, EB-2-372, € 29,00;
Extraits d'opéras duos, trios, chœurs, EB-2-370, € 29,00;
Edizioni Buissonnières, Crozon

Questo è il sesto volume di arrangiamenti per ensemble giovanili del musicista, compositore e insegnante britannico James Rae. Ad oggi, ha pubblicato oltre 250 libri, per lo più di musica didattica, quasi tutti editi da Universal-Edition. Questi includono edizioni strumentali, studi e scuole per strumenti a fiato, trascrizioni e duetti. Insieme al suo compatriota, l'insegnante di pianoforte jazz Mike Cornick, ha scritto quattro musical per le scuole.

La serie All together easy è caratterizzata da movimenti strumentali facili da suonare e da ascoltare, da una distribuzione "democratica" della melodia a tutte e quattro le voci e da una selezione stilisticamente diversificata di brani popolari di musica classica, folk, jazz e composizioni originali.

Il volume 6 contiene: Mack il coltello (Kurt Weill), Coro nuziale da Lohengrin (Richard Wagner), La canzone della Sky Boat (trad. scozzese) e la groovy Roccia robusta (James Rae).

Gli insegnanti di ensemble possono trovare Tutto insieme facile Materiale adatto per fare musica in qualsiasi combinazione di strumenti. Il livello di difficoltà per tutti gli strumenti è correttamente definito "facile". Movimenti d'insieme più impegnativi e contrappuntisticamente differenziati possono comunque essere realizzati da soli!

All together easy, Leichte Konzertstücke für variables vierstimmiges Instrumentalensemble, Band 6, arrangiamento di James Rae, partitura e parti (in C, Bb e Eb), parte di pianoforte opzionale, UE 21 585, € 22,50, Universal Edition, Vienna

Per molti batteristi, Oli Rubow non è una pelle nuova. È conosciuto da anni attraverso innumerevoli articoli e blog sul tema della "batteria eco", il suo campo di ricerca musicale, su cui ha lavorato intensamente negli ultimi 20 anni. Questa esplorazione può essere ascoltata in gruppi come Netzer, Hattler e DePhazz. Pratica un drumming ibrido con una batteria acustica ed effetti elettronici.

A proposito di elettronica: nel 1957 Pierre Schaeffer, uno dei pionieri della musica elettronica con la sua "Musique concrète" sperimentale, stabilì delle regole per rivoluzionare l'artigianato della composizione dell'epoca. Le sue richieste riguardavano la "creazione di nuovi oggetti sonori e la pratica della loro realizzazione". Oppure "imparare a usare dispositivi di manipolazione del suono" e "fare studi prima di concettualizzare le opere". Come coronamento, formulò poi la seguente regola: "Lavoro e tempo - essenziali per ogni vero processo di appropriazione!".

Cito questo episodio di storia della musica perché Oli Rubow nel suo libro Tamburi a eco utilizza proprio queste pratiche, favorendo così il processo di appropriazione. Racconta la sua storia con un flusso fresco. Dal primo dispositivo eco alla configurazione odierna. Sciagure e soluzioni, trucchi musicali e competenze tecniche: il lettore si immerge immediatamente in questo mondo emozionante e vuole provare subito questi suoni.

Grazie alle istruzioni passo-passo ben studiate, questo non è affatto un problema. L'argomento viene approfondito con esercizi concreti che possono essere messi in pratica immediatamente. Si creano nuovi suoni e ci si esercita a realizzarli. Si impara a conoscere l'attrezzatura, che è molto meno complicata da usare di quanto si temesse. Aneddoti e riferimenti a brani musicali della storia del pop vi faranno conoscere le numerose possibilità di questa tecnica di riproduzione degli effetti. Ci sono anche molti altri link e video online.

Questo libro è consigliato a tutti i musicisti che desiderano integrare l'entusiasmante mondo degli effetti eco e delay nel loro modo di suonare con esercizi concreti.

Oli Rubow: Echo Drums - Un drumming diverso grazie all'elettricità e agli effetti, 116 p., € 24,80, Leu-Verlag, Neusäss, ISBN 978-3-8977-184-2

Opere chiave: da un lato, sono pezzi che aprono qualcosa di nuovo a un'epoca, in modo che tutto sia diverso da prima. Dall'altro lato, sono pezzi che rendono un'epoca accessibile a noi in retrospettiva, in modo da comprenderla meglio. Di quali pezzi si tratta? Alcuni di essi, L'Orfeola Nona o la Wozzeck per esempio, sarà facile essere d'accordo, ma poi inizia la discussione. E naturalmente ognuno sceglie in modo diverso!

Ed è per questo che anche una prima occhiata all'indice di questo libro fa sorgere dei dubbi. Solo un brano di Chopin, Ravel o Cage? Nessun Antoine Brumel, Gottfried Heinrich Stölzel o Pierre Henry, ma un concerto per pianoforte di Norbert Burgmüller o il quartetto per pianoforte di Guillaume Lekeu? E l'interpretazione di Glenn Gould della Variazioni Goldberg essere intesa come un'opera? La questione diventa ancora più difficile quando gli autori non possono decidere a favore di una sola opera. Per esempio, scelgono una sinfonia ciascuno di Haydn e Mozart, ma mettono tutte le nove opere di Beethoven in una pagina e tutte le sue sonate per pianoforte in mezza pagina. È impossibile formare un canone in questo modo.

Forse un libro di "opere chiave della musica" non dovrebbe essere visto come una conferma delle proprie opinioni, ma piuttosto come una sfida. Ed è esattamente quello che è: 268 opere chiave di 180 compositori dal Medioevo anonimo all'inizio del XXI secolo sono qui riunite e discusse in modo esemplare. Tuttavia, spesso non si tratta di ritratti di opere, ma piuttosto di ritratti di compositori, basati su un'opera. Ciò testimonia anche una certa indecisione nei confronti dell'"opera chiave".

Accessibilità e comprensibilità sono il programma: la musica classica oggi non è più qualcosa di elitario, ma facilmente afferrabile, affermano gli autori all'inizio della prefazione, e lo fanno cercando di non impelagarsi in una terminologia tecnica. A volte riescono a raccontare piccole storie. Decostruiscono i luoghi comuni e ne creano di propri in modo aneddotico. Il linguaggio contiene umorismo e ironia in alcuni punti, ma a volte è un po' troppo lezioso, ad esempio quando si parla del libro di Witold Lutosławski Giochi di società conclude: "Le quattro brevi frasi sono incredibilmente vivaci, soprattutto l'ultima. La città lagunare dovrebbe potersi riconoscere in esse". Cosa dovrebbe significare? Nonostante i numerosi suggerimenti e informazioni, il libro lascia un'impressione un po' ambivalente. Un concetto più chiaro avrebbe aiutato.

Bernd Asmus, Claus-Steffen Mahnkopf, Johannes Menke: opere musicali fondamentali, 304 p., € 26,80, Wolke, Hofheim 2019, ISBN 978-3-95593-125-4

Norient ha il merito di aver fatto uscire la trattazione giornalistica della cosiddetta world music dall'angolo dell'orchidea dell'etnomusicologia. Quando fu fondata, circa vent'anni fa, la rivista online rappresentava una necessaria presa di posizione contro l'abbandono del folklore del mondo ai circoli nazionalisti propagandistici. La griglia tematica fornita con il nuovo sito web mostra che le preferenze urbane di sinistra sono ora ancora più in primo piano: Il catalogo delle parole chiave spazia dall'attivismo al colonialismo, dalle controculture all'etica, dai ruoli di genere al queer, dalla tecnologia al cambiamento climatico.

Secondo la definizione stessa della piattaforma, l'obiettivo è "sostenere la diversità (sub)culturale, ampliare gli orizzonti e stimolare il dialogo tra persone, continenti e discipline". Tuttavia, la piattaforma cade nella trappola della commistione attivista tra forma e contenuto: il tipo di presentazione non è così tollerante ai valori da promuovere la speranza di un allargamento degli orizzonti. Il design del sito segue le tendenze tipiche del design urbano-ideologico. Per gli estranei, questo può sembrare originale, ma è confuso, persino caotico. I non addetti ai lavori si sentono esclusi. È un peccato, perché molti dei contributi sarebbero stimolanti anche per chi la pensa diversamente.

Il rilancio del sito può essere visto come un sintomo di uno spostamento globale dei confini culturali: da una categorizzazione in primo e terzo mondo o paesi industrializzati e sottosviluppati, verso un crescente divario tra ambienti di vita tradizionali e metropolitani. C'è il rischio che si crei un conformismo al posto della diversità rivendicata. Il risultato è un'estetica e un'etica urbana di tendenza che rende intercambiabili le scene culturali delle metropoli di tutto il mondo, mentre il potenziale democratico dei processi di rinnovamento, piacevoli e altamente partecipativi, delle culture popolari locali viene visto sempre più come un ostacolo.

Norient - L'ora del suono

Questo doppio CD con opere pianistiche di Gregorio Zanon (*1980) si concentra su un compositore svizzero ancora poco conosciuto nella Svizzera tedesca. Ingiustamente, direi dopo questo primo incontro con la sua opera. È un peccato che la casa discografica abbia distribuito su due pagine la biografia del pianista Cédric Pescia, che gode di un'ottima reputazione in questo paese, mentre il libretto contiene solo scarse informazioni sul compositore. Wikipedia ci dice che Zanon, nato a Ginevra, ha studiato nella sua città natale con Jean Balissat ed Eric Gaudibert e a Londra con Dominic Muldowney. Ha già ottenuto un notevole successo soprattutto con opere per archi.

Le opere pianistiche di Zanon sono stilisticamente diverse. Non è un iconoclasta che vuole reinventare la musica, ma nemmeno un irriducibile che compone ancora oggi come ai tempi di Brahms. Al contrario, costruisce il proprio cosmo musicale a partire dagli elementi della musica tonale, che a volte può ricordare Scriabin, Shostakovich o Ravel, ma che nel complesso rappresenta un risultato molto personale. Anche dopo averci pensato per un po', è difficile pensare a una categoria musicale in cui classificare il lavoro di Zanon. Nel testo del libretto, Antonin Scherrer nomina giustamente il contrappunto meditativo o nostalgico, i ricordi dei richiami degli uccelli e il vigore iper-romantico come elementi dello stile di Zanon. Nonostante la costruzione talvolta sofisticata dei suoi brani, si ha spesso l'impressione che siano improvvisati sul momento e che il percorso non sia ancora definitivamente definito. Alcuni dei lavori presenti nei CD sono il risultato di rielaborazioni di brani che il compositore aveva in parte composto durante gli studi o anche prima. Le revisioni sono state presumibilmente utili, dato che ora sembrano essere state ricavate da un unico stampo. Uno spiritoso omaggio a Bach è costituito dai tre brani Studi Goldbergche danno un'idea molto sottile del maestro di Lipsia. Sarebbero certamente un grande successo in qualsiasi recital pianistico.

Cédric Pescia e Gregorio Zanon condividono la registrazione delle nove opere, piuttosto impegnative dal punto di vista pianistico. Pescia tira fuori tutte le sue capacità ed è un piacere ascoltarlo. È chiaro all'orecchio che si identifica pienamente con questi brani. La grande sorpresa, tuttavia, è il compositore stesso, che è un interprete ideale delle sue opere, molto sonoro nei passaggi delicati, ma anche presente laddove richiedono una grande abilità tecnica. Non c'è da stupirsi se Pescia ricorda di essere stato sopraffatto la prima volta che ha sentito Zanon "suonare la sua musica - dal vivo!".

Le scuole di musica e le organizzazioni amatoriali come i club musicali giovanili, le bande di ottoni, i cori e le orchestre amatoriali sono i principali fornitori di educazione musicale per bambini e giovani e per gli adulti. Promuovono il fare musica e il cantare e contribuiscono in modo significativo a radicare la musica nella popolazione.

Le scuole di musica pubbliche in Svizzera svolgono importanti compiti educativi nella nostra società, come parte del sistema educativo, come istituzioni culturali e come centri di formazione propedeutici agli studi universitari di musica. Le società musicali giovanili sono coinvolte come piattaforme educative nella promozione dei giovani talenti musicali e, insieme alle bande di ottoni, contribuiscono alla coesione nazionale. I cori e le orchestre amatoriali promuovono la musica d'insieme e rendono la musica accessibile a un vasto pubblico durante i concerti. Le scuole di musica e le organizzazioni amatoriali consentono a persone di tutte le età di ricevere un'educazione musicale, contribuendo così in modo decisivo alla partecipazione della popolazione al patrimonio culturale, alla sua coltivazione e al suo ulteriore sviluppo.

Anche dopo la ripresa delle attività frontali nelle scuole di musica e delle prove e delle attività orchestrali nelle organizzazioni amatoriali, le conseguenze della pandemia di coronavirus nel campo dell'educazione musicale si faranno sentire ancora a lungo: attualmente le condizioni stanno peggiorando di nuovo rapidamente e la breve e fragile "nuova normalità" viene già rimessa in discussione.

Le circa 400 scuole di musica che fanno parte dell'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS) non sono attualmente in grado di organizzare regolarmente esibizioni strumentali, il che significa che i bambini e i giovani non possono essere incoraggiati a partecipare all'educazione musicale nella misura abituale. Le prove di ensemble e orchestre e i concerti di scuole di musica, associazioni musicali amatoriali e cori possono svolgersi solo in condizioni difficili a causa delle misure di protezione. Molti concerti e concorsi hanno dovuto essere cancellati e probabilmente non sarà possibile svolgerli nella misura consueta ancora per qualche tempo.
 

La pandemia di coronavirus avrà probabilmente un impatto sulle condizioni finanziarie di molte famiglie a causa della situazione economica tesa in molti settori. È lecito chiedersi se tutti i genitori saranno in grado di continuare a mandare i loro bambini e ragazzi a lezione di musica con gli attuali contributi parentali. I primi riscontri delle scuole di musica indicano che è prevedibile un calo del numero di allievi. I club musicali e le orchestre amatoriali, così come i cori, sono minacciati da una diminuzione dei membri attivi, poiché le esibizioni concertistiche sono difficilmente possibili e le prove possono svolgersi solo con forti restrizioni. A lungo termine, ciò renderà più difficile l'accesso alle scuole di musica e alle società musicali amatoriali e, di conseguenza, le pari opportunità nel campo dell'educazione musicale saranno ancora meno garantite.

Le scuole di musica e le organizzazioni amatoriali hanno reagito rapidamente e con grande impegno alle sfide dell'attuale crisi. Sono state sviluppate e ampiamente implementate forme alternative di insegnamento e di prove, nonché piattaforme online per le esibizioni. Questo ha almeno in parte attutito le conseguenze immediate del blocco. Sono necessarie misure di più ampia portata per affrontare gli effetti a lungo termine.

Le scuole di musica stanno facendo tutto il possibile per contrastare il calo del numero di allievi con soluzioni innovative, come scadenze flessibili per le iscrizioni e opzioni di ingresso, nonché corsi di prova speciali o, se necessario, programmi di apprendimento a distanza. Le organizzazioni amatoriali e i cori devono trovare luoghi adatti per le prove e i concerti e devono sviluppare nuovi concetti per il reclutamento dei membri e per le esibizioni.

Affinché il canto e la musica rimangano una delle attività ricreative più popolari tra la popolazione svizzera e affinché l'educazione musicale completa sia aperta a tutti senza barriere, è necessario l'impegno creativo e la volontà di tutte le persone coinvolte.
 

L'Associazione svizzera delle scuole di musica e diverse associazioni musicali amatoriali celebrano la Giornata dell'educazione musicale CH il 7 novembre 2020. Saranno messi in evidenza i programmi offerti dalle scuole di musica, dalle associazioni musicali amatoriali e dai cori e sarà sottolineata la grande importanza dell'educazione musicale. Le singole scuole di musica e le associazioni musicali amatoriali attireranno l'attenzione sui loro programmi con attività musicali durante la giornata d'azione. Una panoramica degli eventi in programma si trova sul sito Sito web della campagna pubblicato.

Varie organizzazioni musicali

Giornata Signet dell'educazione musicale CH

Il Cantone descrive Marion Suter, nata nel 1988, come una "pianista eccezionale sulla scena della musica popolare svizzera". Il suo lavoro musicale è caratterizzato dalla precisione tecnica, dall'agilità e dalla coltivazione delle sue radici musicali, che "incorpora nelle nuove composizioni con grande cura e amore per la scoperta". Svolge un ruolo importante nella rivitalizzazione della letteratura pianistica di musica popolare. Con il progetto presentato, Marion Suter intende sviluppare musicalmente e rafforzare lo status della letteratura pianistica nella scena della musica popolare.

Nel suo lavoro, il musicista di Schwyzerörgel Aron Lötscher (nato nel 1991) cerca di sviluppare continuamente un linguaggio artistico indipendente ed è interessato a percorsi musicali nuovi e non convenzionali. Secondo il cantone, per lui è importante "mantenere la propria indipendenza e non essere soggetto a dettami commerciali". Con il suo progetto, Lötscher vuole svilupparsi musicalmente e continuare sulla strada scelta con nuove composizioni e uscite su vari canali.
 

Nato nel 1940, Barnabé, il cui vero nome è Jean-Claude Pasche, ha studiato canto al Conservatorio di Losanna ed è stato inizialmente attivo a Losanna, dove ha prodotto spettacoli per il teatro comunale. In seguito ha fondato il suo teatro nel fienile di famiglia a Servion, che ha dovuto ricostruire dopo un incendio nel 1994. L'edificio comprende una sala prove, un laboratorio teatrale e un vasto inventario di oltre 7000 costumi.

Il teatro ospita anche il più grande organo da sala cinematografica d'Europa e numerosi organi meccanici. Barnabé è stato il primo a portare in Europa il leggendario spettacolo "La cage aux folles". Quest'anno era ancora in scena. Dal 2005 il teatro è gestito da una fondazione.

Il settore culturale può comprendere che sono necessarie misure drastiche per contenere la pandemia di Covid-19, scrive Suisseculture. Tuttavia, queste misure metterebbero a repentaglio l'esistenza di molti professionisti e imprese culturali.

La Task Force Cultura chiede quindi di formulare regolamenti standardizzati per gli eventi culturali in tutta la Svizzera e di coinvolgere le associazioni culturali nell'elaborazione di misure macroeconomiche (orario ridotto, sostituzione del reddito da coronavirus). Chiede inoltre che le organizzazioni culturali siano informate tempestivamente sulle misure pandemiche e siano coinvolte nella loro attuazione concreta, nonché che il sostegno finanziario promesso sia fornito in modo rapido e non burocratico. 

Anche il settore culturale non vuole unità di terapia intensiva sovraffollate o un sovraccarico di personale sanitario. Sin dalla prima serrata, il settore culturale svizzero si è impegnato ad attuare le misure della Confederazione, a sviluppare concetti di protezione efficaci e ad applicarli in modo coerente. Solo raramente sono state contagiate persone in occasione di eventi culturali.

Per i professionisti della cultura (compresi gli specialisti di tecnologie per eventi), le imprese culturali (ad esempio gli organizzatori di eventi) e i fornitori (ad esempio i servizi di catering), un nuovo blocco o ulteriori restrizioni agli eventi rappresenterebbero una minaccia esistenziale.

Testo completo:
https://www.musikrat.ch/fileadmin/user_upload/20201024_MM_TFC.pdf

Questa vivace mazurka del compositore americano Edmund Severn (1862-1942) ha deliziato per decenni gli studenti delle scuole medie negli Stati Uniti; ora è stata pubblicata anche un'edizione europea. Il rondò combina accordi, pizzicati della mano destra e sinistra, armonici, sezioni danzanti e linee melodiche senza superare la terza posizione.

Edmund Severn: Danza polacca per violino e pianoforte, Pezzi da concerto di Bärenreiter, a cura di Kurt Sassmannshaus, BA 10750, € 9,95, Bärenreiter, Kassel

Le possibilità musicali che la sonata per violino e pianoforte apriva ancora all'inizio del XIX secolo e quanto poco vincolante fosse il trattamento degli strumenti si evince dal frontespizio della Sonata op. 47 di Beethoven, pubblicata nel 1805, la cosiddetta "Sonata Kreutzer" a causa della sua dedica: "È una sonata per violino e pianoforte". Sonata per il Piano-forte ed un Violino obbligato, scritta in uno stile molto concertante, quasi come d'un concerto - una sonata per pianoforte e violino obbligato, scritta in uno stile molto concertante, quasi come un concerto. Con tanta variabilità, non è certo una coincidenza che per tutto il XIX secolo non sia emersa un'estetica indipendente della sonata per pianoforte e strumento melodico (non solo in relazione al violino).

Beethoven dedicò la composizione al virtuoso francese del violino Rodolphe Kreutzer, il quale però, secondo Hector Berlioz, non la suonò mai e la considerò addirittura una "oltraggio inintelligibile" (come "assolutamente incomprensibile"). Ma anche tra i suoi contemporanei di lingua tedesca, Beethoven trovò poca simpatia. Al contrario, fu accusato senza mezzi termini di voler solo essere diverso dagli altri: In una recensione sulla rivista Leipzig Allgemeine musikalische Zeitung è utilizzato da un "terrorismo estetico o artistico" forse comprensibile alla luce di un primo movimento di ben 599 battute. Anche le esigenze tecniche erano percepite come molto elevate e la sonata stessa era raccomandata solo per certe occasioni: "Quando due virtuosi, per i quali nulla è più difficile, che possiedono tanto spirito e conoscenza che, se si aggiungesse la pratica, potrebbero al massimo scrivere loro stessi tali opere, e che, proprio per questo spirito che aleggia sul tutto, non sono disturbati dai più meravigliosi eccessi nei dettagli -: se si riuniscono, familiarizzano con l'opera (perché anche loro dovrebbero farlo), se aspettano l'ora in cui anche il più grottesco può essere goduto, purché sia fatto con spirito, e se lo eseguono in quest'ora: ne avranno un pieno e ricco godimento."

L'idea di un'ora musicalmente più intima prefigura immediatamente l'opera di Leone Tolstoj del 1889, La Sonata Kreutzer in cui la composizione di Beethoven funge da catalizzatore emotivo e trasforma l'amore della protagonista in gelosia ossessionata dal potere. Un dramma psicologizzante sulle profondità emotive represse della borghesia dell'epoca. Il 21° capitolo recita: "Quando due persone si dedicano all'arte più nobile, la musica, deve esserci una certa intesa intima; non c'è nulla di offensivo in un tale approccio, e solo un uomo stupido e geloso può vederci qualcosa di discutibile. Tuttavia, tutti sanno bene che è con l'aiuto di queste attività, soprattutto della musica, che si verifica un gran numero di rotture coniugali nella nostra società".

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

Dopo aver studiato violoncello a Winterthur e Amburgo, Engeli si è formato come direttore d'orchestra all'Università di Musica di Amburgo. Attualmente è Kapellmeister dell'Opera di Lipsia e dirige regolarmente l'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia e l'Orchestra della Musikalische Komödie.

Dal 1992, l'Orchestra Giovanile dello Stato di Sassonia è il punto di riferimento per i giovani talenti orchestrali ambiziosi della Sassonia. In due fasi di prova all'anno, i programmi che coprono tutte le aree stilistiche sono provati a livello professionale, alternandosi con il direttore artistico e con direttori ospiti che cambiano continuamente.

I singoli gruppi vocali collaborano con insegnanti di rinomate orchestre sassoni come la Staatskapelle Dresden, la Gewandhaus Orchestra Leipzig e la Robert Schumann Philharmonic Orchestra Chemnitz.