Sabato 17 giugno, circa 100 persone provenienti da tutta la Svizzera si sono recate nella Svizzera centrale per partecipare alla 103a Assemblea dei delegati dell'EOV. I delegati dell'orchestra e gli altri ospiti sono stati accolti a Sarnen con un'allegra matinée generazionale. L'Associazione orchestrale di Sarnen, padrona di casa, ha presentato un programma divertente insieme all'Ensemble Vivace, all'orchestra giovanile e ai più giovani studenti Suzuki delle scuole di musica di Obvaldo.

Dopo la pausa pranzo, la breve parte statutaria dell'Assemblea dei delegati, presieduta con grande abilità dalla vicepresidente Bernadette Wiederkehr, si è svolta senza intoppi. Il verbale dell'Assemblea generale del 2022, la relazione annuale del Presidente, il bilancio annuale con la relazione dei revisori e il budget 2023 sono stati approvati all'unanimità dai 78 votanti provenienti da 53 orchestre. È stata inoltre approvata senza discussione una modifica minima dello Statuto, che fissa la sede dell'Associazione a Berna e non la fa più dipendere dal luogo di residenza del Presidente.

In seguito, i delegati e gli ospiti hanno proseguito la loro formazione con interessanti workshop sulla cura degli strumenti o hanno avuto modo di conoscere meglio la pittoresca capitale di Obvaldo con un'emozionante visita del villaggio.

Conclusione con una piacevole gita in barca
I delegati hanno concluso la giornata ricca di eventi con una piacevole crociera sul lago di Sarnen a bordo della "Seestern", una barca appositamente noleggiata dall'EOV. Davanti a un delizioso aperitivo, i delegati hanno conversato in modo informale e si sono goduti lo splendido clima estivo e il paesaggio mozzafiato.

Desideriamo ringraziare sentitamente il team organizzativo dell'Associazione orchestrale di Sarnen e gli organizzatori del Consiglio dell'EOV per il loro grande impegno e per il successo complessivo dell'evento. Il prossimo DM si terrà a Coira nella primavera del 2024. Annunceremo la data esatta in un secondo momento.

Particolarmente apprezzate sono le settimane di corso di musica folk, corno alpino e banda d'ottoni boema. Se desiderate ancora partecipare a un corso, potete trovare tutte le informazioni sui corsi, le iscrizioni e i posti disponibili sul sito web musikkurswochen.ch. Alcuni corsi sono già al completo.

20 diverse masterclass Arosa

Sotto l'etichetta "Meisterkurse Arosa - Masterclasses Arosa", Arosa Kultur raggruppa tutti i corsi delle Settimane Musicali di Arosa che offrono il livello di masterclass. In totale, ci sono circa 20 corsi individuali per vari strumenti. Un'offerta speciale nell'ambito delle masterclass è la "AROSA MUSIC ACADEMY", che combina lezioni individuali con lezioni intensive di musica da camera. 

I docenti delle masterclass includono musicisti famosi come Maurice Steger, Simon Fuchs, Priya Mitchell, Lars Mlekusch, Markus Fleck, Sarah O'Brien e molti altri.

Premi interessanti per i partecipanti alle masterclass

Arosa Cultura ha creato premi interessanti per i partecipanti alle masterclass. Il premio Hans Schaeuble viene assegnato a un massimo di nove partecipanti. Un premio comprende un concerto nell'ambito del festival Arosa Klassik dell'inverno successivo. Arosa Kultur offre l'opportunità di esibizioni di musica da camera con musicisti rinomati. 

Il premio può essere consegnato grazie al sostegno finanziario e morale della Fondazione Hans Schaeuble. 

La Fondazione Villa Musica della Renania-Palatinato DE assegna borse di studio interessanti e ambite a studenti di musica selezionati. I partecipanti all'accademia musicale di arosa per suonatori di archi hanno l'opportunità di fare un'audizione esclusivamente per ottenere una borsa di studio Villa Musica. 

Tutte le informazioni sul Meisterkrusen sono disponibili all'indirizzo masterclassesarosa.ch.

Estate culturale ad Arosa con un ampio programma culturale

Quest'estate, Arosa Cultura ospita due mostre: "Uff än Ggaffi" nel Museo di Storia Locale di Arosa presenta 15 donne di Schanfigg e "Vo Plumpa und Schella" in una stalla sotto il Bergkirchli presenta la collezione di campane dell'agricoltore di montagna di Arosa Markus Lütscher e il suo utilizzo durante l'anno. 

Anche il programma musicale è vario e di alto livello. Canzoni napoletane, canzoni popolari di montagna, hard rock di Coira, musica popolare, letture, musica classica e l'operetta francese "Le dernier sorcier" vi invitano a divertirvi.

Ogni martedì dal 20 giugno al 10 ottobre, i concerti del martedì si svolgono alle ore 17.00 con molti musicisti grigionesi e i responsabili dei corsi delle Settimane Musicali di Arosa.

Conveniente: il viaggio in treno Coira-Arosa-Coira è incluso nel biglietto di alcuni eventi. E quando il tempo lo consente, molti eventi si svolgono all'aperto presso il Waldbühne di Arosa. 

Gli eventi per bambini organizzati da Arosa Kultur si svolgono anche sulla Waldbühne ogni lunedì di luglio e agosto. 

I biglietti per il Kultursommer possono essere prenotati:

+41 (0)81 353 87 50 o ticketing@arosakultur.ch.

 Tutte le informazioni sono disponibili su www.arosakultur.ch per trovare.

Anche se spesso non ne siamo consapevoli, la tecnologia AI viene già utilizzata in molti ambiti della nostra vita quotidiana, tra cui la comunicazione, il mondo del lavoro, la sanità, i trasporti e l'intrattenimento. È molto probabile che in futuro questa tecnologia contribuisca sempre di più a risolvere le varie sfide della nostra società, come il cambiamento climatico o l'aumento della produttività economica.

Tuttavia, tutti parlano di IA dal dicembre 2022, quando la società statunitense OpenAI ha lanciato la piattaforma online ChatGPT. ChatGPT comprende ciò che un utente scrive in forma di testo, è in grado di imparare, risponde a domande o scrive passaggi di testo con conversioni naturali e quasi prive di errori in tempo reale.

Sviluppo rapido

Al momento, tuttavia, lo sviluppo è ancora in fase iniziale, quindi le affermazioni di ChatGPT vanno prese con le molle, poiché secondo diversi esperti di IA sono a metà strada tra il "brillante" e lo "stupido da togliere il fiato". Tuttavia, dato il rapido ritmo di sviluppo, si può presumere che la situazione cambierà rapidamente.

E dopo che, nel gennaio 2023, è stato annunciato che ChatGPT ha superato un Master of Business Administration (MBA) presso un'università d'élite con un voto sufficiente, non sono solo le università e i college a discutere attivamente su come affrontare questa nuova sfida.

Le soluzioni variano: nei casi in cui l'IA non è completamente vietata come aiuto dalla normativa, il suo utilizzo deve essere documentato in modo trasparente, ad esempio, e la dichiarazione di indipendenza è integrata da una nota in cui si dichiara che l'IA è stata utilizzata solo come aiuto e non per trovare una soluzione.

A parte il discorso filosofico, certamente appassionante, sull'origine di un'idea (o, in questo caso, della soluzione di un problema) quando si utilizza l'IA, dimostrare che qualcuno non ha rispettato questo requisito è probabilmente piuttosto difficile (almeno al momento).

Ad esempio, non è ancora certo se un software avanzato per il plagio sarà in grado di riconoscere se un testo è stato scritto dall'autore o generato da un "ghostwriter", che in questo caso è l'AI.

È molto probabile che una commissione d'esame scopra se il lavoro e i pensieri di uno studente sono effettivamente coinvolti in una discussione scientifica puramente personale (il cosiddetto colloquio). 

L'intelligenza artificiale negli studi musicali

Ma in che modo l'IA - a parte il suo utilizzo nelle materie teoriche degli studi musicali o per la stesura del libretto di un CD o del programma di un concerto - potrebbe influenzare direttamente la musica?

Per toccare il pubblico con una performance dal vivo in un concerto, come musicista ho bisogno principalmente di due cose: emozioni e una tecnica strumentale o vocale matura che mi permetta di esprimere i miei sentimenti.

Sembra probabile che una macchina sia in grado, ad esempio, di copiare un'interpretazione di un'étude di Chopin da un modello umano e di suonarla con un elevato standard tecnico e musicale.

Ma nella migliore delle ipotesi, questo crea una buona copia senza una dichiarazione e una visione artistica indipendente. E non dimenticate: il pubblico vuole anche partecipare alla vita reale di veri musicisti. 

E la composizione? Esistono già macchine per la composizione (come l'AIVA) che sono state alimentate con innumerevoli dati musicali e sono in grado di analizzare le strutture chiave della musica (cioè ritmo, melodia e armonia) e di generare sequenze di note che sono statisticamente le più probabili, con risultati a volte sorprendenti.

Ma la probabilità statistica porterà solo alla mediocrità, nel migliore dei casi. L'intelligenza artificiale cambierà molte aree della produzione musicale e il fatto che l'intelligenza artificiale componga melodie utilizzate come musica di sottofondo o colonne sonore di giochi è già una realtà oggi. 

IA e pedagogia

E l'IA cambierà il lavoro pedagogico? Il fatto che le interpretazioni musicali possano essere caricate, analizzate dall'IA e utilizzate per fornire suggerimenti preziosi sembra essere una realtà del prossimo futuro, anche perché il dipartimento di ricerca dell'Università di Musica Kalaidos sta lavorando intensamente a questo sviluppo in collaborazione con il Politecnico di Zurigo, il pianista Ingolf Wunder e la sua azienda. Che uno strumento del genere possa sostituire completamente le lezioni di musica personali sembra molto improbabile.

Dopo tutto, una pedagogia di successo consiste nel lavorare con le capacità, le debolezze o i sentimenti individuali di uno studente, in modo che possano emergere affermazioni e visioni musicali molto personali. L'intelligenza artificiale sarà mai in grado di imitare queste caratteristiche tipicamente umane?

In ogni caso, anche per gli esperti è difficile stimare ciò che l'intelligenza artificiale sarà in grado di fare. Ma probabilmente la musica non riuscirà mai a fare a meno dell'uomo.

Gli incontri annuali di associazioni e iniziative sono di solito programmi obbligatori piuttosto aridi ed estenuanti. Non è così per il FMD, ForumMusikDiversität Schweiz. Da qualche anno a questa parte, è diventata una sorta di tradizione che l'assemblea annuale dei soci sia utilizzata come occasione per presentare al pubblico opere di compositrici donne. "Poiché siamo musiciste donne, vogliamo naturalmente anche facilitare lo scambio culturale nella pratica", spiega l'attuale presidente della FMD Anmari Mëtsa Yabi Wili, "si tratta di far conoscere più musica femminile". La FMD, fondata a Berna nel 1982, è un'iniziativa di artiste e del loro ambiente, che si impegna costantemente per la presenza femminile e per una maggiore diversità nella vita musicale.

L'attuale concerto della FMD a Basilea il 25 giugno con Le Donne Ideali e Guest offre un'ampia gamma di prospettive stilistiche e concetti estetici diversi. La curiosità sfrenata, la gioia del gioco e la sperimentazione hanno sempre caratterizzato i concerti organizzati dalla FMD. Nel 41° anno della FMD, i musicisti strettamente legati all'iniziativa hanno selezionato brani solistici di quattro decenni per flauto, violoncello, arpa e tasti che stanno loro particolarmente a cuore. Seraina Ramseier eseguirà musiche per flauto solo provenienti da due posizioni artistiche molto diverse: "Envol", un'opera tarda di Caroline Charrière, una delle compositrici svizzere più importanti, scomparsa troppo presto nel 2018, e il brano "East Wind", scritto nel 1987 dalla compositrice Shulamit Ran, nata a Tel Aviv, che trasferisce le svolte della musica tradizionale e del folklore nello spettro espressivo della musica contemporanea. Oltre al pezzo per violoncello "Fält" della compositrice svedese-francese Madeleine Isaksson, eseguito in prima assoluta da Karolina Öhman, ci sarà anche l'opera "Baroque Flamenco" della californiana Deborah Henson-Conant, suonata da Julia Wacker, arpista dell'ensemble. Le piace particolarmente il fatto che il pezzo sia "disinibito al confine tra musica seria e popolare", dice Wacker, "Henson-Conant, che suona anche jazz, fa un uso disinibito della musica antica e inventa nuove tecniche che derivano dalla pratica della chitarra flamenca. Questo ha un effetto sonoro incredibile e allo stesso tempo permette un approccio emotivo".

Anmari Mëtsa Yabi Wili, fondatrice di Donne Ideali, interpreta il brano "Public Privacy #5 Aria" per campionatore, voce e video della compositrice austro-tedesca Brigitta Muntendorf. È nata nel 1982, proprio nell'anno di fondazione della FMD. "Brigitta Muntendorf si spinge costantemente oltre i confini della creatività nelle sue opere", afferma entusiasta Wili. Questo approccio interdisciplinare caratterizza l'intera serata di Basilea: "Apriamo ulteriormente il formato del concerto con la poesia 'Penelope, angefressen' della poetessa austriaca Elfriede Gerstl, che risuonerà nella sala come intervento audiovisivo", spiega Wili. Il titolo di questa poesia, una Penelope arrabbiata, è il motto dell'intera serata. Dopo tutto, c'è ancora molto margine di miglioramento quando si parla di uguaglianza. Anmari Mëtsa Yabi Wili: "Nel campo contemporaneo, in gran parte non è più una questione di compositori donne o uomini, né tra i giovani musicisti né tra i laureati. Si è sviluppato qualcosa di buono, ma solo nel campo della musica da camera contemporanea. Quando si va all'opera o all'orchestra sinfonica, il repertorio di compositrici donne è ancora scarso. Inoltre, è ancora difficile per le donne raggiungere i livelli dirigenziali, ad esempio nelle accademie di musica. E se in tutto il mondo ci sono così tante direttrici d'orchestra donne, per me è incomprensibile che in Svizzera si trovino ancora interi programmi annuali senza direttrici. Da questo punto di vista, la Svizzera è molto indietro". Al termine del concerto della FMD, tutti i partecipanti si riuniranno per il rinfrescante concept piece "Futures" di Chlöe Herington. La partitura di quest'opera funziona come i tarocchi. Le voci unite e forti dei musicisti sono così ferocemente focalizzate sul futuro. Questo vale anche per la FMD: ulteriori progetti di rete e interdisciplinari sono all'ordine del giorno.

Penelope, incazzata

Domenica 25 giugno 2023, ore 18.30
Kasernenhof 8, 4058 Basilea
+41 77 481 00 72
info@khaus.ch
info@musicdiversity.ch

musicdiversity.ch/post/penelope-angefressen

musicdiversity.ch 

Ho potuto parlare con Lukas Hering, presidente della Jazz&Pop Expert Commission, delle ragioni di questo fenomeno e delle possibili misure per contrastarlo.

Il jazz e la competizione non si escludono a vicenda, anzi non sono nemmeno estranei l'uno all'altro. La storia del jazz ci dice che il cakewalk, un precursore del jazz, deve il suo nome alle gare di ballo. E i leggendari festival jazz di Zurigo degli anni Cinquanta hanno motivato un'intera generazione di musicisti jazz in tutta la Svizzera a dedicarsi al jazz con le gare. 

Tuttavia, è altrettanto indiscutibile che le scene del jazz e della musica classica sono diverse. Anche il concorso musicale giovanile ne tiene conto: nella musica classica, la decisione preliminare si chiama Entrada e si svolge dal vivo in una sala da concerto, mentre la preselezione, la controparte di questa nel jazz, si svolgeva in precedenza sulla base di presentazioni video. La finale di musica classica è solitamente un'esibizione classica nell'auditorium di un'accademia musicale, mentre la finale di jazz è un set in un jazz club. 

Entrambi i tipi di concorso hanno in comune il fatto che non si tratta di assegnare un punteggio e una classifica alle esibizioni solistiche, ma di sostenere e consigliare i giovani talenti musicali, indipendentemente dallo stile scelto. All'Entrada, alla Preselezione, al Come Together e alla Finale, gli artisti ricevono un feedback da rappresentanti competenti della scena. Il contatto con colleghi che hanno interessi simili offre l'opportunità di fare rete e, in alcuni casi, una registrazione in studio o un'esibizione in un contesto professionale aprono addirittura la porta alla scena professionale. 

È importante sapere che "Jazz&Pop" è una sorta di segnaposto per tutti gli stili al di fuori della musica classica, o come è formulato sulla homepage: "Jazz, musica improvvisata, pop, rock, hip hop, musica elettronica ecc.". Il jazz e la musica elettronica sono probabilmente meno diffusi del pop e del rock nella fascia d'età di riferimento che va dai dieci ai vent'anni.

Come ci assicura Lukas Hering, siamo aperti a un'ampia gamma di stili e siamo sempre curiosi di conoscere progetti originali. Per i progetti che vanno oltre l'ambito, c'è anche la possibilità di partecipare al concorso di composizione o di spazio libero.

Mentre il numero di iscrizioni al concorso di musica classica è rimasto stabile ad un livello elevato per anni, c'è ancora capacità libera nel concorso di jazz & pop. Per questo motivo, l'organizzazione del concorso è stata valutata e perfezionata cinque anni dopo la sua introduzione nel 2017. Ciò si è riflesso in un aumento del numero di iscrizioni nei due anni successivi, anche se a partire dal 2020 si è registrata una nuova stagnazione a causa della pandemia. 

La procedura sarà riconsiderata per il 2024. Si stanno valutando le eliminatorie regionali di Jazz&Pop sotto forma di entradas classiche. Riguardo all'intensificazione  In collaborazione con diverse scuole di musica, si intende migliorare ulteriormente la responsabilità e la visibilità del concorso.

Un concorso di musica jazz & pop nell'era dei concorsi inflazionati, dei talent show e dei casting show? Il Concorso svizzero di musica ha fatto tesoro dell'esperienza decennale maturata con il concorso di musica classica per creare una variante jazz & pop più vicina ai partecipanti e alla scena di quasi tutti gli altri concorsi. È auspicabile che questo strumento venga presto utilizzato appieno dai giovani musicisti.

Le date e le formalità di registrazione sono disponibili al seguente indirizzo
sjmw.ch.

L'associazione orchestrale di Sarnen (OVS) e gli studenti delle scuole di musica di Obvaldo sono lieti di dare il benvenuto ai delegati della 103a Assemblea dei delegati dell'EOV a Sarnen il 17 giugno con un allegro concerto matinée. Suonare insieme a giovani e adulti all'Hotel Krone sarà una splendida dimostrazione di quanto possa essere arricchente e intergenerazionale suonare l'orchestra. Doris Estermann-Renzler, direttrice dell'orchestra giovanile e degli ensemble di bambini, e Luca Fiorini, direttore dell'OV di Sarnen, organizzeranno insieme la breve esibizione e suoneranno anche i loro strumenti.

I più piccoli imparano a suonare il violino con Estermann-Renzler secondo il metodo Suzuki, che utilizza i principi dell'acquisizione della lingua madre.  I capisaldi di questo metodo sono l'inizio precoce, l'apprendimento a orecchio, le lezioni settimanali individuali e di gruppo fin dall'inizio e il sostegno al processo di apprendimento da parte di un adulto accompagnatore. Alcuni di questi bambini hanno solo quattro o cinque anni e hanno iniziato le lezioni solo pochi mesi fa.

Concerti orchestrali e messe

L'Associazione orchestrale di Sarnen, invece, è un po' più antica. Le sue radici risalgono al 1930. All'epoca faceva parte della società musicale Harmonie Sarnen, che comprendeva il coro della chiesa, l'orchestra e la banda da campo. La prima società orchestrale fu fondata nel 1939. Tuttavia, il progetto fu cancellato a causa dello scoppio della guerra. Nel 1952, Richard Voegeli fu eletto nuovo direttore musicale di Sarnen. Egli iniziò a costruire sistematicamente l'orchestra e organizzò ogni anno concerti orchestrali ben preparati. L'orchestra fu anche chiamata a esibirsi in occasione di messe orchestrali e concerti in chiesa. Nel 1964 fu fondata l'attuale società orchestrale con la definizione di uno statuto. Dopo il ritiro di Richard Voegeli nel 1980, Josef Gnos, che ha diretto con successo anche la Feldmusik Sarnen per più di 20 anni, ha preso in mano la società orchestrale e l'ha guidata fino alla fine del 2006. Dal 2007 al 2008, l'orchestra è stata guidata da Dominik Kiefer e dal 2009 Luca Fiorini è alla direzione. 

L'associazione orchestrale conta 28 membri attivi nell'attuale anno associativo 2023. I più giovani si sono uniti a noi solo di recente dall'orchestra giovanile, mentre alcuni della vecchia generazione sono coinvolti nell'associazione da 60 anni o più. Anche i membri fondatori sono ancora con noi. Molti suonatori sono rimasti fedeli all'OVS per decenni. Senza di loro, l'OVS non esisterebbe più nella sua forma attuale.

Ogni anno eseguiamo due concerti: uno in primavera o in estate e il tradizionale concerto d'Avvento, sempre l'8 dicembre, nella bella chiesa di Stalden. I concerti sono di solito molto seguiti e le generose raccolte coprono almeno in parte le nostre spese.

Dal 2009 con il direttore Luca Fiorini

Oltre alla difficoltà di raggiungere e integrare i giovani talenti, il club è anche sempre più gravato da problemi finanziari. Per questo motivo siamo sempre alla ricerca di sponsor, mecenati e soci sostenitori. Gli anni della corona si sono fatti sentire anche sull'OVS, e siamo felici di essere riusciti a superare insieme questi momenti difficili.

Per il consiglio direttivo e per tutti i membri dell'associazione è molto importante che la nostra organizzazione continui a esistere e che siamo in grado di ispirare le persone della regione di Obvaldo con la nostra musica. Abbiamo già avuto l'onore di avere giovani musicisti, per lo più provenienti dalla scuola di musica di Sarnen, che si sono esibiti con noi come solisti in molti concerti. Continuiamo inoltre ad accompagnare il coro della chiesa Harmonie Sarnen in quattro messe orchestrali all'anno e a coinvolgere per i nostri concerti musicisti a fiato e altri musicisti della regione.

Dal 2009 abbiamo potuto chiamare Luca Fiorini, un musicista di razza, come nostro direttore d'orchestra. Ci sfida e ci incoraggia con la sua professionalità e il suo senso dell'umorismo e ci spinge ad ottenere prestazioni di alto livello. Gli siamo enormemente grati per tutto il tempo e la pazienza che investe nell'orchestra e per aver fatto sempre il lungo viaggio da Basilea. Inoltre, ci piace sempre eseguire le sue composizioni o gli arrangiamenti orchestrali. 

Jonathan Gaus è anche il nostro stimato direttore di concerto dal 2009. Come musicista professionista
Non solo insegna in diverse scuole di musica, ma suona anche attivamente in molte formazioni come la 21st Century Orchestra e l'Orchestra di Musica d'Insieme.
LED Farmers con noi. Apprezziamo molto il suo modo di fare calmo e positivo.

Siamo tutti molto impazienti di lavorare con i giovani musicisti dell'EOV's DV e speriamo di poter incantare tutti gli ospiti con la nostra musica.

Angelika Marugg
... è membro del consiglio direttivo e violinista della Società orchestrale di Sarnen.

Doris Estermann-Renzler
... è violinista, direttore dell'orchestra giovanile del cantone di Obvaldo e insegna secondo il metodo Suzuki.

L'Associazione orchestrale di Sarnen e gli allievi delle scuole di musica di Obvaldo accoglierà musicalmente i delegati alla 103ª Assemblea dei delegati dell'EOV sabato 17 giugno 2023 alle ore 10.30 presso l'Hotel Krone di Sarnen.

www.orchesterverein-sarnen.ch

"Dovete esercitare una maggiore pressione sull'arco", spiega Plamena Nikitassova ai circa 30 strumentisti ad arco dell'Orchestra da Camera di Baar e fa loro ripetere un passaggio. "Questo era già meglio. Ma ha ancora bisogno di maggiore pressione. Deve graffiare davvero". La violinista e specialista di musica antica Nikitassova introduce i membri dell'Orchestra da Camera di Baar (BKO) ai suoni e alle tecniche d'arco del periodo barocco in un sabato pomeriggio di aprile al Padiglione Bahnmatt di Baar. La BKO prova il noto Quattro stagioni di Antonio Vivaldi (1678-1741) per i suoi concerti di primavera a metà maggio.

Molti musicisti dilettanti hanno probabilmente già suonato questa famosa opera. Tuttavia, a differenza della maggior parte delle orchestre amatoriali, i Baarer non suonano con i loro archi normali, ma praticano la prassi esecutiva storica, come di solito avviene negli ensemble professionali. L'Orchestra da Camera di Baar ha noleggiato archi barocchi per l'intero ensemble per la durata del progetto, che durerà poco meno di quattro mesi. E con questi suonano in modo molto diverso rispetto agli archi moderni.
Più pressione e toni più precisi

Arco corto e leggero, toni più precisi e modellati

"Bisogna abituarsi alla leggerezza e alla brevità dell'arco barocco", dice Eva Schlumpf, membro del consiglio d'orchestra e violinista della BKO. "All'inizio, mi capitava sempre di 'finire l'arco'". Per produrre e modificare il suono, bisogna lavorare molto più con il peso che con la velocità dell'arco. Non è così facile, come dimostra l'episodio citato all'inizio. Bisogna imparare molto di nuovo e in modo diverso.

La prova con la Nikitassova, che ha avuto luogo nella sala di Vivaldi Le stagioni La lezione di violino per un'intera orchestra è un po' come una lezione di violino per un'intera orchestra. Questo è intenzionale. Il direttore d'orchestra Manuel Oswald, promotore del progetto e lui stesso violinista di formazione, ha concordato con la Nikitassova di insegnare ai musicisti dilettanti la tecnica barocca nel corso di diverse prove. "Con gli archi barocchi, le singole note possono essere modellate in modo molto più preciso e dettagliato", spiega Oswald, che dirige in totale quattro orchestre dell'EOV. Si apre un nuovo mondo con possibilità inimmaginabili che rimangono chiuse con gli archi comunemente usati oggi". Oswald vuole che i suoi strumentisti a Baar sperimentino questa dimensione aggiuntiva. Allo stesso tempo, l'addestramento all'articolazione differenziata aiuta anche a suonare il violino "normale", in modo che i membri dell'orchestra possano trarre beneficio al di là del progetto barocco.

Contrasti sonori tra barocco e moderno in concerto

Trovare 30 archi barocchi da noleggiare non è stato facile, racconta Eva Schlumpf. Tuttavia, grazie all'aiuto del marito di una violoncellista, un liutaio, i Baarer sono finalmente riusciti a noleggiare gli archi per tutta l'orchestra. L'affitto è di 15 franchi al mese per arco. "Attualmente stiamo cercando di trovare una fondazione che copra i costi di noleggio, per un totale di circa 2.000 franchi", dice Schlumpf. Solo nel caso in cui non si riuscisse a trovare un finanziamento, i membri dell'orchestra dovrebbero pagare da soli l'affitto.

Il tempo e il denaro investiti in più stanno dando i loro frutti. Anche durante il fine settimana di prove, Vivaldi suona in modo diverso - si è quasi tentati di dire migliore - di quanto non faccia di solito quando viene suonato da dilettanti. Leggero. Intenso. Dinamico.

I concerti sono attesi con trepidazione, poiché la BKO ha ancora un mese di tempo per provare dopo la visita della redazione di EOV. Il programma del concerto "Lifetimes" integra la musica barocca con opere di epoche successive, suonate con archi moderni. Questo accostamento diretto permetterà al pubblico di sperimentare i suoni contrastanti.

Concerto "Lifetimes" dell'Orchestra da Camera di Baar con opere di Vivaldi (suonate con archi barocchi), Rachmaninov, Elgar e del Quartetto danese per archi. Sabato 12 e domenica 13 maggio 2023, entrambi alle 19.30, Chiesa di San Tommaso, Inwil presso Baar. Ingresso libero, ritiro. www.baarerkammerorchester.ch

L'Università di Musica Kalaidos chiede a un'impiegata come organizza la sua vita quotidiana e cosa deve cambiare per rendere più facile la conciliazione tra vita professionale e privata.

Annette Kappeler, i musicisti in particolare hanno spesso troppo poco tempo libero. Come descriverebbe la sua soddisfazione in termini di equilibrio tra lavoro e vita privata?
Non è proprio l'ideale: come musicista, sono spesso impegnato nel fine settimana e durante la settimana lavoro per la Kalaidos University of Music e la Bern University of the Arts, quindi a volte non ho un giorno libero. Allo stesso tempo, ho il grande privilegio di poter organizzare liberamente il mio tempo.

Cinque mesi fa ha avuto un figlio, di cui siamo molto felici! Come riesci a conciliare la vita quotidiana con il tuo compagno e il tuo bambino con le tue attività professionali?
Condividiamo equamente l'attività lavorativa, l'assistenza e i lavori domestici. I nostri datori di lavoro sono molto collaborativi e flessibili quando si tratta di pianificare il nostro ritorno al lavoro.

Quando trascorrete del tempo con il vostro partner e con vostro figlio?
Per esempio, cerco di prendermi il lunedì libero dopo i fine settimana di concerti e di godermi la tenda a casa. Durante la settimana, cerco di non avere giornate lavorative troppo lunghe, in modo da avere tempo dalle 16 in poi.

Con quali forme di assistenza all'infanzia avete esperienza? Quanto siete soddisfatti?
Il nostro bambino ha ora cinque mesi e va all'asilo nido per due giorni e mezzo. Abbiamo anche degli amici che si divertono a passare del tempo con lui. Siamo molto soddisfatti di entrambe le forme di assistenza all'infanzia e penso che si completino a vicenda: con l'assistenza individuale si può dare al bambino un'attenzione illimitata, mentre in un gruppo di bambini avviene un enorme processo di apprendimento in termini di comportamento sociale.

Cosa deve cambiare in Svizzera per quanto riguarda la genitorialità, affinché la vita lavorativa e il lavoro di cura siano più compatibili?
C'è molto da fare - per citare solo alcuni punti: Congedo parentale retribuito di alcuni mesi, liberamente divisibile tra entrambi i genitori - o preferibilmente, in modo ancora più flessibile, liberamente divisibile tra le persone che vogliono prendersi cura in modo intensivo di un bambino, cioè anche i nonni o altre badanti! Lavoro part-time per i genitori (o per chi li assiste) e assistenza all'infanzia a prezzi accessibili per tutti!

Cosa fareste per quanto riguarda l'orario di lavoro settimanale?
Una riduzione dell'orario di lavoro sarebbe certamente auspicabile: nessuno è creativo e produttivo oltre le quaranta ore settimanali, e la maggior parte delle persone si ammala più spesso e si sente più insoddisfatta quando lavora così tanto. Noi siamo nella posizione privilegiata di poterci permettere di lavorare meno di 100%, ma questo non è assolutamente possibile per tutti. In definitiva, un reddito di base sarebbe probabilmente l'opzione migliore per consentire a tutti di raggiungere un buon equilibrio tra tempo libero, lavoro per la comunità, formazione continua e lavoro di cura.

E cosa migliorerebbe della situazione lavorativa dei musicisti?
Dovrebbe esserci un salario minimo vincolante per il lavoro dei musicisti, che dovrebbero essere coperti da un'assicurazione sociale per ogni impegno. Attualmente, spesso non veniamo pagati quando siamo malati e molti ensemble non pagano l'assicurazione pensionistica per i loro dipendenti.
L'arte è spesso descritta come un lusso costoso, ma allo stesso tempo abbiamo sperimentato durante il blocco che è una delle prime cose che ci mancano. In uno dei miei primi concerti dopo la serrata, la gente del pubblico ha pianto di gioia per aver potuto ascoltare di nuovo un concerto dal vivo in un Paese in cui di solito si piange solo al cinema e negli stadi di calcio!
Penso che questo tipo di lusso dovrebbe valere salari e condizioni di lavoro equi!

Intervista a Rico Gubler, nuovo direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Berna (HKB).

Rico Gubler, dopo tre mesi, quali sono le sue priorità come direttore del Dipartimento di Musica della BUA?
Esistono priorità fondamentali per la gestione di un conservatorio. È importante coltivare e combinare costantemente i due poli (apparenti) tra gli alti standard artistici - cioè l'approfondimento della "torre d'avorio" in senso positivo - e l'apertura attiva alla società che sostiene un'università, fino alla concretizzazione di temi socialmente rilevanti, ad esempio di natura culturale-politica o socio-culturale. A questo si collega il discorso costante sul cambiamento del concetto di musica e sui passi strategici, a volte solo tattici, che ne derivano.

In terzo luogo, è importante coltivare una cultura del discorso, del processo decisionale e della comunicazione nel moderno sistema universitario musicale che sia specifica per la musica, specifica per l'università e socialmente compatibile. In particolare, sto viaggiando attraverso l'università, Berna e la Svizzera per conoscere il maggior numero possibile di personalità stimolanti e diverse della nostra università, delle istituzioni partner e dei partner di cooperazione. In Svizzera, alle elementari si impara "warte, uege, lose, laufe" - non l'ho dimenticato nemmeno all'estero, con due piccole ma significative differenze: non voglio aspettare e "lose" viene prima di "luege".

Dato che lei è anche un avvocato, in che misura il legame tra musica e diritto influenza il suo stile di gestione?
In primo luogo, ha influenzato il mio modo di "guardare l'arte" grazie alla mia specializzazione in studi giuridici, alla storia della cultura giuridica e in particolare ai diversi metodi di interpretazione. A mio avviso, questo ha reso più flessibile il mio approccio a tutti i tipi di testo, compresi quelli non scritti e fissi, e ha ampliato le mie prospettive e i miei orizzonti.

I quasi dieci anni trascorsi in Germania mi hanno insegnato che non è solo la mia formazione giuridica ad aver avuto un'influenza formativa, ma anche in particolare i miei rapporti con il diritto svizzero. Ho imparato a concepire le leggi e le regole come un accordo sociale coagulato, come una storia condivisa, che nel migliore dei casi serve a raggiungere un obiettivo generale, ma che di solito è almeno utile per affrontare un campo di tensione reale e metterlo in moto. Per me è sempre importante che una struttura chiaramente organizzata sia molto più efficace di una miriade di regole dettagliate e il più possibile precise, che normalmente aumentano solo il numero di casi limite e di eccezioni.

Alla luce della sua esperienza come membro del consiglio responsabile della Piattaforma Pop e Jazz (PJP) dell'Associazione Europea dei Conservatori (AEC) e come ex membro della Conferenza dei Rettori delle Università musicali tedesche (RKM), quanto è importante per lei un organismo come la KMHS nel contesto svizzero?
A mio avviso, l'AEC presenta diversi vantaggi per la Svizzera. Il panorama dell'istruzione musicale superiore in Europa è estremamente variegato e le specifiche sfide regionali e nazionali motivano le università a proporre soluzioni molto diverse e interessanti da cui potremmo trarre vantaggio con un po' di creatività di trasferimento. Alcuni Paesi sono molto più avanti in termini di gestione della qualità specifica della musica, altri stanno portando avanti il tema della "cittadinanza artistica" e altri ancora stanno aprendo nuove strade nel campo della ricerca o dell'imprenditorialità. Noi svizzeri, particolarmente abituati al federalismo, dovremmo essere abituati a guardare da vicino ciò che viene sperimentato in altre strutture per adattare "il buono" ed evitare "il cattivo".

La KMHS è sia una camera d'eco per l'attento lavoro dei dirigenti universitari nelle loro istituzioni, sia il luogo in cui devono essere forgiate importanti alleanze per affrontare con successo questioni generali come la musicalizzazione della società, lo sviluppo e la protezione del sistema di istruzione superiore finanziato pubblicamente e la posizione della musica nel sistema svizzero delle SUP.

Secondo lei, quali sono le maggiori sfide che i conservatori svizzeri dovranno affrontare nei prossimi anni?
Uno sguardo agli eventi mondiali, ai quali i piccoli Paesi reagiscono spesso in modo più sensibile o almeno più rapido rispetto alle nazioni più grandi, fa pensare - per usare un'espressione della Germania settentrionale - a un mare alto nei prossimi anni. Tuttavia, non guardo a questo solo con preoccupazione, ma anche con grande interesse, perché le questioni dominanti come la scarsità di risorse, la migrazione, la questione della coesione nella sfera sociale o gli effetti della digitalizzazione nel profondo della società che devono ancora arrivare avranno un impatto massiccio anche sul concetto di arte e sulla logica del finanziamento pubblico e sulla comprensione del finanziamento e della ricezione, e da questo emergeranno cose nuove. La concezione tradizionale del ruolo dei compositori è già cambiata radicalmente in pochi anni. Questo è molto interessante, stimolante e offre anche molte opportunità.

Christoph Brunner è responsabile dell'inclusione e delle pari opportunità presso l'Orchestra del Teatro di Biel Solothurn e l'Università delle Arti di Berna.

Christoph Brunner, perché le vostre posizioni sono necessarie nelle istituzioni educative e culturali?
In primo luogo, in quanto centro culturale o università, abbiamo la responsabilità sociale di consentire e ampliare la partecipazione a vari livelli della società. In secondo luogo, le nostre organizzazioni non sono affatto diversificate sotto molti aspetti. Gli studenti dell'università o il pubblico del teatro comunale non sono un riflesso rappresentativo della società. Per questo è necessario abbattere le barriere, non solo quelle dirette come gli edifici inaccessibili, ma anche quelle culturali che fanno sì che molte persone non si sentano benvenute agli eventi o ai programmi di educazione artistica. Per raggiungere questo obiettivo, abbiamo bisogno di una maggiore scioltezza nell'affrontare questi problemi, lo sviluppo di una "cittadinanza artistica".

Quali formati e programmi si stanno sperimentando alla TOBS per affrontare questi problemi e creare una maggiore accessibilità per tutti?
Finora l'attenzione si è concentrata sugli ausili all'accesso, come l'audiodescrizione e il linguaggio dei segni. Negli ultimi due anni sono stati aggiunti servizi in lingua semplice e spettacoli rilassati. Questi ultimi sono solitamente più brevi, senza oscuramento completo e con porte leggermente aperte. Ciò significa che possono essere visitati anche da persone sensibili a stimoli intensi, ad esempio, o che non possono stare sedute per lunghi periodi di tempo. Tuttavia, è stato dimostrato che questa forma si rivolge a gruppi di persone molto diversi tra loro, compresi coloro che non oserebbero assistere a uno spettacolo d'opera di tre ore. Per loro, un breve pezzo da camera può essere una buona introduzione al mondo del teatro musicale.
In questo modo, il settore culturale si occupa principalmente dell'accessibilità e meno della produzione in quanto tale, che potrebbe essere completamente diversa se il pubblico non ha accesso illimitato a tutti i canali sensoriali abituali come la vista o l'udito. Questa sarebbe una domanda interessante: come si potrebbe concepire un teatro musicale che rinunci completamente al suono o all'immagine? Che aspetto ha un balletto all'unisono se i ballerini non sono conformi alla norma fisica degli ensemble del teatro d'opera? Oppure un'opera barocca può essere eseguita anche come pezzo hip-hop? Questa messa in discussione di forme familiari ha un enorme potere esplosivo a livello sociale. Tuttavia, non avvengono quasi mai nei grandi teatri d'opera o nelle sale da concerto, ma al massimo nella scena indipendente.

Perché no?
A mio parere, le ragioni sono due, combinate tra loro, e le chiamo la "trappola della Traviata": da un lato, ci sono le aspettative standardizzate che rendono difficile attirare 1000 persone al teatro d'opera con un formato non convenzionale. Per rispondere a queste aspettative, è meglio mettere in scena un'altra opera La Traviata on. D'altra parte, anche le strutture delle case di riposo sono standardizzate, con molto personale che deve gestire il proprio numero di servizi. È questa combinazione di aspettative e strutture standardizzate che rende difficile l'innovazione formale e sostanziale.

Presto organizzeremo una tavola rotonda su questi temi. Dovremmo parlare di più di inclusione nel teatro musicale in Academia?
Sì, assolutamente! Vorrei che la comunità di ricerca facesse lo stesso con gli organizzatori e gli interpreti: più coraggio e curiosità nella scelta dei temi e delle forme di lavoro, in modo da poter capire quali sono le condizioni quadro realmente necessarie per il successo della pratica del teatro musicale inclusivo.

Informazioni sull'evento
Discussione sul tema dell'inclusione nel teatro (musicale) nell'ambito della serie di eventi MUSIKTHEATER - MACHT - GESELLSCHAFT, organizzata dalla cattedra di Teatro musicale dell'Università di Berna, 17 maggio, ore 18:30, Biblioteca Münstergasse, Berna. Maggiori informazioni a:    musik.unibe.ch/forschung/ musiktheater__macht__gesellschaft/index_ger.html

La musica antica è praticata in tutta la Svizzera. (Università Anton Bruckner)

Sia come materia primaria o secondaria, sia attraverso moduli trasversali, la musica antica è ampiamente praticata e insegnata nel sistema di formazione musicale terziario svizzero.

Tour d'horizon dell'offerta molto diversificata di musica antica proposta dalle alte scuole di musica svizzere.

Disciplina principale 

Il primo nome che viene utilizzato è quello della musica antica - che può essere definito, al termine di una serie di interrogativi sui limiti del periodo e sulle caratteristiche delle opere musicali che essa ingloba, come la musica composta prima del XVII secolo nel contesto di un movimento generale di concezione e interpretazione storicamente informata - è la Schola Cantorum de Bâle. Fondata da Paul Sacher nel 1933, questa istituzione è affiliata alla Haute École de Musique de Bâle dal 2008, insieme all'Institut Classique et Jazz, e permette quindi agli studenti di scegliere la musica antica come campo di studio principale.

Anche a Ginevra un intero dipartimento è dedicato a questa pratica musicale e permette agli studenti di conseguire un Bachelor e/o un Master in questa materia. Alla Schola Cantorum, le principali discipline insegnate sono il canto storico, il clavecin, la clavicorde, il forte-piano, il maestro al cem-balo, il luth, le violon baroque, le violoncelle baroque, la viole de gambe, la flûte à bec, le traverso, le hautbois baroque, le basson baroque, le cornet à bouquin, le sacqueboute et la musique médiévale. 

Questi due centri di competenza sulla musica antica ospitano anche collezioni di strumenti e permettono agli studenti iscritti ad altri corsi di beneficiare della trasversalità di questi dipartimenti, in particolare attraverso moduli aperti o corsi opzionali. 

Disciplina secondaria 

Per essere in Svizzera al livello della disciplina secondaria, la Zürcher Hochschule der Künste propone un corso minore di musica antica. Intitolato Pratica esecutiva storica, permette di approfondire i principi fondamentali della musica antica su alcuni strumenti storici, oltre al ramo principale.
Aspetti come l'articolazione, il fraseggio e l'ornamentazione giocano un ruolo altrettanto importante quanto la differenziazione stilistica per periodo e regione, nonché l'esecuzione in ensemble. Questo minore esiste anche in una forma specializzata: Pratica esecutiva storica avanzata.

Moduli trasversali 

Infine, tutte le scuole di musica dei diversi Paesi presentano un approccio interdisciplinare alla musica tradizionale nei loro programmi di studio. Questo può avvenire sotto forma di partnership con musei (come l'Università delle Arti di Berna - Musica con il Sounding Museum o l'Università delle Arti di Zurigo con il Museo del Design) o attraverso moduli aperti, passerelle e corsi opzionali (come alla Haute École de Musique de Genève-Neuchâtel, alla Haute École de Musique Vaud - Valais - Fribourg, alla Hochschule für MusikBasel, alla Hochschule Luzern - Musik, al Kalaidos o al Conservatorio della Svizerra Italiana).

Caroline Boissier-Butini, ritratto di Firmin Massot (1766-1849), Ginevra, 1808 circa (fonte: da collezione privata)

La musica è il linguaggio universale delle emozioni. È un topos molto diffuso che prende sempre più piede. Ma è vero? Può essere dimostrato o smentito con metodi di ricerca empirico-analitici? Melanie Wald-Fuhrmann è professoressa e direttrice del Dipartimento di Musica dell'Istituto Max Planck per l'Estetica Empirica e conduce ricerche sull'estetica musicale, sul gusto musicale e su varie pratiche musicali. Nella sua conferenza del 7 marzo, illustrerà la storia delle idee alla base di questo topos e presenterà il suo studio storico-musicale ed etnologico in relazione alla musica e all'espressione emotiva. 

1000 anni di canto gregoriano a Einsiedeln 

L'Abbazia di Einsiedeln è stata per secoli un centro di eventi musicali, soprattutto di canto gregoriano. Nel XX secolo, questa tradizione di lunga data è fiorita sotto la guida di Padre Roman Bannwart. Il 14 marzo, Stephan Klarer parlerà della storia millenaria di questa musica liturgica nell'Abbazia di Einsiedeln. Stephan Klarer è docente di canto gregoriano presso la ZhdK e ha vinto il premio Marta Walter 2022 per il suo lavoro sullo stesso argomento. Utilizza i tesori della biblioteca del monastero per illustrare la storia musicale dell'Abbazia di Einsiedeln e discute i problemi della prassi esecutiva odierna. 

Musica, politica, patriottismo

Il 4 aprile Caiti Hauck, borsista Marie Skłodowska Curie presso l'Istituto di Musicologia dell'Università di Berna, illustrerà il suo progetto di ricerca sulla vita corale nelle città di Berna e Friburgo. Nel XIX secolo, le società corali erano un importante centro di vita musicale nelle città. Le società partecipavano spesso a festival canori o organizzavano concerti e altre attività. Che ruolo avevano la politica e il patriottismo nelle società corali e come promuovevano il senso di unione tra i cantori? Documenti come i giornali e le relazioni dei club forniscono informazioni su come la società si rifletteva nelle società corali. 

Caroline Boissier-Butini 

Chi conosce la compositrice Caroline Boissier-Butini? Nata a Ginevra nel 1786, ebbe una formazione musicale con Franz Liszt, tra gli altri. La musicologa Irène Minder-Jeanneret sta conducendo una ricerca su questa straordinaria compositrice svizzera e presenterà le sue tournée concertistiche, in particolare il suo soggiorno a Berna nel 1811. La conferenza sarà seguita da un breve concerto con opere di Caroline Boissier Butini, eseguite da Emma Saskia Bähler e da un'orchestra ad hoc. 

Le prime tre conferenze si terranno presso l'Istituto di Musicologia, Mittelstrasse 43 e saranno disponibili anche via Zoom.

Melanie Wald-Fuhrmann: La musica, linguaggio universale delle emozioni? 7 marzo, ore 18.30

Stephan Klarer: 1000 anni di canto gregoriano a Einsiedeln, 14 marzo, ore 18.30 

Caiti Hauck: Musica, politica, patriottismo: le società corali nelle città di Berna e Friburgo nel lungo Ottocento, 4 aprile, ore 18.30 

Irène Minder-Jeanneret: Caroline Boissier-Butini, la compositrice svizzera che scrisse sei concerti per pianoforte, 2 maggio, ore 18.30, Salone della Grande Société (Theaterplatz) 

Centro Medievale di Berna in collaborazione con la SMG: Aurelia Brandenburg: È realistico mangiare il Papa? Il Medioevo nel gioco digitale". 2 marzo, ore 17.15, Aula 220, Edificio principale, Università di Berna

Quando si pensa alla protezione dell'udito e alla musica, probabilmente molti pensano subito a una rock band che si esercita a un volume assordante in una piccola cantina o a un DJ che gira per ore con bassi martellanti in una discoteca. In queste situazioni, la protezione dell'udito è ovvia e probabilmente comprensibile per tutti.

Tuttavia, diverse misurazioni dimostrano che la protezione dell'udito sarebbe appropriata anche in aree o situazioni meno evidenti. 

L'orecchio è un organo sensoriale estremamente sensibile con il quale possiamo percepire i più piccoli rumori o suoni - e proprio per questo è anche molto delicato e vulnerabile. 

Una delle sfide principali nella protezione dell'udito è probabilmente il fatto che il danno all'udito non è segnalato dal dolore, come nel caso della tendinite, ad esempio, ma è un processo graduale. Se l'udito è stato sovraccaricato per un lungo periodo di tempo, spesso è troppo tardi e i danni irreversibili all'udito sono l'amara realtà. 

È proprio per questo motivo che gli aspiranti musicisti professionisti dovrebbero essere sensibilizzati e formati su questo tema. 

Dovrebbe! In un'altra indagine, l'Università della Musica di Kalaidos ha studiato come e se la protezione dell'udito viene discussa e applicata nei conservatori svizzeri. Lo scopo di questo studio è stato quello di registrare numericamente l'uso attuale delle misure di protezione dell'udito tra i docenti dei conservatori svizzeri e di determinare le ragioni (cognitive, sociali) del loro uso o non uso.

In sintesi, lo studio dimostra che la gestione della protezione dell'udito è raramente parte degli studi musicali professionali. 

Su un totale di 111 partecipanti, solo 25 (23%) hanno dichiarato di utilizzare protezioni acustiche durante le lezioni. In confronto, circa il 70% delle orchestre professionali utilizza tali protezioni (Chiller & Portner, 2020). Tuttavia, questo dato corrisponde anche alla prassi delle scuole di musica, dove solo il 26% degli insegnanti utilizza protezioni per l'udito (Hänni, 2021).

Lo studio mostra anche che esistono notevoli differenze nelle pratiche di protezione dell'udito tra i vari strumenti:
Mentre i docenti di batteria, percussioni e strumenti a pedale utilizzano protezioni per l'udito in oltre l'80% dei casi, la percentuale è di circa un terzo per gli strumenti a fiato e gli ensemble, le orchestre o le bande; tutti gli altri hanno adottato misure di protezione per l'udito ancora meno frequentemente. È sorprendente che nessuno dei docenti di strumenti a fiato ad alto volume con un dB(A) superiore a 90 (clarinetto, sassofono, tromba, trombone, corno) abbia protetto il proprio udito. Anche se va tenuto conto del fatto che solo pochi docenti di questo gruppo hanno preso parte allo studio, questo dato fornisce comunque un'indicazione di quanto poco sia utilizzata la protezione dell'udito per questi strumenti.

Il clima sociale tra i docenti riguardo alla protezione dell'udito era buono, il che si rifletteva in una comprensione reciproca e in poche inibizioni nell'uso delle misure di protezione dell'udito. Tuttavia, la consapevolezza del proprio rischio era distorta e coloro che avevano una valutazione sfavorevole del rischio erano anche meno propensi a discutere di protezione dell'udito con gli studenti.

Rischio sottostimato

Come nel caso delle orchestre professionali o delle formazioni amatoriali (cfr. articolo 3/2022 della SMZ), in molti casi il rischio effettivo è soggettivamente sottovalutato. 

Dopo tutto, anche l'insegnamento può mettere a dura prova l'udito:

Nel 61% dei casi qui valutati, gli intervistati insegnavano uno strumento con un livello sonoro medio di almeno 86 dB(A), considerato potenzialmente pericoloso secondo la Suva.

Pertanto, sono stati meno i fattori sociali e più quelli cognitivi (cioè la misura in cui ci si sente soggettivamente a rischio) a determinare la gestione della protezione dell'udito nei conservatori. La maggior parte dei docenti partecipanti ha riferito che i loro studenti non adottano quasi mai misure di protezione dell'udito durante le lezioni, anche se la protezione dell'udito viene discussa. Eppure, alcuni studi (Auchter & LePrell, 2014) confermano che è opportuno imparare a usare la protezione dell'udito fin da piccoli.

È quindi necessario agire. La Conferenza delle Università di Musica Svizzere (KMHS) lo ha già riconosciuto e i suoi membri stanno valutando se e come sensibilizzare gli insegnanti e integrare maggiormente il tema nelle lezioni di musica. E questo è un bene, perché in fondo si tratta di proteggere l'udito - e quindi il capitale dei futuri musicisti.

Il rapporto finale dettagliato è disponibile all'indirizzo
kalaidos-fh.ch/it-CH/Ricerca/Facoltà di Musica/Focus sulla protezione dell'udito

Bibliografia

Auchter, M., & Le Prell, C. G. (2014). Educazione alla prevenzione della perdita dell'udito con l'uso di Adopt-a-Band: cambiamenti nei dati auto-riferiti sugli inserti auricolari. 

Da utilizzare in due bande musicali di scuola superiore. Giornale americano di audiologia, 23(2), 211-226.

Chiller, S. e Portner, S. (2020a). Protezione dell'udito nei gruppi musicali amatoriali: relazione finale. Università di Scienze Applicate Kalaidos Svizzera.

Hänni, S. (2021), Protezione dell'udito nelle lezioni di musica. Università delle Arti di Berna.

Per la sua tredicesima edizione, l'European Youth Choir Festival Basel (EJCF) ha invitato giovani cori di spicco provenienti da undici Paesi europei e un coro ospite dalle Filippine. 

Più di 30 concerti corali di alta qualità e un ricco programma di eventi per gli appassionati di canto di tutte le età rendono le Giornate dell'Ascensione una grande celebrazione dell'incontro e del canto. 

Arrivano da tutte le direzioni. Undici cori giovanili provenienti da Belgio, Finlandia, Francia, Georgia, Irlanda, Israele, Lettonia, Lituania, Polonia, Serbia e Ucraina, un coro ospite dalle Filippine e sette cori giovanili da varie regioni linguistiche svizzere. Partecipano anche i cori dell'Accademia musicale di Basilea e il coro dei ragazzi e delle ragazze di Basilea. L'invito è stato esteso a coloro che hanno spiccate doti musicali, oltre che presenza scenica e carisma. Si prevede che oltre 30.000 visitatori assisteranno ai circa 50 eventi.

La presidente dell'associazione Maya Graf è già impaziente: "Indimenticabili concerti corali, canti insieme e meravigliosi incontri tra la popolazione locale, le numerose famiglie ospitanti, i volontari e i giovani coristi incanteranno ancora una volta la nostra regione."

Uno spettacolo pirotecnico di musica corale 

L'EJCF apre per la prima volta il suo programma di cinque giorni il mercoledì sera prima dell'Ascensione con un "Fulminante spettacolo corale" nella St. Jakobshalle. Più di 1000 giovani provenienti da 13 Paesi presenteranno la musica delle loro regioni d'origine e metteranno in musica il film d'animazione "Circuit" con una nuova composizione di Balz Aliesch, compositore di musica per film di Basilea. La Consigliera federale Elisabeth Baume-Schneider e la Presidente dell'Associazione Maya Graf danno il benvenuto al pubblico e ai giovani provenienti da tutta Europa. I giorni successivi sono ricchi di concerti a Basilea e nella regione. Chi ama cantare avrà pane per i suoi denti, così come chi preferisce ascoltare.

La nave dei cori offre ora l'opportunità di cantare insieme a cori provenienti da Israele, Belgio e Svizzera. Chi è interessato alla cultura avrà l'opportunità di conoscere da vicino le culture musicali di Georgia, Filippine e Finlandia allo Stadtcasino. Il Foyer Public del Teatro di Basilea ospiterà anche nuovi eventi Sing mit! per tutta la famiglia. Sabato pomeriggio, oltre 1000 giovani si esibiranno su cinque palchi all'aperto nel centro di Basilea in occasione di "Singe uf dr Strooss". Il festival si conclude domenica con il concerto finale allo Stadtcasino Basel. 

Nuovo programma Atelier EJCF

Sin dalla fondazione del festival nel 1992, gli incontri sono stati al centro dell'EJCF insieme alla musica. Il nuovo programma EJCF Atelier rafforza lo scambio tra giovani provenienti da diverse regioni linguistiche svizzere. 23 cori si formeranno sotto la direzione di esperti di fama internazionale su temi quali la coreografia, la body percussion e le canzoni popolari svizzere. I risultati del loro lavoro saranno presentati sabato sera. 220 giovani lavoreranno anche alla sinfonia multimediale "Nordic Light" per coro, orchestra e proiezione di suoni e video preregistrati alla presenza del noto compositore lettone Eriks Ešenvalds e la eseguiranno in prima svizzera allo Stadtcasino. 

Superare i confini culturali

Questa volta, circa 600 coristi sono ospitati da famiglie della regione di Basilea. Oltre alle scuole di musica, alle parrocchie e alle scuole secondarie, privati impegnati e l'organizzazione basilese Centrepoint stanno ora aiutando a trovare i numerosi letti per gli ospiti. La direttrice del festival Kathrin Renggli afferma: "Gli incontri tra i cantanti e il pubblico in generale aiutano a scoprire le persone che si celano dietro i luoghi comuni. Questo è tornato ad essere particolarmente importante in termini socio-politici". In generale, l'EJCF intrattiene innumerevoli collaborazioni con istituzioni e organizzazioni di ogni tipo e lavora con oltre 400 volontari. Questi volontari supervisionano cori o concerti, trasformano il vecchio materiale del festival in nuovi oggetti ricordo o lavorano al botteghino. 

La prevendita dei biglietti per il "Fulminante Chorspektakel" e la "Cena di Gala con Corale" sulla nave del coro è già in corso. 

Le prevendite per tutti gli altri concerti iniziano sabato 25 marzo 2023. Le informazioni sono disponibili online su www.ejcf.ch. 

ejcf.ch

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instagram.com/ejcf_basel 

Sopravvivere come associazione amatoriale per così tanti anni è una sfida e richiede molto: un impegno costante di volontari, l'elaborazione di programmi musicali interessanti, la ricerca di nuovi membri e solisti e l'organizzazione di prove ed eventi associativi. I ranghi dell'orchestra richiedono un'ampia gamma di competenze: Esperti di finanza, competenze informatiche per creare un sito web e competenze grafiche per creare programmi di concerti e manifesti.

Per progetti concertistici interessanti, come l'esecuzione di grandi sinfonie, sono necessarie anche risorse finanziarie per finanziare esordienti e solisti. Come per tutte le orchestre amatoriali, sono sempre necessarie soluzioni creative per attirare sponsor e mecenati. L'Orchestra di Binningen è riuscita a fare tutto questo finora. Il fatto che sia riuscita a tenere due grandi concerti anche durante la pandemia di coronavirus, che ha messo a dura prova le società musicali, non è un fatto scontato.

Essere aperti e collaborare con i ragazzi

Per rimanere attraenti per i membri e gli ascoltatori nel corso degli anni e nel vasto mare delle società musicali, è importante porre accenti particolari. Da anni, la nostra specialità è la collaborazione intensiva con giovani solisti di età compresa tra i dieci e i 25 anni. Queste collaborazioni sono vantaggiose per entrambe le parti: I musicisti professionisti in erba hanno l'opportunità di esibirsi come solisti in un contesto informale. L'orchestra ne beneficia perché può offrire concerti popolari.

L'Orchestra di Binningen attribuisce grande importanza anche all'apertura verso l'esterno. In passato, si è ripetutamente esibita insieme ad altre società musicali o cori della regione di Basilea, come ad esempio "Opernklänge im Leimental" nel 2015, un concerto congiunto con un coro maschile che ha riscosso un grande successo. E non ci sono stati solo progetti regionali. Un momento particolare è stato il progetto di concerto congiunto con l'Orchestra aperta di Arezzo nel 2019, in cui i musicisti dell'orchestra di Binningen hanno partecipato a un concerto ad Arezzo e viceversa. Tali progetti rafforzano in particolare la coesione sociale. Quest'ultima svolge un ruolo importante nell'Orchestra di Binningen e viene promossa attraverso regolari ricevimenti e cene di club.

La domanda su come l'orchestra sia riuscita a sopravvivere per 100 anni non è facile da rispondere dal punto di vista odierno, poiché questo periodo attraversa molte generazioni. La fondazione dell'orchestra nel 1923 fu possibile solo perché un direttore d'orchestra si offrì volontario. Dal 1930 al 1950 si prediligevano i concerti di operetta e di opera, organizzati in collaborazione con i cori locali.

Per celebrare questa pietra miliare, l'Orchestra di Binningen terrà un grande concerto il 22 ottobre 2023 e, come da tradizione, parteciperà a un importante progetto comune con altre società musicali. L'obiettivo a lungo termine è quello di sopravvivere per almeno altri 100 anni, contro ogni previsione.

I musicisti interessati sono cordialmente invitati a partecipare al grande concerto di anniversario del 22 ottobre con opere romantiche di Dvorak e Mendelssohn, tra le altre. Il prerequisito è partecipare alle prove settimanali a partire dal 1° giugno 2023 al più tardi. Contatti e ulteriori informazioni a:

www.orchester-binningen.ch