Il Presidente del Gruppo Parlamentare per la Musica (PGM), Stefan Müller-Altermatt, ha sperimentato entrambe le cose: da un lato un profondo coinvolgimento emotivo durante un recente concerto dal vivo, dall'altro le notizie di musicisti attivi che si ritirano nella loro vita privata. L'inerzia deve essere superata, il desiderio di "pelle d'oca" durante gli eventi dal vivo deve essere alimentato. Rosmarie Quadranti, Presidente del Consiglio Svizzero della Musica, ha espresso lo stesso parere nel suo bilancio dell'ultimo anno e mezzo. È necessario creare uno spirito di ottimismo tra il pubblico e i musicisti. Ha sottolineato l'arretratezza della produzione e le lacune "durature" nella prossima generazione di musicisti. Ha anche menzionato il pericolo che il sostegno finanziario agli artisti creativi possa essere interrotto o trasformato in prestiti rimborsabili.

Cultura della task force

Il lavoro della Task Force Cultura non sarà mai abbastanza riconosciuto. Questa affermazione è stata sottolineata alla fine dalla Consigliera nazionale Sandra Locher Benguerel. Ha sottolineato che questa voce unita aiuta enormemente a rispondere alle preoccupazioni dei professionisti della cultura nel processo politico. Ha consigliato di continuare a lavorare con gli organismi esistenti e di fornire il maggior numero di argomenti possibili per spiegare perché i professionisti della cultura dovrebbero continuare a essere sostenuti. La Commissione per la scienza, l'educazione e la cultura del Consiglio nazionale discuterà l'estensione di singole disposizioni della Legge Covid-19 nella riunione del 4 novembre, mentre il Consiglio degli Stati farà lo stesso il 16 novembre.

I parlamentari volevano essere informati sulla situazione attuale in occasione dell'incontro con le delegazioni delle associazioni musicali all'Hotel Bern il 30 settembre. Erano anche interessati a sapere come valutavano le prospettive per quanto riguarda i prossimi emendamenti alla Legge Covid-19. I relatori hanno risposto a questa richiesta. Oltre a Rosmarie Quadranti, Luana Menoud Baldi, presidente dell'Associazione svizzera di musica per fiati, Christoph Bill, presidente dell'Associazione svizzera dei promotori musicali, Alexander Bücheli, amministratore delegato della Commissione svizzera dei bar e dei club, e Marlon McNeil, amministratore delegato di Indie Suisse e rappresentante di Sonart - Musikschaffende Schweiz, hanno parlato dei problemi specifici delle loro organizzazioni. Hanno espresso la loro gratitudine per l'aiuto ricevuto finora. Gli oratori hanno anche parlato di una certa frustrazione per quanto riguarda la disponibilità al dialogo da parte delle autorità. Hanno anche menzionato l'incertezza nella pianificazione causata dal continuo cambiamento delle normative e dalle diverse restrizioni nei cantoni.

La radio e il cinema sonoro aiutarono la musica a diffondersi enormemente durante la Repubblica di Weimar e l'entusiasmo per i nuovi media e i nuovi suoni continuò senza sosta dopo l'ascesa al potere dei nazisti. Sebbene i nazionalsocialisti non perseguissero una politica musicale chiaramente concepita, la musica popolare svolse un ruolo importante come mezzo di comunicazione durante il loro governo.

Da un lato, il progetto di ricerca si concentra sulla questione dell'influenza politica e della repressione da parte dei responsabili del nazionalsocialismo. Dall'altro, le azioni degli individui in questo contesto politico. A tal fine, il team di ricerca ripercorrerà la vita dei musicisti nello Stato nazista, tra cui Franz Grothe, compositore e direttore dell'Orchestra tedesca di danza e spettacolo.

Per saperne di più:
https://unterhaltungsmusik.uni-mainz.de/das-forschungsprojekt/
 

I quartetti d'archi sono ancora il gold standard della composizione ambiziosa. È quindi gratificante che due nuovi contributi al genere da parte di compositrici svizzere siano stati eseguiti in prima assoluta nel giro di due settimane. Quindi gli allori più alti vengono ancora raggiunti. Non importa che entrambi i lavori non siano quartetti in senso stretto, ma semplicemente pezzi per quartetto d'archi. Sono stati presentati in serate di quartetto di altissimo livello.

Soprattutto i nati nel 1994 Verena K. Weinmann si è trovata in un ambiente rispettoso. Klangundszene ha invitato i visitatori alla Kunsthaus di Zurigo con il motto "La libertà prima di tutto" il 25 e 26 settembre, combinando un quartetto d'archi del tardo Beethoven con uno del XX secolo - e il sabato sera con una prima mondiale. È così che il quartetto di Weinmann agobio è servito come preludio all'Ottavo di Shostakovich e al Quartetto in do diesis minore op. 131 di Beethoven. Questo dopo che nel pomeriggio erano già stati eseguiti l'op. 95 di Beethoven e il Quartetto in fa diesis minore op. 10 di Schoenberg. Si tratta di opere leggendarie e avvolte nella storia della musica. E come se non bastasse agobio per voce e quartetto d'archi e si colloca così direttamente nella linea di successione dell'op. 10 di Schönberg, un'opera in cui non solo scosse violentemente i confini della tonalità per la prima volta, ma ruppe anche la norma del genere aggiungendo una parte vocale. Poche ore prima era stata eseguita dal soprano Anna Gschwend insieme al Quartetto Arditti è stata mozzafiato. Tra l'altro, questa performance è stata ancora più sorprendente se si considera che gli Arditti sono intervenuti con poco preavviso e hanno avuto una sola prova con Anna Gschwend.

La compositrice, che vive e studia a Barcellona, ha affrontato questo difficile punto di partenza con sorprendente impavidità e ha contrastato le opere dei suoi predecessori, che si spingevano in regioni espressive estreme, con una musica impegnata e combattiva. "Agobio" significa sovraccarico, richieste eccessive, e la Weinmann, che sul suo sito web si definisce anche attivista, reagisce in modo aggressivo ai sentimenti descritti nella poesia di Ana Martinez Quijano. Nel libretto del programma, scrive della rabbia.

Gli archi eseguono solitamente delle "transizioni": quelle tra diverse tecniche esecutive su una stessa altezza o quelle tra le altezze, cioè i glissandi. Il risultato è una costante inquietudine e suoni la cui caratteristica più evidente è l'effetto di segnalazione. Il testo è prevalentemente declamato su questa musica di allarme, anche se le transizioni tra i diversi spettri espressivi della voce sono ancora una volta fluide. Ulteriori interiezioni parlate da parte degli strumentisti danno l'impressione di assistere a un'autoconvocazione che diventa sempre più intensa man mano che procede, senza mai essere risolta. Un brano struggente, che l'ancora giovane Quartetto Nerida e ancora una volta realizzato in modo impressionante da Anna Gschwend.

Di un temperamento completamente diverso Cécile Marti in Ellisse per quartetto d'archi, e questo vale anche per l'evento in cui è stato presentato il suo nuovo pezzo. Ellisse è stato commissionato dal Festival Othmar Schoeck (OSF) è stato creato a Brunnen e presentato in anteprima l'11 settembre nell'ambito di un concerto con opere di Arthur Honegger, Richard Flury e, naturalmente, Othmar Schoeck.

Così, mentre Verena K. Weinmann ha dovuto affermarsi in mezzo a ex neo-tonalisti, il brano di Marti ha risuonato tra tre compositori svizzeri che non sono mai stati la punta di diamante dell'avanguardia. Certo, Honegger è oggi considerato un classico moderno, ma la sua modernità era piuttosto quella di un pluralista sfacciato. E mentre Richard Flury graffiava i confini della tonalità, almeno in alcune delle sue opere, Schoeck rimase per tutta la vita un tardo romantico.

È interessante notare che il primo quartetto per archi di Flury, l'opera del più giovane di questi tre compositori nati a 15 anni di distanza l'uno dall'altro, si è rivelato un prodotto di massa tardo-romantico, mentre i quartetti degli altri due, il secondo in ciascun caso, sono stati entusiasmanti. Il Quartetto Belenus ha dimostrato ancora una volta di essere un grande ensemble negli ultimi anni. Nel caso di Schoeck, in particolare, la sua accattivante esecuzione ha fatto capire perché molti compositori di questa generazione, un tempo criticati come arretrati, stiano ora vivendo una rinascita.

Per i bei suoni di Martis Ellisse In ogni caso, l'accordo è stato un colpo di fortuna. Infatti, mentre Weinmann si affida all'effetto immediato del suono, Marti, che lavora anche come scultore, confida nell'effetto di processi formali attentamente studiati e lo ha reso inequivocabilmente chiaro con la scelta del titolo. Una proiezione di immagini, in cui una pietra grezza è stata trasformata in una scultura, ha sottolineato questo interesse per la forma nel senso più generale. Non è un'opera che cattura immediatamente. Piuttosto, invita a seguire il suo percorso. A scoprire come il semplice motivo vaghi attraverso gli strumenti e il tempo. Come esso e la musica nel suo complesso ritornino ancora e ancora, rallentando e accelerando di nuovo, comprimendosi e allungandosi.

Un viaggio che si vorrebbe intraprendere di nuovo in seguito. Soprattutto perché la presenza finora costante del motivo semplice è interrotta solo dalla sua comparsa in primo piano alla fine di Ellisse diventare davvero consapevoli. La seconda volta, sarete sicuramente più consapevoli ...

La "Salomé" in francese era particolarmente importante per Richard Strauss: egli voleva presentare qualcosa di più di una semplice (ri)traduzione. Per questo motivo ha attinto al testo originale francese dell'opera di Oscar Wilde e ha riscritto completamente le parti vocali per adattarle perfettamente alla prosodia della lingua - un caso unico nella storia dell'opera. Questa versione dal suono completamente diverso è ora disponibile per la prima volta come partitura stampata.

Anche la "versione ritoccata a Dresda" del 1929/30 fa parte del nuovo volume "Salome": un arrangiamento per soprano lirico nel ruolo del titolo, che ha celebrato la sua prima a Dresda nel 1930 con Maria Rajdl sotto la direzione del compositore. Strauss alleggerì deliberatamente l'accompagnamento orchestrale per il ruolo del titolo, al fine di affidarlo a una voce lirica piuttosto che (come di consueto) drammatica.

Per saperne di più:
https://badw.de/die-akademie/presse/pressemitteilungen/pm-einzelartikel/detail/neuerscheinung-richard-strausselektra-und-zwei-unbekannte-fassungen-der-salome.html

Secondo un comunicato della Kalaidos University of Applied Sciences Switzerland, Michael Bühler ha un'ampia formazione musicale professionale, che ha ampliato con un Executive MBA presso le Università di Zurigo e Stanford (USA) e un dottorato presso l'Università di Gloucestershire (Regno Unito). Per oltre dieci anni è stato direttore artistico e direttore generale dell'Orchestra da Camera di Zurigo, e prima ancora è stato direttore esecutivo della Fondazione del Concorso svizzero di musica per la gioventù e direttore d'orchestra del Teatro dell'Opera di Zurigo. Oltre a fornire una formazione musicale professionale, il nuovo rettore intende preparare gli studenti della Kalaidos University of Music in modo specifico alle "sfide imprenditoriali del mercato musicale moderno".

L'Università di Scienze Applicate Kalaidos Svizzera desidera ringraziare il rettore uscente Frank-Thomas Mitschke per il suo grande impegno "e per l'espansione e il continuo sviluppo dei programmi negli ultimi sei anni circa".
 

Un segnale incoraggiante per la scena corale è stato lanciato dalla Associazione corale tedesca con il successo della realizzazione coro.com. Il settore in crisi ha potuto finalmente incontrarsi, scambiare idee e incoraggiarsi a vicenda in occasione dell'importante conferenza specialistica di Hannover, anche se sotto misure di protezione come il 3G. Più di 270 workshop e sessioni di lettura si sono concentrati su temi quali il lavoro corale intergenerazionale, il canto con i bambini, la metodologia di prova e le opere corali per piccoli ensemble. I leader di ensemble non musicali hanno discusso altre aree dell'eterogeneo campo del canto amatoriale: il cambiamento generazionale nelle strutture, il lavoro specifico per gruppi corali e la diversità.

Stephan Doormann, direttore artistico di chor.com, ha parlato di un segnale positivo da parte della scena vocale che, dopo un lungo periodo di stasi, torna a praticare e a dimostrare responsabilmente il canto comunitario e a sottolinearne la rilevanza sociale. I quasi mille partecipanti hanno discusso in modo controverso su come dovrebbe essere organizzato il nuovo inizio: tornare allo stato pre-corona o puntare decisamente verso un lavoro corale che rifletta il cambiamento sociale in modo sostenibile? Non è ancora certo se il pubblico parteciperà ai numerosi eventi previsti; si teme inoltre che soprattutto i coristi più anziani non tornino per mantenere in vita le rispettive case corali. Si teme che i 18 mesi "persi" abbiano un grave impatto sul reclutamento di nuovi talenti, in particolare nel settore dei cori di voci bianche.

Quest'anno l'attenzione si è concentrata su tutti gli aspetti della musica corale nordica: nelle masterclass (tra cui quella con la norvegese Grete Pedersen) e nelle sessioni di lettura, i partecipanti hanno potuto conoscere più a fondo la nuova letteratura corale e i lavori provenienti dalla Scandinavia. In un panel, Florian Benfer (Gustav Sjökvist Chamber Choir di Stoccolma) ha illustrato i vantaggi derivanti dall'esperienza corale dei compositori. In Danimarca e in Svezia, le persone cantano (ancora) insieme per consuetudine in occasione di piccoli e grandi eventi; esiste un ricco repertorio che si impara fin dalle scuole elementari e che unisce le generazioni.

Nonostante le disposizioni in materia di ammissione dovute alla pandemia, un ampio programma di 33 concerti è stato eseguito da ensemble professionali come il Coro dei Solisti Norvegesi e il Collegium Vocale Gent, nonché da talenti di alto livello come il Landesjugendchor NRW e il Rundfunk-Jugendchor Wernigerode. Nelle chiese cittadine di Hannover, nella sala di trasmissione della NDR e nell'università, i fortunati spettatori hanno potuto godere di musica corale completamente nuova: l'Audi Youth Choir Academy ha presentato 16 prime mondiali di giovani compositori, eseguite ad alto livello e con molte sfaccettature. Il Coro della Sinagoga di Lipsia, invece, ha messo insieme capolavori della sinagoga e canzoni yiddish arrangiate di recente in un programma commovente e divertente.

La fiera collegata al congresso, con 52 espositori, è stata molto apprezzata come luogo in cui rifornirsi di letteratura, discutere i dos e i don't delle prove online e scoprire le offerte delle associazioni. Nel 2022, l'Associazione Federale Musica Coro e Orchestra tornerà a finanziare i cori del Riavviare il programma "Musica amatoriale mettere a disposizione.

L'evento, durato quattro giorni, ha segnato un'importante novità in una situazione decisamente ambivalente e fa sperare che la scena corale europea possa ritrovare la forza di un tempo.

Dal 2006 l'orchestra dell'ultracentenario teatro di Meiningen si chiama nuovamente Meininger Hofkapelle. Il nome ricorda la grande tradizione dell'ensemble alla fine del XIX secolo. Philippe Bach è direttore musicale generale (GMD) dell'orchestra dalla fine del 2010.

Philippe Bach è nato a Saanen, in Svizzera, nel 1974. Ha studiato corno alla Musikhochschule di Berna e al Conservatorio di Ginevra e poi direzione d'orchestra alla Musikhochschule di Zurigo e al Royal Northern College of Music di Manchester. Dal 2006 al 2008 è stato direttore aggiunto al Teatro Real di Madrid e assistente di Jesús López Cobos. Dal 2008 al 2010 è stato direttore principale e vice direttore generale del Teatro di Lubecca.

Bach è direttore principale dell'Orchestra da Camera di Berna dal 2012 e dal 2016 è anche direttore principale della Kammerphilharmonie Graubünden.

I nomi dei premiati erano noti da maggio di quest'anno. La cerimonia, alla presenza del Consigliere federale Alain Berset, si è svolta per la prima volta in settembre in Ticino, presso il centro culturale LAC (Lugano Arte e Cultura) di Lugano. Ognuno degli undici artisti è stato presentato con un breve estratto del video, che ritrae i premiati singolarmente e che può essere visto sul sito del LAC. Sito web schweizerkulturpreise.ch è ancora visibile.

I premiati sono saliti sul leggio e hanno espresso la loro grande gioia e gratitudine con dichiarazioni creative. Ma sono state poste anche delle domande: Se fosse il momento giusto per tali premi e se questi avessero raggiunto i premiati in tempo utile e in misura adeguata. Stephan Eicher, un "grand seigneur della chanson europea" (Sito web BAK) è stato premiato con il Gran Premio svizzero della musica per il suo lavoro poliedrico. Insieme a Viviane Chassot, Lionel Friedli e Simon Gerber, ha reinterpretato alcune delle sue chansons prima che gli ospiti onorati e invitati fossero congedati con un buffet e una festa.

La cerimonia di premiazione è ancora visibile sul sito Sito web "Premi culturali svizzeri.

Laurence Desarzens ha presieduto la giuria federale per la musica di quest'anno, composta da Sarah Chaksad, Anne Gillot, Simon Grab, Johannes Rühl, Nadir Vassena e Sylwia Zytynska.
 

All'interno del LAC, le foto dei vincitori del premio sono state proiettate sul muro.

I nomi evidenziati in blu sotto le foto rimandano ad articoli più ampi, che si possono trovare nella sezione Giornale musicale svizzero sono stati pubblicati su questi artisti, sia online (link diretto) che nell'edizione stampata (PDF).

Lionel Friedli, Roland Moser, Stephan Eicher, Manuel Troller

Conrad Steinmann, Chiara Banchini, Yilian Cañizares

Nils Wogram, Viviane Chassot

Roli Mosimann, Alexander Babel, Christine Lauterburg, Jürg Frey

Louis Jucker, Tom Gabriel Fischer

Il musicista Matías Lanz, nato a Winterthur nel 1992, ha studiato clavicembalo presso l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK), dove ha conseguito il master in educazione musicale con lode nel 2016, secondo il comunicato stampa della città. Ha conseguito un ulteriore master in basso continuo/direzione d'orchestra presso la Schola Cantorum Basiliensis di Basilea, anch'esso completato con lode. Ha inoltre studiato organo presso la ZHdK dal 2010 al 2012 e ha frequentato diverse masterclass sia per clavicembalo che per organo.

Il suo lavoro artistico si concentra sugli arrangiamenti di opere strumentali barocche per vari strumenti a tastiera, sulla creazione di programmi non convenzionali con opere di maestri sconosciuti e sulla combinazione di musica e testo. Lanz è stato borsista della Fondazione Hirschmann e membro fondatore di due ensemble vocali e strumentali: Ensemble Pícaro (2012) e Cardinal Complex (2017). È organista presso la Chiesa riformata di Zell/Kollbrunn dal 2011 e presso la Chiesa riformata di Winterthur Veltheim dal 2013.

Dal febbraio 2020 Lanz è insegnante di clavicembalo e docente di basso continuo presso la Schola Cantorum Basiliensis. È anche appassionato del suo secondo cavallo di battaglia, il tango argentino, e continua la sua formazione in varie masterclass. Da molti anni è impegnato anche con l'ensemble teatrale Obertor di Winterthur. Matías Lanz è un musicista versatile ed eccezionale con un grande potenziale.

Il premio di sponsorizzazione 2021 della città di Winterthur è dotato di 10.000 franchi svizzeri. Viene pubblicizzato ogni anno. Possono partecipare al premio persone di età non superiore ai 35 anni che abbiano vissuto ininterrottamente nella città di Winterthur per almeno tre anni o la cui opera artistica abbia un legame particolare con la vita culturale della città di Winterthur. Quindici artisti provenienti da diversi ambiti culturali si sono candidati per il premio 2021.

La cerimonia di premiazione si svolgerà insieme alla consegna del Premio della Cultura il 30 novembre 2021 presso il Centro fotografico di Winterthur.

Dopo essersi laureata in psicologia presso l'Università Friedrich Schiller di Jena con indirizzo psicologia del lavoro, industriale e organizzativa e psicologia clinica, Jana Leidenfrost ha conseguito il dottorato presso l'Università Alpen-Adria di Klagenfurt.

Dal 2010 lavora come imprenditrice nel campo della gestione internazionale, dello sviluppo organizzativo e del mentoring psicologico. Ha tenuto lezioni presso l'Università di Scienze Applicate della Svizzera Nord-Occidentale e l'Università di Scienze Applicate di Zurigo ZHAW, tra le altre.

Nel suo nuovo ruolo presso l'Istituto di Musicologia di Weimar-Jena, offrirà seminari a blocchi e tutoraggio su argomenti rilevanti per la pratica, come le capacità di leadership, la cooperazione, lo sviluppo del potenziale, l'autogestione e lo sviluppo organizzativo.

Sonart assegna il premio alle radio private che si impegnano per la musica svizzera. Secondo i dati raccolti da Suisa per tutte le radio private svizzere, Radio Friburgo (l'edizione in lingua tedesca dell'emittente bilingue) ha trasmesso nel 2019 un record di 23,8 % di musica svizzera. Solo Radio BeO è stata più alta, ma l'emittente dell'Oberland bernese aveva già ricevuto il premio per il 2016. A causa della pandemia, l'anno scorso non è stato possibile consegnare il premio, che ora si chiama "#SwissMusicOnAir-Award 2021".

23,8 % è una cifra notevole, dato che la media della musica svizzera in Svizzera è altrimenti solo di circa 10 %. Oltre all'alta percentuale di musica svizzera, anche un'indagine sulle etichette indipendenti svizzere ha svolto un ruolo decisivo. Tutti i promotori di etichette intervistati hanno giudicato molto buona la collaborazione con Radio Friburgo. Nessun'altra radio in Svizzera ha parlato così spesso di band sconosciute, ha invitato così tanti artisti esordienti per interviste e ha dato così tanto spazio alla musica svizzera.

Venerdì 24 settembre 2021, nel corso di una festosa cerimonia, è stato consegnato il premio simbolico, una radio in legno. È l'ultima volta che Sonart conferisce questo premio, come conferma Nick Werren, responsabile dei progetti pop/rock: "Con Radio BeO, Kanal K, Radio Canal 3 français e ora Radio Friburgo, purtroppo tutte le radio private (ad eccezione di quelle di interesse speciale come Tell, Eviva, Maria e JAM) particolarmente impegnate nella musica svizzera sono già state premiate. Le cifre per tutte le altre emittenti sono state sorprendentemente basse. Questo rende estremamente difficile per gli artisti sconosciuti e regionali raggiungere il pubblico e la maggior parte dei diritti d'autore viene convogliata all'estero invece che sulla scena nazionale". Sonart continua a battersi per aumentare la percentuale di musica CH sulle radio private svizzere.
 

Il convegno "La vita corale in Svizzera" ha raggiunto un risultato abbastanza raro: ha riunito esperti della Svizzera occidentale e della Svizzera tedesca in egual misura. In questo modo ha favorito uno scambio molto interessante sulle differenze della cultura corale tra le due parti del Paese, compresa la Svizzera romancia. Solo la Svizzera italiana è stata un po' trascurata. Il fatto che l'organizzatrice poliglotta del convegno, la musicologa brasiliana Caiti Hauck, sia di casa nella Svizzera francese, ha probabilmente contribuito a colmare il divario tra la Svizzera e il romancio. Sta conducendo una ricerca a Berna e ha tracciato la storia di un coro della Svizzera tedesca (Berner Liedertafel) e di uno della Svizzera francese (Société de Chant de la Ville de Fribourg).

Il punto di vista svizzero è stato completato dalle relazioni della tradizione corale tedesca, rappresentata da Friedhelm Brusniak. Il professore di pedagogia di Würzburg ha svolto un lavoro pionieristico nell'analisi della storia della musica vocale popolare in Germania. I diversi e problematici legami tra la Svizzera e i suoi vicini monarchici e nazionalsocialisti a nord - in particolare per quanto riguarda l'opera di Othmar Schoeck - non sono stati affatto ignorati. Questi ultimi sono stati tracciati dallo specialista di musica sacra di Strasburgo Beat Föllmi.

Il pubblico ha ascoltato con grande interesse la presentazione della musicologa e traduttrice Irène Minder-Jeanneret sulla storia iniziale della Société de musique de Genève. È stato sorprendente apprendere che la società è stata fondata nel 1823, non da ultimo per motivi turistici, dato che i viaggiatori si aspettavano un intrattenimento serale in città mentre si recavano nella regione del Monte Bianco.

Aurore Cala-Fontannaz, attualmente dottoranda alla Sorbona di Parigi, ha sottolineato l'importanza del compositore vocale Louis Niedermeyer, poco conosciuto nella Svizzera tedesca, fondatore di una scuola di canto a Parigi e riformatore della musica sacra. La storica friburghese Anne Philipona ha inoltre mostrato come la tradizione corale della Svizzera francese sia influenzata dal cattolicesimo: durante gli incontri tra cori della Svizzera tedesca e della Svizzera francese a metà del XIX secolo, i sentimenti repubblicani e il conservatorismo fedele all'Impero Romano si scontrarono durante la guerra del Sonderbund.

La scena corale della Svizzera francese è stata influenzata non da ultimo da ambiziose combinazioni di canto e teatro. Come ha sottolineato la musicologa friburghese Delphine Vincent, il Théâtre du Jorat, situato alle porte di Losanna, ne è un ottimo esempio. Gustave Doret, Arthur Honegger, Frank Martin e André-François Marescotti, oggi poco conosciuto, scrissero musiche e parti corali per le opere teatrali realizzate lì. Inoltre, la gigantesca festa dei viticoltori di Vevey ha rivitalizzato anche la scena corale, da ultimo nel 2019, quando è stata tradizionalmente celebrata con circa 800 cantanti. Ranz des vachesil "Blues delle Alpi". Una giuria popolare aveva messo insieme un gruppo di tenori, tra cui contadini, elettricisti, insegnanti, ingegneri e addetti alla manutenzione stradale, che hanno celebrato la "Lyoba". Questo inno dei pastori alpini e della Inno alla Terraun inno di lode scritto da Blaise Hofmann appositamente per l'ultima Fête des Vignerons, è stato analizzato dalla compositrice Noémie Favennec-Brun.

Gli aspetti confessionali possono giocare un ruolo nel plasmare le culture canore delle regioni linguistiche. La discussione finale tra i rappresentanti dei cori della Svizzera occidentale e della Svizzera tedesca ha rivelato chiare differenze di mentalità, che riflettono anche gli atteggiamenti politici. Mentre i repertori della Svizzera tedesca sono micro-localizzati e differiscono da cantone a cantone, persino da regione a regione, il repertorio comune e l'estetica della Svizzera francese sembrano essere più uniformi. A quanto pare, anche la volontà di rivitalizzare il repertorio con nuove composizioni stimolanti della tradizione della musica d'arte contemporanea è molto maggiore rispetto alla Svizzera tedesca. A est della Saane, la scena è ora caratterizzata da cori a progetto con un'ampia varietà di stili, dal pop, al gospel, al jazz, al barbiere e alle formazioni a cappella nello stile dei Prinzen o dei Flying Pickets. L'auto-sfruttamento dei direttori di coro auto-arrangiati ha raggiunto un livello tale che gli ensemble non sono più disposti a pagare una somma ragionevole per una composizione commissionata dall'esterno.

Si inserisce nel quadro federale: Probabilmente è stato anche a causa dell'animosità e della diffidenza che, dopo l'abolizione dei cori radiofonici, è stato possibile finanziare un coro professionale nella Svizzera tedesca per un lungo periodo di tempo solo in casi eccezionali. Il Coro da Camera Svizzero è stato infine vittima della riluttanza di diverse città a sostenere finanziariamente un'istituzione del genere, come ha spiegato Lukas Näf, figlio del fondatore Fritz Näf, durante la conferenza.

Che si tratti di Appenzello Interno "Rugguusseli", Appenzello Esterno "Zäuerli" o Toggenburg "Naturjodel", lo jodel ha una lunga tradizione nella regione dell'Alpstein. Tipico di questa tradizione, che viene per lo più appresa e tramandata oralmente, è lo jodel polifonico. Il Roothuus Gonten, il centro per la musica popolare dell'Appenzello e del Toggenburgo, ne possiede una collezione impressionante.

Come fanno gli jodel a memorizzare un gran numero di melodie? Un gruppo di ricercatori della Scuola di Musica di Lucerna ha affrontato questa domanda in un progetto finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica. "Gli jodel naturali possono sembrare abbastanza simili ai non addetti ai lavori, ma a un'analisi più attenta si differenziano in modo significativo, ad esempio in termini di progressione melodica o di tempo", spiega il responsabile del progetto ed etnomusicologo Raymond Ammann. Insieme al suo team, ha analizzato dati empirici e analitici musicali in suoni, immagini e letteratura e li ha confrontati con le dichiarazioni degli jodler.

Per saperne di più:
https://www.hslu.ch/de-ch/hochschule-luzern/ueber-uns/medien/medienmitteilungen/2021/09/24/jodeln-im-kopf/

Domenica 19 settembre 2021, novanta giovani suonatori di corno provenienti da tutta la Svizzera si sono recati a Lucerna per suonare un concerto sul motoscafo "Diamant" durante una crociera sul Lago dei Quattro Cantoni. Erano presenti anche tutti i loro genitori e parenti. Prima della crociera, l'incontro è stato aperto in modo cerimonioso accanto al Culture & Convention Centre di Lucerna da un imponente coro. Tutti i partecipanti sono poi saliti a bordo della nave, dove hanno potuto presentare le loro capacità in sette ensemble a un pubblico di quasi 400 persone nella grande sala interna della nave. Le prove si sono svolte venerdì e sabato al Castello di Dreilinden a Lucerna. L'evento è stato organizzato da un team di insegnanti di corno della Svizzera centrale (Stephan Bühlmann, Silja Grimm, Sebastian Kälin, Joseph Koller, Andrea Rüegge, Renato Spengeler, Anita Surek) sotto la guida di Kilian Jenny.

Un foglio di carta di 17,5 x 8 cm, cioè nemmeno un terzo delle dimensioni di questo giornale, scritto da vicino con una scrittura minuscola e apparentemente illeggibile. Tuttavia, contiene: due poesie non troppo brevi, un saggio più lungo su Kleist come drammaturgo e una drammatizzazione intitolata L'Europa. Questo microgramma, a cui l'esecutore testamentario ha assegnato il numero 400, è stato probabilmente scritto da Robert Walser nel settembre 1927. Anche se nelle poesie sono presenti alcuni passaggi degli altri testi, ci si chiede cosa colleghi i quattro scritti di tre generi testuali diversi e perché siano così affollati su questo foglio. Una soluzione giocosa e plausibile a questo enigma è stata presentata il 18 settembre nella Rösslisaal di Trogen. Si trattava della seconda e terza esecuzione del nuovo lavoro di teatro musicale di Roland Moser, ascoltato per la prima volta a Cernier un mese prima e ora riproposto nell'ambito del Festival di Nuova Musica di Rümlingen.

Il festival di Basilea Campagna, sinonimo di sperimentazione e di eventi all'aria aperta, si era trasferito in Appenzello a causa di Walser. Egli aveva trascorso gli ultimi 23 anni della sua vita nel sanatorio e nella casa di cura di Herisau ed era morto nel 1956 mentre camminava nella neve. La musica contemporanea, che negli ultimi cinquant'anni - non solo in Svizzera - si è dedicata con un crescendo ai testi e alla figura di questo grande poeta svizzero, lo ha posto nuovamente al centro della scena.

Per quattro giorni è stato offerto un ricco programma, per il quale l'equipaggio di Rümlingen ha collaborato con il musicologo Roman Brotbeck. Quest'ultimo ha appena completato un importante libro su Robert Walser e la musica, e anche la Robert Walser Society ha dedicato il suo simposio a Herisau a questo tema. Sono state proposte lunghe passeggiate sonore in un paesaggio attraverso il quale Walser stesso aveva camminato una volta con Carl Seelig, fermandosi non tanto per una birra quanto per la musica, nei fienili, nelle radure dei boschi o nei villaggi. Si sono potuti ascoltare alcuni brani ed esecuzioni di successo, ad esempio di Brigitta Muntendorf, Sylwia Zytynska, Stephan Froleyks, Paul Giger/Andres Bosshard. Ma anche gli esempi riusciti hanno mostrato quanto sia difficile catturare il carattere di Walser, questa eccentrica tristezza e imperscrutabilità mista ad allegria e giocosità. Questo risultato è stato probabilmente raggiunto nel modo più bello nella performance Es cho + es goper il quale Gisa Frank e Urban Mäder hanno collaborato con suonatori di fiati e attrici, per lo più dilettanti del villaggio di Rehetobel, per creare una performance meravigliosamente bizzarra.

Ci sono stati anche quattro eventi di teatro musicale: Paziente n. 3561 dal collettivo Mycelium, basato sulle cartelle cliniche di Walser; una nuova versione di Georges Aperghis Testimoni (con le marionette a mano di Paul Klee); l'un po' indeciso Tobold di Anda Kryeziu e, in mezzo a tutto questo, Moser Europeo. È riuscito a creare una produzione di spirito walseriano perché non ha voluto stipare troppe cose. Moser ha preso il foglio di microgrammi come un'unità, per così dire, e lo ha dispiegato.

Moser (che ha ricevuto il Premio svizzero di musica a Lugano il 17 settembre insieme a Conrad Steinmann e altri musicisti) ha spesso lavorato con generi testuali strani, come le lettere, nel suo lavoro di teatro musicale. Li vede come stimoli per giustapporre diversi modi di parlare, declamare e cantare. Leila Pfister (mezzosoprano) nel ruolo dell'europea e Niklaus Kost (baritono) in quello dell'amico hanno dato vita a un sottile duetto vocale, commentato da Jürg Kienberger (voce), che ha anche letto il saggio di Kleist. Il dramma è stato così ridotto, l'emotività è stata indebolita, eppure l'enfasi, stranamente combinata con la moderazione, è rimasta intatta. Melodie flessibili e ritmi fermi sembrano alternarsi senza ulteriori indugi. Non era possibile identificarsi con nessuno dei personaggi, tutto era contraddittorio. Ciò che era essenziale, tuttavia, era l'aggiunta della viola di Helena Winkelman e dei flauti dolci di Conrad Steinmann (inclusa l'ocarina), altri due personaggi che declamavano senza parole ma in modo molto esplicito. Ingrid Erb ha messo in scena tutto questo con discrezione e senza grandi sforzi. E così ci si è sentiti più vicini a questo strano poeta in modo intangibile. Come si legge alla fine di una delle poesie. "L'orologio batte lentamente le sette, / e tutto è rimasto completamente incomprensibile per lui".