Soirée (lancio dell'opera): 1 aprile 2025

Nota dell'editore: Il testo di Herbert Büttiker è stato pubblicato per la prima volta il 12 marzo 2020. La versione attuale è stata rivista per riflettere le nuove circostanze.

Per la prima volta dopo il suo riorientamento digitale, l'Annuario svizzero di musicologia presenta un'edizione speciale curata dalle due etnomusicologhe Helena Simonett e Patricia Jäggi dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna (HSLU) e frutto del loro progetto di ricerca Seeking Birdscapes. Quattro articoli principali e due contributi artistici affrontano il canto degli uccelli da diverse prospettive.

Nella loro introduzione, Helena Simonett e Patricia Jäggi introducono il tema "Birdscapes" e presentano il progetto di ricerca di Lucerna. Nel suo saggio "The Anatomy of a Benign Failure" (L'anatomia di un fallimento benigno), Gergely Loch decostruisce l'affermazione antropocentrica di Péter Szőke, secondo cui il canto degli uccelli e quello umano sono il risultato di processi neurologici e fisiologici identici. Il saggio di Andrew Whitehouse "Inquisitory Birds" mette in discussione l'etica del metodo di riproduzione del canto degli uccelli quando si tratta di attirare specie rare di uccelli dal loro nascondiglio per scopi di ricerca. Una passeggiata nella foresta sonora svizzera Tùn Resùn è alla base dell'articolo di Nathalie Kirschstein e Helena Simonett, che documenta e categorizza le esperienze multisensoriali di vari testimoni.

Emily Doolittle presenta le sue composizioni Gannetry, un'opera multimodale ispirata ai suoni delle sule scozzesi e creata in collaborazione con la poetessa Dawn Wood. Infine, Matthias Lewy e Helena Simonett presenteranno la mostra Birdscapes, strettamente legata al progetto di ricerca dell'HSLU ed esposta al Museo della Natura di Lucerna nel 2022.

Animali che fanno musica?

Non sembra un caso che il "fare musica" degli animali sia oggi al centro di una pubblicazione musicologica. La crescente preoccupazione per l'ambiente in cui viviamo - causata dall'attuale crisi climatica, dalla diminuzione e dal cambiamento dell'habitat naturale e dei paesaggi sonori ad esso associati - richiede uno sguardo e un ascolto più attenti, un ripensamento radicale del ruolo dell'Antropocene e la ricerca di nuovi modi di rapportarsi al nostro mondo.

La ricerca musicologica, in particolare negli studi sull'uomo-animale, sulle ecologie sonore e sull'ecomusicologia, sta diventando sempre più importante, il che ha portato alla costituzione di un gruppo di ricerca internazionale a Norimberga, lo scorso ottobre, dedicato al tema "Multispecies Sound and Movement Studies". Con il suo focus sul canto degli uccelli, il volume speciale dell'Annuario svizzero di musicologia si inserisce bene negli attuali dibattiti di ricerca.

L'Associazione culturale di Arosa organizza da 39 anni le Settimane dei corsi di musica di Arosa. Ogni estate e autunno, circa 1450 partecipanti si recano nel magnifico mondo montano di Arosa. Circa 200 istruttori esperti provenienti dalla Svizzera e dall'estero sono coinvolti nel programma. I corsi, la maggior parte dei quali dura 6 giorni, sono rivolti a musicisti dilettanti, professionisti e studenti.

Non solo corsi di musica

Vengono offerti circa 80 corsi strumentali per un'ampia varietà di strumenti a corda, a fiato, a tastiera e a percussione. Un programma vario attende i partecipanti alle varie settimane di coro e canto.

Ma Arosa Cultura non offre solo corsi di musica. Il programma prevede anche corsi di pittura, vari corsi di danza, un corso di costruzione di strumenti e un weekend di letteratura. Anche in questo caso si terranno diversi corsi per principianti e corsi speciali per bambini e giovani.

Novità del programma

I seguenti corsi saranno offerti per la prima volta nel 2025: Flauto indiano con Samuel Staffelbach - Handpan per studenti avanzati con Kay Rauber - Tango per strumenti a corda con Katharina Deissler - Musica contemporanea per flauto con Rebecca Blau - Musica popolare per formazioni esistenti con Madlaina Küng e Thomas Aeschbacher - Fiddle a testa di cavallo mongolo e canto di gola con Bayanzul Damdinsuren - Viola da gamba con Soma Salaat-Zakariás - Violino barocco con Claire Foltzer - Basso continuo storico al clavicembalo con Andreas Westermann - Musica da camera per archi e chitarra con Nicolas Corti e Han Jonkers - Musica di Hannes Meyer con Matthias Gubler - Musica da camera con il Trio Degas - Body Music Mentales con Ivo Prato - Corso di danza per principianti:innen ü45 con Peter Wingling - Corso di danza nuziale con Valeria Klaus - Weekend letterario su Hermann Hesse con Reto Bonifazi - La A - Z del tempo con Anna Jelen - Cantare e fare musica nello Zwergliland con Bettina Boller e Christina Schwerzenbach (per bambini dai 2 ai 5 anni).

Accademia musicale di Arosa e masterclass

Le Settimane dei corsi di musica di Arosa sono anche un attore internazionale nel campo della promozione di alto livello. 14 diverse masterclass e due Arosa Music Academies si svolgeranno ad Arosa nell'estate e nell'autunno 2025. I partecipanti riceveranno diversi premi dalla Fondazione Hans Schaeuble.

Informazioni e registrazione

Tutte le informazioni sui corsi e le iscrizioni sono disponibili sul sito . Il programma stampato dei corsi può essere ordinato presso Arosa Kultur (vedi contatto). Per chi prenota in anticipo c'è uno sconto di CHF 40.00 fino alla fine di febbraio.

L'11 novembre 2024 si è svolto il concorso annuale per le borse di studio dell'Università di Musica Kalaidos. Questo strumento di finanziamento premia i giovani artisti di spicco e integra i servizi del Fondo per le borse di studio Kalaidos, che sostiene gli studenti in situazioni finanziarie difficili.

Gli studenti di tutti i corsi di studio dell'Università di Musica Kalaidos sono stati invitati a esibirsi in una performance di circa venti minuti con brani di vari stili, al fine di qualificarsi per le borse di studio e i premi. Dalle sonate virtuose per violino alle canzoni pop, in questa giornata di concerti si è potuta ascoltare un'ampia varietà di brani, interpretazioni e stili molto personali.

Gli studenti dei dipartimenti di musica classica e jazz/pop hanno cantato e suonato violino, viola, contrabbasso, tromba, pianoforte e flauto. Anche gli studenti di educazione musicale hanno fatto domanda per le borse di studio offerte. Per ognuno dei diversi strumenti sono stati invitati degli esperti che hanno giudicato le performance dei singoli studenti. Naturalmente non è stato facile per la giuria assegnare le borse di studio e i premi: ha dovuto confrontare molte esibizioni eccellenti di diversi stili e gruppi di strumenti, nonché i campioni didattici e onorare alcuni di essi in particolare.

Siamo quindi particolarmente lieti di annunciare i musicisti che sono stati premiati nel concorso per le borse di studio dell'Università di Musica Kalaidos di quest'anno! La giuria, composta dai professori Michael Bühler, Leslie Leon, Jens Bracher, Stefan Häussler ed Erna Ronca, ha assegnato 10 borse di studio. Le borse di studio garantiscono ai vincitori il pagamento completo delle tasse universitarie per 6 o 12 mesi.

Le nostre più sentite congratulazioni vanno a:

- Nicola Angileri - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione musicale

- Immanuel Brunner - Bachelor of Arts FH in Musica con specializzazione in Musica classica

- Adeline Favre - Bachelor of Arts FH in Musica con specializzazione in Musica Classica

- Aida Jauslin - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Jazz e Musica Popolare

- Lilla Krájer - Bachelor of Arts FH in Musica con specializzazione in Musica Classica

- Elisabeth Kulmer - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Musica Classica

- Milana Perduv - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Musica Classica

- Zhixin Zhang - Master of Arts Kalaidos FH in Music Performance con specializzazione in Musica Classica

- Zeyu Zhao - Master of Arts Kalaidos FH in Music Performance con specializzazione in Musica Classica

- Tatiana Zubova - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Musica Classica

Auguriamo a tutti i premiati grande successo e gioia nel loro percorso musicale e siamo lieti di poterli sostenere nella realizzazione dei loro obiettivi! Sappiamo per esperienza personale quanto grande sia l'impegno, la perseveranza e l'energia creativa di cui i musicisti hanno bisogno per imparare uno strumento musicale fin dalla più tenera età, per trascorrere innumerevoli ore a perfezionare la tecnica e l'interpretazione musicale e per perseverare attraverso tutti gli ostacoli, non ultimi quelli finanziari, per appassionarsi alla musica e condividere questo entusiasmo con il pubblico. Il nostro amore per la musica a volte ci fa dimenticare il grande sforzo che comporta dare tutto per una professione che a volte è associata a condizioni di lavoro difficili.

Siamo lieti di poter sostenere finanziariamente il lavoro di questi giovani artisti e ci auguriamo che il nostro lavoro aiuti questi musicisti a continuare a svilupparsi nel loro stile individuale e a continuare a contagiare il pubblico con il loro entusiasmo per la musica e a incantarlo con la loro ricchezza espressiva - dopo tutto, negli ultimi anni abbiamo imparato che, soprattutto nei momenti di incertezza e di paura del futuro, l'espressione artistica profondamente sentita e l'impegno di una giovane generazione possono darci la forza e la speranza di affrontare il futuro in modo più ottimistico e di trasformarlo in qualcosa di positivo.

Per la quinta edizione del nuovo Annuario svizzero di musicologia (vol. 42 (2025)), la redazione invita gli autori a presentare articoli sul tema "Temporalità nella musica". Allo stesso tempo, il team editoriale incoraggia i ricercatori che stanno attualmente lavorando a progetti musicali presso gli istituti di ricerca svizzeri a presentarli come rapporti di ricerca.

Tempo e temporalità nella musica

In questo numero verranno esaminati vari aspetti del tempo e della temporalità nella musica dal punto di vista culturale, geografico, storico, concettuale e teorico. La musica ha un effetto unico sulla nostra percezione del tempo. Nella sala da concerto o in discoteca, il tempo viene percepito in modo diverso rispetto alla vita quotidiana. Questo carattere flessibile e ibrido del tempo è stato utilizzato consapevolmente e inconsapevolmente da compositori, esecutori, musicisti e istituzioni (inter)nazionali nel corso della storia e in tutto il mondo.

Per capire come la musica e la temporalità siano legate in modo unico, è necessario superare i confini della musicologia ristretta. Sono quindi richiesti contributi da varie sottodiscipline. Oltre alla musicologia, all'etnomusicologia e all'educazione musicale, queste includono studi letterari, storia culturale, studi cinematografici, studi di genere e scienze sociali.

Ci chiediamo, ad esempio, come si caratterizzano e si modificano i fenomeni musicali sotto forma di memoria, anticipazione o nostalgia? Che ruolo gioca il tempo nel revival di una vecchia canzone popolare, come suonava allora e come suona oggi? Come funzionano dispositivi narrativi come l'accelerazione e il flashback all'interno di determinate convenzioni in diversi contesti storici e culturali? Come possiamo comprendere la complessa interazione di diverse temporalità nella musica, ad esempio come viene rappresentata musicalmente una storia che si svolge nell'arco di diversi giorni o anni in poche ore in un'opera?

Questi fenomeni temporali musicali non sono legati a un particolare stile o epoca musicale: possono essere esaminati sulla base di una sinfonia, di un concerto rock o di un'improvvisazione jazz.

Tre formati di pubblicazione

Gli articoli principali di massimo 40.000 caratteri (spazi e note a piè di pagina inclusi) sul tema del tempo e della temporalità nella musica costituiscono la parte principale del numero e sono sottoposti a una revisione in doppio cieco. Nella sezione "Testimoni contemporanei" vengono pubblicati contributi più brevi di massimo 10.000 caratteri (spazi e note a piè di pagina inclusi) dedicati al tema della temporalità musicale. Possono assumere diversi formati, ad esempio una presentazione scritta, acustica o visiva di una fonte storica o musicale originale, un'intervista con un artista o un esperto o una dichiarazione su eventi attuali. La sezione "Werkstatt-CH" pubblica contributi selezionati che mettono in luce approcci e questioni attuali provenienti da istituzioni di ricerca svizzere. Questi contributi possono avere anche formati diversi, come poster o altri formati digitali. Questi contributi non sono vincolati all'argomento principale del numero.

Le proposte di articoli completamente redatti in tedesco, italiano, francese, romancio o inglese devono essere inviate entro il 15 febbraio 2025 tramite il sito web da presentare. La notifica di accettazione sarà inviata nel marzo 2025 e il numero sarà pubblicato alla fine del 2025.

Da 20 anni, circa 70 giovani si riuniscono due volte l'anno al Künstlerhaus Boswil - in estate e a Capodanno - per una settimana di prove seguite da tre o quattro concerti. Quello che sembra banale è uno dei progetti orchestrali più interessanti della Svizzera dal 2005, un laboratorio in cui si esplora il futuro della musica orchestrale e si amplia il repertorio classico in modo pionieristico. In occasione dell'anniversario della Jugend-Sinfonieorchester Aargau (JSAG), la redazione della SMZ ha parlato con il suo direttore, il direttore e violista Hugo Bollschweiler.

Hugo Bollschweiler, quando e come è entrato a far parte del JSAG?

Nel 2013 mi è stato concesso di assumere la direzione del JSAG. È stato un sogno che si è avverato. Sin dai tempi in cui lavoravo nell'Orchestra Sinfonica Giovanile Svizzera, il mio desiderio era sempre stato quello di poter lavorare con i giovani. Non riesco a immaginare nulla di più appagante, emozionante e stimolante.

Perché siete rimasti? Cosa c'è di diverso nel JSAG?

Al JSAG c'è una quantità infinita di curiosità, apertura e dedizione. Qui posso sperimentare cose che sarebbero impensabili in altri luoghi: espansioni insolite del repertorio, libertà concettuale, nuove forme di prova. E amo l'interazione umana duratura.

Chi gioca nello JSAG?

La fascia di età va dai 16 ai 26 anni. Il bacino d'utenza si estende oltre il cantone di Argovia ai cantoni di Soletta, Lucerna, Zurigo, Basilea e Berna. Il mix di membri è speciale in quanto riunisce aspiranti musicisti professionisti, studenti di musica di talento, giovani studenti di discipline non musicali e dilettanti entusiasti.

Lo scambio di esperienze è particolarmente intenso e prezioso su questo sfondo variopinto.

Potrebbe illustrarci il progetto "Vogue", recentemente realizzato, con opere di Cécile Chaminade (1857-1944), Eric Coates, Darius Milhaud, Maurice Ravel e Camargo Guarnieri? Come è nato il programma?

"Vogue" tratta le tendenze della musica classica all'inizio del XX secolo: la musica da salotto, la British Light, l'ascesa fulminea del sassofono, la scoperta musicale del Sud America e persino il crollo di vecchie forme, come Maurice Ravel celebra con la morte del valzer nel suo successo del secolo, La Valse. L'idea di "Vogue" mi è venuta mentre studiavo Ravel, quando mi sono improvvisamente reso conto degli sconvolgimenti sociali e culturali del periodo tra le due guerre e di quanto sarebbe stato emozionante racchiudere in un programma i cambiamenti musicali di quest'epoca.

Qual è stato il momento culminante del tour con "Vogue" con concerti a Boswil, Aarau, Berna e Zurigo?

Ce n'erano troppi! La nostra solista Lisa Wyss ha fatto un appello meravigliosamente diretto per il sassofono come strumento classico solista, la suite del balletto Callirhoë di Cécile Chaminade è stata fatta uscire dal suo immeritato torpore e la comunicazione tra pubblico e musicisti era palpabile come elettricità emotiva in ogni momento del concerto.

Il mio personale punto di forza è stata la rinnovata conferma che la musica classica funziona anche senza i grandi cavalli di battaglia del repertorio e che noi programmatori troppo spesso sottovalutiamo criminalmente la curiosità del pubblico.

Cosa succederà in estate? Cosa vi augurate per il futuro del JSAG?

Il nostro grande progetto per l'anniversario si avvicina quest'estate: Andremo in tournée con tre concerti ospiti in Italia, un'esibizione a Lindau sul Lago di Costanza e concerti in casa a Boswil e Aarau, con la possente Settima Sinfonia di Anton Bruckner, il precoce colpo di genio del Capriccio Sinfonico di Giacomo Puccini e la brillante Bishop Rock Overture di Doreen Carwithen in prima svizzera.

Per il futuro con il JSAG, spero in questo spirito di scoperta ininterrotto, che si basa sulla meravigliosa energia che nasce nella Künstlerhaus Boswil quando 70 giovani possono essere se stessi in uno "spazio sicuro" con e attraverso la musica.

Cos'altro volevi dire?

Buon compleanno, Orchestra Sinfonica Giovanile dell'Argovia. Grazie per 20 anni di curiosità, umanità, speranza, solidarietà e notti in bianco.

Anche noi dell'EOV vogliamo congratularci con il JSAG per il suo 20° anniversario e augurargli di continuare a fare musica insieme!

Siete in piedi sul palco con le ginocchia deboli, il battito cardiaco accelerato e le mani sudate. Volevate davvero concentrarvi sulla musica, ma ora i vostri pensieri sono tutti rivolti al nervosismo. Questa situazione vi suona familiare?

La paura del palcoscenico può compromettere gravemente le prestazioni. Quando il corpo è sotto stress, viene rilasciato l'ormone dello stress, il cortisolo, che scatena sintomi come tremori, sudorazione o respirazione superficiale. Sebbene la reazione allo stress avvenga a livello inconscio, può essere influenzata da tecniche specifiche, come ad esempio la respirazione consapevole.

Una tecnica utile per la respirazione consapevole è la "respirazione quadrata", che funziona come segue:

Posizionarsi comodamente e dirigere l'attenzione "verso l'interno". Inspirate ed espirate con calma. Poi contate fino a cinque mentre inspirate e seguite mentalmente il primo lato di un quadrato immaginario. Trattenete il respiro per lo stesso tempo senza tendere (il secondo lato), poi espirate e seguite il terzo lato del quadrato. Trattenere nuovamente il respiro per completare il quarto lato. Ripetere questo ciclo. Regolate la durata dei lati in base alle vostre esigenze.

Esistono diverse tecniche di respirazione e ogni persona reagisce in modo diverso. È importante scoprire quale tecnica vi calma o attiva meglio, in modo da poter riprendere il controllo sul vostro nervosismo.

Oltre alla tecnica di respirazione, anche la gestione dei pensieri distraenti svolge un ruolo importante. I "pensieri distraenti" sono pensieri che ci distraggono dal compito da svolgere in situazioni di stress o che hanno un impatto negativo su di noi, ad esempio durante un concerto o un'audizione. Un approccio efficace per gestire questi pensieri è il principio WAVE, sviluppato dallo psicologo dello sport Jörg Wetzel (da "GOLD - Mental stark zur Bestleistung", Jörg Wetzel, 6a edizione, 2019). "WAVE" sta per:

1. percepire: Riconoscere consapevolmente i propri pensieri, sentimenti e reazioni fisiche.

2. fermarsi: Interrompere attivamente il flusso di pensieri dicendo "stop" o "alt".

3. cambiare: Sostituire i pensieri negativi con modelli di pensiero positivi e costruttivi.

4. esercitarsi: Ripetere il nuovo pensiero e verificarne l'effetto.

Esempi: Invece di "Non ho azzeccato di nuovo la nota giusta, che imbarazzo!", potreste dire: "Posso fare meglio di così. Spuntala e vai avanti!". Oppure, invece di pensare: "Se mi innervosisco adesso, sono sicuro che non funzionerà", il pensiero potrebbe essere: "Rimarrò calmo e farò musica come a casa". Imparando a dirigere attivamente i vostri pensieri, potrete controllare il vostro nervosismo e concentrarvi meglio.

Il training mentale offre anche l'opportunità di esercitarsi in situazioni concertistiche. Le tecniche di visualizzazione aiutano a rivivere un'esperienza concertistica positiva con tutti i sensi o a provare mentalmente una futura esibizione davanti a un pubblico immaginario. Questo metodo vi prepara mentalmente al "momento speciale", in modo da poter anticipare meglio il nervosismo e affrontarlo con calma. In molti casi, la terza o quarta esibizione è molto più facile della prima.

I momenti che precedono l'esibizione sono cruciali per il successo. Un'attenta pianificazione e l'allenamento di questo processo, supportato da tecniche mentali, sono altrettanto importanti della preparazione tecnica e musicale.

Il nervosismo non può essere completamente eliminato, ma con le tecniche mentali si può imparare a controllarlo e a sviluppare un approccio positivo per affrontarlo. Questo vi permetterà di ottenere prestazioni affidabili anche nei momenti di stress e di apparire calmi.

Sebastian Rosenberg
... consiglia musicisti e tiene corsi e workshop nel campo del mental training, insegna tromba e dirige ensemble presso la scuola di musica Rontal LU.

Arosa Sounds promette un programma energico dalla fine di gennaio all'inizio di febbraio. Il festival prende il via mercoledì sera con il sestetto Afro Jazz della giovane cantante bernese Malika Kaita. L'afrobeat incontra il jazz, eseguito da musicisti giovani e motivati. Per creare l'atmosfera, prima del concerto si terrà una conferenza con Malika Kaita sul tema della collaborazione musicale interculturale. Il cantante Andreas Lareida, cresciuto a Coira, ha risvegliato il suo vecchio progetto di band "Andreas Lareida Agorà" dal suo sonno decennale e salirà sul palco come un settetto con una nuova vita. Ladunna può essere descritta come la scoperta grigionese del 2024. Due giovani donne romande combinano ritmi pulsanti con voci jazz. Il contrabbassista Marc Jenny suona musica più tranquilla nel Bergkirchli. Il festival si concluderà con due concerti nel formato "Bündner Sounds": i cantanti Andreas Lareida, Malenco, Anna Bläsi e la sassofonista Gianna Lavarini arrangeranno e proveranno le proprie composizioni con una band di accompagnamento; il risultato di questa collaborazione sarà presentato in esclusiva ad Arosa Sounds.

Il motto del Festival di musica classica di Arosa di quest'anno è "Voci come ospiti ad Arosa". All'inaugurazione, l'ex direttore della Televisione Svizzera Ueli Haldimann e l'attore Christian Sprecher daranno voce a Hermann Hesse. Haldimann ha fatto ricerche sui soggiorni di Hesse ad Arosa nel 1928/29 e Sprecher leggerà i meravigliosi testi sullo sci e sul sole di Arosa scritti da Hermann Hesse. Il baritono Samuel Zünd è ospite ad Arosa con i "Galgenlieder" di Christian Morgenstern. Il direttore d'orchestra e compositore svizzero Enrico Lavarini si è occupato dei testi allegri e morbosi. Zünd sarà affiancato sul palco dal clarinettista Emil Scheibenreif e dal pianista Nilgün Keles.

"La cosa più importante è la musica che hai in testa", diceva Madame Flo, il soprano imperturbabile, sicuro di sé e favolosamente privo di talento. Ma purtroppo ha cantato male, per carità, il pubblico l'ha amata lo stesso ed è accorso in massa per farsi divertire da lei. Lo spettacolo teatrale "SOUVENIR" di Stephen Temperley sulla carriera della Jenkins è un tributo meravigliosamente toccante a questa leggenda dello spettacolo americano. L'attrice Ute Hoffmann interpreta la Jenkins. Fanno parte del cast anche Nikolaus Schmid e Marco Schädler.

Mentre lo zoologo ed educatore museale Flurin Camenisch di Coira parla di come gli animali comunicano tra loro in una conferenza, il film "Sibel" mostra una giovane donna la cui voce è diventata muta. Riesce a comunicare solo in parte fischiando. Il film è ambientato nell'aspra regione montuosa sulla costa turca del Mar Nero, dove la gente parla e coltiva ancora la lingua tradizionale del fischio.

Come negli anni precedenti, i vincitori del Premio Hans Schaeuble terranno concerti nell'ambito del Festival di musica classica di Arosa. Ciascuno di loro lavorerà a un programma di concerti in due gruppi ad Arosa, che sarà eseguito, oltre che ad Arosa, anche a Coira, Boswil e Zurigo.

Per concludere il Festival di musica classica di Arosa, il Coro misto di Arosa canterà brani corali tratti da note operette sotto la direzione di Ursula Müller-Weigl. I solisti sono il mezzosoprano Stefanie Schaefer e la pianista Kristina Ruge.

Nel 1975, nel cuore della Svizzera, dove le tradizioni musicali incontravano una vivace ricerca di innovazione, nacque un sogno che sarebbe durato mezzo secolo: il Concorso Svizzero di Musica per la Gioventù (SJMW). Con un obiettivo ambizioso, l'allora direttore dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo, Gerd Albrecht, intendeva creare una piattaforma nazionale in cui i giovani talenti musicali potessero esprimersi, ricevere un prezioso feedback da una giuria di alto livello e, soprattutto, "riconoscere il proprio posto in un confronto nazionale". Questo ambiente di promozione del talento ha sempre affascinato generazioni di musicisti.

Un alleato per la vita

Fin dall'inizio, il SJMW si è rivolto ai bambini e ai giovani nel campo della musica classica - un'idea rivoluzionaria in un'epoca in cui i concorsi musicali erano riservati principalmente agli adulti. Fin dalla prima edizione, il concorso ha attirato giovani talenti musicali da tutta la Svizzera e ha fornito un ambiente stimolante per la crescita artistica.

Nel corso del tempo, il SJMW ha ampliato le sue discipline per includere nuove forme di espressione musicale, dalla composizione al jazz e alla tecnologia musicale. Il suo obiettivo rimane quello di permettere ai giovani talenti di vivere appieno la loro passione per far brillare il loro fuoco artistico.

Un aspetto particolarmente prezioso della SJMW è il forte senso di comunità che crea. Partecipanti di diversa provenienza si riuniscono per competere tra loro, ma anche per imparare e ispirarsi a vicenda. La musica diventa un linguaggio comune, come diceva Nadia Boulanger: "La musica non conosce confini, solo incontri" - e questi incontri sono alla base del successo della SJMW, che ha creato collaborazioni artistiche che durano tutta la vita.

Negli ultimi 50 anni, il SJMW è stato il trampolino di lancio per molti dei musicisti di fama mondiale di oggi. Ma anche coloro che non sono rimasti nel mondo della musica portano avanti i valori del concorso: disciplina, dedizione e creatività. Zoltán Kodály disse: "La musica non solo forma il cuore, ma anche il carattere" - un'eredità incarnata dal SJMW.

"Impulsi per una vita intera"

Questo è il motto del 50° anniversario, che sottolinea l'impatto duraturo della SJMW su migliaia di bambini e giovani: un impulso che è ancorato nelle scelte di vita, nel carattere e nei valori dei partecipanti.

L'anniversario sarà celebrato il 13 settembre 2025 alla Tonhalle di Zurigo. L'evento si aprirà con un concerto per bambini dei giovani premiati, seguito da un concerto jazz degli ex vincitori. Una mostra interattiva farà rivivere la storia del concorso. Una pubblicazione per l'anniversario presenterà anche i ritratti degli ex vincitori.

Il momento culminante è un concerto di gala nella Sala Grande della Tonhalle. L'Orchestra della Tonhalle, diretta da David Bruchez, accompagnerà gli ex vincitori come solisti. Due prime mondiali composte appositamente per l'evento da Daniel Schnyder e Richard Dubugnon completano il programma.

50 anni sono una pietra miliare, ma anche una promessa per il futuro. Il SJMW si impegna a guardare al futuro, nello spirito delle parole del nostro compatriota Yehudi Menuhin: "Se il futuro ci insegna qualcosa, è che la musica non cesserà mai di unire". Il concorso continuerà a essere un importante punto di riferimento per i giovani talenti musicali di tutta la Svizzera, al fine di promuovere il loro talento e arricchire la nostra cultura musicale.

Il mestiere del musicista è e rimane (quasi) lo stesso da decenni. La situazione è diversa quando si tratta del loro ruolo nella società: qui tutto è in uno stato di cambiamento permanente. Con questi cambiamenti, cambiano anche i termini utilizzati dalle università per rispondere alle sfide sociali che le arti devono affrontare. Non appena ci siamo resi conto che l'"educazione musicale" era diventata una disciplina rilevante per la quale era urgente formare degli specialisti, abbiamo dovuto abituarci al termine "partecipazione culturale". Allo stesso tempo, si parlava anche di "audience development", "community music", "co-creazione" e "musicking". Tutti questi termini hanno in comune il fatto che i musicisti contribuiscono alla società come artisti, oltre che con il loro mestiere. O come dice Augusto Boal, regista e teorico brasiliano: "Essere cittadini non significa vivere nella società, ma cambiarla". Queste tendenze vengono discusse intensamente non solo nelle università, ma anche in associazioni internazionali come l'AEC (accademie di musica) o l'ELIA (accademie d'arte).

Presso l'Università delle Arti di Berna si è recentemente svolto un programma di insegnamento interdisciplinare sul tema della "cittadinanza artistica", per rispondere all'interesse degli studenti per un impegno sociale che va ben oltre l'educazione musicale. Durante una settimana di ricerca, abbiamo indagato teoricamente ed empiricamente se e come il modello della "cittadinanza artistica" sia adatto a questo scopo: concetti come cittadinanza artistica, responsabilità sociale e missione civica possono entrare in una connessione fruttuosa con l'eccellenza artistica, l'immaginazione e la creatività? Cosa succede alla nostra arte quando intendiamo la sua pratica come un processo sociale o come uno "strumento nella società"? Abbiamo anche analizzato le megatendenze globali identificate con parole chiave come "migrazione globale" o "down-aging" (persone anziane che si sentono sempre più giovani). Gli studenti di tutte le discipline hanno condotto un proprio esperimento qualitativo, che hanno collegato a una delle megatendenze discusse. Hanno potuto presentare i risultati, tra cui performance, progetti e concetti di workshop, agli organizzatori di concerti durante un evento pubblico.

In questo contesto, una studentessa si è dedicata specificamente al gruppo di dialogo degli anziani e ha inserito il suo esperimento nel filone della "Silver Society". L'invecchiamento della società odierna è sia una sfida che un'opportunità per una nuova vitalità socio-culturale. La studentessa - una flautista - visitava regolarmente una signora di 90 anni affetta da demenza, che suonava il flauto, presso il centro per anziani. È rimasta profondamente colpita dalla grande e gratificante risposta della signora al suo modo di suonare il flauto, soprattutto alle sue canzoni popolari liberamente arrangiate.

Per sviluppare nuovi metodi e strategie innovative come università, l'Università di Scienze Applicate di Berna si concentra da tempo su tre settori strategici: trasformazione digitale, sostenibilità e società attenta. L'obiettivo è rispondere alle sfide e consentire agli studenti di condividere la musica classica con gli anziani, ad esempio. Un team dei dipartimenti di Musica e di Lavoro sociale sta attualmente lavorando su come rispondere al bisogno degli anziani di espressione musicale e di dialogo creativo e processuale con i giovani. A lungo termine, questo dovrebbe essere insegnato e appreso in un contesto universitario.

Da qualche tempo, il Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti offre agli studenti l'opportunità di studiare temi legati alla mediazione e alla partecipazione nell'ambito del Master in Specialised Music Performance. Una parte della tesi finale consiste in un progetto personalizzato, che può includere nuovi formati di concerto o l'inclusione di gruppi esterni al mondo classico.

Quindi, se intendiamo la musica non solo come un atto performativo da parte di esecutori per un pubblico passivo, ma pensiamo, ricerchiamo ed espandiamo la sua pratica in un modo socialmente completo, allora questo rafforza il significato di questa musica nel suo complesso, porta gruppi sociali precedentemente separati in un dialogo attivo e aumenta la legittimità delle nostre università come istituzioni educative, di comunicazione e culturali.

Barbara Balba Weber è responsabile della specializzazione "Musica in contesto" presso l'Università delle Arti di Berna.

L'editore può cercare etichette per produrre una registrazione. L'editore può assicurarsi che la musica sia utilizzata in una nuova registrazione per la pubblicità, i film o i giochi per computer o organizzare commissioni di composizione. L'editore può anche autorizzare o incoraggiare adattamenti come traduzioni o cambiamenti di stile a pagamento. Tradizionalmente, un editore stampa anche spartiti, pubblica canzonieri o concede a un servizio di streaming una licenza per visualizzare i testi durante lo streaming. D'altra parte, non è compito dell'editore occuparsi dell'analisi delle registrazioni. Questo è tipicamente uno dei compiti principali di un'etichetta o di un distributore.

I bravi editori musicali dispongono solitamente di un'ampia rete, idealmente anche all'estero, che rende loro possibili o più facili questi compiti. Nel decidere se lavorare o meno con un editore, un artista deve anche considerare se la rete si adatta alle proprie esigenze e al proprio stile musicale.

Affinché l'editore musicale possa svolgere i suoi compiti, l'autore (compositore, paroliere o arrangiatore) gli cede i diritti d'autore per un periodo di tempo definito in un territorio definito.

Per il suo lavoro, l'editore riceve una percentuale dei proventi dell'autore derivanti dall'utilizzo delle composizioni. L'ammontare della percentuale dipende dal tipo di utilizzo. L'editore e il compositore sono entrambi membri di una società di gestione collettiva come la SUISA. L'editore è iscritto alla SUISA per le singole opere e nel contratto di edizione i proventi vengono suddivisi come previsto dal regolamento di distribuzione della SUISA. Questo vale per tutti i diritti, ad eccezione della sincronizzazione (ad esempio l'utilizzo della musica in film, giochi, ecc. ma anche la combinazione della musica con una coreografia, l'inserimento in un'opera teatrale, ecc.), dell'editing (ad esempio la traduzione dei testi, la modifica degli stili, ecc. Per i diritti gestiti direttamente dall'editore, l'editore e l'autore concordano liberamente una quota di ricavi.

Poiché l'editore riceve una quota di ricavi invece di un compenso fisso, si assume il rischio di lavorare molto ma di ottenere pochi risultati e quindi di guadagnare poco. Tuttavia, è anche possibile che l'editore faccia poco per lo sfruttamento di certa musica e che comunque guadagni bene perché gli artisti, ad esempio, fanno grandi tournée in cui vengono eseguite le loro canzoni. In questo caso, l'editore riceve sempre una parte dei proventi della SUISA.

I contratti di edizione hanno una durata minima di tre anni, ma vengono regolarmente stipulati anche per il "termine di protezione", cioè fino a 70 anni dopo la morte dell'autore. I contratti di edizione sono inoltre generalmente stipulati per tutto il mondo.

La legge regolamenta le caratteristiche di base più importanti di un contratto di edizione. Tuttavia, le norme sono pensate per i tipici editori di libri e difficilmente sono adatte agli editori di musica. A causa del lungo impegno e della mancanza di requisiti legali, è consigliabile chiarire tutti gli argomenti essenziali nel contratto. Oltre alla durata e al territorio, questo include anche chiari obblighi dell'editore, royalties e possibili motivi di annullamento. È inoltre consigliabile che l'autore abbia voce in capitolo nel decidere per quali tipi di film, pubblicità, giochi, ecc. la musica può essere utilizzata. L'associazione della musica ad altre produzioni ha inevitabilmente un impatto sugli artisti e sulla loro reputazione.

Poiché i contratti di edizione hanno durate molto lunghe e gli artisti non hanno praticamente alcuna possibilità di recedere da un contratto di edizione, il soggetto interessato deve valutare attentamente se la collaborazione sia conveniente per lui in ogni singolo caso. La sfida più grande è rappresentata dalle costruzioni in cui organizzazioni come etichette, commissionari musicali, ecc. vogliono rilevare i diritti di pubblicazione per rifinanziare i propri investimenti, come le commissioni. A volte la cessione dei diritti di pubblicazione è una condizione per ottenere il contratto o per commercializzare la registrazione. Sebbene ciò sia di solito legalmente consentito, gli artisti dovrebbero verificare con particolare attenzione se il pacchetto complessivo ha senso dal loro punto di vista.

Come sempre, prima di firmare il contratto, chiedete a uno specialista quali sono i rischi e gli effetti collaterali.

Chantal Bolzern ... è avvocato, mediatrice e co-presidente di Helvetiarockt.

Questa si chiama coerenza: da 100 anni l'Orchesterverein Wiedikon (OVW) prova ogni lunedì sera nella Bethaus di Zurigo-Wiedikon. È la prima e finora unica sede di prova dell'orchestra, fondata nel 1924. Anche il lunedì di Pentecoste, quando il rappresentante dell'EOV era ospite alle prove, non ci sono state eccezioni. La maggior parte dei circa 30 membri permanenti dell'orchestra erano presenti nella casa di preghiera e hanno lavorato diligentemente sui brani per il concerto del centenario sotto la direzione di Francesco Cagnasso.

In occasione del suo centesimo compleanno, l'OV Wiedikon ha offerto al suo pubblico e a se stessa un programma sinfonico con brani di Mendelssohn, Saint-Saëns e Gounod. La formazione, normalmente interamente a corde, è stata ampliata con strumenti a fiato. La rinomata violoncellista e professoressa della HKB Chiara Samatanga è stata reclutata come solista. In occasione del festoso concerto tenutosi a giugno nella chiesa di Neumünster, l'OVW si è presentata al suo numeroso pubblico con sicurezza, autostima ed entusiasmo. "Ci siamo divertiti molto", ha confermato la presidente dell'orchestra e violinista Annette Prieur dopo il concerto. Guidata dalla concertatrice Flurina Sarott, che emanava calma e sicurezza, l'orchestra si è subito riunita per l'Ouverture delle Ebridi di Felix Mendelssohn.

Toccante gioco di Samatanga, accuratamente accompagnato

L'interpretazione esperta ma toccante di Chiara Samatanga del concerto per violoncello di Camille Saint-Saëns è stata accompagnata con cura dall'orchestra esultante. E nella virtuosa Prima Sinfonia di Charles Gounod (1818-1893), i Wiediker hanno finalmente alzato il tiro e mostrato tutte le loro capacità, spronati e tenuti insieme dal direttore Francesco Cagnasso.

Dall'agosto 2022, l'OVW è diretta da Cagnasso, originario del Ticino e attualmente impegnato in un Master in direzione d'orchestra presso la ZHdK di Zurigo.

Dal 2010, l'OVW recluta sempre i suoi direttori dalla classe di direzione d'orchestra del professor Johannes Schlaefli alla ZHdK e lavora con i giovani talenti per alcuni anni, fino a quando non intraprendono la loro carriera. Prima di Cagnasso, l'OVW è stata guidata per quattro anni, fino al 2022, da Holly Hyun Choe, allora assistente del direttore principale Paavo Järvi presso l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo.

Arrangiato dal direttore d'orchestra Christopher Morris Whiting

"L'accordo con gli studenti della ZHdK è nato grazie alla mediazione del nostro direttore dell'epoca, Christopher Morris Whiting", spiega Annette Prieur. All'inizio del nuovo millennio, Whiting ha diretto l'OVW per dieci anni e l'orchestra ha potuto beneficiare tecnicamente e musicalmente della sua grande esperienza come primo violino dell'Orchestra della Tonhalle. "In questo periodo abbiamo fatto grandi progressi". Whiting, che è anche docente presso la ZHdK, ha quindi iniziato a collaborare con il conservatorio come una sorta di piano di successione.

"Finora siamo sempre stati molto fortunati con i nostri giovani direttori d'orchestra, che sono sempre stati molto motivati a lavorare con noi", dice Prieur. "Anche il nostro repertorio si è ampliato enormemente grazie a queste collaborazioni". Per esempio, da diversi anni nella maggior parte dei concerti viene eseguita un'opera di una compositrice donna. L'inclusione di compositrici donne è diventata una questione che le sta a cuore. L'OVW ha recentemente ripreso le prove per il prossimo concerto del 25 gennaio 2025 nella Bühlkirche di Zurigo. Il programma prevede il concerto per pianoforte della compositrice venezuelana Teresa Carreno (1853-1917).

Il prossimo concerto dell'Orchesterverein Wiedikon si terrà il 25 gennaio 2025 insieme all'organista Els Biesemans nella Bühlkirche di Zurigo. Verrà inaugurato l'organo restaurato. Opere di Teresa Carreno e Francis Poulenc. www.orchesterwiedikon.ch