Con la pubblicazione Urtext delle sei sonate per organo di Camillo Schumann (1872-1946) in un unico volume, Breitkopf dà un gradito contributo all'ampliamento del repertorio organistico romantico tedesco. Il compositore, formatosi a Dresda, Lipsia e Berlino (non è parente del suo "illustre" omonimo Robert), ha lavorato come organista a Eisenach e Bad Gottleuba e ha lasciato una vasta opera compositiva, tra cui sonate per clarinetto, violoncello e corno.

Con le sonate per organo, composte a Eisenach tra il 1899 e il 1910 e finora disponibili solo in ristampe o edizioni singole (Butz, Möseler), Schumann si inserisce in una linea di tradizione che risale ovviamente alle sonate di Mendelssohn e Rheinberger. Le opere in quattro movimenti (con un'eccezione), ciascuna della durata di 20-25 minuti, respirano ancora lo spirito del XIX secolo. Ampi movimenti di sonata, elaborate fughe, intime cantilene, l'uso occasionale di temi noti (corali) come Lode al Signore nel movimento fugale finale della Quarta o B-A-C-B nel finale della Seconda sonata - un vocabolario familiare che dimostra che, sebbene il compositore rimanga fedele all'estetica della sua generazione di maestri e non sembri realmente influenzato dagli sviluppi storico-musicali del suo tempo, tuttavia colpisce per la sua inventiva. Solo raramente Schumann si perde in "luoghi comuni", che testimoniano più una solida maestria che una fiorente ispirazione.

Tecnicamente, le sonate rientrano nella gamma di quelle di Rheinberger e rivelano l'esperienza dell'esecutore anche nei movimenti più impegnativi, anche se i singoli movimenti sono certamente più facili, possono essere adattati agli strumenti moderni e troveranno quindi sicuramente posto anche al di fuori della sala da concerto. Conclusione: un'edizione gradevole, ben curata anche dal punto di vista musicale, che dovrebbe trovare posto sullo scaffale degli amanti della musica organistica romantica.

Camillo Schumann: Sonate complete per organo, a cura di Antje Wissemann, EB 8979, € 44,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Dopo il libro di grande formato Wandrer heisst mich die Welt - Sulle orme di Richard Wagner attraverso l'Europa segue il volume, altrettanto ricco, sugli appartamenti di Wagner: nove solo a Zurigo (1849-1858), due alberghi a Lucerna (1850 e 1859), la casa di campagna a Tribschen (1866-1872), nonché alberghi e un palazzo a Venezia, dove morì nel 1883. I "magnifici edifici" erano probabilmente solo a Lucerna e Venezia; gli appartamenti a Zurigo erano piuttosto modesti. Si parla spesso di problemi di arredamento, che aumentarono la gestione dei debiti di Wagner e onorarono il "genio della pompa" - espressione coniata da Thomas Mann.

Tuttavia, il lussuoso volume con grandi immagini e attraenti contributi di vari autori è un tesoro di documenti e facsimili; anche dal "clan Wagner", Nike Wagner e Dagny Beidler hanno contribuito con testi informativi sul tema "Wagner e la Svizzera". Il fatto che in entrambi i libri siano state utilizzate alcune illustrazioni è irrilevante alla luce della ricchezza di informazioni sulla vita privata e sull'opera di Wagner: una simpatica forma di prospettiva dal buco della serratura che fa luce sulla psiche di questo "genio del secolo" e che può efficacemente completare la pubblicazione precedente. Le ultime ricerche sono prese in considerazione anche in "Piccole cose": I documenti sulla "Tenuta di Richard Wagner" e sul "Funerale", così come le opinioni sui risultati medici e le speculazioni sull'"Affare Pringle" sono pubblicati qui, probabilmente per la prima volta al di fuori della letteratura accademica.

Prachtgemäuer - Luoghi wagneriani a Zurigo, Lucerna, Tribschen e Venezia, a cura di Christian Bührle, Markus Kiesel e Joachim Mildner, 288 p., 500 illustrazioni, € 58,00, ConBrio, Regensburg 2020, ISBN 978-3-940768-89-6

Il compositore, nato nel 1906 nella Boemia occidentale e morto a Praga nel 1973 dopo una vita musicalmente varia, è noto soprattutto come autore della Sonata per contrabbasso e pianoforte, scritta nel 1946. Si è fatto conoscere anche come insegnante di contrabbasso della Scuola di Praga, come compositore per vari ensemble di musica da camera e opere orchestrali e come direttore d'orchestra.

Mentre la Sonata per contrabbasso e il Concerto per contrabbasso, raramente eseguito, si muovono per lo più in tonalità cromaticamente estese, la Quattro pezzi più in direzione di una modalità basata su quarte e quinte. Con i suoi ritmi concisi, la rapida successione di dinamiche contrastanti, i tempi contrastanti e gli spostamenti tonali tra chiari e scuri, espressivi e impressionistici, il suo linguaggio tonale può essere caratterizzato come legato alla tradizione, ma individuale e a casa nel XX secolo.

Il Preludio (da Moderato ad Allegro) esplora gli estremi della dinamica e dell'articolazione. Il Burlesque in forma ABA inizia con staccati scherzosi e simili a Scherzo nel pianoforte e termina con uno stretto esagerato in fortissimo. Il fine, cantabile Notturno segue un Tarantella. František Hertl gioca abilmente con il suo idioma, utilizzando le dissonanze per conferirgli un'espressività che va ben oltre l'intrattenimento.

Gli errori editoriali sono deplorevoli. Presumibilmente le lastre di stampa originali sono state copiate senza correggere le bozze, il che ha comportato errori accidentali, nonché note e legature errate e la conseguente necessità di un lavoro di investigazione. Alla luce della tecnologia disponibile oggi, è incomprensibile che la partitura per pianoforte del Preludio la parte del contrabbasso è annotata all'ottava, ma negli altri tre brani è annotata una seconda maggiore più bassa o una settima minore più alta rispetto al suono effettivo, cioè viene adottata la notazione necessaria per il contrabbasso solista in Re. Nel suo arrangiamento, Stefan Schäfer si è limitato a poche raccomandazioni tecniche sull'arco a favore della libertà interpretativa.

La nuova edizione arricchisce il repertorio di musica da camera per contrabbassisti, altrimenti non troppo abbondante.

František Hertl: Quattro pezzi per contrabbasso e pianoforte, parte di contrabbasso arrangiata da Stefan Schäfer, BA 11556, € 18,95, Bärenreiter Praga

Matthias Kohler è sempre alla ricerca di ispirazione: Nel 2016, in occasione di una residenza d'artista a New York, il fiume lo ha spinto a Suite Hudson mentre il cinghiale è all'origine del nuovo lavoro della sua band This Is Pan. Il musicista bernese si è imbattuto in questo animale araldico durante una vacanza nel sud della Francia. Da qui è nato prima un motivo musicale e poi l'idea di un concept album.

Kohler aveva deciso di creare un monumento musicale al mondo animale locale. Di conseguenza Cuore animale Ora l'album non è solo pieno di melodie trainanti, ma anche una parata animalesca, in cui linci, cervi, cavalli e rapaci fanno gli onori di casa insieme ai cinghiali. Inoltre, gli undici pezzi sono stati scritti in una fase di euforia, che si nota anche nel suono estremamente variabile, agile e vivace: il leader della band Matthias Kohler al sassofono e i suoi quattro compagni d'arme, Lukas Thoeni (tromba), André Pousaz (basso), Gregor Hilbe (batteria) e il chitarrista Dave Gisler, hanno dovuto aspettare la fine della reclusione per potersi ritrovare dal vivo e iniziare a suonare insieme. La gioia della loro riunione si riflette nella loro allegria giocosa, nei voli di fantasia ritmici e nelle armonie selvagge.

Mentre Tutti i bei cavalli ricalca la grazia dei cavalli con una melodia sostenuta e la combina con strumenti a fiato di buon gusto e interiezioni di chitarra libere. Una volta ho visto una lince con motivi arabescati e intricati intrecci. Un altro punto di forza, Rosso MilanoIl brano, che si avvale di strumenti a fiato per ripercorrere il nervosismo degli uccelli che devono difendere il loro nido in volo, è diretto, senza fronzoli e intenso. Cuore animale offre un jazz elegantemente arrangiato e libero, brillantemente eseguito e che sa come sfruttare la sua implacabile curiosità e l'amore per la sperimentazione. Il risultato parla da sé.

This Is Pan: Cuore animale. Matthias Kohler, sassofono; Lukas Thoeni, tromba; Dave Gisler, chitarra; André Pousaz, basso; Gregor Hilbe, batteria ed elettronica; Sissel Vera Pettersen, voce (traccia 11). Etichetta Anuk ANUK 0044

In una lista di nuove edizioni "attesissime", il concerto di Richard Strauss sarebbe certamente in cima alla lista per gli oboisti. L'edizione Henle Urtext, appena pubblicata, suscita quindi grandi speranze che i dubbi e le ambiguità tanto invocati nell'edizione Boosey & Hawkes siano stati eliminati e che sia stata creata un'edizione di riferimento.

Per anticipare: La nuova edizione, supervisionata dall'ex oboista della Filarmonica di Berlino, Hansjörg Schellenberger, è stata compilata in modo serio e per la prima volta tiene conto anche del materiale esecutivo della prima esecuzione a Zurigo. Soddisfa quindi i requisiti per diventare un nuovo standard. Allo stesso tempo, va detto che l'edizione Boosey & Hawkes non era poi così male, perché si basa sulla stessa fonte principale (cioè la partitura autografa praticamente priva di errori) e ha già subito diverse correzioni rispetto alla prima edizione.

Il grande vantaggio della nuova edizione è certamente la relazione editoriale, che cita e illumina tutti i dettagli editoriali e rilevanti per la fonte. Questo è molto divertente nella versione digitale della Biblioteca Henle, perché qui tutti i passaggi su cui è scritto qualcosa nel rapporto di edizione sono evidenziati in blu. Nella versione stampata, invece, sono incluse solo alcune note a piè di pagina (per lo più superflue) e, a volte, vengono omesse del tutto ossee estremamente importanti di letture oggettivamente uguali. È incomprensibile, ad esempio, che una nuova lettura nel III movimento (m. 386) appaia senza un'osa o una nota diretta a piè di pagina, poiché presumibilmente non è mai stata eseguita in questo modo prima d'ora e ha anche poco senso musicale.

Anche il fatto che alle figure 9 e 10 si perdano molte parole sul significato di sfzp o p sfz è incomprensibile. Uno sguardo alla partitura autografa mostra chiaramente che Strauss non ha scritto le due marcature una accanto all'altra, ma in diagonale l'una sotto l'altra. È quindi chiaro che la dinamica del passaggio deve essere pianistica e che sfz in questo punto significa un'indicazione di articolazione, cioè un chiaro accento. Il fatto che nelle edizioni moderne tutti i segni di dinamica debbano apparire sullo stesso livello grafico dovrebbe essere urgentemente riconsiderato in questo contesto! Anche la fissazione di una nota controversa nel primo fagotto (due battute prima della figura 23) al re mi sembra poco felice; sebbene sia un miglioramento rispetto al f dell'edizione precedente, il do (come appare nella particella di Strauss) sarebbe stato certamente la variante migliore in termini di direzione vocale e interpretazione armonica.

Le indicazioni strumentali nella riduzione pianistica sono gradevoli, per il resto non ci sono differenze sostanziali rispetto all'edizione precedente. È un peccato, tuttavia, che la prima registrazione dell'opera (1947; Léon Goossens, Philharmonia Orchestra, diretta da Alceo Galliera) non sia stata inclusa come fonte, poiché è stata ovviamente realizzata utilizzando la prima edizione ed è quindi l'unico documento audio con il finale originale dell'opera. Nessuno vorrà suonare oggi questo primo finale (abbreviato), ma sarebbe stato interessante se Henle lo avesse incluso in questa edizione per fornire preziose indicazioni sul laboratorio compositivo di Strauss e sul suo pensiero.

Richard Strauss: Concerto per oboe in re maggiore, a cura di Hansjörg Schellenberger; riduzione per pianoforte di Johannes Umbreit, HN 1248, € 24,00; partitura di studio, HN 7248, € 15,00; G. Henle, Monaco di Baviera

Il Medioevo aveva le proprie idee sull'uomo e sugli animali. Nel nuovo CD Il canto delle bestie L'ensemble Dragma di Basilea ospita creature di ogni tipo: uccelli canori, draghi, topi e unicorni. Sono raffigurati in modo colorato nei "bestiari" medievali, preziosi libri in pergamena in cui le creature mitiche sono descritte in modo dettagliato. Sono conservati in importanti archivi come la British Library di Londra o la Bibliothèque National di Parigi.

Le creature colorate e decorate hanno un'enorme forza espressiva. Per questo vengono mostrate e delicatamente animate in un filmato creato appositamente per questo progetto. - Il link esclusivo al filmato è stampato sul CD. Questo video si sposa perfettamente con le canzoni che l'ensemble Dragma ha raccolto dalle biblioteche di Firenze, Lucca, Chantilly e Parigi: un affascinante zoo musicale pieno di poesia.

Le canzoni sono raggruppate in base alle diverse specie animali: "Von Singvögeln aller Art", "Hör mich brüllen" o "Viper, Skorpion & Basilisk". Tuttavia, le descrizioni medievali delle creature sono piene di simbolismo religioso e politico, e i testi sono di conseguenza enigmatici e poetici. I testi possono essere decifrati nella traduzione inglese del libretto e nel film alcuni di essi sono pronunciati anche in un particolare medio-alto tedesco.

Il fatto che l'ensemble Dragma sia composto da tre illustri conoscitori della prassi esecutiva medievale è immediatamente evidente. Essi rivelano una passione vivace e ritmicamente agile per il fare musica in questi mondi animali. Agnieszka Budzińska-Bennet, che di tanto in tanto si dedica anche all'arpa, canta con voce morbida e ben focalizzata e ritrae queste creature mitiche in modo molto vivido.

È accompagnata con attenzione da Jane Achtman al violino, proprio come se stesse cantando una seconda parte vocale. Il terzo membro dell'ensemble, Marc Lewon, fornisce un'agile grazia al liuto. Lewon appare anche come narratore e cantante: per esempio nel madrigale Fenice fu di Jacopo da Bologna, in cui una donna racconta la sua trasformazione da fenice a tortora. Budzińska e Lewon cantano questo duetto in modo potente e commovente.

Nel capitolo "Von Fledermäusen und Mäusen" (Di pipistrelli e topi), si può godere dell'umorismo grossolano del Medioevo. Il pezzo in tre parti sul topo è interpretato con arguzia dai tre interpreti. Il topo è infelice e affamato e vuole una salsiccia o un grasso cappone per cena. Tuttavia, la descrizione del suo pasto effettivo è piuttosto deprimente: pane integrale, ravanelli e fave. Si conclude così questo colorato caleidoscopio di arte medievale: non c'è niente di più vivace di questo!

Song of Beasts - Creature fantastiche nella canzone medievale. Ensemble Dragma : Agnieszka Budzińska-Bennett; Jane Achtman, Marc Lewon. Ramée RAM 1901

Breitkopf & Härtel, in collaborazione con l'Archivio Joachim Raff di Lachen, in Svizzera, va ringraziata per la nuova edizione dei primi due quartetti per archi di Joachim Raff in parti e partitura, composti rispettivamente nel 1855 e nel 1858-59. Grazie a un notevole sforzo e a un resoconto critico meticolosamente preciso sulla situazione delle fonti, alle rispettive decisioni editoriali e a una prefazione dettagliata e appassionante, meritano grande rispetto - soprattutto dal punto di vista musicologico. Joachim Raff, che Joseph Hellmesberger considerava alla pari di Schumann e Beethoven, completò un totale di otto quartetti nei rari anni successivi alla morte di Schumann. Nessuno di essi è entrato a far parte del canone classico degli ensemble importanti del XX e XXI secolo, proprio come i 36 quartetti di Louis Spohr.

La reputazione di Raff si affievolì presto con la sua morte nel 1882. A differenza di altre perdite di importanza di compositori meno comprensibili, nel caso di Raff e della sua opera ci sono buone ragioni. Le attuali, lodevoli esecuzioni lo dimostrano chiaramente, nonostante la rinascita del suo nome. Rimarrà un compositore controverso, come lo è stato quasi per tutta la sua vita, che ha prodotto molto, ma anche molto di mediocre. La sua ambizione di scrivere quartetti per archi si basava su considerazioni pratiche, dato che all'epoca della stesura del primo quartetto si stava affermando una scena pubblica sempre più professionale, anche direttamente nella cerchia di Raff. Ciononostante, egli lottò a lungo per trovare una risposta, sia da parte degli esecutori che del pubblico.

Se ci si dedica ai primi due quartetti, si viene ripetutamente catturati da idee melodiche brillanti, effetti sorprendentemente moderni (passaggi più lunghi di ponticello e flageolet), echi di canzoni popolari, elementi potenti e assolutamente quartettistici che dimostrano l'eccezionale talento musicale di Raff. Ciò che a tratti è affascinante (ad esempio nello Scherzo dell'op. 77), Raff purtroppo lo appiattisce più volte con episodi prolungati, si potrebbe dire insignificanti, che mettono in ombra i gioielli assolutamente brillanti della sua arte. Sarebbe stata necessaria una maggiore padronanza formale per evitare queste debolezze, oppure una concentrazione senza compromessi sull'essenziale.

Il punto cruciale della creazione artistica è che la vera grandezza si forma solo quando prevale la massima qualità e non emerge solo occasionalmente. Alcuni dei contemporanei di Raff erano affetti da questo problema del secondo o terzo rango della musica, proprio perché dovevano liberarsi dalle grinfie dell'eredità beethoveniana senza apparire epigonali o scardinare completamente le tradizioni. La maggior parte di loro cercò da sola una via d'uscita da questo dilemma, anche se avrebbero potuto imparare molto gli uni dagli altri.

Resta da vedere se i quartetti di Raff verranno eseguiti di più grazie a questa lodevole edizione, dato che la prima edizione è disponibile online. Ci sono ancora innumerevoli opere che non sono state pubblicate, ad esempio i quartetti di Carl Czerny, che sono stati composti fino alla metà degli anni '50 del XIX secolo.

Joachim Raff: Quartetti per archi n. 1 (op. 77) e 2 (op. 90), a cura di Stefan König e Severin Kolb; Parti n. 1: EB 8939, € 41,90; Parti n. 2: EB 8940, € 41,90; Partitura di studio 1+2: PB 5622, € 39,90; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Con questo libro di testo, la pioniera della marimba Elisabeth Amandi colma una lacuna che esiste da decenni nel mercato della letteratura didattica sulle percussioni e offre una scuola di mallet per principianti e avanzati che si concentra sull'aspetto motivazionale.

Sostituisce volutamente gli esercizi puramente tecnici con 300 canzoni internazionali, danze e brani solistici che coprono sistematicamente le tecniche esecutive più importanti passo dopo passo. Sia per i bambini che per gli adulti: Melodie familiari e memorabili stimolano l'immaginazione musicale e facilitano la realizzazione sulla marimba, sullo xilofono o sul vibrafono.

I requisiti sono chiaramente strutturati. Dopo le prime note da un quarto, entrano presto in gioco i pioli e la gamma si amplia poco a poco. I diversi stili consentono inoltre di variare le firme temporali e le chiavi. In questo modo, si esercitano i movimenti delle mani e le sequenze di movimento e allo stesso tempo si insegnano le basi della teoria musicale e le possibilità di composizione musicale. Per molti titoli, Amandi descrive il motivo per cui ha scelto quel brano e le difficoltà o le sfide che devono essere superate per questo passo successivo.

La lettura della musica e la tecnica delle due corde vengono apprese quasi incidentalmente. Ogni titolo musicale - dalla semplice canzone per bambini al virtuoso Volo del bombo - prepara il successivo. Naturalmente, non possono mancare alcuni numeri noti, come ad esempio Trepak, L'intrattenitore, Circo Renze l'ultimo titolo con il numero 300 è quindi il titolo Il volo del bombo.

In questo modo Garanzia di apprendimento della marimba gli aspetti essenziali per suonare la marimba in modo complesso. Elisabeth Amandi sa per esperienza personale come solista di marimba e insegnante: "Se ti piace una melodia, non perdi il divertimento nemmeno quando ti eserciti intensamente, e l'allenamento diventa una meravigliosa danza sui tasti della marimba!"

Elisabeth Amandi: Garantiert Marimba lernen. Il metodo per principianti e avanzati su marimba, xilofono e vibrafono con 300 brani internazionali e pezzi da concerto, libro e CD, n. 20288G, € 23,95, Alfred Music, Colonia

Che suono aveva una lira nell'antico Egitto o una kithara e un aulos nella Grecia classica? Purtroppo gli esempi sonori non possono essere trasmessi in streaming, eppure la ricerca musicale oggi è in grado di ricostruire fedelmente il suono di questi strumenti utilizzando delle repliche. Nel libro riccamente illustrato Pubblicazione di accompagnamento Il sito web della mostra contiene informazioni affascinanti sul background scientifico. La mostra può essere visitata anche senza queste conoscenze di base. Circa 30 campioni sonori di vari strumenti possono essere ascoltati tramite l'app del museo. I visitatori devono portare il proprio smartphone con le cuffie.

Lo strumentario del Vicino Oriente, dell'Egitto e dell'antica Grecia comprende essenzialmente strumenti a corda, a fiato, sonori e ritmici, nonché il canto. Sulla base dei manufatti e delle illustrazioni presenti su molti vasi, soprattutto dell'antica Grecia, sono state realizzate delle repliche. La maggior parte di questi strumenti è in prestito dal Museo Martin von Wagner dell'Università di Würzburg. Sono stati inclusi nell'album Saffo e il suo tempo dall'ensemble di Conrad Steinmann Melpomi e costituiscono la parte uditiva della mostra. Si tratta di ricostruzioni musicali per voce e accompagnamento strumentale, che si basano sul suono degli strumenti ricostruiti da un lato e sui versi della poesia di Saffo dall'altro.

Gli altri reperti, tra cui vasi, sculture e rilievi, provengono in gran parte da collezioni private, dal Kunstmuseum e dall'Historisches Museum di Basilea. Molti dei manufatti provengono dalla sala delle sculture del Museo di Antichità.

Ci sono poche testimonianze di musica e di produzione musicale nel Vicino Oriente del IV millennio a.C. o più tardi in Egitto. Tuttavia, il poco che è sopravvissuto indica che dovevano esistere melodie scritte e una sorta di sistema di notazione a partire dalla metà del IV millennio. Gli antichi greci probabilmente appresero oralmente questo sistema del Vicino Oriente e lo svilupparono in una vera e propria teoria musicale. Filolao (ca. 470-399 a.C.) e Platone (ca. 427-347 a.C.) sono le figure centrali. Teoria significa in realtà "osservazione" e descrive inizialmente ciò che esiste. L'aulos, ad esempio, è uno strumento a fiato ad ancia doppia in legno o osso che si suona con una lingua che colpisce. Su ciascuna ancia destra e sinistra si possono suonare da quattro a cinque note. Steinmann scrive: "La disposizione dei fori delle dita segue naturalmente le possibilità della mano umana. I toni prodotti quando si soffia seguono quindi le condizioni fisiologiche. ... Sono la base di un sistema musicale e quindi anche di una percezione musicale". (Catalogo, p.45)

Il titolo "Dell'armonia e dell'estasi" lo lascia intendere: Nell'antichità, i vari strumenti erano assegnati a principi opposti. Gli strumenti a corda erano assegnati al principio apollineo dell'armonia (vita, ordine, spirito), mentre gli strumenti a fiato, a rumore e a ritmo erano associati all'estasi, alla morte, al caos e al corpo. La kithara, ad esempio, era lo strumento dei musicisti professionisti nell'antica Grecia ed è il simbolo di Apollo nella mitologia, mentre l'aulos, dal suono un po' stridulo, appartiene al mondo di Dioniso e dei demoni della natura.

Un esempio notevole di suono può essere ascoltato da una replica di arpa ad arco proveniente dall'Egitto del XIII secolo a.C.. L'arpa era considerata uno strumento nobile ed era di conseguenza rara. Anche il liuto, più giovane, era relativamente raro. Aveva una tastiera, un lungo bastone su cui erano tese tre corde di budello di pecora. La lira era molto più diffusa. È un'invenzione egizia del III millennio a.C. In Grecia veniva spesso utilizzata per accompagnare le poesie (da qui il rapporto lira > lirica). L'esempio documenta lo strimpellamento ritmico delle corde, che ricorda molto l'odierno ukulele.

I sonagli e le campane erano usati per placare o allontanare i demoni e nel culto dei morti. La famiglia degli strumenti ritmici comprende il timpano (tamburello), i krotala (battenti) e i kymbala (cimbali). Secondo la mitologia, erano usati soprattutto dalle menadi e dalle ninfe danzanti, mentre i satiri suonavano gli auloi. Sui vasi egizi e greci i cantori erano raffigurati in pose tipiche del canto, di solito in estasi.

Tra gli esempi audio ci sono alcuni contributi molto belli, anche se difficilmente soddisfano il criterio dell'autenticità storica.

Ha già attirato l'attenzione con alcuni progetti insoliti il pianista See Siang Wong, che vive in Svizzera e insegna all'Università delle Arti di Zurigo. Per esempio, ha avviato un "compendio di nuova musica pianistica svizzera" e ha registrato versioni cameristiche di concerti di Chopin e Beethoven. Ora sta anche dedicando un'intera trilogia a Beethoven, che si concentrerà principalmente su opere meno conosciute del maestro di Bonn. Il primo CD si intitola "Fantasia". Ha registrato la Fantasia op. 80 in do minore per pianoforte, coro e orchestra - con l'Orchestra Sinfonica della Radio di Vienna (direttore: Leo Hussain) e il Vienna Singverein. Il disco include anche la Sonata per pianoforte n. 13 in mi bemolle maggiore "Quasi una fantasia" e, come preludio, la tutt'altro che sconosciuta Sonata per pianoforte n. 14 in do diesis minore. Il soprannome "Sonata al chiaro di luna" le fu dato dal poeta Ludwig Rellstab dopo una gita in barca sul lago dei Quattro Cantoni.

Così, all'inizio della trilogia, che in realtà vuole essere dedicata alle rarità, c'è innanzitutto un contributo all'epica discussione su come la famigerata istruzione del pedale solitario di Beethoven all'inizio della Sonata al chiaro di luna è da interpretare. András Schiff sostiene più volte la necessità di un tempo alla breve, ma con un pedale costantemente sostenuto; egli ritiene che questa sia l'intenzione di Beethoven. Siang Wong vede nell'Adagio un riferimento alla scena della morte del Commendatore dell'opera di Mozart. Don Giovanni. Inoltre, mantiene il pedale premuto per tutto il tempo, ma sceglie un tempo molto lento che è diventato comune nella maggior parte delle interpretazioni. Il risultato è un paesaggio sonoro delicato e impressionistico sul pianoforte a coda da concerto Steinway D-274, più armonioso rispetto alle armonie fuse in modo un po' burbero di Schiff.

La Fantasia corale è stata registrata nell'aprile 2019 nella Great Broadcasting Hall della Radio Kulturhaus di Vienna e le sonate nel gennaio 2020 nello studio radiofonico SRF di Zurigo. ORF e SRF sono anche coproduttori.

Trilogia di Beethoven 1: Fantasia (Sonate per pianoforte n. 14 e 13, Fantasia per pianoforte op. 77, Fantasia corale op. 80) Cfr. Siang Wong, pianoforte; RF Vienna Radio Symphony Orchestra, Wiener Singverein, direttore Leo Hussain. Sony Music RCA Red Seal 19439800512

Halffter è nato a Madrid nel 1930 e ha trascorso parte della sua infanzia in Germania. Dal 1939 al 1951 ha studiato pianoforte, teoria musicale, armonia e composizione a Madrid. Nel 1961 divenne insegnante di composizione e teoria formale presso il Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. È stato direttore dell'istituto dal 1964 al 1966.

Nel 1970 ha iniziato a insegnare e dirigere all'Università di Navarra. Nel 1976 è stato docente ai Corsi estivi internazionali di nuova musica di Darmstadt, dopo aver lavorato a più riprese con compositori come Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen e Luciano Berio negli anni Sessanta, e nel 1979 è diventato direttore dello Studio di musica elettronica della Fondazione Heinrich Strobel a Friburgo in Brisgovia.

Nel 2009 ha ricevuto il premio "Frontiere della conoscenza" della Fundacion-BBVA spagnola, del valore di 400.000 euro, nella categoria musica contemporanea. Nel 2014 è stato insignito del Premio Cultura della città di Kiel.

Andrei Krivenko, di origine russa, ha ricevuto le prime lezioni di flauto all'età di 6 anni. Si è diplomato all'Accademia di Musica di Basilea nella classe di Felix Renggli. Krivenko è titolare di una borsa di studio della Fondazione Kurt Redel e ha vinto numerosi e prestigiosi concorsi internazionali.

Si è già esibito come solista in Svezia, Francia, Germania, Italia e Russia, oltre che con la Zakhar Bron Festival Orchestra (Svizzera) e la Russian Youth Symphony Orchestra sotto la direzione di Yuri Bashmet. Ha ricevuto ulteriori importanti impulsi artistici in masterclass con Vincent Lucas (Parigi), Andrea Lieberknecht (Monaco), Philip Bernold (Parigi), William Bennett (Londra), Peter Lukas Graf (Basilea) e Denis Bouriakov (Los Angeles), tra gli altri.

Michael Zisman ha la doppia cittadinanza argentino-svizzera ed è considerato "uno dei grandi talenti del suo strumento, il bandoneon", scrive il Cantone. In Argentina si è specializzato nella musica del tango. Ha sviluppato una straordinaria brillantezza, il suo modo di suonare è "naturale e senza sforzo, caldo ed emozionante".

Durante l'infanzia, Zisman ha imparato la musica principalmente dal padre, il violinista, bandleader e compositore Daniel Zisman. Dopo aver imparato lo strumento in gran parte da autodidatta - insieme al collega di lunga data Peter Gneist - all'età di 13 anni ha studiato a Buenos Aires con Nestor Marconi e Juan C. Cirigliano, ex pianista di Astor Piazzolla.

Nel 2007 Michael ha ricevuto il primo premio nella categoria bandoneon solo al Concorso Internazionale Accordeon di Klingenthal (Germania).