Non voleva scrivere una biografia. Tuttavia, Peter Lukas Graf è stato disposto a scambiare domande e risposte con l'editore giapponese Kan Saito durante ognuna delle 52 settimane dell'anno - sotto forma di corrispondenza e-mail. Il risultato è un volume chiaramente strutturato su 52 argomenti relativi al suo strumento. Lo stile rilassato e personale dei commenti si rivela valido sia nei consigli provenienti dalla grande esperienza del flautista, attivo da oltre settant'anni, sia nei commenti sulla direzione d'orchestra, il contro-argomento che, come ammette un po' timidamente, è stato in grado di aumentare la sua fiducia in se stesso. Ma per lui suonare e dirigere erano "professioni praticamente opposte... suonare il flauto non è quindi un aiuto per la direzione d'orchestra".

Incontri personali ed eventi inaspettati sono trasmessi nella formulazione più concisa - senza larvatezze, ma spesso conditi da una leggera autoironia - e offrono uno spaccato di sensibilità che potrebbe influenzare il corso delle esibizioni solistiche. L'aneddotica e la tecnica sono combinate in modo simpatico.

Peter Lukas Graf: Backstage - Sulla musica, il flauto e la vita, 72 p., € 12,50, Schott, Mainz 2020, ISBN 978-3-7957-2155-8

Il fatto che i genitori abbiano dato ai due cugini lo stesso nome di battesimo Jan Anton non è stata una buona idea a posteriori: entrambi mostravano un talento per la musica e in particolare per la composizione, il che era destinato a generare confusione. Nato nove anni dopo, decise da giovane di prendere il nome di Leopold. I due fratelli Kozeluch furono tra i più rinomati compositori boemi della seconda metà del XVIII secolo e oltre. Dopo l'apprendistato in patria, Jan Anton continuò la sua formazione a Vienna con Gassmann, Gluck e Hasse e in seguito si fece un nome a Praga, soprattutto come compositore di opere vocali sacre.

Leopold - dopo aver studiato con il cugino e con Duschek - si perfezionò anche a Vienna, dove probabilmente ebbe come maestro Albrechtsberger. Ben presto ottenne un successo strepitoso come virtuoso del pianoforte, insegnante di musica e compositore. Ignorò l'offerta di diventare il successore di Mozart come organista di corte a Salisburgo. Nel 1792 divenne "Kammer Kapellmeister und Hofmusik Compositor" presso la corte imperiale di Vienna, carica che mantenne fino alla morte nel 1818. È noto che fece commenti denigratori su Haydn e che fu pesantemente criticato da Mozart e Beethoven. Nonostante queste animosità personali, oggi piuttosto divertenti, è indiscutibile che abbia avuto un'influenza decisiva sullo stile del classicismo viennese. Tuttavia, gran parte della sua immensa opera non è ancora stata riscoperta.

Il CD combina un concerto per fagotto e uno per oboe di Jan Anton e una sinfonia di Leopold Kozeluch, oltre alla registrazione in prima mondiale di un altro concerto per fagotto, attribuito sia a Leopold che a suo cugino (anche se la confusione sui nomi si riflette anche sulla copertina). I due concerti per fagotto, molto diversi tra loro, sono opere attraenti in cui il solista Sergio Azzolini può dimostrare tutte le sfaccettature della sua abilità su uno strumento originale del 1794 circa: linguaggio musicale espressivo, archi melodici cantabili e brillantezza tecnica. Lo stesso si può dire del concerto per oboe in fa maggiore con l'eccellente solista Giovanni De Angeli. La Sinfonia in sol minore in tre movimenti di Leopold Kozeluch, composta intorno al 1787, è, come le opere più note in questa tonalità di Mozart, Haydn e Vanhal, un pezzo altamente espressivo e drammatico, con armonie audaci e contrasti dinamici emozionanti, che fu immediatamente eseguito in tutta Europa.

È merito della Camerata Rousseau e del suo direttore Leonardo Muzii presentare queste quattro opere, registrate nel 2016, nella migliore luce possibile in un nuovo CD. L'orchestra suona con impegno, bel suono, differenziazione e precisione. Il suo nome si riferisce al famoso filosofo, poeta e compositore ginevrino e ricorda che i musicisti del Dipartimento di Musica Antica del Conservatorio di Ginevra la fondarono per eseguire composizioni del XVIII e XIX secolo nello stile proprio. Da allora si è trasferita a Basilea e vi partecipano anche i diplomati della Schola Cantorum Basiliensis. Merita una menzione speciale l'approfondito testo del libretto di Karl Böhmer, che contiene tutto ciò che vale la pena sapere sui due compositori e sulle loro opere.

Jan Anton Kozeluch (1738-1814) e Leopold Kozeluch (1747-1818): Concerti e Sinfonia. Sergio Azzolini, fagotto; Giovanni De Angeli, oboe; Camerata Rousseau su strumenti d'epoca; direttore Leonardo Muzii. Sony classical 19439788202

La collezione musicale comprende organi domestici del Toggenburg, cetre da collo e altri strumenti, nonché numerosi manoscritti musicali scritti a mano. Essi testimoniano la musica domestica e la cultura domestica del Toggenburg nel XVIII e XIX secolo. Nel XX secolo, Albert Edelmann (1886-1963), insegnante, pittore e mecenate del patrimonio folkloristico e culturale locale che lavorava presso l'istituto comprensivo Dicken di Ebnat, ha parzialmente restaurato, promosso e tramandato questo patrimonio culturale. Tuttavia, gli strumenti non possono essere visti solo nelle sale espositive del Museo Ackerhus.

Secondo il comunicato stampa del Cantone, la protezione è stata preceduta da una valutazione da parte del Dipartimento dei Beni Culturali dell'Ufficio della Cultura e di un comitato consultivo. Questi ultimi hanno classificato la collezione "Musica" e la collezione "Pittura di mobili del Toggenburg" come patrimonio culturale del Cantone.

Per saperne di più:
https://www.sg.ch/news/sgch_allgemein/2021/08/ackerhus-mit-kulturerbe-label-ausgezeichnet.html

Da un lato, si è parlato degli affascinanti risultati pionieristici e delle emozionanti storie di vita delle musiciste, ma dall'altro anche degli aspetti di oppressione, sfida, parità di diritti e pari opportunità per le donne nella musica. Tutti i relatori si sono occupati di dignità, dialogo e rispetto nella collaborazione artistica e professionale tra musicisti di ogni genere.

Eva Weissweiler ha tenuto il discorso di apertura del congresso con il suo "Bilancio di una pioniera". Numerose pubblicazioni musicologiche e libri sulle donne compositrici, la fondazione del gruppo di lavoro "Donne e Musica" e l'organizzazione di numerosi festival e serie di concerti sono al centro del curriculum di Eva Weissweiler. È probabilmente esemplare per il lavoro artistico e politico delle donne della sua generazione e dimostra l'impegno instancabile e in rete a livello internazionale per il fatto evidente che le donne sono attivamente coinvolte nella scena musicale contemporanea e classica. In modo intransigente, ha descritto le difficili condizioni per le musiciste, le compositrici e le musicologhe nella sfera pubblica tedesca ed europea all'inizio degli anni Settanta: "... che a volte mi facevo la reputazione di strega e non venivo più salutata per strada dal mio supervisore di dottorato perché si vergognava di aver nutrito una tale vipera sul suo seno inesistente". Le condizioni odierne non sono più paragonabili all'ostilità verso le donne della generazione maschile di allora, eppure Weissweiler ha dimostrato con statistiche impressionanti che c'è ancora molto da fare a tutti i livelli: "Non posso quindi che concludere con un appello urgente: Non limitiamoci a ricercare, ma esigiamo! Facciamo della nostra questione una questione politica! Non oso crederci, ma sarebbe un sogno che si avvera se un giorno solo un terzo di tutte le musiciste svizzere e tedesche smettesse di suonare, cantare, insegnare o dirigere per una sola settimana. Perché allora il resto dell'umanità si renderebbe finalmente conto: senza di noi, sarà silenzio, maledettamente silenzio!".

Nella conferenza che segue, la pianista Kathrin Schmidlin ritrae due importanti compositrici dell'inizio del XX secolo: Lili Boulanger (1893-1918) e Vítězslava Kaprálová (1915-1940). Entrambe le compositrici riuscirono a trovare il proprio linguaggio musicale distintivo in circostanze difficili: Boulanger - influenzata dall'ambiente francese - con una profonda e poetica intensità di colori tonali, Kaprálová - allieva di Martinů - con una concisione espressiva nel ritmo. Schmidlin ha attinto a piene mani nella sua variegata esibizione, non da ultimo con esempi tratti dalla sua recente e acclamata pubblicazione su CD Voci di donne (con Anna Fortova, violoncello, pubblicato dall'etichetta Claves, Recensione), e ha risvegliato nel pubblico il desiderio di approfondire la conoscenza di entrambi i compositori e del loro ambiente.

Sabine Kemna, intervenuta da Kassel, ha presentato la storia e la filosofia della casa editrice Furore dopo la pausa pranzo: La casa editrice pubblica opere di compositrici sin dalla sua fondazione nel 1986 e ha pubblicato ben 2000 composizioni. Un vero e proprio risultato pionieristico, che è valso alla fondatrice Renate Mathei la Croce al Merito Federale Tedesco nel 2012.

Il frizzante cortometraggio Donna e pianoforte dell'austriaco Sebastian Leitner (SLfilm) ha dato vita a una vivace e controversa discussione sulle immagini delle donne nella musica. Fino a che punto i cliché sono accettabili o utili? Che significato hanno l'abbigliamento e lo stile delle donne (e degli uomini) sul palco? Quali aspettative ha il pubblico? Come affrontare le reazioni sessiste?

La discussione ha condotto senza soluzione di continuità al secondo discorso programmatico "Hammer, High Heels and Calculation" di Esther Flückiger. La pianista e compositrice, che è anche una delle principali creatrici di musica elettronica della Svizzera, ha condotto il pubblico in un viaggio di 200 anni attraverso la storia, il background e le sfide delle pianiste donne sui palcoscenici dei concerti di tutto il mondo, utilizzando numerosi video. Partendo da questioni di decoro Biedermeier, Flückiger ha seguito "la via della libertà" fino alle audaci e intransigenti star del pianoforte classico femminile di oggi. I ritratti di pioniere del jazz come Dorothy Donegan, Carla Bley, Aki Takase e Myra Melford devono essere stati particolarmente nuovi per molti spettatori. Basandosi sul suo lavoro di compositrice ed esecutrice e di cofondatrice di due organizzazioni femminili (Frauenmusikforum Schweiz, 1984, ora ForumMusikDiversität e Suonodonne Italia, 1994, Roma), Flückiger ha offerto una panoramica della sua ricca esperienza in termini di "essere donna" e "essere uomo" al pianoforte - politicamente, artisticamente e giornalisticamente. La conferenza è stata un appassionato omaggio al pianismo.

La conferenza dell'EPTA, inizialmente prevista nei locali della Scuola di Musica di Baar, ha dovuto essere organizzata online con breve preavviso. In questo modo è stato possibile accogliere ospiti provenienti da ogni angolo della Svizzera e anche dai Paesi limitrofi. Le discussioni che hanno fatto seguito a tutte le presentazioni sono state quindi particolarmente piacevoli e produttive. La giornata del congresso è stata incorniciata dai bellissimi contributi video di due giovani studenti di musica (Sophie Hohl, Scuola di Musica di Brugg; Pauline Schielke, Scuola di Musica di Baar) al pianoforte. Infine, ha avuto luogo il tradizionale "Podio dei Soci", libero da vincoli tematici. La pianista Annamaria Savona ha dedicato il suo intervento a un tema pedagogico: ha illustrato il programma di ricerca del Fondo Nazionale Svizzero "Song leading", in cui si studia scientificamente l'uso del pianoforte nelle lezioni scolastiche. Utilizzando sequenze video di situazioni didattiche, ha mostrato le sfide pratiche e pedagogiche dell'utilizzo di strumenti e media digitali per provare nuove canzoni con bambini e ragazzi.

Gli effetti della pandemia di coronavirus sulle attività culturali sono duraturi, scrive il Cantone nel suo comunicato stampa. Gli eventi culturali possono avere nuovamente luogo. Tuttavia, le condizioni di realizzazione sono ancora instabili. Gli organizzatori stanno pianificando con cautela e devono anche affrontare la sfida di recuperare un gran numero di eventi cancellati e rinviati. Il margine di manovra per la realizzazione di nuovi progetti culturali è ridotto. Per questo motivo, il programma di promozione culturale del Cantone di Berna sta estendendo l'accento di finanziamento "Continuer - Contributi allo sviluppo e all'approfondimento di progetti culturali" lanciato in primavera.

Questo accento di finanziamento è destinato a consentire agli artisti (organizzati individualmente o come collettivo o gruppo) con contributi fino a 10.000 franchi svizzeri o, nel caso di collettivi, fino a 15.000 franchi svizzeri, di approfondire le loro questioni artistiche e sviluppare ulteriormente i loro metodi di lavoro e il loro orientamento - in generale o in relazione alle conseguenze della pandemia. Finora sono state assegnate 47 borse di studio "Continuer" ad artisti o collettivi nei settori della musica, della danza, del teatro, delle arti visive e della letteratura.

Per saperne di più:
https://www.erz.be.ch/erz/de/index/kultur/kulturfoerderung/kulturschaffende/kommission_fuer_allgemeinekulturellefragen/Foerderakzent_2021_Continuer.html

Il Concorso Valiant Forum del Murten Classics Festival è stato organizzato anche quest'anno come concorso solistico per giovani suonatori di corno. Il ventiquattrenne spagnolo Pere Andreu Gomez e lo svizzero Maxime Lambert, che ha la stessa età, hanno suonato al concerto dei vincitori. Entrambi studiano a Friburgo. Il terzo, Matthijs Heugen (20 anni), studia a Salisburgo. Hanno suonato i concerti per corno KV 417, 447 e 495 di Mozart.

Alla successiva cerimonia di premiazione, Maxime Lambert ha ricevuto il primo premio, un concerto da solista al festival Murten Classics 2022 e un premio in denaro di 2.500 franchi. La giuria ha premiato Matthijs Heugen con il secondo posto e un premio in denaro di 1.800 franchi e Pere Andreu Gomez con il terzo posto e un premio in denaro di 1.200 franchi.

Ogni festival ha le sue sale e i suoi edifici che formano l'identità. Bayreuth ha il Festspielhaus, Salisburgo la Felsenreitschule, Lucerna il KKL. E il Forum Vallese ha l'unico Castello di Leuk.

L'antica residenza estiva dei vescovi di Sion del tardo Medioevo, situata in alto sulla valle all'ingresso del villaggio e circondata da vigneti, è stata delicatamente ristrutturata dal punto di vista architettonico da Mario Botta e dal 1996 è gestita dalla Fondazione Castello di Leuk, che vi ha creato un centro culturale di richiamo internazionale. Questo spettacolare edificio ospita anche il Forum Valais. Il festival di tre giorni si svolge solitamente a Pentecoste, ma questa volta in agosto a causa della pandemia. La sala da concerto principale è una sala al piano terra, nella cui muratura grezza sono ancora visibili le tracce discretamente illuminate dei falsi pavimenti e dell'imponente camino. Lo spazio sonoro, acusticamente eccellente, si estende fino al tetto e la facciata in vetro sul lato d'ingresso fa dimenticare di essere circondati da pareti spesse un metro. Questo ambiente unico rende la visita a un concerto qualcosa di speciale.

Il Sezione vallesana della Società Internazionale per la Nuova Musica (IGNM-VS) organizza il festival, il programmatore ne è il presidente Javier Hagen di Briga, che è anche il IGNM Svizzera presiede il festival. Due dozzine di istituzioni, dalla Loterie Romande agli sponsor regionali, finanziano il festival. Le entrate del festival provengono da donazioni e l'ingresso è gratuito. "L'IGNM-VS", dicono gli organizzatori, "vuole espressamente garantire l'accesso alla musica e alla cultura contemporanea senza vincoli economici". Anche il villaggio di Leuk ne beneficia: può trarre profitto dalla redditività indiretta.

In linea con il luogo, i concerti presentano principalmente musica da camera e brani solistici con e senza elettronica. Non c'è un focus tematico. L'atmosfera è rilassata, quasi informale, e si entra subito in contatto con gli esecutori.

Chiunque pensi che questo sia solo un incontro di provincia si sbaglia. Gli abitanti del Vallese sono noti per essere un gruppo vivace, e non solo quando si tratta di calcio. Javier Hagen, appassionato attivista culturale, suona la tastiera delle sue connessioni internazionali con virtuosismo. Essendo un abile networker, può chiamare in qualsiasi momento una serie di eccellenti artisti per il suo festival. UMS'n JIP è una sorta di passe-partout per i circoli internazionali di musicisti e organizzatori. La sigla è il marchio di fabbrica del duo per voce e flauto dolce che Hagen, cantante e compositore di formazione, forma con Ulrike Mayer-Spohn. Gli organizzatori sono ovviamente entusiasti di questa formazione insolita e i due si esibiscono circa centoquaranta volte all'anno dall'Europa all'Estremo Oriente.

Il duo ha ora eseguito due opere di grandi dimensioni al Forum Wallis. Con il titolo Giocare con Morton ha proposto il minimalista Three Voices di Morton Feldman in una versione per voce, registratori e playback. Ha mantenuto la tensione del brano meditativo per oltre cinque quarti d'ora con una calma incrollabile.

Una seconda esibizione del duo è stata dedicata alla prima mondiale di una nuova opera di Mathias Steinauer per voce/sintetizzatore, flauti dolci e proiezioni di immagini: un ciclo di canzoni in undici parti basato su frammenti di testo del poeta cinese Du Fu dell'VIII secolo. Il titolo Semplicità - Si riferisce all'assenza di "falsa considerazione, finzione e disonestà" - è un puro eufemismo. Il contenuto ruota attorno al tema principale della caducità e si riflette musicalmente con una precisione ammaliante. La riduzione all'essenziale in termini di messaggio ed elaborazione lascia una forte impressione. Il livello tonale è contrappuntato visivamente dalla proiezione di immagini di John Lavery (1856-1941), attivo sia come pittore mondano fin-de-siècle che come documentarista durante la Prima Guerra Mondiale. Un effetto di straniamento visivo che fa apparire il soggetto in una luce completamente diversa.

La svolta di Steinauer verso le ultime cose ha trovato una continuazione nell'esibizione da solista fuoco lento | da me di una generazione più giovane Lukas Huber. Il termine "opera" era ovviamente esagerato, ma nel suo rifiuto di esperimenti materiali non vincolanti e dei comuni slogan politici, e nell'urgenza esistenziale con cui ha formulato il suo messaggio sul nulla della nostra esistenza, Huber ha indubbiamente colpito con la sua semplice performance. Una sedia, un tavolino, un piccolo dispositivo per l'elettronica semplice e una lampadina nuda che diffondeva una luce fioca: questi erano gli unici oggetti di scena per il suo monologo parlato e cantato, arricchito da citazioni dagli antichi greci agli scrittori contemporanei. I visitatori si sono disposti a semicerchio intorno alla scarna scenografia. La seduta si è conclusa con un gentile gesto missionario: come regalo di addio, ogni visitatore ha ricevuto un piccolo opuscolo contenente i messaggi chiave della performance.

Questa era la strada verso l'interno. Il mondo del materiale esterno è venuto alla ribalta in una "Lunga notte della nuova musica". Il Forum Wallis aveva lanciato una "Call for acousmatic works" a livello mondiale; giurati provenienti da quattro continenti hanno poi selezionato i brani presentati, che sono stati eseguiti in una maratona di concerti. La regia del suono è stata curata da giovani compositori sotto la direzione di Simone Conforti, che lavora all'Ircam di Parigi e insegna al Conservatorio di Cuneo. Lo spettro estetico delle opere era ampio, ma vi erano alcune similitudini di fondo, come la percezione sensuale del suono e un approccio individuale, spesso giocoso, alle possibilità del computer come mezzo tecnico.

Il percussionista, che fa la spola tra New York e l'Africa, utilizza anche mezzi elettronici, ma in combinazione con l'esecuzione di strumenti dal vivo. Lukas Ligeti. Su una specie di marimba midi, ha dato vita a una performance virtuosa in cui erano riconoscibili le complesse strutture ritmiche della pratica musicale africana. I suoni sono memorizzati nel computer e provengono dall'altoparlante, per cui il loro carattere può essere profondamente modificato da sfumature di tocco.

Due concerti di improvvisazione hanno fatto da contrasto alla musica con altoparlanti. Il trio Manuel Mengis (tromba), Roberto Domeniconi (tastiera) e Lionel Friedli (percussioni) ha concluso il festival con un'improvvisazione al computer che si è mossa tra l'impotente e sperduto frugare tra le briciole del suono e la selvatichezza anarchica. Un temporale appena iniziato ha fatto da perfetto contrappunto. Il trio Urban Mäder (voce, oggetti sonori), Hans-Peter Pfammatter (sintetizzatore) e Silke Strahl (sassofono) è stato più pacato: tre individualità perfettamente in sintonia tra loro e capaci di unirsi per creare processi sonori sensibilmente formati. I movimenti di ricerca nella creazione di processi di tensione più ampi hanno una coerenza logica, come se fossero stati provati.

Questa colta unione è stata preceduta da un concerto eruttivo dei Hyper Duo di Biel con Gilles Grimaître alla tastiera e Julien Mégroz alle percussioni. In un tour de force di un'ora, hanno suonato quattro opere di quattro compositori, ognuna collegata da brevi transizioni, ognuna a suo modo con un virtuosismo che ha trasformato l'interazione ritmica in particolare in un gioco di prestigio. È stata pura precisione e gioia di suonare, una dimostrazione mozzafiato di potenza musicale. E anche una bella dimostrazione del potere penetrante della musica annotata quando viene portata in vita con tanta passione. In confronto a questo, i concerti di improvvisazione sono sembrati un po' vecchia scuola.

Il variegato programma del festival si è aperto con un'esibizione che porta la firma dell'Ensemble Modern. Il L'oboista Christian Hommel ha provato opere da Benjamin Britten a Rebecca Saunders con tre membri dell'International Ensemble Modern Academy, dimostrando ancora una volta l'alto livello interpretativo dell'ensemble. Egli stesso ha brillato con il pezzo solista dal suono selvaggio, mobilitando tutte le risorse fisiche. Insolito di Rolf Riem. Il violinista coreano Jae A Shin ha eseguito con grande vigore l'eminentemente difficile sonata solistica iniziale di Bernd Alois Zimmermann, costellata di doppi stop. Con giovani talenti come questi, non c'è da preoccuparsi per il futuro della musica.

Nella coscienza pubblica, scrive la società, Giacomo Meyerbeer è stato finora ricordato quasi esclusivamente come compositore di grandi opere. Il fatto che abbia composto anche canzoni religiose è praticamente sconosciuto e viene riscoperto solo ora. Ai suoi tempi, Meyerbeer era molto ben collegato con i più importanti compositori e intellettuali.

Nelle sinagoghe di tutto il mondo, tuttavia, Giacomo Meyerbeer era parte integrante del servizio. Anche la sua famiglia ebbe un ruolo importante durante la vita di Meyerbeer. La famiglia Meyerbeer, infatti, stabilì degli standard in termini di cultura musicale salottiera nella Berlino storica, paragonabili a quelli della famiglia Mendelssohn Bartholdy, e fu anche un importante mecenate culturale e patrocinatore della storia scientifica e culturale tedesco-ebraica.

Ancora oggi la reputazione di Meyerbeer risente del risentimento antiebraico. Il patron della società è il direttore della Deutsche Oper di Berlino, Dietmar Schwarz.

Per saperne di più: meyerbeer-society.com

Secondo il comunicato stampa della città, la società di pianificazione del progetto e il consiglio comunale hanno deciso di indire un concorso di progetto anonimo in due fasi, secondo la norma SIA 142, dopo aver discusso varie opzioni, consentendo di valutare nella prima fase un'ampia gamma di buone idee per il Nuovo Teatro di Lucerna. Nella seconda fase, dieci o dodici dei progetti più promettenti saranno ulteriormente concretizzati.

Il risultato finale dovrebbe essere un progetto innovativo e di alta qualità. Patrick Gmür, architetto zurighese originario della regione di Lucerna, è stato nominato presidente della giuria di esperti. Sono coinvolte anche personalità internazionali, nazionali e regionali con un alto livello di competenza. La giuria di esperti sarà nominata dal committente. L'obiettivo è garantire che la voce degli utenti e dei clienti sia inclusa nel processo.

Articolo originale:
https://www.stadtluzern.ch/beitraege/1323553

Il team ha confrontato i genomi delle popolazioni dell'Asia nordorientale con i dati digitali sulla loro lingua (regole grammaticali, suoni, elenchi di parole) e sulla loro musica (struttura, stile). I risultati indicano che la grammatica riflette la storia della popolazione meglio di qualsiasi altro dato culturale.

La collaborazione unica di genetica e geografia con la moderna linguistica e musicologia digitale ha portato a un piccolo passo avanti nella comprensione della preistoria umana, spiega il membro del team Balthasar Bickel, professore presso l'Istituto di Linguistica Comparata dell'Università di Zurigo. Sono necessarie ulteriori analisi per comprendere la natura complessa dell'evoluzione culturale e genetica. Ma la scoperta dell'importanza del fattore grammaticale è un primo passo nella giusta direzione.

Articolo originale:
https://www.media.uzh.ch/de/medienmitteilungen/2021/Grammatik.html

Chi desidera essere ammesso alla Tonhalle o al Teatro dell'Opera di Zurigo deve - se ha più di 16 anni - essere vaccinato o essere guarito da un'infezione da Covid o essere in grado di presentare un test attuale (PCR o test rapido dell'antigene). Secondo un comunicato stampa congiunto, entrambi i teatri stanno quindi implementando le attuali linee guida politiche per i grandi eventi con una capacità superiore ai 1000 posti.

Inoltre, gli ospiti devono indossare una maschera durante la visita fino a nuovo avviso. Questo per aumentare ulteriormente la protezione contro le infezioni e soddisfare l'esigenza di sicurezza. In futuro, tuttavia, non sarà più necessario un allontanamento sociale nell'auditorium.

Andreas Homoki, direttore artistico dell'Opernhaus Zürich AG, e Ilona Schmiel, direttore artistico della Società Tonhalle, sono all'origine della decisione. Il certificato e la maschera garantiscono la massima protezione. L'opera e i concerti su larga scala in un auditorium mezzo pieno, invece, non sarebbero artisticamente o economicamente sostenibili.

I lavori presentati dalla Società Svizzera di Musica Contemporanea (ISCM Svizzera) comprendevano opere di Sachie Kobayashi, Tobias Krebs, Fernando Garnero, David Philip Hefti, Fritz Hauser e Karin Wetzel. La Wetzel diventa così la quinta compositrice svizzera a presentare una composizione alle Giornate Mondiali della Musica dell'ISCM dopo Helena Winkelman (2015), Iris Szeghy (2016), Junghae Lee (2019) ed Esther Flückiger (2020).

L'elenco completo del repertorio selezionato (sia tra le proposte ufficiali delle organizzazioni aderenti all'ISCM sia tra quelle indipendenti) è disponibile sul sito web dell'ISCM:
https://iscm.org/news/works-chosen-for-the-2021-iscm-wnmd
 

Gli organizzatori delle Giornate Mondiali di Nuova Musica ISCM 2021 a Shanghai e Nanning, in Cina, annunciano che, a causa della continua minaccia della pandemia in tutto il mondo, il festival non potrà svolgersi nel settembre 2021 come inizialmente previsto. Gli organizzatori sperano di tenere il festival alla fine di marzo 2022. Allo stato attuale delle cose, questo significherebbe due festival ISCM riprogrammati nel 2022: il festival del 2021 a Shanghai e Nanning e il festival del 2020 a Auckland e Christchurch in Nuova Zelanda.

Le Giornate Mondiali della Nuova Musica dell'ISCM sono il festival annuale della Società Internazionale di Musica Contemporanea (ISCM), che si svolge dal 1923 e che ha celebrato molte (prime) esecuzioni di rilevanza storico-musicale negli ultimi 100 anni della sua esistenza: https://de.wikipedia.org/wiki/Internationale_Gesellschaft_für_Neue_Musik

Il festival si è tenuto sei volte in Svizzera: nel 1926, 1929, 1957, 1970, 1991 e, più recentemente, nel 2004.
 

Il clarinettista Jonathan Leibovici sta studiando per un Master in Performance con François Benda all'Università di Musica di Basilea. I suoi compagni di corso Anna Gagane e Tomer Ornan (entrambi nella classe di François Benda) hanno ricevuto una "Menzione d'onore". Il primo premio è dotato di 6000 euro. È inoltre accompagnato da un invito a esibirsi al Crusell Music Festival.

La finale del concorso si è svolta a Uusikaupunki. Oltre a Leibovici (Israele), Aron Chiesa (Italia, secondo premio) e Ann Lepage (Francia, terzo premio) si sono esibiti nella Chiesa Nuova di Uusikaupunki.

La giuria era composta da Yehuda Gilad (Colburn School of Music/Tornton School of Music, USC, presidente), Christoffer Sundqvist (Sibelius Academy/RSO), Tuulia Ylönen (Finnish National Opera), Shirley Brill (Saarbrücken HFM) e Olli Leppäniemi (direttore artistico del Crusell Music Festival).

Nell'aprile 2021, la commissione competente del Consiglio nazionale ha proposto al proprio Consiglio di aumentare dagli attuali 150.000 franchi a 200.000 franchi la soglia di fatturato al di sopra della quale un'associazione sportiva o culturale volontaria senza scopo di lucro o un'istituzione di pubblica utilità diventa soggetta all'IVA. Allo stesso tempo, ha invitato il Consiglio federale a esprimersi.

Il Consiglio federale respinge l'aumento. Le associazioni sportive e culturali e le organizzazioni senza scopo di lucro beneficiano già di un limite di fatturato più elevato, pari a 150.000 franchi svizzeri, rispetto alle altre imprese, che sono soggette a un limite di fatturato di 100.000 franchi svizzeri.

Nel suo comunicato stampa, il Consiglio federale scrive anche che le associazioni sportive e culturali e le organizzazioni senza scopo di lucro hanno la possibilità di liquidare l'IVA utilizzando aliquote forfettarie. Ciò semplifica notevolmente la tenuta dei libri e la contabilità IVA. Un aumento del limite di fatturato per alleggerire l'onere amministrativo non è quindi necessario.

Articolo originale:
https://www.admin.ch/gov/de/start/dokumentation/medienmitteilungen.msg-id-84669.html

Guillén si è imbattuto nell'opera grazie a una menzione in una rivista apparsa durante la vita di Sarasate. Dopo ulteriori ricerche, riuscì a trovare una copia del brano. Infine, convinse l'editore musicale Boileau di Barcellona a pubblicare l'opera.

Il "Preludio" fu composto nel 1905 ed è sottotitolato "Molta fantasia cadenzata", il che suggerisce un'interpretazione libera e virtuosistica, che a sua volta è tipica dello stile compositivo di Sarasate.

Per saperne di più:
https://www.boileau-music.com/en/works/preludio-b.4069

L'opera può essere ascoltata qui:
https://www.youtube.com/watch?v=8WURQHjkvBs