Quante volte ho guardato e suonato i dieci pezzi di Aleksey Igudesman? A volte mi sembrano insetti. Da un lato sono un po' strani e scomodi, attraenti e repellenti allo stesso tempo, ma anche così affascinanti che mi incantano in continuazione. Il violinista, compositore e attore russo-tedesco non manca di fantasia e di idee sfacciate.

Con uno staccato ostinato e persistente, la formica svolge il suo lavoro con diligenza e precisione. "Decollare" è scritto sopra il brano Farfalla (amore) lingtrasportato dal vento gentile del pedale in accordi spezzati e fluttua nella stanza. Non si è del tutto a proprio agio con il Abbraccio di insettiin cui si deve sopportare un "abbraccio di insetti". È meglio tenersi a distanza e poi esplorare la tastiera in modo ancora più gioioso come cavalletta, alternando le mani in tempo sei-quattro. Sia che si impersoni una zecca stronza o che si cerchi di evitare gli scarafaggi, la trasformazione è divertente e ho la sensazione che si percepisca l'attore dietro il compositore.

I brani possono essere suonati a un livello intermedio inferiore o superiore e rappresentano un gradito cambiamento rispetto ai fin troppo noti brani di classe.

Aleksey Igudesman, Insectopedia, 10 pezzi sugli insetti, UE 38047, € 14,95, Universal Edition, Vienna

Un team di ricercatori dell'Università di Tecnologia di Graz, dell'Università Johannes Kepler di Linz, dell'Università di Innsbruck e dell'Università di Utrecht ha analizzato l'accuratezza delle raccomandazioni musicali basate su algoritmi per gli ascoltatori di musica mainstream e non mainstream. A tale scopo è stato utilizzato un set di dati sul comportamento di ascolto precedente di 4148 utenti della piattaforma di streaming musicale Last.fm, metà dei quali ascoltava prevalentemente musica non mainstream e l'altra metà prevalentemente musica mainstream.

I ricercatori hanno confrontato le abitudini di ascolto dei singoli gruppi e hanno determinato quali persone ascoltassero più frequentemente musica al di fuori dei loro generi preferiti e quanto fossero ampi i generi musicali ascoltati all'interno di ciascun gruppo.

Coloro che ascoltavano principalmente musica ambient erano più propensi ad ascoltare la musica preferita dai fan dell'hard rock, del folk o dell'elettronica. I soggetti con una preferenza per la musica energica erano meno propensi ad ascoltare la musica preferita dai fan del folk, dell'elettronica o dell'ambient. Hanno invece ascoltato la più ampia varietà di generi, ad esempio hard rock, punk, cantautori e hip-hop.

Utilizzando il modello computerizzato, i ricercatori hanno previsto la probabilità che i diversi gruppi di ascoltatori non mainstream apprezzino effettivamente le raccomandazioni generate dai quattro algoritmi comuni. Le raccomandazioni per gli amanti della musica prevalentemente energetica sembravano essere le meno accurate, mentre erano le più accurate per gli ascoltatori di musica ambient.

Per saperne di più:
https://www.know-center.tugraz.at/epj-data-science-algorithmus-basierte-musikempfehlungen/

Walter Amadeus Ammann - Una poesia di Christiane Schwarze fa da cornice all'intimo brano di cinque minuti. Il vento accarezzava una melodia d'ombra sul dolore, la speranza e la consolazione per le due anime amanti lasciate indietro, separate dalla morte. Sincopando, cercando, dialogando con pause o duettando, passando dall'arco al pizzicato, si creano melodie con semitoni malinconici e aggrappati, che terminano in un confortante La minore. L'idea di separazione è rappresentata dalla distanza tra le altezze dei due strumenti, che possono anche avvicinarsi.

La composizione di Eva Batt è stata pubblicata da Gilgenreiner. Un importante obiettivo di questa casa editrice svizzera è la pubblicazione di musica e materiale didattico per contrabbasso.

Heike Schäfer - Il vento accarezzava una melodia d'ombra è tratto dalla poesia In precedenza della paroliera Christiane Schwarze. Si tratta quindi di un'opera che unisce le arti della musica e della poesia. Le altezze molto separate dei due strumenti a corda corrispondono alla poesia, in cui due persone che si amano, separate nella vita terrena, sono lontane e tuttavia unite nel loro amore.

Il compositore sfrutta abilmente i vantaggi tecnici dei due strumenti. Con i suoi parametri espressivi (ad esempio, istruzioni metaforiche) e i suoi effetti (ad esempio, battitura sul corpo, sul ponticello, ecc.), l'opera ha un carattere distintamente espressivo il cui messaggio è trasmesso in modo impressionante sia dal punto di vista acustico che esecutivo. "Richiede sicurezza intonativa, ritmica e tecnica da parte dei musicisti interpreti e richiede un approccio polistilistico in considerazione delle figure prese in prestito dall'idioma jazz". La prefazione in tedesco e inglese contiene anche la poesia di fondo. Il materiale supplementare è disponibile sotto forma di un CD e di un volume di poesie dal titolo Il silenzio delle ombre - Mosaico di una ricerca disponibile nei negozi.

L'incongruenza della lingua - tedesco o inglese - è fonte di incertezza. A prima vista, il brano sembra essere caratterizzato dalla cultura svizzera, ma allo stesso tempo le note del testo musicale sono in inglese. Sarebbe opportuno pubblicare una versione puramente inglese e una puramente tedesca. La parte del contrabbasso è disponibile sia in versione orchestrale che solistica, quindi l'esecuzione non dipende dalla rispettiva scordatura. Wind stroich eine Schattenmelodie è una fonte di ispirazione e un esempio di arte transdisciplinare - apre nuovi spazi sonori e verbali per musicisti e ascoltatori.

Eva Batt: Wind strich eine Schattenmelodie, duetto per violino e contrabbasso; parti in partitura, contrabbasso con due versioni: Accordatura normale e scordatura F diesis B E A, € 27,00, Gilgenreiner, Winterthur, ISMN 979-0-700268-32-9

Friedrich Schneider (1786-1853), celebre compositore in vita, è oggi poco conosciuto. Della sua vasta opera, che abbracciava tutti i generi musicali, l'oratorio, presentato per la prima volta al Gewandhaus di Lipsia nel 1820, era il più importante. Il giudizio del mondo op. 46 fu un grande e duraturo successo.

Scheider ha lasciato un gran numero di opere di musica da camera. La grande sonata in quattro movimenti per violoncello e pianoforte in fa maggiore fu composta nel 1831, ma non fu mai pubblicata. Il piacevole linguaggio tonale del primo romanticismo è un prodotto tipico del periodo Biedermeier, paragonabile alla Sonata per violoncello in mi maggiore op. 19 di Franz Xaver Mozart.

Le parti del violoncello e del pianoforte sono ugualmente sviluppate, e agli esecutori vengono affidati compiti gratificanti, se non altamente virtuosistici. La parte del violoncello sfrutta in modo ottimale le possibilità tonali dello strumento in tutti i registri (gamma della parte del violoncello da do a s2) e offre sia passaggi di corsa frizzanti che cantilene espressive. I quattro movimenti sono nelle forme tradizionali (1° movimento: Allegro moderato, Fa maggiore, forma sonata / 2° movimento: Larghetto, Re bemolle maggiore, forma canzone A-B-A / 3° movimento: Scherzo, Fa minore / 4° movimento: Rondo alla polacca, Fa maggiore).

Oltre alla partitura per pianoforte, l'edizione Urtext contiene due parti per violoncello solo, una non marcata, l'altra con archi e diteggiature suggerite da Jürnjakob Timm.

Friedrich Schneider: Sonata in fa maggiore op. posth. per violoncello e pianoforte, a cura di Nick Pfefferkorn, EB 32078, € 19,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Urs Brodmann, che si è formato come corno a Basilea, Friburgo e Brno e ha lavorato come tale nell'Orchestre de la Suisse Romande di Ginevra e nell'ex Orchestra Sinfonica della Radio di Basilea, è stato direttore generale dell'Orchestre d'Harmonie de Nice dal 1990 al 2013. La passione di Brodmann sembra essere sempre stata la composizione, e il suo catalogo è arrivato a circa sessanta opere di tutti i generi, musica da camera, opere vocali e persino due sinfonie.

Pubblicato da Edizioni Bim, il Ballata per corno e pianoforte, scritto nel 1975, testimonia la conoscenza delle possibilità tecniche e tonali del corno. L'editore lo definisce "un pezzo particolarmente dinamico e accattivante".

Urs Brodmann: Ballata per corno e pianoforte, CO103, Fr. 20.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

La compilation selezionata dalla flautista Rien de Reede contiene brani solistici di vari compositori del XVIII secolo. La maggior parte di essi ha titoli come Capriccio, Fantaisie, Bohémienne o Gigue e sono "tecnicamente impegnativi, ma di delizioso valore musicale", come scrive l'editore nella prefazione. Rien de Reede ricorda anche che, come Johann Joachim Quantz ha osservato nella sua autobiografia, i flautisti erano costretti a riscrivere pezzi per flauto dolce o violino, poiché dal 1719 in poi non esisteva quasi più letteratura solistica per il flauto traverso.

I paralleli con la musica per violino si possono vedere, ad esempio, nel fatto che molti pezzi, come il Minuetti del compositore belga Antoine Mahaut, contengono frammentazioni di accordi o grandi salti su due ottave per suggerire la polifonia. Anche i pezzi con titoli insoliti suonano a due parti, come il brano Bizzarria/Courante di Silvius Leopold Weiss, che si trova nella collezione di Jean Daniel Braun, dove una linea cromatica nella voce superiore è condotta da mi3 a fa diesis2 con una seconda linea melodica a intervalli di sesta e quarta. Oltre a queste rarità, vi sono anche brani noti come Alla Francese in Re maggiore, il Fantasia Sol maggiore o il Minuetto "L'innconnue con dieci variazioni di un compositore anonimo, che erano già state pubblicate nel Capricci di Johann Joachim Quantz. Sono inclusi anche compositori inglesi come Lewis Granom. La raccolta del flautista francese Jean Daniel Braun, che costituisce quasi un terzo della compilazione, contiene principalmente danze come Giga, Allemande, Minuetto e Rondeau. Il brano finale è lo sconosciuto Capriccio di Wenceslao Zimmermann, che salta efficacemente attraverso tutte e tre le ottave con frammentazioni accordali in terzine.

Questo illustre volume è una raccolta variegata per flautisti e flautisti traversi dal livello intermedio in su, che combina pezzi familiari con rarità e suscita l'interesse di scoprire repertori sconosciuti per flauto solo.

34 pièces pour flûte seule, brani del XVIII secolo, selezionati da Rien de Reede, UE 38064, € 17,95, Universal Edition, Vienna

No, il CD Voci di donnerecentemente pubblicato da Claves, non contiene voci femminili. Il termine "voci" è qui inteso in modo diverso. Le due interpreti sono interessate a dare voce alle compositrici. La data di uscita è perfetta: la registrazione con musica per violoncello e pianoforte è stata lanciata il 7 febbraio, nel 50° anniversario dell'introduzione del suffragio femminile in Svizzera.

La violoncellista praghese Anna Fortova (*1982) e la pianista svizzera Kathrin Schmidlin (*1990) si concentrano sulla prima metà del XX secolo. La maggior parte delle sei compositrici sono personalità note. Forse meno nota è la compositrice ceca Vítězslava Kaprálová (1915-1940). Studiò con Vítězslav Novák, allievo di Dvořák, a Praga e con Bohuslav Martinů a Parigi. Nonostante la sua breve vita - morì a 25 anni - ha lasciato una cinquantina di opere. La sua Sinfonietta militare (1937), che ricevette il Premio Smetana, fu un grande successo. Con l'opera di Kaprálová Ritornello op. 25 (1940), i due interpreti iniziano in modo convincente.

Nadia Boulanger (1887-1979) Trois pièces pour violoncelle et piano (1915) riescono molto bene in un'atmosfera intima. Il terzo pezzo, dal ritmo incalzante, è una gioia. Nel Trois morceaux pour piano (1914) di Lili Boulanger (1893-1918), Kathrin Schmidlin dimostra una notevole abilità. La trasparenza e la precisione del "Cortège" sono particolarmente impressionanti. La prima sonata per violoncello e pianoforte in quattro movimenti (1919) della compositrice olandese Henriëtte Bosmans (1895-1952) è fortemente romantica e caratterizzata da linee ampie e temi semplici e chiari. Alla luce di questo romanticismo sfacciato, l'interpretazione qui manca un po' di intensità. Con quattro brani per pianoforte tratti da L'anno di Fanny Hensel (1805-1847), gli ascoltatori vengono trasportati indietro di circa 100 anni. Settembre" è il più piacevole con il suo trattamento fluido e lucido dell'arpeggio e della linea melodica.

Il punto finale è la composizione ni dónde, ni cómo di Stephanie Haensler (*1986), che Schmidlin e Fortova le hanno commissionato. L'opera si basa su un testo di un collettivo di artisti cileni sul tema della violenza contro le donne. Haensler utilizza un'ampia gamma di mezzi compositivi per illustrare i vari stati d'animo tra aggressione e silenzio.

Voci di donne. Opere per violoncello e pianoforte di Vítězslava Kaprálová, Nadia Boulanger, Lili Boulanger, Henriëtte Bosmans, Fanny Hensel e Stephanie Haensler. Anna Fortova, violoncello; Kathrin Schmidlin, pianoforte. Claves 3029

Inserendo la parte del flauto basso nella mano destra dello strumento a tastiera, si dà all'esecutore il compito gratificante di partecipare agli eventi melodici. Nei due movimenti la viola e la mano destra conversano vivacemente, spesso intersecandosi in termini di intonazione, mentre la mano sinistra si occupa del basso, che solo raramente interferisce nel dialogo.

Stranamente, la parte della viola si sposta alla corda C con un f solo alla fine del primo movimento, quindi la sonata potrebbe essere suonata anche dal violino!

Le terze pagine dei due set sono inoltre stampate su un foglio aggiuntivo per evitare di dover girare le pagine: un'ottima idea editoriale!

Carl Philipp Emanuel Bach: Sonata in fa maggiore H.588, Wq. 163, trascritta per viola e clavicembalo obbligato, a cura di Adrian Wehlte, EW 1119, € 14,80, Edition Walhall, Magdeburg 

Nella loro lettera, l'undicesimo e il dodicesimo anno di Thomaner formulano un duro rimprovero: Reize non si era accorto, durante la sua direzione delle prove, che l'intonazione del coro non era buona. Nonostante i cantori avessero quasi perso un tono durante un brano, non era intervenuto. Secondo BR-Klassik, Brödel, direttore della Evangelische Hochschule für Kirchenmusik di Dresda e ora presidente della Neue Bach-Gesellschaft, spiega che Reize non intervenne deliberatamente per non sovraccaricare il coro.

L'emittente radiofonica ipotizza che sia possibile che ex studenti o dipendenti della St. Thomas abbiano delle riserve su Andreas Reize perché è cattolico e viene dalla Svizzera.

Articolo originale:
https://www.br-klassik.de/aktuell/news-kritik/thomaner-chor-andreas-reize-thomaskantor-widerstand-100.html

Come finisce un brano musicale? Finisce o semplicemente si ferma? È un finale forte, che suscita applausi? O silenzioso, in dissolvenza? È conforme a una convenzione? O vuole dirci qualcosa di speciale? Tragico, divertente? Domande di questo tipo vengono sollevate e analizzate in questo volume, anche se non trovano una risposta definitiva. Per il Chiudere - Terminare - Fermare La musica è troppo diversa e troppo storicamente condizionata per essere ridotta a un unico denominatore. Un Amen in un Gloria richiede soluzioni diverse rispetto al lieto fine di un'opera barocca, e il fatto che una sinfonia si concluda con un leggero rondò o con un'esaltazione trionfale ha molto a che fare con lo spirito del tempo. Sì, a volte la chiusura non è affatto "musicale" e ci rendiamo conto che un pezzo è finito solo quando il direttore d'orchestra lascia cadere le spalle e le braccia.

Eccolo dunque: il "finale musicale come problema della storia della musica", che il sottotitolo annuncia in modo un po' accademico. Fortunatamente il volume, che si basa su un simposio del 2016 a Magonza, non è così arido, ma anzi dimostra (un piacevole effetto collaterale) quanto i musicologi siano ispirati da questo tema fondamentale. E la maggior parte di essi riesce a suscitare interesse e ad attirare l'attenzione durante la lettura. Le cadenze dissonanti-consonanti del XIV secolo o i finali tragici o allegri delle opere liriche o i finali morendo del tardo periodo romantico - Richard Strauss li chiamava "plum-soft". Gli esempi sono spiegati in modo tale che, anche se non conosciamo il brano, risuonano nelle nostre orecchie.

I diciotto contributi sono suddivisi in quattro sezioni: Nella sezione "Ordini" vengono esaminati gli aspetti più generali (compresi quelli filosofici, retorici e letterari). In "Formazioni teoriche", appare subito evidente la difficoltà di una regolamentazione vincolante del finale musicale; anche i livelli di confronto sono troppo diversi: stiamo parlando della fine di una melodia, di un'esposizione, di un movimento o di un'intera opera, addirittura di un ciclo? In "Apparizioni", i casi di studio, dalle melodie di canto tardo-medievali al "Lied von der Erde" di Mahler, sono rivelatori. E in "Aperture - (Ri)soluzioni", si capisce quali difficoltà abbia incontrato il (post)modernismo nell'affrontare o aggirare le convenzioni dei finali. E questo apre ancora una volta un ampio campo. I curatori concludono affermando che questa non è l'ultima parola sui finali.

Chiusura - Fine - Cessazione. Musikalische Schlussgestaltung als Problem in der Musikgeschichte, a cura di Sascha Wegner e Florian Kraemer, 467 p., numerosi esempi musicali, € 59,00, edizione testo+kritik, Monaco 2019, ISBN 978-3-86916-662-9

In occasione dell'anniversario di Beethoven, Henle-Verlag ha pubblicato l'integrale delle opere vocali di Beethoven con orchestra in un'edizione di studio in sei volumi in formato tascabile. L'esemplare edizione Urtext, basata sull'Edizione Completa di Beethoven, comprende le prime cantate, l'unico oratorio di Beethoven e le sue opere per orchestra. Cristo sul Monte degli Ulivi, le due messe, la fantasia corale popolare e l'ambientazione di Goethe Silenzio marino e buon viaggio fino a Ah perfido! e altre arie solistiche.

Prefazioni concise con informazioni sulla storia della composizione e note a piè di pagina con riferimenti all'edizione e all'esecuzione soddisfano i più alti standard di qualità e rendono questa edizione un must per cantanti e direttori interessati.

Ludwig van Beethoven: Opere vocali con orchestra, partiture di studio in cofanetto, a cura di Ernst Herttrich, Armin Raab, Norbert Gertsch e altri, HN 9550, € 99,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Secondo la comunicazione ufficiale della città, è noto da tempo che a Coira mancano spazi culturalmente utilizzabili. La mancanza di un centro culturale, ad esempio, era già stata criticata in una petizione del 2010. Analisi approfondite hanno rivelato un'evidente mancanza di sale prova per il teatro, la danza, la musica, le arti visive e la letteratura in particolare.

Al centro della visione degli spazi culturali c'è un centro culturale organizzato in modo decentrato nel centro della città, ma gestito centralmente. Questo deve avvenire in un ufficio culturale a gestione indipendente collegato alla Postremise. Per quanto possibile, gli spazi culturali esistenti sparsi per il centro città saranno integrati in questo concetto se possono essere affittati.

Inoltre, mancano sale prova per il teatro, la musica e la danza, nonché studi e sale per le band. La visione target fornisce suggerimenti su come porre rimedio a queste carenze. Il Teatro di Coira, il Sennhof, la Haus zum Arcas e la Kulturhaus am Bienenweg svolgono un ruolo importante.

Articolo originale:
https://www.chur.ch/aktuellesinformationen/1189481