"Abbiamo delle opzioni, forse non dovrete pagare tutto di tasca vostra!", rispondiamo.

In effetti, dovete occuparvi del finanziamento delle vostre tasse universitarie, che possono essere suddivise in costi fissi e variabili. Certo, non ci si può aspettare di essere finanziati completamente. Ma seguire il principio di sussidiarietà, attingere a varie fonti oltre al sostegno statale e dare un contributo personale apre una prospettiva diversa sulla propria situazione.

Acquisizione di diverse fonti di finanziamento

La ricerca di modi per finanziare la propria istruzione fa praticamente parte del processo di ricerca dei programmi di studio disponibili. Tuttavia, questo non è necessariamente il caso quando si tratta di corsi di perfezionamento o di studi universitari, poiché i corsi di laurea in musica sono offerti principalmente da università sovvenzionate dallo Stato. Di norma, il contributo personale alle spese è minimo o quasi nullo, se rapportato ai costi effettivi di un posto di studio.

Concorso per borse di studio universitarie interne

Anche la verifica delle opzioni disponibili presso la rispettiva università per l'acquisizione di finanziamenti può influenzare la decisione a favore o contro l'iscrizione a un corso di laurea.

L'Università di Musica Kalaidos offre agli studenti che si iscriveranno in futuro la prospettiva di un interessante sostegno finanziario. Si tratta di borse di studio basate sul merito e assegnate annualmente nell'ambito di un concorso pubblico, valido anche per gli studenti già iscritti. Oltre alle borse di studio che coprono una parte del costo degli studi, vengono assegnati anche dei premi.

Nuova categoria: Educazione musicale/didattica

Come annunciato nell'ultimo numero della SMZ, quest'anno non solo organizzeremo il concorso di esecuzione musicale, ma terremo conto in modo esplicito e indipendente dell'educazione musicale. Ciò significa che, oltre alla valutazione puramente artistica dell'esecuzione musicale, verrà introdotta anche una categoria separata per i risultati didattici di rilievo. Sia in Esecuzione che in Pedagogia, è possibile partecipare negli stili "Classico" e "Jazz/Pop", corrispondenti alle nostre due specializzazioni di studio. È inoltre possibile concorrere in diverse categorie.

Test di ammissione successivo

La partecipazione al concorso garantisce una borsa di studio o un premio all'inizio del programma. Tuttavia, non garantisce l'ammissione formale al corso di laurea. Per questo, il test di ammissione deve essere sostenuto separatamente alla fine di novembre.

L'Università della Musica Kalaidos è particolarmente interessante per i ritardatari e/o per coloro che desiderano studiare musica a tempo parziale o continuare la loro formazione - forse, se non l'unica opzione...

Pochi compositori svizzeri del XX secolo hanno lasciato un'opera con un così ampio spettro stilistico come Benno Ammann. Nato a Gersau, ha creato oltre 500 opere, inizialmente tonali nello stile del Groupe des Six e meno progressive nella tradizione classico-romantica per la musica amatoriale, per poi orientarsi sempre più verso l'avanguardia coltivata a Darmstadt e infine concentrarsi quasi esclusivamente sulla musica sperimentale ed elettronica. Quest'ultimo periodo creativo è da tempo oggetto di vivaci discussioni negli ambienti della Nuova Musica e i Madrigalisti di Basilea hanno riportato il nome di Benno Ammann alla ribalta nel 2021 - grazie alla prima registrazione della sua più importante composizione vocale, la Missa Defensor Pacis, eseguita in prima assoluta nella Basilica di San Pietro nel 1947 in occasione della canonizzazione di Fra Nicola.

Secondo il detto "Dove c'è la luce, c'è l'ombra", la biografia di un musicista, tradizionalmente ricca di highlights, tende a dimenticare che, in contrasto con i momenti significativi sotto le luci della ribalta, c'è un'esistenza quotidiana nell'ombra - il che non è affatto negativo come potrebbe sembrare, perché nella freschezza dell'ombra si lavora sobriamente per vivere. Benno Ammann non solo ha lavorato come celebre compositore e direttore d'orchestra tra Darmstadt e Roma, ma anche come direttore di diversi cori amatoriali nella regione di Basilea. Il suo lavoro nella parrocchia cattolica di San Giuseppe ad Aesch (BL) dal 1951 al 1959 è esemplare, soprattutto perché in questo periodo Ammann ha vissuto non solo i momenti salienti della composizione, ma anche i conflitti interpersonali, come accade ovunque le persone lavorino insieme e talvolta, purtroppo, l'una contro l'altra.

Le circostanze che portarono alla nomina di Ammann ad Aesch nel 1951 erano già di natura fin troppo umana: la Domenica Bianca, un assistente dell'organista sbagliò l'inizio di un inno durante la funzione, scatenando una disputa tra l'organista principale Hans Kirschner e il parroco Isidor Ottiger che continuò a tormentare la vita della parrocchia fino all'autunno. Per solidarietà con l'organista, anche l'insegnante del villaggio Fritz Renz si dimise dalla carica di direttore del coro, cosicché padre Ottiger poté convincere il suo compagno di scuola Benno di Einsiedeln a succedergli. Il 19 ottobre 1951 Ammann diresse la prima prova del Cäcilienchor nella chiesa di Aesch e, nonostante un periodo di prova di sei mesi, godette fin dall'inizio di una notevole libertà. Nel gennaio 1952, ad esempio, gli fu concessa una deputazione più lunga, da maggio a settembre, per svolgere un lavoro di composizione. Questo includeva la partecipazione ai corsi di vacanza di Darmstadt, dove incontrò tra gli altri Olivier Messiaen, ma presumibilmente anche la composizione di una nuova messa festiva Missa Christus Dominus per la parrocchia di Aesch, che fu eseguita in prima assoluta nella Pasqua del 1953. Questo ci fa riflettere, soprattutto perché non ci sono prove che la parrocchia abbia pagato il compenso per una commissione di composizione. Sembra piuttosto plausibile che padre Ottiger, in qualità di presidente della Società svizzera di San Luca per l'arte e la chiesa, ne sia stato l'artefice: nello stesso periodo, Ammann stava lavorando alla composizione di tre poesie del poeta della Svizzera centrale Walter Hauser (1902-1963) per baritono solo e organo, che furono ascoltate per la prima volta nella versione orchestrale alla Conferenza di San Luca a Zurigo nel 1954. È quindi ipotizzabile che Ottiger e Ammann abbiano messo insieme un pacchetto, dal momento che alcuni estratti della Missa Christus Dominus sono stati ripresentati in una serata di musica sacra nel marzo 1954 insieme alla prima della versione per organo dei già citati Tre canti spirituali.

Il pastore Ottiger non si stancava di lodare le nuove creazioni dei suoi intimi. Nel Basler Volksblatt fece sapere che era "probabilmente la prima volta che si ascoltava musica dodecafonica in un concerto in chiesa nel nostro Paese". In qualità di presidente della Società di San Luca, doveva avere una buona visione della musica sacra contemporanea; se si trattasse effettivamente della prima esecuzione di musica sacra dodecafonica in Svizzera richiede ulteriori ricerche. Formalmente, i tre pezzi con preludio strumentale separato sono conservatori e ricordano vagamente una suite. L'armonia è ancorata più alla tonalità libera del primo Novecento che a una mancanza di regole dodecafoniche. Ammann ha orchestrato in modo diverso ciascuna delle versioni originali per organo. Il n. 1 (Der Weihrauch), con i suoi toni recitativi sempre a ventaglio, è impostato per orchestra d'archi, il n. 2 (Der Kelch), simile a un recitativo, richiede l'aggiunta di fiati e due corni, mentre il n. 3 (Aufstieg) richiede nuovamente l'aggiunta di timpani e due trombe. Il baritono, protagonista melodicamente conciso, dialoga quasi continuamente in modo responsoriale con l'accompagnamento strumentale armonicamente gentile, che sembrava rispondere alle esigenze della musica sacra e dell'estetica dell'epoca e non sovraccaricava il pubblico di Aesch, abituato a una musica piacevole. Esiste una versione del n. 1 con un assolo di soprano, che Ammann creò appositamente per la prima ad Aesch e che non fu inclusa nella versione finale completa con un assolo di baritono.

Ammann ha anche eseguito in prima assoluta due opere più brevi per coro a cappella in occasione della celebrazione serale. Il primo è una semplice Ave Maria, composta nel 1949 e pubblicata due anni dopo dalle Éditions Schola Cantorum di Parigi, mentre il secondo è la Litania Anima Christi per coro e baritono solo. Ammann la scrisse nel 1952 in una prima versione tedesca e fu elogiata da Messiaen a Darmstadt come "œuvre sincère et émouvante": "J'en ai hautement apprécié l'esprit modal, la variété rythmique et le caractère profondément réligieux". Il fatto che Ammann abbia scelto la cittadina periferica di Aesch, lontana dai grandi centri della musica sacra, per la prima di queste acclamate opere corali può essere certamente visto come un segno di riconoscimento per il Cäcilienchor e come un'espressione di solidarietà nei confronti del pastore Ottiger, dal momento che la successiva versione pubblicata in latino fu eseguita per la prima volta in circostanze diametralmente opposte: nel 1957 al Congrès international de musique sacrée III di Parigi, famoso in tutto il mondo.

L'opera principale di Ammann ad Aesch è senza dubbio la Missa Christus Dominus. È dedicata a padre Ottiger e al Cäcilienchor Aesch e presenta l'Ordinario della Messa nei consueti sei movimenti Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus e Agnus Dei. Dal punto di vista formale, l'opera si mantiene semplice: Ammann ha scelto un'impostazione corale in gran parte omofonica, con occasionali assoli delle file del coro senza parti solistiche indipendenti e un accompagnamento organistico impegnativo e ricco di colori, che deve eseguire passaggi virtuosi, soprattutto nel Gloria e nel Credo. Il Sanctus e il Benedictus sono caratterizzati da melodie monofoniche con un accompagnamento trasparente e ridotto all'essenziale. Il Kyrie e l'Agnus Dei formano la cornice con un suggestivo terzo motivo ostinato, che Ammann ha preso in prestito dal Proprium In festo S. Pauli a Cruce. In una recensione dell'opera (pubblicata sul Basler Volksblatt il 20 aprile 1953), il critico musicale Joachim Keller descrive l'armonia come "fluttuante, in gran parte politonale e persino atonale in alcuni punti", dove "questi diversi modi di espressione si fondono e si dissolvono in transizioni quasi impercettibili, senza mai offendere l'orecchio". Come molte altre nuove creazioni, la Missa Christus Dominus non fa eccezione. I movimenti tranquilli Sanctus e Benedictus fecero nuovamente parte della suddetta celebrazione serale del marzo 1954, dopo la quale l'opera scomparve inedita negli archivi. L'autore di questo testo, l'attuale direttore del Cäcilienchor Aesch, ha intrapreso una ripresa dell'opera, che ha avuto una collocazione estremamente importante nel maggio 2024, quando il coro è stato invitato alla cerimonia annuale di giuramento della Guardia Svizzera nella Basilica di San Pietro a Roma - il cosiddetto Sacco di Roma. La messa si rivolge a cori amatoriali e a gruppi vocali professionali di buon livello. Sulla base dell'impostazione organistica, è stato aggiunto un accompagnamento opzionale per quintetto d'archi e diverse sezioni corali sono state contrassegnate per l'esecuzione solistica opzionale. Ciò offre ai cori interessati l'opportunità di eseguire la Missa Christus Dominus sia nella sua forma originale che con colori tonali aggiuntivi, che sostengono il coro con il quintetto d'archi aggiuntivo e allo stesso tempo alleviano la tensione grazie alle parti solistiche.

Per quanto i primi anni fossero caratterizzati da creatività e successo, la reputazione di Ammann ad Aesch cominciò a incrinarsi. Nella primavera del 1954, i preparativi per la già citata celebrazione serale soffrirono di molte assenze da parte dei membri del coro e ci furono tensioni con il giovane organista Othmar Lenherr, ancora in formazione, che furono risolte grazie alla mediazione di padre Ottiger. In collaborazione con padre Bertwin Frey (1916-1999), della Svizzera centrale, fu composta la Messa di preghiera in onore di Pio X, nota anche semplicemente come Messa cantata in tedesco. La forma e il contenuto dell'opera in sette movimenti per coro monofonico e accompagnamento d'organo sono fortemente modellati sulla Messa alta tedesca di Michael Haydn o sulla Messa tedesca di Franz Schubert. La melodia è interamente orientata al canto congregazionale, così come l'accompagnamento discreto dell'organo, che rimane armonicamente semplice, pur riflettendo lo stile di Ammann. È stata eseguita per la prima volta dal Cäcilienchor di Aesch il 6 marzo 1955. L'opera sarà presto pubblicata in un arrangiamento polifonico, in modo da rendere disponibile una versione per piccoli cori amatoriali oltre alla versione originale monofonica.

Toni concilianti dopo una lunga disputa

Dal novembre 1956 al giugno 1958, Ammann assunse anche la direzione ad interim del coro della chiesa di Muttenz. Ad Aesch si diffuse il malcontento per la pianificazione dei programmi di Ammann, spesso troppo a breve termine. Nell'estate del 1957 fu richiesto un vicedirettore come sostituto regolare e nel gennaio 1958 la richiesta di una commissione musicale. Anche in questo caso si scatenarono mesi di controversie, alimentate dal licenziamento dell'organista Othmar Lenherr e culminate in un'assemblea generale straordinaria del Cäcilienchor, deliberatamente non registrata nei verbali. In una discussione di tre ore tra il consiglio ecclesiastico e il consiglio del coro, vennero fornite le ragioni della forte opposizione: "Il coro [era] insufficientemente preparato, [...] era impossibile negoziare con il direttore, che agiva sempre di propria autorità. Durante le lezioni di canto, si sforzava sempre di interrompere le prove in anticipo per tornare a casa in tempo". Ammann rispose con una richiesta di dispensa "a causa del grave sovraccarico professionale" per "dedicare più tempo al proprio lavoro e ai problemi della nuova musica". Nell'autunno del 1958, il pastore Ottiger fece in modo che Josef Hunkeler, un insegnante che lavorava ad Aesch, diventasse il nuovo organista. Ammann consegnò le sue dimissioni nel giugno 1959 e raccomandò come suo successore Hunkeler, che in seguito rimase direttore del Cäcilienchor Aesch per 30 anni. Nella relazione annuale del 1959, Kuno Stöckli, neoeletto presidente del coro e da poco vicedirettore di Ammann, si esprime in modo conciliante: "Il suo carattere artistico gli rendeva difficile lavorare con successo con noi. Siamo quindi ancora più contenti che la sua natura artistica lo abbia portato di recente a ottenere diversi successi internazionali nel campo della composizione. Vorremmo ringraziarlo per il suo lavoro con noi e augurargli molti altri grandi successi come compositore".

Chissà come Benno Ammann avrebbe continuato a comporre ad Aesch se la collaborazione non fosse stata ostacolata dalla reciproca incapacità. Lo indicano l'abbozzo di un movimento polifonico sul gregoriano Tantum ergo, datato 29 giugno 1953, e un'altra Ave Maria per coro misto, che Ammann completò il giorno di Natale del 1953 e che presumibilmente aveva in mente per Aesch, ma a cui aggiunse solo una successiva dedica per l'abate Benno Gut dell'abbazia di Einsiedeln nel 1957. Inoltre, sono sopravvissuti frammenti di un'altra messa, la Missa sopra AESCH, anch'essa abbozzata da Ammann nel 1953 con motivi sulla sequenza tonale A-E-Es-C-H. Non sembra che Ammann abbia proseguito con questi lavori e schizzi dopo i primi problemi sorti nella primavera del 1954. Tuttavia, essi documentano anche la vivace attività compositiva che Ammann portò avanti per la musica da chiesa ad Aesch e che - a parte semplici arrangiamenti di canzoni popolari - non portò avanti con nessuno degli altri cori che aveva diretto. È certamente l'amicizia di lunga data con il pastore Ottiger, che probabilmente lo aveva trattenuto ad Aesch più a lungo di quanto fosse opportuno, ma che andò perduta dopo la sua partenza: Ammann lasciò senza risposta gli inviti a cena di Ottiger a casa sua ad Aesch, sempre introdotti con "Mio caro".

Nuova edizione da Pizzicato Verlag Helvetia

È grazie all'interesse di Pizzicato Verlag Helvetia che, oltre alle opere elettroniche di Benno Ammann, vengono pubblicate in una nuova edizione anche tutte le opere del periodo di Aesch di cui si parla qui: La Missa Christus Dominus con accompagnamento d'archi opzionale; la Deutsche Singmesse con impostazione corale polifonica opzionale; i Drei geistliche Gesänge in tutte le versioni superstiti per soprano, baritono, organo e orchestra; la Litania Anima Christi in tutte le versioni superstiti per coro femminile o misto, oltre che in tedesco e latino; due ambientazioni dell'Ave Maria e un'ambientazione polifonica del Tantum ergo gregoriano; e i frammenti della Missa sopra AESCH con completamento opzionale in una versione eseguibile. In questo modo, una selezione rappresentativa e stilisticamente ampia dell'opera artisticamente significativa e orientata alla pratica di Benno Ammann può essere resa accessibile a varie formazioni in patria e all'estero sulla base di un periodo creativo autonomo: Cori amatoriali, ecclesiastici e professionali, solisti e gruppi strumentali, dall'organo al quintetto d'archi all'orchestra. Le opere saranno disponibili presso l'editore a partire dall'autunno 2024.

Nel 2022 è stato sviluppato un nuovo concetto di masterclass in collaborazione con l'OSI (Orchestra della svizzera italiana) e il CSI (Conservatorio della svizzera italiana).

Quest'anno Robert Kowalski, primo concertatore dell'OSI, ha seguito e insegnato a quattro studenti del CSI Pre-College per una settimana ad Arosa. La masterclass di quest'anno si è svolta dal 24 al 29 giugno. A ciò sono seguiti tre concerti ad Arosa, Cham e Lugano. I quattro giovani musicisti - Adeleide Chiaradonna, Gianluigi Sartori, Tommaso Braido e Milo Antognini - hanno trascorso un periodo istruttivo ad Arosa. Le giornate di prova sono state intense. Hanno potuto acquisire una preziosa esperienza grazie alla guida esperta, professionalmente e personalmente riconosciuta di Robert Kowalski e all'accompagnamento di Redjan Teqia.

La prossima masterclass si terrà nel giugno 2025 e il breve tour di concerti porterà i giovani musicisti a Cham e Lugano oltre che ad Arosa. Altre sedi di concerti sono attualmente in fase di definizione.

"Premio Hans Schaeuble

Dal 2015, il "Premio di riconoscimento Hans Schaeuble" viene assegnato ogni anno a diversi partecipanti alle due settimane dell'Accademia musicale di Arosa. Grazie al generoso aumento del contributo della Fondazione Hans Schaeuble a partire dal 2023, questo premio potrà essere notevolmente potenziato. Oltre ai premi di riconoscimento, per ogni settimana dell'Accademia verrà consegnato un premio Hans Schaeuble del valore di 2.000 franchi. Le Arosa Music Academy sono due masterclass internazionali delle Settimane del Corso di Musica di Arosa per gli strumenti violino/viola/violoncello e sassofono/fisarmonica. I premi includono un invito a partecipare attivamente al Festival di musica classica di Arosa nella primavera successiva. Sotto la direzione di Markus Fleck (violino) e Lars Mlekusch (sassofono), verrà sviluppato un programma di musica da camera che verrà poi eseguito ad Arosa, Coira, Zurigo e Boswil.

A Coira, i concerti sono organizzati in collaborazione con il Konzertstudio e "klibühni, Das Theater". A Zurigo, il concerto si svolgerà nell'ambito della serie di concerti "Mittagsmusik im Predigerchor" presso la Biblioteca Centrale di Zurigo. L'ultimo concerto si terrà poi alla Haus der Musik di Boswil.

Festival di musica classica di Arosa

L'Arosa Classical Music Festival 2025 si svolgerà dal 7 al 29 marzo in varie sedi concertistiche di Arosa.

Oltre ai concerti dei premiati dell'Accademia musicale di Arosa, la voce in tutte le sue sfaccettature sarà al centro della scena. L'evento di apertura si concentrerà sulla voce letteraria. Tra questi, una conferenza su "Hermann Hesse ad Arosa" con il giornalista Ueli Haldimann e l'attore Christian Sprecher. Saranno presentati e ascoltati recital di canzoni, una conferenza sulle voci degli animali, un musical teatrale sulla "regina della dissonanza" Florence Foster Jenkins e un film su un popolo turco di montagna che comunica a grandi distanze usando fischi al posto della voce.

Alla fine del festival di musica classica, il coro misto di Arosa eseguirà un programma di musica classica "leggera".

Le informazioni sul festival saranno pubblicate a fine novembre su www.arosaklassik.ch accesa.

La gestione sostenibile della salute inizia nell'educazione musicale, in primo luogo nelle scuole di musica, che in Svizzera sono ben organizzate e possono sviluppare misure di prevenzione mirate. Hanno le reti e l'esperienza per farlo. Tuttavia, un numero sempre maggiore di fornitori privati, di piattaforme internet nazionali e di offerte globali nei social media sta facendo vacillare le basi collaudate dell'educazione musicale. Oggi esiste un'ampia varietà di approcci metodologici e di fornitori. Di conseguenza, l'educazione musicale si sta trasformando da un mercato tradizionale di venditori con tariffe stabili, tutelate dai sindacati e quindi relativamente alte, a un mercato di acquirenti quasi completamente liberalizzato e globalizzato, con una forte pressione sulla situazione reddituale degli insegnanti di musica. C'è il rischio che la gestione della salute e la prevenzione vengano emarginate come aspetti di lusso dell'insegnamento. Questo vale ancora di più per le forme di insegnamento online che difficilmente consentono agli insegnanti di avere un riscontro fisico. A Lucerna, Philippe Krüttli, presidente dell'Associazione svizzera delle scuole di musica, Gerhard Wolters della "Private Academy for Music Education Innovation", da lui stesso fondata, e Dawn Rose, psicologa musicale della Scuola di musica di Lucerna, saranno tra coloro che affronteranno queste sfide.

Christoph Reich è membro di Swissmedmusica e per diversi anni è stato medico della squadra di calcio dello Zurigo. Dirige il servizio medico del Comitato paralimpico svizzero, è il medico dell'Associazione svizzera per gli sport disabili Plusport ed è il medico responsabile del Centro regionale di prestazioni per la ginnastica ritmica.

Cosa può insegnare la medicina dello sport ai musicisti?
Christoph Reich: In breve: uno sguardo sobrio sulla meccanica del movimento e sullo stato dell'allenamento. Nonostante le emozioni e l'importanza dell'espressione fisica negli sport individuali, lo sport ha in definitiva molti aspetti molto concreti: Non sorprende quindi che l'analisi del movimento, la conoscenza della capacità di carico fisico dei tendini e lo sguardo sullo stato dell'allenamento siano molto presenti nello sport quotidiano.

Cosa possono imparare i musicisti dalla medicina sportiva?
Grazie alla medicina dei musicisti e alla fisiologia musicale, queste conoscenze sono oggi molto presenti anche nell'educazione musicale e hanno raggiunto anche i musicisti. In definitiva, si tratta di essere in stretto contatto con il proprio corpo nell'organizzazione dello stress e di lavorare in collaborazione con esso. Il nostro corpo è molto resistente, ma solo alle sollecitazioni per le quali è stato ben preparato.

Maggiori informazioni sulla Giornata nazionale della salute Musica del 9 novembre 2024 a Lucerna: swissmedmusica.ch/healthday

La Svizzera, con la sua lunga tradizione di apertura e ospitalità, è un crocevia di culture. Questa caratteristica unica si riflette profondamente nel tessuto sociale e culturale del Paese. Situata nel cuore dell'Europa, la Svizzera è circondata da Paesi con tradizioni diverse, il che ha portato alla formazione di una società multilingue e multiculturale.

Nel corso dei secoli, mercanti, artisti, intellettuali e rifugiati politici hanno trovato in Svizzera un rifugio sicuro e hanno contribuito ad arricchire il patrimonio culturale del Paese. Questa diversità ha creato un ambiente in cui diverse forme di espressione artistica possono prosperare e interagire tra loro.

La musica ha svolto un ruolo fondamentale nell'unire le persone al di là dei confini linguistici e culturali. I festival musicali, le scuole e le accademie hanno sempre più celebrato questa diversità, creando un paesaggio sonoro che è tanto diverso quanto le persone che abitano il nostro Paese. Bande, cori e gruppi folkloristici svizzeri spesso incorporano elementi di altre musiche, riflettendo un'identità musicale che è allo stesso tempo locale e globale.

Nel panorama musicale contemporaneo, i concorsi non sono solo un palcoscenico per i talenti, ma anche un'opportunità cruciale per promuovere valori fondamentali come l'inclusività e la diversità a livello umano e musicale. In Svizzera, vari concorsi come il SJMW svolgono un ruolo sempre più centrale in questo ambito e si impegnano attivamente per garantire che tutti i giovani musicisti abbiano pari accesso a queste preziose opportunità.

L'influenza della diversità sullo sviluppo artistico

La diversità musicale del SJMW ha un'influenza significativa sullo sviluppo artistico dei partecipanti. Esibirsi accanto a coetanei con stili e background diversi stimola la creatività e incoraggia i musicisti a crescere e sperimentare. L'esposizione a un'ampia gamma di stili musicali consente ai giovani artisti di ampliare i propri orizzonti e arricchire il proprio repertorio.

Uno degli aspetti più affascinanti della SJMW è la varietà dei generi musicali rappresentati. Dal rigoroso stile classico alla libertà espressiva del jazz, dal ritmo contagioso del pop alla complessità della musica contemporanea, ogni genere trova la sua voce e il suo pubblico.

Partecipare alla SJMW significa avere l'opportunità di esibirsi in un ambiente che valorizza tutte le forme di espressione musicale. Il concorso diventa così un terreno fertile per la crescita artistica, dove le influenze si mescolano e i confini tra i generi diventano fluidi. I giovani talenti possono imparare nuove tecniche, sperimentare suoni diversi e, soprattutto, scoprire la bellezza della diversità musicale.

Un percorso di crescita e di scoperta

Il SJMW si impegna a rafforzare il proprio ruolo di organizzazione inclusiva e diversificata nel panorama musicale svizzero. Questo impegno si riflette non solo nell'ampliamento dei generi musicali offerti negli ultimi anni, ma anche nell'offerta a tutti i giovani musicisti di una piattaforma equa e aperta. 

In un mondo sempre più globalizzato, la capacità di abbracciare la diversità sarà fondamentale per il successo e la crescita della prossima generazione.
generazione di creatori di musica. Attraverso
Promuovendo lo scambio culturale attraverso la musica, il concorso non solo prepara i partecipanti a eccellere nell'arena musicale globale, ma contribuisce anche a costruire ponti tra le culture e a rafforzare il tessuto sociale della Svizzera e non solo. 

La musica è un potente catalizzatore per il cambiamento e la comprensione, e la SJMW dimostra come le competizioni possano essere molto più di semplici gare: Possono essere veri e propri motori di progresso e innovazione sociale.

Andreas Haefliger è riconosciuto per la sua sensibilità, il suo intuito musicale e il suo trascendente modo di suonare il pianoforte. Conosciuto per la sua programmazione innovativa, porta una passione e un'umanità totalizzanti nelle sue performance concertistiche e nelle sue registrazioni. Il recital pianistico sarà seguito da "Uri inspires - Beethoven triumphs". Il film musicale di 40 minuti del regista grigionese Daniel von Aarburg mostra come Andreas Haefliger esplora la Sonata Hammerklavier di Ludwig van Beethoven nelle montagne di Uri durante il "periodo Corona".

I giovani talenti del Conservatorio della Svizzera italiana Lugano si esibiranno ad Arosa il 27 giugno come una sorta di "pre-apertura". "Romanticismo? Romanticismo!" potrebbe essere il titolo del loro programma. In questo concerto presenteranno opere provate durante una settimana di prove organizzata da AROSA Kultur. Il concerto sarà eseguito anche a Cham il 28 giugno e a Lugano il 29 giugno. 

La lunga tradizione di spettacoli d'opera continuerà anche quest'anno. L'Operetta Ardez sarà ospite ad Arosa. La loro ultima produzione si chiama "Teater musical sotto le stelle dans le quatre Landessprachen", liberamente adattato dall'opera di Engelbert Humperdinck "Hänsel und Gretel" in una nuova veste con musiche di G. Bizet, F. Lehar, Mani Matter, canzun rumantschas, Cat Stevens e altri.

Da ascoltare anche: Un combo "jazzistico" di sassofoni di Berna "klapparat", un concerto d'incontro di musica popolare con il "Jodelclub Hochwang" di Landquart e il "Brandhölzler Striichmusig", una formazione del Toggenburg. I concerti per bambini sono da sempre parte integrante dell'Estate culturale di AROSA. Per cinque lunedì a partire dall'8 luglio, vari gruppi teatrali, musicisti e burattinai incantano i cuori dei bambini, i genitori, i padrini e le nane con le loro esibizioni. 

I concerti del Bergkirchlikon sono quasi leggendari. Ogni martedì alle cinque, i musicisti si esibiscono nella cappella di 531 anni a 1900 metri sul livello del mare. 

Letture e una conferenza d'arte su Augusto Giacometti completano il variegato programma.

Quando il tempo è bello, molti eventi si svolgono nell'incantevole palcoscenico della foresta di Arosa. 

Tutte le informazioni sono disponibili su www.arosakultur.ch per trovare. 

L'Associazione delle Orchestre Federali Svizzere può vantare un'assemblea dei delegati di grande successo, svoltasi l'8 giugno a Coira con oltre 100 partecipanti. Erano presenti 81 delegati di 52 orchestre, membri onorari, il Consiglio direttivo dell'EOV e una dozzina di ospiti di associazioni partner, un rappresentante dell'Ufficio federale della cultura (UFC) e membri dell'orchestra ospitante di Coira. In totale 38 orchestre hanno inviato le loro scuse ufficiali.

Dopo un meraviglioso preludio musicale dell'Orchestra di Coira sotto la direzione di Hugo Bollschweiler e il pranzo in comune, sono stati discussi gli affari statutari. I delegati hanno approvato all'unanimità il verbale dell'Assemblea generale di Sarnen del 2023, la relazione annuale del Presidente per il 2023, il bilancio annuale del 2023 e il bilancio preventivo per il 2024.

L'anno scorso, il Consiglio direttivo dell'EOV ha avviato nuovi incontri di rete per i direttori d'orchestra giovanili e ha già organizzato due eventi di grande successo a Berna e Zurigo. Presto si terranno anche incontri per tutti i direttori d'orchestra dell'EOV. Un altro
L'attenzione si è concentrata anche sull'ampliamento della gamma di corsi partner: sono stati acquisiti come partner due nuovi fornitori di corsi di alta qualità per orchestra e musica da camera. I membri delle orchestre dell'EOV possono partecipare a questi corsi a tariffa ridotta.

Le quote associative e le quote forfettarie per la Schweizer Musikzeitung (SMZ) sono rimaste invariate, mentre le quote SUISA sono state leggermente aumentate per compensare l'inflazione.

Riunione di rete per i membri del consiglio e valutazione dell'uso della biblioteca

Il presidente Johannes Reinhard ha illustrato i punti focali del lavoro dell'associazione nell'attuale esercizio finanziario 2024, tra cui una valutazione del
L'obiettivo è quello di utilizzare la biblioteca musicale per posizionare l'offerta nell'era digitale, di continuare i già citati incontri di rete per i membri del consiglio direttivo e di sostenere le orchestre nell'attuazione della nuova legge sulla protezione dei dati nella propria organizzazione (vedi sotto). Inoltre, è necessario intensificare ulteriormente i contatti con la base, il networking tra le orchestre e la cooperazione con le altre associazioni musicali svizzere (in particolare per quanto riguarda la presenza congiunta sui media).

Grande attenzione è stata dedicata all'omaggio e all'addio del Tesoriere dell'EOV René Roshardt, che ha lasciato il Consiglio dell'EOV dopo 21 anni di mandato.
René se ne va. René ha esercitato un'influenza decisiva sugli ultimi due decenni dell'EOV ed è stato nominato membro onorario per il suo notevole impegno nell'associazione. "Sarebbe eccessivo elencare tutti i suoi successi", ha dichiarato la vicepresidente Bernadette Wiederkehr nel suo discorso di elogio. "René è stato un tesoriere prudente che ha preso molto sul serio il suo lavoro e ha gestito con cura il patrimonio dell'associazione". È stato anche il principale responsabile degli accordi di esecuzione con il BAK e ha gestito numerosi progetti speciali, come il viaggio di un'orchestra del progetto EOV al Festival EOFed di Tallinn (Estonia) nel 2012. René ha ricevuto un libro fotografico, disegnato con amore da Bernadette, in cui numerosi compagni dell'EOV condividono aneddoti in parole e immagini sulla loro collaborazione con René.

Niccolà Schaub nuovo nel dipartimento finanziario

Niccolà Schaub, che in precedenza era responsabile di questioni digitali come il sito web e la newsletter nel Consiglio dell'EOV, assumerà il ruolo vacante di responsabile delle finanze. Joel Mähne, nato nel 1998 e residente a Berna, è stato eletto all'unanimità e con un applauso come nuovo membro del Consiglio per la comunicazione digitale. Non vediamo l'ora di lavorare con Joel, che ha studiato studi teatrali e amministrazione aziendale ed è anche presidente dell'orchestra progetto orchestra giovane. Tutti i precedenti membri del Consiglio di amministrazione e Johannes Reinhard come Presidente sono stati confermati all'unanimità.

Il programma pomeridiano è proseguito con il workshop sulla protezione dei dati nell'associazione e la visita guidata parallela di Coira. Il riuscito incontro dei delegati grigionesi si è concluso con un accogliente aperitivo offerto dall'EOV e con discussioni informali nel ristorante KostBar.

La prossima Assemblea dei delegati si terrà a Soletta, probabilmente il 26 aprile 2025, e sarà ospitata dall'Orchestra della città di Soletta in collaborazione con l'Orchestra Sinfonica Giovanile Regionale di Soletta (RJSO). Informazioni più dettagliate seguiranno dopo le vacanze estive.

Informativa sulla privacy: nuovi servizi ora disponibili sul sito web di EOV

Klaus Krohmann, avvocato esperto e specialista in protezione dei dati personali Nel corso di un workshop dedicato all'EOV, i partecipanti sono stati informati sulla nuova Legge svizzera sulla protezione dei dati (LPD), che entrerà in vigore il 1° settembre 2023, e sono state illustrate le precauzioni che le associazioni orchestrali devono prendere per garantire la sicurezza dei dati e i diritti dei loro membri in conformità con la nuova legge. È stato inoltre illustrato come le associazioni orchestrali possono sviluppare passo dopo passo la propria politica sulla privacy.

Tutte le orchestre associate possono ora scaricare dal sito web dell'EOV la presentazione di Krohmann con le parole chiave più importanti sulla DPA e gli statuti campione rivisti, che tengono conto dei requisiti della nuova legge sulla protezione dei dati, nonché un esempio di dichiarazione sulla protezione dei dati. Lena Ruoss, avvocato della nostra associazione, sarà lieta di fornire ulteriori informazioni.

Come possono i musicisti come Anaïs organizzare la loro vita professionale in futuro?

Anche se la paura di fallire e i timori esistenziali possono essere paralizzanti in queste situazioni, non è impossibile recuperare la propria carriera anche in età avanzata. 

Oltre alla diffusa distonia focale, i musicisti professionisti sembrano essere affetti da un numero di malattie superiore alla media. Tra queste, malattie mentali come depressione o disturbi d'ansia, disturbi ortopedici causati da movimenti altamente ripetitivi e asimmetrici e, naturalmente, varie forme di danni all'udito come sordità improvvisa o acufeni.

Anche se le cause di queste malattie non sono ancora state studiate in modo definitivo, hanno una cosa in comune: lo stress psicologico non ha certamente un effetto positivo sul decorso della malattia.

Il rapporto SRF lascia senza risposta una domanda centrale: quali opportunità professionali hanno i musicisti colpiti se non possono più suonare il loro strumento e quindi non possono più svolgere professionalmente la loro attività altamente specializzata?

Quali sono le qualifiche, le abilità, le competenze o la struttura della personalità che possono contribuire all'economia in altri modi per sostenere se stessi e le loro famiglie?

La risposta più ovvia, che si riscontra anche in altri gruppi professionali con problemi simili, come lo sport ad alte prestazioni, è che trasmettono ciò che hanno imparato attraverso il coaching e l'insegnamento.

Non c'è dubbio che le lezioni di musica possano essere arricchite e impreziosite da uno zaino pieno di anni di esperienza professionale, da una visione matura del mondo e della vita, e da tanti consigli e trucchi - non ultimo dall'esperienza pratica nella prevenzione della salute o nella gestione dello stress.

Ma quanto sono realistiche le possibilità di ottenere un lavoro in una scuola di musica in età avanzata, ad esempio? Certo, la concorrenza non dorme mai e la maggior parte delle scuole di musica non è alla disperata ricerca di personale.

Tuttavia, secondo un recente studio dell'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS), a partire dal novembre 2023, esiste un certo potenziale - a seconda dello strumento o della materia di insegnamento. Lo studio conclude che un numero considerevole di posti di lavoro pubblicizzati nelle scuole di musica in settori come il flauto di pan, il solfeggio, il violino jazz, la produzione musicale, lo jodel, la musica e il movimento, ma anche in materie tradizionali come la chitarra, il flauto dolce, l'oboe, il fagotto, la fisarmonica, il violoncello, il contrabbasso, la tromba o la direzione di coro, sono stati difficili da coprire. Ciò era più evidente nelle scuole di musica rurali.

Oltre alle competenze professionali e alle capacità pedagogiche, le scuole di musica cercano anche la padronanza delle lingue, la capacità di lavorare in gruppo, il know-how amministrativo e le capacità comunicative e sociali.

Quindi: il mondo sta cambiando rapidamente, ma con queste competenze potete migliorare significativamente le vostre possibilità sul mercato del lavoro - competenze che potete acquisire attraverso la formazione e l'istruzione continua.

Per garantire che siano finanziariamente sostenibili in casi come quello citato all'inizio, abbiamo deciso di estendere i requisiti per i contributi di sostegno finanziario. Oltre alle eccellenti capacità strumentali o vocali, che vengono valutate in un concorso per borse di studio (forse psicologicamente stressante), ora anche le eccellenti capacità o concetti didattici e pedagogici possono essere considerati per l'assegnazione di borse di studio.

Quindi: non è mai troppo tardi per fare la cosa giusta. Perché non vi mettete in contatto con noi? Saremo lieti di fornirvi la nostra consulenza in materia di formazione e aggiornamento professionale.

Xavier Dayer, nuovo direttore del Dipartimento di Musica della ZHdK, a colloquio con il suo predecessore.

Xavier Dayer, non è più scontato che le carriere artistiche portino alla leadership e alla gestione. Cosa l'ha portata su questa strada?
Il mio curriculum è vario: come compositore, ho ricevuto presto commissioni e dagli anni '90 ho scritto molto per ensemble e orchestre. All'età di 25 anni sono diventato docente di teoria, ho insegnato in vari posti e infine sono diventato responsabile del programma di studio e docente di composizione presso la HKB. In passato ho studiato chitarra classica e il mio rapporto con lo strumento è ancora molto importante per me. Dal 2011 sono presidente del Consiglio della SUISA e ho acquisito familiarità con la gestione e le sue sfide legali, le questioni di mercato e l'internazionalizzazione. È intellettualmente stimolante cercare soluzioni con personalità diverse e raggiungere accordi non comodi ma sostenibili. Le questioni complesse mi stimolano. La composizione, invece, rimane un'attività artistica di cui sono interamente responsabile. 

Gestione significa creare un contesto in cui i dipendenti possano lavorare bene.
Esattamente. La gestione non è un compito artistico, ma dovrebbe consentire il successo di molti interessi. E ho molta fiducia nel modello della scuola d'arte. Sono convinto che in una giovane generazione la creazione e il "consumo" di musica siano sempre più legati ad altre arti, mentre la musica distaccata deve spesso essere difesa e comunicata. Ma forse anche i concerti tradizionali stanno improvvisamente tornando a essere una "disintossicazione da dopamina"! L'accademia d'arte è il posto giusto per riflettere su questo. 

Il mondo dell'istruzione superiore è messo alla prova dalle innovazioni tecnologiche e dai cambiamenti sociali, ma allo stesso tempo la sua efficacia si basa sulla continuità.
Temi come l'intelligenza artificiale sono esplosivi per le università, in senso positivo. L'intelligenza artificiale prenderà il posto di gran parte di ciò che in passato abbiamo attribuito alla creatività umana. Ciò solleva importanti questioni legali, etiche ed economiche. A volte penso che dovremmo parlare di "saccheggio universale" piuttosto che di IA, in quanto poche aziende a scopo di lucro si stanno appropriando dell'intera cultura mondiale. Più capiremo l'importanza della trasmissione umana. Qualità come la personalità, la presenza scenica, ecc. diventeranno più preziose. Dobbiamo occupare il terreno che non può essere utilizzato da queste aziende. 

Tuttavia, è necessario spiegare sempre di più, cosa fanno le accademie di musica, anche per le persone del mondo dell'arte che ne sanno poco...
Sì, conosco questa sensazione di Sisifo, c'è una banalizzazione dell'opinione pubblica. Fa parte del lavoro mediare e lasciare le bolle di sapone. Ma non dobbiamo mai dimenticare che la cosa più importante avviene a livello di insegnamento. Lo studio è come la fotosintesi tra docenti e studenti. Tutti noi abbiamo
Ricordi di momenti chiave durante il corso di laurea. Questi sono avvenuti nel contatto di apprendimento, nel
Lavorate sul problema in questione, non nelle sale riunioni. 

E cosa vi aspettate dalla Conferenza delle Università di Musica della Svizzera?
È un'opportunità per guardare al di là della propria cerchia universitaria, per discutere insieme le priorità e per fare chiarezza su termini come "eccellenza", nel senso di una concezione ambiziosa ma ampia della qualità. E grazie alla sua collegialità, può dare forma all'inevitabile competizione tra istituzioni in modo costruttivo e stimolante.

Cosa non vede l'ora di fare?
Alle persone, ai contatti, ai colleghi stimolanti nell'insegnamento, nell'arte e nella ricerca. Vedo grandi cose e sono molto curiosa. È un grande piacere far parte di questa avventura della ZHdK. 

Per molti dei circa 70 dipendenti della sede di Pro Helvetia a Zurigo, la giornata lavorativa inizia in treno. Molti si spostano da Basilea, Berna, Friburgo, Losanna o Ginevra. Questo garantisce uno scambio stimolante con persone provenienti da tutte le regioni del Paese, il che è un grande vantaggio per una fondazione nazionale. Durante il viaggio in treno, controlliamo le e-mail, guardiamo le relazioni finali o i documenti di candidatura, lavoriamo sui documenti di concetto e pianifichiamo le riunioni. Un ufficio su ruote. Quando arriviamo a Zurigo, la stampante è spesso la prima cosa da fare: le lettere di decisione, le relazioni finali e altri documenti devono essere stampati ed elaborati. 

Il primo incontro della giornata è dedicato a un confronto con un festival musicale svizzero: viene presentato il nuovo programma e vengono illustrati i criteri di finanziamento. Come per tutti gli altri programmi di finanziamento, prestiamo attenzione all'attrattiva sovraregionale del festival: il festival è già affermato? Si è fatto un nome nella scena? Programma spettacoli provenienti da un'altra regione linguistica? È sostenuto dalla città e dal cantone e quindi soddisfa il principio di sussidiarietà? Il festival è una piattaforma importante per la scena svizzera? Le note dell'intervista saranno utilizzate in seguito per valutare la candidatura. 

Turismo sostenibile

Viene quindi presa in considerazione una nuova richiesta: si tratta della tournée di un gruppo musicale svizzero affermato in Cina. Prima di prendere una decisione definitiva, consultiamo i nostri colleghi dell'ufficio locale. Essi sono vicini alla scena cinese e possono giudicare se le sedi sono sufficientemente consolidate e se il livello dei compensi e il contributo ai costi di produzione sono adeguati al contesto locale. Prestiamo inoltre attenzione a una pianificazione sostenibile dei tour, particolarmente importante quando si percorrono distanze così lunghe. Oltre ai concerti, è possibile organizzare attività come workshop, incontri di rete o ricerche. Pro Helvetia ha sei uffici in diverse regioni del mondo. Lo scambio con questi colleghi è sempre particolarmente stimolante. 

La prossima domanda riguarda una piccola serie di concerti locali di un giovane quartetto d'archi non ancora sufficientemente affermato. Sebbene i compositori coinvolti si siano finora esibiti nella loro città, questo purtroppo non è ancora sufficiente per ottenere il sostegno di Pro Helvetia.

Lavoro di rete internazionale

Nel pomeriggio si terrà una riunione interna per pianificare un evento di networking presso un festival svizzero: Quali curatori internazionali vogliamo invitare? In quale giorno del festival possiamo sperimentare il maggior numero possibile di programmi svizzeri? Quali produttori musicali svizzeri dovremmo invitare all'aperitivo di networking? Il passo all'estero è molto importante per i musicisti della piccola Svizzera. Qui abbiamo una missione speciale. Poiché anche gli organizzatori stranieri, come i festival e i club, possono rivolgersi a noi per ottenere finanziamenti, manteniamo molti contatti e svolgiamo quindi un ruolo decisivo nell'esportazione della musica dalla Svizzera. 

Dopo la riunione, continuiamo con un'e-mail dal nostro dipartimento "Contatti e iniziative globali". Una curatrice boliviana vuole trascorrere quattro settimane per conoscere la scena musicale elettronica locale. Ha un'ampia rete in Sud America e organizza un festival annuale di musica da club, con workshop e masterclass. Si tratta di un'iniziativa che rientra nello spirito dello scambio culturale e di una grande piattaforma. Questo viaggio di ricerca sembra assolutamente degno di essere sostenuto e con l'aiuto di un coach sarà in grado di sfruttare al meglio il suo tempo. Faremo in modo che possa stabilire nuovi contatti con DJ, produttori, etichette e organizzatori di eventi.

Prima della chiusura, è stato confermato l'invito al prossimo ritiro: il nostro obiettivo è quello di affrontare con maggiore forza le scene musicali precedentemente sottorappresentate. Le nuove misure di finanziamento significano anche molte discussioni! Nel 2024 attueremo due nuovi programmi di sostegno: Push-it, rivolto ai musicisti emergenti e alle loro etichette, e Feat. rivolto alla scena hip-hop ed electro.

È ora di risalire sul treno, perché la sera è in programma un concerto: la nuova produzione di una compagnia di teatro musicale, che sarà presto presentata in un festival all'estero. Abbiamo sostenuto la creazione e la tournée e siamo quindi particolarmente entusiasti di vedere l'opera ora.

Fatti e cifre

Chi è supportato: Musicisti con passaporto svizzero o residenza permanente in Svizzera, affermati a livello nazionale e che creano il proprio repertorio, nonché organizzatori di eventi in Svizzera e all'estero.

Cosa è supportato: tra cui nuove produzioni, presenza internazionale (tournée, partecipazioni a festival), produzioni di album con tournée di lancio, festival di fama nazionale

Quali sono i criteri più importanti? Sovraregionalità, sussidiarietà, tariffe adeguate, programma innovativo

Suggerimenti per la presentazione delle domande

-Controllate i criteri di ammissibilità sul sito web e inviate la vostra domanda online.

-Riempire la maschera online con testi brevi, evitando di ripetere i testi del dossier.

-Un budget dettagliato e un piano di finanziamento realistico sono essenziali.

-Verificare se è stato selezionato un programma di finanziamento del dipartimento di Musica. 

Peer Abilgaard ha studiato canto e tromba all'Università di Musica e Danza di Colonia ed è stato solista ospite come controtenore allo Staatstheater Darmstadt e al Teatro di Darmstadt.  teatri d'opera di Halle, Gera, Altenburg e Bonn. Dopo gli studi musicali, ha proseguito gli studi di medicina all'Università di Bonn. Oggi è primario della Clinica per la Salute Mentale dell'Ospedale Evangelico di Gelsenkirchen ed è esaminatore per diverse associazioni mediche tedesche. 

Nel 2009 ha fondato l'Istituto Peter Ostwald per la salute dei musicisti presso l'Università della Musica di Colonia. Ha inoltre fondato il "Netzwerk Musikermedizin Nordrhein", un'associazione di terapisti e medici provenienti da un'ampia gamma di specializzazioni. In qualità di membro fondatore della "Società tedesca per la fisiologia musicale e la medicina dei musicisti", da molti anni si occupa dell'interfaccia tra arti dello spettacolo, educazione musicale e medicina. Insieme ai suoi colleghi, persegue un ulteriore sviluppo orientato alle risorse di questa disciplina ancora giovane all'interno della società specializzata. 

Come autore, Abilaard si occupa di approcci orientati alla resilienza e alla dignità in psicoterapia, dell'importanza della psicoterapia non verbale e dell'importanza della psicoterapia non verbale.  e un'educazione musicale che rafforza l'ego.

Per saperne di più sulla Giornata Nazionale della Salute Musica: swissmedmusica.ch/healthday

Che ruolo ha la musica nei momenti di crisi personale? Come si affrontano le crisi creative? E come vengono rappresentate le crisi di identità nella musica? Queste e altre affascinanti domande sono esplorate nell'ultimo volume dell'Annuario svizzero di musicologia, appena uscito come terza pubblicazione in formato Golden Open Access. Le quattro curatrici Margret Scharrer, Vincenzina Ottomano, Lea Hagmann e Laura Möckli, che si muovono in ambiti molto diversi della musicologia (musicologia storica, studi sul teatro musicale, etnomusicologia), completano così la loro trilogia sul tema "Musica in tempi di crisi".

I termini "crisi" e "musica" sono definiti in modo ampio. Il primo volume della trilogia (vol. 38, 2021) trattava principalmente di pandemie (Covid-19, AIDS) come reazione alla pandemia di Covid-19, mentre il secondo volume (vol. 39, 2022) era dedicato a conflitti e guerre (Belliphonia, SARS, conflitti di confine, ecc.). Nelle loro introduzioni al volume attuale Identità e creatività (vol. 40) scrivono i curatori: 

Le situazioni di crisi sono parte integrante dell'esperienza umana, sociale, scientifica e artistica. Sebbene siano situazioni eccezionali, si possono trovare ovunque, non solo in aree devastate da carestie, guerre e malattie, ma anche in società ricche. Le crisi si manifestano in una grande varietà di forme e vengono percepite e gestite in modi diversi. (SJM, vol. 40, p. 7)

L'articolo principale del presente volume è di Naomi Matsumoto (Goldsmiths, Università di Londra), Rappresentare la follia e la crisi d'identità attraverso "Bess of Bedlam" di Henry Purcell  si occupa della ballata di Henry Purcell Bess di Bedlam (1683), che Matsumoto utilizza come esempio per illustrare come il concetto di follia fosse rappresentato nel XVII secolo in un genere di canzone noto come "canzone folle". In un altro articolo, il libro di Florian Besthorn "Voi popoli state imparando a vivere pericolosamente". Sulla strada della pace con la musica dei disastri? L'oratorio Arche di Jörg Widmann in relazione ai temi della fede, della divinità e della responsabilità personale, e si chiede come una società possa trovare nuove risposte alla domanda di un mondo più giusto in tempi di crisi. Articolo di Martin Pensa Vedere il mondo sotto una nuova luce - L'ultima opera di Gustav Mahler come sintomo di una crisi personale? analizza più da vicino l'ultima opera di Gustav Mahler e le complicate connessioni con la crisi personale del compositore nel 1907, quando perse sia la figlia Maria Anna sia il posto di direttore dell'Opera di Corte di Vienna e allo stesso tempo apprese di avere un'insufficienza cardiaca terminale.

Oltre ai tre articoli principali, gli autori della sezione "Testimoni contemporanei" affrontano altri aspetti dell'identità e delle crisi creative, ad esempio in un'intervista alla compositrice Manuela Kerer, in una conversazione con il regista Alexander Nerlich, nel progetto Music as Empowerment, che utilizza progetti sonori per superare le barriere linguistiche tra ricercatori svizzeri e giovani rifugiati nel cantone di Lucerna, o nella produzione teatrale di Lea Luka Sikau e Nat Jobbins, che tratta di salute mentale, queerness, follia, fallimento e processi di creazione. La sezione "Werkstatt CH" completa il volume con relazioni sui progetti musicologici in corso presso le università e le scuole superiori svizzere, oltre a relazioni di conferenze e recensioni di libri.

DOI:
doi.org/10.36950/sjm.40

Da tre anni l'Università Kalaidos offre il programma di educazione musicale del Metodo Suzuki in collaborazione con il Suzuki Institute Switzerland e l'istruttrice Suzuki Agathe Jerie. È aperto a chiunque abbia un diploma universitario con violino o viola come materia principale, dura un anno e si svolge in una settimana intensiva a Interlaken e poi nell'area di Zurigo. Analizzando i più recenti risultati della ricerca, gli studenti imparano ad applicare le pratiche e le teorie di Suzuki Shin'ichi. 

Signora Furrer, perché ha deciso di seguire un corso di formazione Suzuki?

Perché questo metodo ha "mani e piedi"! Sette anni fa, mia figlia ha iniziato a suonare il violino con il metodo Suzuki. Come madre e violinista, ho avuto l'opportunità di conoscere bene e a fondo il metodo nella pratica. Poi, durante la mia formazione, mi è stata data una conoscenza differenziata di come il complesso processo di apprendimento del violino possa essere insegnato in modo chiaro e semplice. Penso che sia fantastico!

Cosa distingue il metodo Suzuki da altri approcci di educazione musicale? 

Oltre all'inizio precoce con il "metodo della lingua madre", è l'interazione fin dall'inizio: lo facciamo insieme! Insieme suona ancora meglio! Queste sono esperienze importanti per il bambino. Impara a inserirsi in un gruppo, a mostrare considerazione per gli altri e ad ascoltare! 

Si rinuncia anche alla lettura della musica: In questo modo l'allenamento dell'orecchio, la concentrazione sul ritmo e sull'intonazione, la postura del violino, la sequenza dei movimenti durante l'esecuzione, il suono e l'espressione possono avvenire indisturbati. 

Inoltre, il sostegno dei genitori e la cooperazione tra insegnante, genitori e bambino sono di grande importanza. 

Le lezioni sono quindi adattate allo stadio di sviluppo, alle capacità e alla particolare fisiologia dei bambini piccoli e sono appositamente studiate in termini di metodi di insegnamento. Grazie a questa impostazione, il metodo Suzuki è oggi più che mai attuale: l'intervento precoce e le lezioni di gruppo sono sulla bocca di tutti e vengono offerte in molte scuole e scuole di musica.

Quali sono state le tappe fondamentali della sua formazione Suzuki?

Ho imparato un tesoro di suggerimenti e idee per una struttura di lezione divertente, visiva, giocosa e allo stesso tempo molto ben fondata. Anche se ho iniziato il corso con molti anni di esperienza nell'insegnamento, mi sono state aperte molte porte nuove e mi sono stati aperti dei mondi, per i quali sono infinitamente grata!

Ho imparato molto anche sugli aspetti tecnici del suonare il violino, grazie alla collaborazione vivace e stimolante che si è creata durante il corso. In un certo senso, tutti i partecipanti sono tornati all'inizio e hanno messo in discussione alcune cose in modo completamente nuovo - tutto al servizio del bambino e del suo percorso musicale. 

Alla fine ho capito che il metodo Suzuki è un percorso formativo o educativo in cui si sviluppano competenze preziose e di grande importanza per tutti gli ambiti della vita. Il Metodo Suzuki è un programma di formazione alla vita nel vero senso della parola.

In che misura la formazione ha cambiato la sua pratica di insegnamento?

La metodologia mi ha aperto gli occhi sul fatto che soprattutto i primi passi hanno bisogno dell'amore e del riconoscimento dei passi più piccoli. Il bambino sperimenta fin dall'inizio un legame prezioso e decisivo con lo strumento, con la musica e con se stesso, il che è una cosa meravigliosa. 

È cresciuta in me una nuova gioia per l'insegnamento, così che oggi posso di nuovo sperimentare un senso più profondo dello scopo. Sono molto grato per questo. 

Come possiamo visualizzare la struttura dell'intero metodo tradizionale Suzuki?

La scuola Suzuki è composta da un totale di 10 volumi, sviluppati in cinque diversi livelli. Ogni livello richiede solitamente un anno per essere completato. È possibile decidere individualmente il numero di livelli che si desidera frequentare. L'Università Kalaidos offre attualmente due livelli, ossia la formazione per i volumi Suzuki 1 - 3. 

Come vede il futuro del metodo Suzuki?

Spero che la conoscenza del metodo Suzuki, la sua filosofia e il suo spirito siano compresi e vissuti da un numero sempre maggiore di persone e che possano raggiungere un numero sempre maggiore di musicisti che cercano un significato nuovo, più profondo o più elevato nell'insegnamento!

Ulteriori informazioni sono disponibili sul sito: 

www.kalaidos-fh.ch/de-CH/Studiengaenge/CAS-Certificate-of-Advanced-Studies-Musikpaedagogik-Suzuki-Methode

CAS FH Educazione musicale Metodo Suzuki 

Il nuovo corso CAS FH Music Education Suzuki Method inizia ad agosto 2024, la scadenza per la presentazione delle domande è il 1° luglio 2024!

L'Orchestra di Coira e la sua città sono liete di ospitare l'Assemblea dei delegati dell'EOV l'8 giugno 2024: proprio come le diverse tonalità dell'orchestra sinfonica si intrecciano per formare un grande insieme, la città, con la sua ampia offerta culturale e sportiva, offre un soggiorno arricchente. In particolare, l'Orchestra di Coira vi invita a un viaggio sonoro nell'opera poco conosciuta del compositore di origini grigionesi Paul Juon (1872-1940). 

L'Orchestra di Coira ha festeggiato il suo centenario poco più di dieci anni fa. Fondata nel 1912 come orchestra di accompagnamento del coro maschile comunale, l'innovativo gruppo di musicisti si è presto affermato come ensemble indipendente e ha avviato la fondazione della scuola di musica comunale con la sua scuola d'orchestra interna. 

Per i primi 25 anni, i concerti sinfonici dell'orchestra sono stati quasi l'unica occasione per gli amanti della musica di Coira di incontrare grandi opere di musica classica e romantica in concerto. Fin dall'inizio, l'orchestra ha permesso a giovani musicisti, soprattutto grigionesi, di fare le prime esperienze da solista e di esibirsi davanti a un grande pubblico in concerti strumentali. 

Luzi Müller, il (solo!) terzo direttore a guidare l'orchestra fino al suo centenario, è rimasto fedele a questo principio, proprio come i suoi due predecessori. Durante i suoi 38 anni di direzione, ha cercato nuovi modi di organizzare i concerti, ha inserito nei suoi programmi opere poco conosciute che non erano quasi mai state eseguite a Coira e spesso ha dato loro un tema. Sotto la sua direzione, gli esecutori e il pubblico hanno ripetutamente sperimentato nuove scoperte musicali. 

Con Bollschweiler dal 2018

Il direttore d'orchestra Hugo Bollschweiler (direttore dal 2018) continua questa tradizione con altrettante idee originali, conoscenze approfondite e prove meticolose. La sua gioia nello scoprire innovazioni musicali è evidente in diversi ambiti dell'Orchestra di Coira: Due volte all'anno, i concerti a tema combinano artisti e opere d'arte in modi spesso insoliti. Durante la pandemia di coronavirus, Bollschweiler ha avviato e accompagnato trii e quartetti di musicisti orchestrali. Ha dato e continua a dare a fiati dilettanti esperti l'opportunità di arricchire l'orchestra d'archi durante le prove settimanali e ha studiato a fondo il lavoro del compositore Paul Juon.  

I partecipanti al DM dell'EOV hanno ora l'opportunità di scoprire questa musica tardo-romantica a Coira.  L'8 giugno l'Orchestra di Coira e il suo direttore intraprenderanno un viaggio in occasione del concerto-laboratorio matinée "Zwischen den Zeiten - Der Grenzgänger Paul Juon" e si augura di accogliere numerosi compagni di viaggio interessati alla musica. 

Hugo Bollschweiler scrive a proposito del contenuto di questo concerto-laboratorio: "La classificazione musicologica in base agli stili, alle epoche e alle linee di sviluppo oscura la visione dell', le zone miste in cui vecchio e nuovo si sovrappongono, i ritardatari incontrano i visionari e l'individualità dell'artista diventa riconoscibile lontano dalla classificazione storica ed estetica ufficiale.
L'universo di Paul Juon è esemplare: geograficamente, temporalmente e stilisticamente, Juon appare come un autodeterminato attraversatore di confini tra diverse aree culturali e in tempi di radicali sconvolgimenti artistici".

www.orchesterchur.ch