I tempi non sono esattamente favorevoli per le celebrazioni sfarzose. Lo ha dovuto apprendere anche la Fondazione Orpheum, che voleva festeggiare il suo 30° anniversario nella Tonhalle Maag. Tuttavia, la sala da concerto è rimasta chiusa a causa delle norme sul coronavirus. Ciononostante, l'evento si è tenuto due volte il 7 novembre, ogni volta davanti a un pubblico di 50 persone, non a Zurigo ma nella tipografia di Baden. L'organizzatore Piano District Baden aveva reso possibile il concerto e lo ha ripetuto due volte un giorno dopo.

Sul podio non c'era l'orchestra, come di solito accade all'Orpheum, ma il pianista Oliver Schnyder, già solista all'Orpheum, insieme al giovane violinista David Nebel e al violoncellista Dorukhan Doruk. Hanno suonato il Sonata di primavera op. 24 e la Sonata per violoncello op. 102/2 di Beethoven, così come la sua Gassenhauertrio - Il successo era certo per i musicisti motivati.

"È uno sforzo non indifferente che la maggior parte dei musicisti concertisti è attualmente disposta a fare", ha commentato Oliver Schnyder. "I tempi lo richiedono, soprattutto per l'impegno associato all'importanza della diversità culturale in una società che si sta rendendo conto degli sconvolgimenti che sta affrontando a causa della pandemia". È stato un concerto di musica da camera di grande effetto.

Questo contesto intimo è stato uno dei momenti più significativi nella storia della fondazione, nata con l'idea di "dare ai giovani musicisti l'opportunità di esibirsi di fronte a un grande pubblico accompagnati da direttori e orchestre di rilievo", come l'ha definita il presidente della fondazione Hans Heinrich Coninx. Questa massima è rimasta valida, ma da allora "abbiamo aperto nuovi formati musicali per i nostri solisti, ma anche per il nostro pubblico".

Un concerto di questo tipo, con due giovani e un musicista affermato, amplia le prospettive di entrambe le parti, come spiega Schnyder: "Lo scambio musicale tra artisti affermati e aspiranti tali non consiste nell'insegnare qualcosa all'altro, ma nell'ispirarsi e nel mettere in discussione le proprie opinioni. I giovani vivono in un mondo diverso da quello in cui vivevo io all'epoca. Lo vedono con occhi diversi, anche per quanto riguarda la musica. Io imparo da loro almeno quanto loro imparano da me".

Tuttavia, un concerto di musica da camera non può superare la magia dell'esecuzione con un'orchestra. La violinista Simone Zgraggen, ad esempio, che è stata sponsorizzata dalla fondazione negli anni precedenti, è titolare di una cattedra a Friburgo i.Br. dal 2012 ed è concertista della Basel Sinfonietta, è entusiasta: "Oltre al concerto di Dvořák, che ho potuto suonare alla Tonhalle di Zurigo, ho potuto esibirmi con i solisti dell'Orpheum Christian Poltéra, David Riniker e Florian Krumpöck a Salisburgo, Mosca e di nuovo alla Tonhalle, includendo il Triplo Concerto di Beethoven".

Circa 200 giovani musicisti si sono esibiti finora in concerti importanti, tra cui nomi come Sol Gabetta, Truls Mørk, Alice Sara Ott, Renaud e Gautier Capuçon, Martin Grubinger, Vilde Frang e, più recentemente, Marc Bouchkov e Christoph Croisé. Fortunatamente, tra i partecipanti c'è un gran numero di giocatori svizzeri, non tutti hanno fatto il salto nell'élite - anche questo fa parte del programma.

Per alcuni, tuttavia, è stato un importante trampolino di lancio, come dice il violoncellista Maximilian Hornung: "Orpheum è stata un'esperienza stimolante nel vero senso della parola, incredibilmente motivante e istruttiva". Coninx offre un'interessante aggiunta: "Se ci rendiamo conto che molti dei nostri solisti non erano ancora nati quando l'Orpheum è stato fondato, allora siamo sulla strada per diventare un progetto intergenerazionale".

L'Orpheum si è adattato e ha creato nuovi formati per poter offrire ai giovani talenti qualcosa di speciale. Il direttore artistico Howard Griffiths descrive il cambiamento: "All'inizio, i CD erano importanti e un'etichetta si occupava di un artista per anni, cosa che non accade più. Di conseguenza, ora sono spesso soli con il loro futuro, devono usare i social media. In compenso, abbiamo una selezione più ampia di musicisti, anche se il vertice è rimasto sempre appuntito. Ma cerchiamo sempre di selezionare artisti con una grande personalità musicale".

Tuttavia, il supporto CD continuerà a essere utilizzato con il sostegno della fondazione, ad esempio con la registrazione del concerto per violoncello di Paul Wranitzky (1756-1808) con Chiara Enderle. Ci sono già quattro registrazioni e Griffiths dice che ne sono previste altre due per il prossimo anno con i concerti per violoncello di Bernhard Romberg (1767-1841) e Georg Goltermann (1824-1898). Si scelgono deliberatamente opere meno conosciute per non esporre i musicisti emergenti al confronto con le star.
Radio SRF 2 ha registrato il concerto dell'anniversario a Baden e la versione in streaming è disponibile sul sito web dell'Orpheum.

A causa della situazione del coronavirus, la 16a Conferenza biennale non si terrà fisicamente al Toni-Areal come previsto, ma in forma digitale. Durante la conferenza, studenti, docenti e membri delle istituzioni associate all'ELIA esploreranno le seguenti domande: Come possono le arti collaborare con altre discipline per contribuire a risolvere le sfide ecologiche, economiche, sociali e culturali? Che ruolo hanno gli istituti d'arte in questo dibattito? E le accademie d'arte transdisciplinari sono il modello del XXI secolo?

L'ELIA conta più di 260 istituti membri provenienti da circa 50 paesi e rappresenta più di 300.000 studenti.

Secondo un comunicato stampa dell'Università delle Arti di Berna (HKB), l'opera esplora "gli aspetti visivi e acustici delle pietre". L'"approccio meticoloso e al limite dello scientifico" di Rüfenacht e Schmid utilizza un processo microscopico per mostrare i processi di ricristallizzazione in una risoluzione altamente astratta. Il risultato è una superficie visiva che traccia i cambiamenti nella struttura delle pietre e una superficie acustica che visualizza la natura subliminale dell'oscillazione.

La giuria è stata colpita da Cataclasite per il suo aspetto complessivo fine, armonioso e suggestivo.

Annie Aries (Annie Rüfenacht), nata nel 1988, è una compositrice e musicista che vive a Berna. Ha studiato musica e media art a Berna e attualmente sta completando la laurea in musicologia presso l'Università di Berna. Nel 2017 ha studiato alla Humboldt University nel programma Popular Music History & Theory.

La Commissione per la Promozione Culturale del Cantone di Lucerna ha premiato con questo riconoscimento il "pluriennale impegno di Bossart nella promozione della diversità culturale nella campagna lucernese". Bossart è un membro fondatore dell'associazione culturale Träff Schötz, che da oltre 35 anni stabilisce tendenze culturali riconosciute ben oltre la regione.

In qualità di responsabile dei media dell'Associazione per il paesaggio culturale di Lucerna e nel suo lavoro di giornalista per il Willisauer Bote, Norbert Bossart dà voce alla cultura e richiama l'attenzione sul vivace paesaggio culturale al di fuori dei centri urbani con campagne come "Cultura - il nostro pane quotidiano" o "Fuoco e fiamme per la cultura in campagna", scrive il Cantone.

Il premio viene assegnato ogni anno dalla Commissione per la promozione culturale a persone o gruppi che danno un contributo particolare alla vita culturale del Cantone di Lucerna.

La Divisione Cultura ha ricevuto 20 domande che sono state sottoposte alla valutazione tecnica del gruppo di esperti. Sono state assegnate otto sovvenzioni. Tra i progetti c'è il NOB Composition Workshop 2021 della New Orchestra Basel.
Alunni di diverse età mettono in musica i testi del concorso di scrittura Basler Eule e i giovani lavorano a composizioni con i musicisti dell'orchestra.

Viene sostenuto anche il progetto di educazione alla musica e alla danza intergenerazionale della Pumpernickel Company. In sei laboratori, i bambini della scuola primaria danzano e fanno musica insieme ai residenti del centro di assistenza Adullam. Il progetto Stimmenmeer (Mare di voci) del Verein Theater Süd (in collaborazione con ASK-Chor Basel e la casa di cura Momo), invece, "esplora la polifonia e la diversità della nostra società con persone interessate di tutte le età".

L'invito a presentare proposte per la promozione di progetti di educazione culturale da parte della Divisione Cultura viene pubblicato di solito due volte l'anno. I criteri decisivi per la valutazione includono un approccio di mediazione adeguato, la rilevanza dei contenuti e la rilevanza sociale, nonché la fattibilità del progetto e i suoi obiettivi di impatto.

Articolo originale:
https://www.bs.ch/nm/2020-unterstuetzung-fuer-acht-kulturvermittlungsprojekte-pd.html

Quando Beethoven offrì i suoi due trii per pianoforte op. 70 all'editore Breitkopf & Härtel di Lipsia nel luglio 1808, lo confermò con il post scriptum "perché c'è una carenza". Dal punto di vista creativo, Beethoven era all'apice della sua carriera: le opere si collocano nelle immediate vicinanze delle Sinfonie n. 5 e 6, del Concerto per pianoforte e orchestra n. 5 e della Fantasia corale che definisce il genere. L'opera 70 è dedicata alla contessa Anna Maria Erdödy (1778-1837), nella cui casa Beethoven non solo soggiornò per un breve periodo, ma che, in quanto salotto aristocratico, offrì anche lo spazio per l'esecuzione delle opere. Johann Friedrich Reichardt riporta nel suo Lettere familiari il 31 dicembre 1808: "Ho avuto un'altra doppia serata musicale. Prima un quartetto dalla contessa Erdödy. Beethoven ha suonato con grande maestria, con grande entusiasmo, i nuovi terzetti che aveva fatto di recente, in cui c'era un movimento cantabile così celestiale op. 70/2, 3° movimento"Non l'avevo mai sentita prima, ed è la cosa più dolce e graziosa che abbia mai sentito; solleva e scioglie la mia anima ogni volta che ci penso".

Il Trio per pianoforte e orchestra in re maggiore op. 70/1 di Beethoven è invece molto più radicale: i succinti movimenti esterni sono di una tale energia motivica e ritmica che a volte vengono raggiunti i limiti di ciò che è tonalmente possibile (a patto che l'ensemble rischi davvero questa voluta spietatezza). Ciò contrasta con il movimento lento quasi statico (Largo assai et espressivo), che trae la sua tensione interna principalmente dall'armonia. Tuttavia, il suo suono davvero singolare, che in seguito è valso alla composizione il soprannome di "Trio fantasma", è molto più efficace con uno strumento a tastiera contemporaneo o addirittura una replica che con un moderno pianoforte a coda da concerto. Ciò è dovuto non solo alla minore tensione delle corde (il telaio in ghisa non era ancora stato inventato), ma anche all'azione più sottile dei tasti e ai diversi smorzatori. È proprio così che il compositore e scrittore E. T. A. Hoffmann lo sottolineò in una recensione molto dettagliata del movimento, catturandone così la natura speciale per i posteri con parole poetiche: "... il Rec.ensente cita solo un'altra particolarità che distingue ed enfatizza questo movimento da tante composizioni per pianoforte a coda. Quando il violino e il violoncello eseguono il tema principale, il pianoforte a coda di solito ha un movimento in 64 seste, che devono essere eseguiti in pp. e leggiermente. Questo è quasi l'unico modo in cui il tono di un buon pianoforte a coda può essere enfatizzato in modo sorprendente ed efficace. Se queste sestine vengono suonate con mano abile e leggera, con gli smorzatori sollevati e il pianoforte a slitta, si produce un sussurro che ricorda l'arpa eolica e l'armonica e che, combinato con i toni d'arco degli altri strumenti, ha un effetto meraviglioso. - Oltre allo slide del pianoforte e agli smorzatori, Rec. usava anche il cosiddetto slide dell'armonica, che, come è noto, spostava il manuale in modo che i martelletti colpissero una sola corda, e dal bellissimo pianoforte a coda a corde fluttuavano suoni che avvolgevano la mente come fragranti figure di sogno e la attiravano nel cerchio magico di strane premonizioni". (Giornale musicale generale 1813)

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

Dal 29 ottobre è vietato cantare in cori non professionali; i cori professionali possono provare ma non esibirsi. Il IG CHorama scrive nel suo comunicato stampa del 4 novembre che il divieto di attività corali riguarda più di 4.000 associazioni di cori e ensemble con oltre 120.000 cantanti e più di 600 direttori di coro. Manca la sicurezza della pianificazione. Il mondo corale sta contribuendo a tenere sotto controllo la pandemia e a ridurre il numero di infezioni applicando concetti di protezione rigorosi per il canto in gruppo. L'IG CHorama vuole che l'ordinanza sia adattata in modo che il canto in gruppo sia possibile a determinate condizioni e che anche i cori professionali possano tenere concerti a determinate condizioni. L'IG CHorama è pronta a lavorare su una strategia che permetta all'intera scena corale di "ritrovare il suo splendore".

"... Canto, dunque sono/Coraggio in tempi di Corona" è una petizione online di numerose organizzazioni coralipromosso dall'Associazione musicale della Chiesa cattolica svizzera. L'iniziativa è rivolta al Parlamento, al Consiglio federale e all'Ufficio federale della sanità pubblica. Le associazioni sono convinte "che cantare in un coro abbia un impatto positivo sulla vita sociale e sulla salute, soprattutto in tempi di crisi". Per questo motivo, cantare in coro o in piccoli ensemble dovrebbe essere nuovamente possibile anche per i laici, a condizione che vengano rispettati rigorosi concetti di protezione.

In occasione della conferenza stampa del 4 novembre, il consigliere federale Alain Berset ha avuto colloqui con le associazioni culturali.
 

L'IG CHorama è composto da:
A cœur joie ACJ
Association de Soutien aux Chœurs d'Enfants et de Jeunes ASCEJ Association Vaudoise des directeurs de chœurs AVDC European Youth Choir Festival Basel EJCF
Associazione riformata di musica sacra Svizzera RKV Associazione corale svizzera SCV Associazione professionale svizzera dei direttori d'orchestra SBDV Federazione svizzera Europa Cantat SFEC
Associazione musicale della Chiesa cattolica svizzera SKMV Promozione dei cori infantili e giovanili SKJF Federazione corale ecclesiastica svizzera SKGB
Associazione dei direttori di coro della Svizzera nordoccidentale VChN

Con il sostegno dell'Associazione svizzera delle scuole di musica VMS

Nell'ambito del programma di Pro Helvetia "Coincidencia - Scambio culturale Svizzera - Sudamerica", sono stati realizzati in Sudamerica circa 250 progetti come mostre, tour, viaggi di lettura, residenze e viaggi di ricerca. Essi hanno portato a collaborazioni tra artisti e istituzioni culturali in Svizzera e in dieci Paesi sudamericani.

La Fondazione svizzera per la cultura ha deciso di istituire una sede permanente a partire dal 2021, al termine del programma quadriennale. In questo modo si proseguiranno i partenariati nelle discipline artistiche sostenute da Pro Helvetia. Oltre alle arti performative, visive e interdisciplinari, queste includono la musica, la letteratura, il design e i media interattivi. La filiale svilupperà inoltre collaborazioni nell'ambito della nuova area prioritaria "Cultura, scienza e tecnologia" e organizzerà residenze e viaggi di ricerca.

In occasione dell'apertura della filiale in Sud America, i partner dell'evento in Argentina, Brasile e Cile stanno organizzando webinar gratuiti sulle attuali politiche culturali e sulle questioni sociali.

Per saperne di più: https://coincidencia.net/en/initiative/opening-activities/

Il Consiglio svizzero della musica (SMR) scrive nel suo comunicato stampa del 30 ottobre:
"Il 28 ottobre il Consiglio federale ha deciso che in tutta la Svizzera gli eventi pubblici saranno consentiti solo con un massimo di 50 persone fino a nuovo avviso. Le discoteche e le sale da ballo dovranno chiudere. Le prove delle organizzazioni culturali amatoriali saranno possibili solo con un massimo di 15 persone. I cori amatoriali non potranno più provare. Anche nel settore dell'istruzione sono previste notevoli restrizioni. A breve termine, le misure di sostegno promesse devono essere attuate rapidamente; a medio e lungo termine, il settore musicale ha bisogno di prospettive lungo l'intera catena del valore. Le organizzazioni di categoria devono essere maggiormente coinvolte dai decisori governativi, soprattutto in una fase iniziale. Solo insieme possiamo riuscire a preservare la diversità culturale.

Le parti interessate del settore musicale sono consapevoli della necessità di adottare misure severe per contenere il numero crescente di infezioni ed evitare che il sistema sanitario sia sovraccaricato. Tutti devono fare la loro parte. Per questo motivo i musicisti professionisti, le aziende del settore musicale (in particolare gli organizzatori di eventi), le associazioni di cultura amatoriale, le istituzioni scolastiche e gli insegnanti di musica hanno sostenuto fin dall'inizio le misure federali e cantonali, hanno investito molto nei concetti di protezione e li hanno attuati in modo coerente e responsabile. Tuttavia, le misure di contenimento dell'epidemia hanno avuto un impatto drastico sull'intero settore musicale.

Sta diventando sempre più difficile pianificare gli eventi, perché non si sa quando, se e in quali condizioni si potranno svolgere. Ciò si ripercuote in particolare sulle possibilità di finanziamento e sulla ricerca di sponsor, che diventano ancora più difficili. Anche nel caso di eventi con un numero di persone pari o inferiore a 50, non è certo che il pubblico si presenti, poiché le autorità stanno comprensibilmente invitando le persone a ridurre i contatti sociali. Molti eventi non possono più essere organizzati con profitto a causa del numero limitato di visitatori.

Lo sforzo organizzativo provocato dalle misure ufficiali è ogni volta enorme per tutti gli operatori del settore musicale. Alcuni tour hanno dovuto essere rinviati per la terza volta.

Le associazioni culturali - in particolare le organizzazioni di categoria - devono essere maggiormente coinvolte dai decisori governativi, soprattutto nelle fasi iniziali, in modo da poter contribuire con la loro esperienza pratica, chiarire tempestivamente le questioni, prepararsi bene ai prossimi provvedimenti e anche capirli e comprenderli (ad esempio, il divieto di prove per i cori amatoriali). Solo lavorando insieme possiamo riuscire a preservare la diversità culturale e a permettere agli artisti creativi e alle imprese culturali di tornare al loro lavoro e quindi di guadagnarsi da vivere.
 

Le misure di sostegno promesse devono essere attuate rapidamente e le relative questioni devono essere chiarite con il coinvolgimento delle organizzazioni culturali. I modelli occupazionali nel settore culturale sono complessi e la competenza delle organizzazioni di categoria è necessaria per garantire l'efficacia delle misure. Ciò vale in particolare per le misure specifiche per la cultura, come la compensazione per la perdita di guadagno o i contributi ai progetti di trasformazione, ma anche per le misure macroeconomiche come l'orario ridotto, la compensazione del reddito per i lavoratori autonomi e le persone assimilate ai datori di lavoro. Lo stesso vale per il regime di indennizzo per le aziende della catena di valore dell'industria degli eventi.

Sta già emergendo un altro problema. Se non si organizzeranno quasi più eventi a causa dell'incertezza della pianificazione, l'indennità di cancellazione per le imprese culturali non si applicherà più, perché non si potrà cancellare nulla. Le organizzazioni culturali non professionali si trovano ad affrontare lo stesso problema. Anch'esse riceveranno aiuti finanziari solo in caso di cancellazione, rinvio o allestimento limitato di eventi. Poiché sono autorizzate a fare prove solo in misura molto limitata o a non farle affatto fino a nuovo avviso, quasi nessun concerto viene cancellato.
 

Al momento è estremamente incerto come andranno le cose. Ma una cosa è chiara: la diversità culturale deve essere preservata ad ogni costo.

La variegata cultura musicale svizzera comprende la cultura amatoriale, i musicisti professionisti di tutti i generi e l'industria musicale (come club, festival, etichette e agenzie). Il prerequisito per questa diversità è l'educazione musicale nelle scuole primarie, nelle scuole di musica, nei licei musicali, nelle scuole di formazione per insegnanti o anche fornita da insegnanti di musica freelance e da organizzazioni amatoriali.

È essenziale evitare la stigmatizzazione pubblica del canto e del suonare strumenti a fiato. Sarebbe disastroso se la cultura amatoriale, e con essa le associazioni radicate a livello locale che contribuiscono così tanto alla vita sociale e culturale della Svizzera (in gran parte attraverso il lavoro volontario), dovessero scomparire a causa di restrizioni a lungo termine o addirittura di divieti alle attività associative.

Ora abbiamo bisogno di informazioni chiare e di una prospettiva con una strategia di uscita. Alcuni effetti si concretizzeranno solo con un notevole ritardo. Ad esempio, le royalties derivanti dai diritti d'autore e dai diritti degli interpreti sono una parte importante del reddito di molti creatori di musica. Il crollo del settore live nell'anno in corso porterà a un calo significativo delle entrate per i titolari dei diritti (compositori, produttori, editori, esecutori) nel 2021".

Le liste della spesa esistono da centinaia di anni. Tuttavia, appartengono a un tipo di testo che perde il suo scopo dopo pochissimo tempo. Il pezzo di carta viene accartocciato, strappato o semplicemente gettato via con noncuranza. In passato veniva usato al massimo come accendino, ma oggi è da tempo oggetto di ricerca storico-culturale. Anche Beethoven utilizzava liste di questo tipo. Nel 2011 uno di questi rari fogli è stato battuto per 74.000 euro. I requisiti annotati su di esso per la governante erano sicuramente molto più economici. Si tratta di un "MiceFall"a "ZündMaschine", "WashSoap" e tre "BalbierMeßer"e c'è anche la nota "Bejm Met orologiaio / lei / metronomo".

Beethoven si sarebbe stupito di questo prezzo. Avrebbe persino potuto investirci lui stesso. A differenza di molti altri compositori e musicisti, sapeva come gestire il denaro, o almeno come "incassarlo" in modo corretto. Già nel 1809 fu stipulato un contratto di rendita a suo favore; non vendette mai le proprie opere a un prezzo inferiore al loro valore; le dediche a personalità aristocratiche di alto rango erano solitamente ricompensate finanziariamente. Tuttavia, sembra che Beethoven non abbia mai avuto una visione d'insieme della sua effettiva fortuna. In ogni caso, era moderno, disposto a correre rischi ed era stato ben consigliato dall'amico Franz Oliva quando, il 13 luglio 1819, acquistò azioni per un valore di quasi 10.000 fiorini in valuta viennese - l'equivalente di circa 86.000 franchi - dalla neonata "privilegierte oesterreichische National-Bank" dopo gli anni di guerra. Per gli standard dell'epoca, soprattutto per un compositore, si trattava di una fortuna considerevole che in seguito avrebbe provveduto al sostentamento del nipote Karl e dei suoi figli. Il fatto che Beethoven "facesse i conti" nel vero senso della parola con il dividendo, che veniva versato due volte l'anno, è dimostrato dal poscritto di una lettera dell'8 febbraio 1823 al capo contabile Franz Salzmann: "Vi chiedo, per quanto riguarda il dividendo più caro, di fare in modo che io possa riceverlo oggi o domani, perché il nostro ha sempre bisogno di soldi, e tutte le banconote che faccio non mi tirano fuori dai guai!".

È rassicurante che il titolo di uno dei brani pianistici più noti, ovvero La rabbia per il centesimo perduto, sfogata in un capricciopresumibilmente da Anton Schindler. Si trova già in una nota esplicativa della prima edizione, pubblicata postuma nel 1828 - mentre Beethoven si limita a descrivere il caratteristico rondò, composto intorno al 1794/95, come All'ingharese quasi un Capriccio l'aveva intitolato. In ogni caso, l'umorismo musicale del movimento è ciò che conta di più. Quando Robert Schumann mise le mani sulla composizione nel 1835, annotò con piacere nel Nuova rivista per la musica: "È difficile pensare a qualcosa di più divertente di questa corda, mi è venuto da ridere tutto d'un fiato quando l'ho suonata per la prima volta l'altro giorno".

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

I risultati più importanti includono la constatazione che il numero totale di contatti critici che durano diversi minuti durante l'evento non è molto elevato e può essere ridotto in modo significativo grazie ai concetti di igiene. Molti contatti avvengono soprattutto durante l'ingresso e le pause. Per questo motivo la pianificazione deve concentrarsi su questo aspetto. Anche la scarsa ventilazione può aumentare significativamente il numero di persone esposte al rischio di infezione.

Circa il 90% dei partecipanti allo studio non ha trovato problematico indossare una maschera ed è disposto a continuare a farlo per poter vivere nuovamente gli eventi. (Sondaggio dopo l'esperimento del concerto). Se i concetti di igiene vengono rispettati, l'impatto aggiuntivo sulla pandemia è complessivamente basso o molto basso.

Articolo originale: https://www.restart19.de/
 

L'Orchestra della Tonhalle di Zurigo e la sua direzione "si rammaricano molto per questo e sperano sinceramente che la situazione migliori e che saremo in grado di organizzare nuovamente eventi a dicembre". Secondo Ilona Schmiel, direttrice artistica della Tonhalle-Gesellschaft Zürich AG, negli ultimi mesi sono stati compiuti tutti gli sforzi possibili per mantenere le attività.

Il rimborso dei biglietti per i concerti annullati è di competenza del rispettivo organizzatore. I biglietti per i concerti della Tonhalle-Gesellschaft Zürich annullati vengono automaticamente accreditati sul conto del cliente.

La Tonhalle Maag è una sala concerti temporanea. È principalmente una sede dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo durante gli anni 2017-2021, quando la Tonhalle e la Kongresshaus di Zurigo sono in fase di ristrutturazione, ma è disponibile anche per altri organizzatori di eventi. La maggior parte dei concerti di musica classica a Zurigo si svolge attualmente nella Tonhalle Maag.

Il regolamento stabilisce che i professionisti e le organizzazioni del settore culturale con sede ad Aarau che si trovano in difficoltà a causa delle restrizioni della COVID-19 possono richiedere l'assistenza finanziaria della città di Aarau. Questo vale retroattivamente dal 13 marzo e fino al 31 dicembre 2020, con un totale di 40.000 franchi svizzeri disponibili per l'assistenza ponte. Oltre al pagamento sussidiario dell'indennizzo per il mancato guadagno, a determinate condizioni verranno rimborsate anche le tariffe di base per l'utilizzo culturale di spazi e luoghi pubblici.

Oltre alla giustificazione scritta della situazione di emergenza, le domande di indennità di perdita di guadagno richiedono anche la prova che la domanda sia stata presentata alle autorità cantonali e nazionali competenti e le relative decisioni. Inoltre, devono essere indicate le entrate e le uscite, la situazione patrimoniale e la liquidità attuale.

Per l'esenzione dalle tasse di base per l'uso culturale di spazi o edifici pubblici della città, è necessario presentare una domanda con le relative fatture e una descrizione dell'evento previsto o già organizzato.

Le domande devono essere presentate entro il 31 dicembre 2020 alla Kulturstelle, Abteilung Kultur Aarau, all'indirizzo kulturstelle@aarau.ch o per posta a Rathausgasse 1, 5000 Aarau. Il Centro culturale continuerà a sostenere gli artisti creativi e le associazioni culturali in qualità di consulente.

Il regolamento sugli aiuti ponte nel settore culturale è disponibile al seguente link: https://aarau.tlex.ch/frontend/versions/302

Concerti annullati, negozi e cinema chiusi, riduzione della pubblicità in TV e alla radio: tutte queste conseguenze delle misure imposte per combattere la diffusione della pandemia di coronavirus hanno avuto e continuano ad avere un impatto diretto sui ricavi derivanti dallo sfruttamento dei diritti d'autore: Se la musica non viene utilizzata, anche i diritti d'autore vengono annullati.

La SUISA offre ai suoi membri un sostegno per colmare finanziariamente la perdita dei diritti d'autore:

Revoca degli anticipi

Innanzitutto, i membri della SUISA hanno sempre avuto la possibilità di ricevere un anticipo. Sia gli autori che gli editori possono ricevere un anticipo. L'importo dell'anticipo viene calcolato in base al reddito medio del socio negli ultimi anni. Gli anticipi vengono versati solo se il membro ha ricevuto in media più di 500 franchi svizzeri come compenso per i diritti d'autore negli ultimi anni. Gli anticipi possono essere richiesti via e-mail. Le domande saranno esaminate entro sette giorni. La decisione sarà comunicata per iscritto via e-mail. Se la domanda soddisfa i requisiti necessari, l'anticipo sarà versato immediatamente tramite bonifico bancario.

Di norma, un anticipo viene compensato con il successivo estratto conto che il socio riceve. Ciò significa che l'importo ricevuto viene detratto dall'importo da distribuire. Come misura immediata contro la situazione eccezionale causata dalla pandemia di coronavirus, il Consiglio della SUISA ha deciso di sospendere la compensazione degli anticipi almeno fino a giugno 2021. Il Consiglio di amministrazione e la direzione stanno monitorando attentamente l'ulteriore evoluzione della situazione di crisi al fine di posticipare ulteriormente la data di liquidazione, se necessario, in linea con gli sviluppi economici. In ogni caso, gli anticipi ricevuti dovranno essere rimborsati l'anno prossimo, non prima di giugno 2021.

Pagamenti di sostegno ai membri

Se l'anticipo non è sufficiente e un membro della SUISA si trova in un'emergenza finanziaria esistenziale a causa della perdita del compenso per i diritti d'autore, può richiedere un aiuto alla SUISA. Per gli autori sono disponibili i fondi della Fondazione di previdenza della SUISA per le emergenze. Inoltre, in primavera il Consiglio direttivo ha deciso di istituire un fondo di soccorso aggiuntivo come ulteriore misura di emergenza, dal quale possono essere erogati pagamenti di sostegno sia agli autori che agli editori. Il fondo di soccorso è stato approvato a larga maggioranza dall'Assemblea generale di giugno, che quest'anno si è svolta con voto per corrispondenza.

In quanto sfruttatore di diritti d'autore, la SUISA fornisce un sostegno per la perdita dei diritti d'autore. Tale sostegno va inteso come un'integrazione ad altre misure di sostegno federali o cantonali. I fondi della SUISA per i pagamenti di sostegno sono limitati e solo i membri della SUISA possono richiedere il sostegno della SUISA.

Il richiedente deve dimostrare di essere in difficoltà economica. Le domande di pagamento del sostegno possono essere presentate tramite il portale per i soci "Il mio conto". I documenti presentati saranno esaminati entro sette giorni. La decisione sarà comunicata per iscritto via e-mail. Il pagamento viene effettuato tramite bonifico bancario subito dopo l'approvazione della domanda. Gli assegni di sostegno non devono essere rimborsati.

Questo articolo è stato pubblicato per la prima volta il 9 giugno 2020 su SUISAblog.ch e nella News per i membri SUISA, SUISAinfo 2.20, del giugno 2020.

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Bartók fu uno dei suoi compositori fatali. Schneeberger suonò la Seconda Rapsodia con Ansermet nel 1946. Da quel momento in poi fu considerato il miglior violinista della Svizzera. Poco dopo, fu in grado di eseguire la prima svizzera del 2° Concerto per violino di Bartók. Questo portò a sua volta alla prima del 1° Concerto per violino, che fu pubblicato solo postumo. Nel 1952, Schneeberger si occupò della prima del Concerto per violino di Frank Martin.

Schneeberger è stato un fenomeno singolare come artista, pedagogo e persona. Ha sempre reagito in modo diretto. Era sempre alla ricerca di soluzioni migliori. Il pianista Jean-Jacques Dünki, uno dei suoi colleghi di lunga data nella musica da camera, racconta che anche in età avanzata Schneeberger era ancora entusiasta di una nuova diteggiatura e la suonava immediatamente per lui. Il violinista lavorava su una tecnica d'arco leggera e respirante: "Ha trascorso decenni della sua vita ad armeggiare con un'estensione del colpo d'arco", dice Egidius Streiff, che è stato suo allievo minore all'Accademia di Musica di Basilea. Era in grado di "far girare" le frasi sull'arco quasi all'infinito, creando così il suo stile personale.

Heinz Holliger, con il quale ebbe un'amicizia decennale, ricorda: "Il suo arco era orientato alla respirazione... Era interessato a far risuonare l'essenza del pezzo. Per raggiungere questo obiettivo, era disposto a mettere in discussione tutto ciò che aveva imparato. Era il più grande modello di comportamento che un musicista possa avere: mai soddisfatto di se stesso e sempre alla scoperta di qualcosa di nuovo".

Essendo un uomo alto e pesante, ha lavorato sulla facilità di suonare. Ha allenato questa leggerezza attraverso il suo grande hobby, il pattinaggio sul ghiaccio, che gli ha insegnato una filosofia completamente nuova di suonare il violino: "Non bisogna disturbare il flusso del movimento. L'uno deve fluire armoniosamente dall'altro. Se si sbaglia il movimento all'inizio, l'intero pezzo si rompe", disse in un'intervista trasmessa dalla SRF in occasione della sua morte.

Come insegnante, era una forza elementare e non lasciava dubbi su come voleva che fossero le cose: "Lo faccio così", si sentivano spesso dire i suoi studenti quando cercavano soluzioni musicali. Dopo un concerto, poteva mostrare il suo totale entusiasmo, ma anche la sua totale antipatia. Egidius Streiff riferisce: "L'ho trovato una persona molto aperta. Aveva un interesse molto ampio e voleva sapere tutto ciò che interessava all'allievo".

Nell'Aula Magna dell'Accademia di Musica di Basilea, dove Schneeberger ha insegnato per 30 anni, il 21 ottobre sono stati eseguiti compositori che erano stati tra i suoi preferiti, oltre a brani che presentano un legame interiore tra il premiato e gli esecutori.

Heinz Holliger ha iniziato con una dimostrazione esemplare di ciò che può significare fare musica respirando nell'Adagio del quartetto per oboe di Mozart. Intarsimile per violino solo del 2010 era stata originariamente composta da Klaus Huber per Schneeberger, ma alla fine la prima esecuzione è stata affidata al suo allievo Egidius Streiff, che questa volta era anche sul podio. L'entusiasmo di Heinz Holliger per Schumann è iniziato quando ha sentito Schneeberger suonare Schumann da giovane studente: "Aveva la chiave di questa musica", è convinto Holliger. Ascoltare Daniel Sepec e Tobias Schabenberger suonare la Sonata n. 1 in la minore di Schumann è stato un piacere puro. Streiff aveva mostrato al suo insegnante la Sonata di Reger in mi minore. Schneeberger ne fu talmente entusiasta che la registrò subito su disco insieme a Jean-Jacques Dünki. Dünki e Streiff eseguirono l'opera quella sera stessa.

La musica francese stava particolarmente a cuore a Schneeberger: "La musica francese deve avere un buon sapore", diceva. Questo carattere olfattivo si avvertiva nell'Allegro del quartetto per pianoforte di Fauré con Gérard Wyss, Helena Winkelman, Mariana Doughty e Tobias Moster. Il giovane Dmitry Smirnov, accompagnato da Jean-Jacques Dünki, ha tirato abilmente le corde musicali nella Sonata per violino e pianoforte in sol minore di Debussy. Negli ultimi mesi della sua vita poté beneficiare dei consigli di Schneeberger. Il suo ultimo regalo all'amico Heinz Holliger fu l'edizione completa delle lettere di Ravel. Nell'Allegro della Sonata per violino e violoncello di Ravel, Ilya Gringolts e Anita Leuzinger hanno interpretato abilmente gli intervalli scomodi l'uno all'altro. Heinz Holliger aveva preparato la sonata per violino e violoncello. Ri-Tratto (2011) e si ispira alla fuga della sonata per violino solo di Bartók, che Schneeberger aveva spesso suonato. Ilya Gringolts l'ha eseguita con una presa decisa. Ha poi offerto una versione mozzafiato della fuga.

Il fatto che anche Schneeberger avesse composto, anche se in gran parte in segreto, è emerso chiaramente nel successivo punto del programma. Aveva iniziato già all'età di nove anni. Già allora i suoi pezzi erano perfettamente composti e mostravano un linguaggio originale e personale. Isabelle Schnöller si è unita a quelli già citati per i suoi due Haiku per flauto e trio d'archi (2011). Nel primo pezzo si sentivano flagellati e richiami di uccelli; nei cluster sonori del secondo, si credeva di riconoscere immagini della natura. Eingelegte Ruder (2015, foto in basso) per baritono, cor anglais, viola e violoncello ricorda l'opera tarda di Franz Liszt La lugubre gondola. Robert Koller ha creato il testo significativo di C. F. Meyer su un'atmosfera cupa.

Il programma si è concluso con un'allegra violinstafette con duetti di Béla Bartók, che Schneeberger conosceva a menadito, poiché si trovavano sulla scrivania del suo insegnante di violino Walter Kägi. Era in costante contatto con Bartók, che gli inviava i pezzi da provare.