Solo molto raramente (anzi, quasi mai) un pianista oggi osa improvvisare una di quelle cadenze così enfaticamente richieste dall'accordo sei-quattro dell'orchestra in un concerto per pianoforte e orchestra dei decenni intorno al 1800. L'arte di condurre motivi, temi e chiavi in modo interessante, piacevole e, soprattutto, indipendente, che all'epoca era ancora data per scontata, cadde nell'oblio in sole due o tre generazioni. Al contrario, si affermarono elaborate cadenze, che potevano essere scelte liberamente e suonate semplicemente. Persino Beethoven le realizzò su richiesta, e in seguito pianisti e compositori famosi ne seguirono l'esempio: Brahms, Bülow, Busoni, Fauré, Godowsky, Liszt, Medtner, Moscheles, Reinecke, Rubinstein, Saint-Saëns, Clara Schumann, solo per citarne alcuni.

L'antico spirito dell'improvvisazione parla anche dalla Fantasia op. 77 - anche se gli analisti hanno spesso tentato di scrostare i minimi riferimenti motivazionali per difendere il compositore dall'impopolarità dell'opera. Eppure Beethoven non fu solo un compositore dalle intuizioni lungimiranti e profonde, ma anche (e questo viene spesso trascurato) un pianista praticante per la maggior parte della sua vita. Anche Carl Czerny, nel suo L'arte della conferenza (1842) ha fatto esplicito riferimento a questo fatto: "Questa fantasia molto arguta dà un'immagine fedele del modo in cui egli Beethoven era solito improvvisare quando non voleva realizzare un tema particolare, e quindi si lasciava andare al suo genio nell'inventare motivi sempre nuovi". Ciò non è necessariamente contraddetto dal fatto che gli schizzi dell'opera possono essere provati e che l'autografo è stato scritto in una splendida calligrafia domenicale: Ogni buona improvvisazione (anche nel jazz) dovrebbe essere preparata in qualche modo, anche solo mentalmente. Ma se guardiamo al contesto musicale del 1809, l'opera 77 di Beethoven, con la sua combinazione di libera fantasia e di una breve sequenza di variazioni (figurative), che oggi sembra strana, non sembra essere stata altro che all'altezza del suo tempo. Ciò è a sua volta confermato da Czerny, che nel suo Istruzioni per fantasticare (1829) raccomanda un'improvvisazione più lunga e la ritiene consigliabile, "se ci sono echi dell'argomento successivo e l'insieme costituisce un'introduzione adeguata".. Anche numerose opere a lungo dimenticate di altri compositori rivelano questa struttura (Hummel, Steibelt...). Nel caso di Beethoven, tuttavia, la fantasia (stampata), come molte altre, è rimasta singolare.

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L'enciclopedia online è il risultato di un'iniziativa della musicologa Irène Minder-Jeanneret. La musicologa ha trovato partner nella Società svizzera di ricerca musicale (SMG) e nel Consiglio svizzero della musica (SMR). Inizialmente il progetto è stato ostacolato dalla mancanza di basi legali e di risorse finanziarie.

Sotto la direzione di Cristina Urchueguía (Università di Berna), Marco Jorio (ex direttore del Dizionario storico della Svizzera HLS), Irène Minder-Jeanneret, Pio Pellizzari (ex direttore della Fonoteca nazionale svizzera), Stefanie Stadler (Università di Zurigo) e Stefano Kunz (responsabile del progetto presso il Consiglio svizzero della musica) hanno lavorato su base volontaria per sviluppare le basi del nuovo Dizionario musicale svizzero (MLS).

La versione beta dell'MLS comprende attualmente i vecchi articoli biografici su 6800 persone apparsi nelle enciclopedie musicali pubblicate finora. Essi costituiscono la base per la seconda fase: lo sviluppo di nuovi articoli sulle biografie dei musicisti, sulla storia della musica nei cantoni e nei comuni più grandi e sugli articoli di argomento storico-musicale.

Il MLS è pubblicato online, è accessibile gratuitamente e in futuro sarà interattivo, multilingue e multimediale. Un ulteriore vantaggio rispetto alle fonti utilizzate è il fitto collegamento degli articoli alle enciclopedie online liberamente accessibili e ai dati bibliografici standard.

Come ha spiegato Cristina Urchueguía in occasione di una conferenza stampa sul progetto, una delle sfide principali della MLS sarà quella di dare visibilità non solo ai tradizionali articoli sulle persone, ma soprattutto alle istituzioni che hanno plasmato la vita musicale svizzera: club, società, fondazioni, locali e così via.

Versione beta dell'MLS: https://mls.0807.dasch.swiss/home

È stato un po' sconcertante quando Raphael Immoos ha guidato i cantanti nella sala da concerto, il 9 febbraio, dopo il Gloria dell'opera. Missa "Defensor Pacis nelle prime file della chiesa di San Pietro e Paolo a Zurigo e ha preso il microfono. Ma quello che i Madrigalisti di Basilea hanno presentato quella sera sotto la guida del loro direttore d'orchestra e artistico richiedeva davvero qualche spiegazione. Il compositore dell'opera, il musicista nato a Gersau SZ nel 1904, aveva già bisogno di un commento introduttivo Benno Ammann. Può essere giustamente descritto come un tipico rappresentante di quei profeti che sono più riconosciuti all'estero che in patria. Dopo la seconda guerra mondiale ebbe un certo successo internazionale come direttore d'orchestra, che però ebbe poca risonanza in Svizzera. Non è chiaro perché in seguito non abbia proseguito questa carriera e si sia limitato a dirigere alcuni cori nella regione di Basilea.

È probabile che Ammann avesse bisogno di più tempo per comporre. Alla sua morte, avvenuta a Roma nel 1986, aveva creato una vasta opera di circa 600 lavori, la cui affascinante ampiezza stilistica spaziava dalle armonie tardo-romantiche del suo maestro di Lipsia Sigfrid Karg-Elert alle opere a tonalità libera e dodecafonica e al serialismo. A partire dagli anni Cinquanta si concentrò sulla musica elettroacustica, per la cui realizzazione si recò fino alla fine in studi elettronici da Roma a New York.

L'opera in sé ha poi richiesto ulteriori spiegazioni. Il Missa "Defensor Pacis (Difensore della pace) in onore di Niklaus von Flüe fu composta nell'immediato dopoguerra e fu eseguita in prima assoluta nella Cappella Sistina in occasione della canonizzazione di Fra Nicola, che fece scalpore. Purtroppo, a questo inizio trionfale seguì subito un crollo: l'opera scomparve nell'oblio e solo ora è stata resuscitata - quest'anno riceverà la prima svizzera in otto concerti.

Nell'introduzione, Raphael Immoos ha dichiarato che la riscoperta di quest'opera farà scalpore, che il brano sarà significativo quanto la Messa di Frank Martin, anch'essa rimasta a lungo sconosciuta. Ma anche se Immoos ha una grande esperienza nel trattare pezzi sconosciuti, nella loro ricerca e nel loro rilancio, una previsione così alta non è ancora stata confermata. Tuttavia, il concerto di Zurigo ha dimostrato che l'opera di Ammann Missa "Defensor Pacis" ad 6-12 voces inaequales è un'opera impressionante che non ha bisogno di sottrarsi al confronto con Martin.

Ricordando il Rinascimento fiammingo e lo stile di Palestrina, si muove in uno spazio tonale o modale, lasciando la sua modernità nel Kyrie e Gloria solo in occasionali dissonanze. Nonostante la complessa linearità, le voci si uniscono ripetutamente per formare superfici sonore moderne. A partire dalla metà dell'opera, il Offertoriola preghiera di San Nicola di Flüe, il tono cambia. Ciò che prima era ancora austero in alcuni punti diventa improvvisamente più orecchiabile e sensuale. L'opera è ora caratterizzata da suoni quasi mitici. Le singole voci si innalzano come invocazioni dall'insieme e permettono all'individuo di emergere. Soprattutto il Agnus Dei con il suo fascino, la sua tranquillità e la sua pace. Dona-nobis-pacem-invocazione, ha lasciato una persona commossa.

Il forte effetto è dovuto anche all'esecuzione dei Madrigalisti di Basilea. Hanno padroneggiato la difficile partitura, costellata di molti passaggi difficili, con ritmo e intonazione magistrali, rimanendo chiaramente udibili e comprensibili anche nella polifonia. Con l'aumentare della familiarità, l'uno o l'altro passaggio sarà certamente padroneggiato in modo un po' più agevole.

La seconda introduzione della serata era in realtà dedicata all'opera del compositore Joachim Raff, nato a Lachen nel 1822, di cui è stato presentato in anteprima un frammento. Il discorso di Immoo, tuttavia, si è trasformato in un appassionato appello a favore della musica svizzera, troppo poco apprezzata in questo Paese. L'opera di Raff, ad esempio, che è stata anche eseguita Pater Noster è certamente paragonabile alla controparte verdiana. E anche se non si condivide del tutto quest'ultima valutazione, l'entusiasmo e l'impegno di Immoos per il trascurato patrimonio musicale svizzero sono contagiosi - al di là della serata! L'anno prossimo i Basler Madrigalisten non solo realizzeranno una produzione in CD della Messa di Ammann, ma la ristamperanno anche per Hug Musikverlag e la metteranno a disposizione di altri cori. Sarebbe bello se questa iniziativa di un ensemble di alto livello potesse effettivamente aiutare l'opera ad avere un impatto più ampio. Almeno per i cori amatoriali ambiziosi, affrontare la Missa "Defensor Pacis" potrebbe essere un'impresa degna di nota.

Prima il Orchestra sinfonica sotto la guida del direttore principale Ivor Bolton parti dell'opera di Beethoven Prometeo-Il balletto, che è stato ballato da bambini in età da scuola elementare, è stato seguito da alcuni brevi brani eseguiti dai membri più giovani dell'orchestra della scuola Insel. Infine, l'orchestra sinfonica "Side-by-Side" ha eseguito il brano di Beethoven Musica per un balletto di cavalieri. Il direttore d'orchestra era nientemeno che il pianista di fama mondiale Lars Vogt, che da anni è leader con il suo progetto Rapsodia nella scuola celebra i successi.

La serata nel Musicaltheater Basel, molto frequentato, è stata il risultato di una collaborazione di lunga data tra l'orchestra sinfonica e l'insegnante di musica Dorothee Mariani: sette anni fa ha fondato una scuola d'orchestra nell'edificio scolastico Insel di Kleinbasel, che ospita un variopinto mix di nazionalità. Da allora, i bambini di età compresa tra gli 8 e i 12 anni possono imparare a suonare uno strumento a corda con il sostegno dell'Orchestra Sinfonica di Basilea, che invia regolarmente il suo violinista László Fogarassy alla scuola.

Al concerto, una cinquantina di bambini hanno dato prova di abilità e concentrazione sul palco e poi tra il pubblico. La meticolosità e la sensibilità con cui i bambini si sono esibiti sul palcoscenico, al cospetto di una musica brillantemente eseguita Prometeo-Musica.

Foto: Benno Hunziker / Orchestra Sinfonica di Basilea

La coreografa Rebecca Weingartner, che prova con i bambini dal novembre 2019, ha messo a segno un vero e proprio colpo da maestro. A seconda del livello e dell'età dei bambini, tutti vestiti di nero, c'erano tre gruppi che muovevano la testa, il corpo e le braccia a ritmo di musica o "giravano" intorno al palco. Molto concentrati, seguendo la musica e senza alcun "abbandono", i giovani interpreti hanno portato a termine la coreografia, costellata di entrate e uscite, al ritmo di una musica coinvolgente.

I brevi brani serbi, albanesi, ucraini e scozzesi suonati e cantati in seguito sotto la direzione di Dorothee Mariani hanno mostrato quanto sia difficile il percorso dai principianti agli avanzati e quanto si sia rilassato il fare musica dopo che alcuni musicisti dell'orchestra sinfonica si sono mescolati ai bambini. È stato un buon o un cattivo presagio per ciò che sarebbe seguito?

Il direttore artistico Hans-Georg Hoffmann, che ha condotto la serata in modo rilassato e spiritoso, si è entusiasmato per l'imminente Balletto dei cavalieri. Ha chiacchierato animatamente con due musicisti, il violista Fabian e Chukwu Cherem, la cui sorella Happyness era già nell'orchestra al violoncello, e si è concentrato sull'avventura "fianco a fianco".

Dorothee Mariani ha preparato i bambini più avanzati con l'aiuto di László Fogarassy dall'agosto 2019. "I bambini devono avere un contatto con gli strumenti a corda, soprattutto in una scuola primaria così multinazionale", ha detto Fogarassy a proposito del suo coinvolgimento. "La disciplina necessaria per eseguire concerti di alta qualità rimane nella memoria dei bambini".

Lars Vogt, che ha dato gli ultimi ritocchi alla "Insel-Sinfonieorchester", composta da professionisti e bambini, in due prove, è rimasto entusiasta del lavoro e del risultato. È stato davvero toccante vedere la gioia e l'entusiasmo con cui la variopinta orchestra mista ha eseguito l'opera di Beethoven. Balletto dei cavalieri-musica sotto la sua vivace direzione.

Ma non è finita qui: Vogt ha suonato il 5° Concerto per pianoforte di Beethoven con l'Orchestra Sinfonica di Basilea, avvincente e drammatico, ma anche lirico e sottile. Un finale di successo, che i bambini dell'isola - ora in platea, dove erano seduti anche molti dei loro parenti - hanno ascoltato con sorprendente calma ed emozione. La serata è durata quasi due ore senza pause. Un alto livello di concentrazione e la riuscita combinazione di un progetto educativo con la prova generale dell'orchestra, che poi andrà in tournée con questo programma - senza bambini, ma con l'attore Peter Simonischek come narratore.

Foto: Benno Hunziker / Orchestra Sinfonica di Basilea

Orchesterschule Insel sotto la direzione di Dorothee Mariani

Sostenuta da Renaud Capuçon, direttore artistico del festival, la giuria ha assegnato all'unanimità il Prix Thierry Scherz di quest'anno a Jean-Paul Gasparian. Il giovane pianista registrerà un CD con l'Orchestre de chambre de Lausanne e l'etichetta Claves Records, che si occuperà anche della promozione, nella seconda metà del 2020.

Il Prix André Hoffmann mira a far conoscere la musica classica contemporanea. Ogni anno, un compositore contemporaneo scrive un pezzo per i Sommets Musicaux, che viene eseguito durante il festival. La Fondazione André Hoffmann finanzia la composizione dell'opera, che viene eseguita in anteprima a Gstaad, e il soggiorno del compositore.

Camille Pépin, quest'anno compositore in residenza a Gstaad, ha composto il brano "Number 1" per questa edizione del festival. Aaron Pilsen ha vinto il premio di 5.000 franchi svizzeri per la migliore interpretazione di questo brano contemporaneo.

Si tratta di un interessante progetto avviato dal direttore del Teatro di Lucerna, Benedikt von Peter: Un'opera autenticamente lucernese in cui la Bürgermusik Lucerne brass band, composta da professionisti e dilettanti, siede nella buca dell'orchestra, diretta dal suo direttore Michael Bach. La scenografia è stata creata dall'artista di origami di Lucerna Sipho Mabona e la maggior parte del personale di scena fa parte dell'ensemble.

La musica è stata fornita da Manuel Renggli di Lucerna, che non solo si cimenta per la prima volta nella composizione di teatro musicale, ma presenta anche una "opera di ottoni" in prima mondiale. La sua partitura richiede 25 ottoni, quattro percussionisti e un sintetizzatore. Una formazione audace e "rumorosa" nel piccolo teatro di Lucerna, motivo per cui gli interpreti sono stati dotati di microfoni. Quindi più musical che opera?

Il testo è stato scritto dal bernese Michael Fehr, vincitore del Premio svizzero di letteratura 2018, che si definisce un narratore. Giungla ne è un esempio eloquente: la narrazione è al centro della scena, una favola moderna, una parabola tra la fine della grande città e la distruzione della giungla, che egli racconta con immagini poetiche:

Brahma, una ragazza che vive per strada, trascurata dalla madre alcolizzata Raja, prende una manciata di pillole dal figlio del "Barone Rosso" e sprofonda in un mondo in cui realtà e allucinazione si confondono. Incontra ratti, scimmie, un serpente, formiche e una pantera. È una trama con immagini dai colori forti, raccontata con uno stile linguistico unico che comprende ritmo e ridondanze volute. Ma non è un libretto che porta avanti la serata: nessun dramma, nessun confronto o dialogo tra gli avversari, nessuno sviluppo dei personaggi. Alla fine, Brahma è di nuovo la ragazza stracciona della grande città. L'attenzione è quindi rivolta principalmente alle immagini e ai sentimenti interiori della triste protagonista. Con Ina Langensand, anche lei è interpretata da un'attrice con una performance ammaliante. La storia è raccontata dall'attore Walter Sigi Arnold, che interpreta brillantemente anche Panther.
 

La scena di Lucerna è dominata dagli oggetti astratti di origami di Sipho Mabona, immagini inebrianti, piene di colori (illuminazione: Clemens Gorzella) e di forme bizzarre, su cui le proiezioni video (Rebecca Stofer) suggeriscono i luoghi degli eventi. E la musica? Dovrebbe sviluppare una propria dimensione, riempiendo le visioni oniriche di colori, drammi o "melodie" elegiache.

Ma di questo c'è ben poco: elaborazione armonica, esplorazione della ricchezza sonora degli ottoni o diversificazione ritmica - non si trovano da nessuna parte. La musica, trasportata da schemi simili che si ripetono all'infinito, si increspa. Tuttavia, questa monotonia musicale è dovuta in gran parte anche al non-libretto, che non offre alcun tipo di mordente drammaturgico.

Cambi come le sincopi jazzistiche durante la danza delle scimmie o il climax trionfale alla fine rimangono un'eccezione. Inoltre, spesso si utilizzano sordine per evitare di annegare i cantanti nonostante il microfono. Giungla ricorda un film, con immagini che sfrecciano accompagnate dalla musica. La Bürgermusik, composta principalmente da dilettanti, suona bene sotto l'abile direzione di Michael Bach, ma non riesce a esprimere tutto il suo potenziale.

Il regista Tom Ryser, insieme all'eccellente ensemble, riesce nell'impresa di tenere il pubblico con il fiato sospeso. L'alternanza tra serietà e slapstick è abile e il cast di cantanti e attori dà il meglio di sé. La scenografia di Birgit Künzler è ingegnosa e gestisce brillantemente l'equilibrio tra un mondo favoloso rappresentato da persone.

C'è Hubert Wild nei panni di un "Uomo piumato" sul modello di Papageno, che passa dalla voce di controtenore a quella di baritono con virtuosismo. Anche l'espressiva Rebecca Krynski Cox nel ruolo dell'ubriaco Raja lascia il segno. E Diana Schnürpel nel ruolo del serpente Atlanta, con la sua coloratura melismatica e sinuosa, ci ricorda quanto sia grande la sua Regina della Notte.

Nel libretto del programma, Manuel Renggli descrive il forte ritmo linguistico dell'arte narrativa di Fehr come il "punto cruciale" del suo lavoro compositivo. In effetti, le parti solistiche mancano ancora di indipendenza. Renggli riesce a creare momenti emozionanti con musica pulsante nelle scene di coro delle scimmie, dei topi e delle formiche. Una serata divertente da guardare. Ma da ascoltare?
 

Secondo la Fondazione Dr. K. & H. Hintermeister-Gyger, il musicista zurighese Matthias Ziegler, nato nel 1955, è considerato uno dei flautisti più versatili e innovativi della sua generazione ed è ugualmente impegnato nella letteratura tradizionale e nella musica contemporanea composta e improvvisata. Nella sua ricerca di nuove sonorità, ha ampliato il potenziale espressivo del flauto tradizionale e del flauto elettroacustico.

Anche compositori famosi come Michael Jarrell, George Gruntz e Matthias Rüegg hanno scritto concerti per flauto per Matthias Ziegler. Le tournée concertistiche lo hanno portato negli Stati Uniti, in Giappone, Australia, Sud America e Israele. Numerose registrazioni in CD documentano i suoi ampi interessi. Matthias Ziegler è anche professore di flauto e improvvisazione presso l'Università delle Arti di Zurigo.

Julia Schuller, violinista zurighese nata nel 1998, riceve il premio di 5000 franchi svizzeri. Ha frequentato la classe di violino di Jens Lohmann presso la Musikschule Konservatorium Zürich (MKZ) e il MKZ PreCollege. Dal 2019 studia presso l'Università di Musica e Teatro di Monaco di Baviera nel programma di laurea artistica con Mi-Kyung Lee. Julia Schuller ha già vinto per tre volte consecutive il primo premio nella finale del Concorso svizzero di musica per la gioventù.

Nato nel 1993, da Silva è stato premiato per la sua tesi di master, il sussidio didattico per sassofono "Jerry in New York" e il progetto di educazione musicale "Into the Future". Con i suoi allievi ha scoperto che, utilizzando nuove tecniche di esecuzione dello strumento, ottenevano progressi significativi nel suonare il sassofono in generale.

Poiché la maggior parte delle scuole di sassofono non ne tiene conto, ha deciso di scrivere il proprio materiale didattico per sassofono: "Jerry in New York". Questo materiale introduce le moderne tecniche di esecuzione del sassofono, utilizzando principalmente le sue composizioni. Lo scopo è quello di fornire un'introduzione giocosa alle tecniche esecutive contemporanee come base per l'ulteriore sviluppo del proprio modo di suonare il sassofono in generale.

Fabio da Silva suona il sassofono fin dall'infanzia. All'inizio degli anni 2010 ha sviluppato un particolare interesse per la nuova musica. Subito dopo il diploma di scuola superiore, da Silva ha iniziato gli studi di sassofono alla HKB nella classe di Christian Roellinger. Nel 2017 ha conseguito la laurea triennale e l'anno scorso il Master of Arts in Pedagogia musicale.

Si dice che lo sciocco ami sedersi tra due sgabelli. Egli si pone al di fuori del sistema, non si sente vincolato da alcuna norma, guarda in bocca gli altri e si tiene allo specchio, in modo che le sue battute portino a rimuginare con mente vigile. Questo è anche il caso del Settimino in mi bemolle maggiore op. 20 di Beethoven, un'opera il cui spirito divertente era già apprezzato dai suoi contemporanei. Con grande disappunto del compositore, che sollecitò l'editore Hoffmeister & Kühnel di Lipsia a pubblicarlo rapidamente: "Il mio settetto sta inviando un po' più velocemente nel mondo - perché la folla lo sta aspettando". (8 aprile 1802) Il suono sembrava popolare a molti, ma ancora di più il suono dell'ensemble misto nel 1800 non era solo nuovo, ma completamente innovativo. La strumentazione non era quella di un quartetto d'archi o di un'orchestra di fiati, né si avvicinava alla piccola orchestra di una sinfonia. Karl Reinhold Köstlich, nei suoi commenti sulla musica del 1857 (come terza parte dell'opera di Friedrich Theodor Vischer Estetica o scienza della bellezza) questa è l'attrazione speciale e la sfida per ogni creatore di suoni: "L'insieme misto su un settetto è una forma meno definita, la cui realizzazione con un contenuto completamente accurato è più difficile da trovare, una questione di fortuna e di tatto del compositore". (Sp. 1056)

Anche la struttura dell'opera, con un totale di sei movimenti, la avvicina alla serenata. In effetti, il minuetto, le variazioni e lo scherzo, in particolare, hanno un tono enfaticamente allegro e piacevole - che tuttavia è preceduto da un'introduzione quasi sinfonica all'inizio del primo movimento; l'introduzione al finale assomiglia addirittura a una marcia funebre. Il fatto che le parti tecnicamente impegnative (soprattutto i fiati) non abbiano apparentemente ostacolato la popolarità dell'opera è ancora oggi sorprendente. Lo stesso Beethoven sottolineò ai suoi editori che la strumentazione era "Tutti obbligati (non posso scrivere nulla di non obbligatorio perché sono nato con un accompagnamento obbligatorio)".. Così facendo, ha catturato l'essenza e lo spirito di ogni ensemble misto. Il suo settetto divenne rapidamente un modello. Quando, pochi anni dopo, il mercante di stoffe Johann Tost, appassionato d'arte, commissionò a Louis Spohr un nonetto (op. 31), questo era già accompagnato dalla richiesta che fosse "Ciascuno degli strumenti emerge secondo il suo carattere e la sua natura"..

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Nato nel 1931 sulla costa adriatica, Santi ha studiato direzione d'orchestra, composizione, violino e pianoforte a Padova. Debutta come direttore d'orchestra nel 1951 al Teatro Verdi di Padova con il "Rigoletto" di Verdi. Nel 1958 è stato nominato primo Kapellmeister all'Opera di Zurigo. Dal 1986 al 1994 ha diretto l'Orchestra Sinfonica della Radio di Basilea.

Santi, dotato di una memoria fotografica, coltivò soprattutto il repertorio operistico italiano e fu considerato uno dei più importanti direttori d'orchestra verdiani del nostro tempo. Rifiutava il teatro di regia. Stilisticamente, Santi era legato alla tradizione italiana dei suoi modelli Arturo Toscanini, Antonino Votto, Francesco Molinari-Pradelli e Tullio Serafin.

Il Concetto di promozione culturale dei Grigioni presenta la situazione attuale nei vari settori della promozione culturale cantonale, definisce le priorità specifiche per i tre campi d'azione della promozione culturale, della coltivazione culturale e della mediazione culturale per i prossimi quattro anni e individua le misure concrete per realizzare queste priorità.

Secondo il messaggio, la musica e il canto sono una grande tradizione in tutto il Cantone da generazioni e vengono praticati ancora oggi. Sia le formazioni professionali che un gran numero di società musicali e di cori di adulti, giovani e bambini coltivano diversi tipi di musica: dalla musica tradizionale popolare e degli ottoni al jazz, al rock, al pop e alla musica classica.

Anche la scena corale è un elemento importante della vita culturale dei Grigioni e continua a caratterizzare il paesaggio culturale dei Grigioni fino ad oggi. Dalla tradizione storica del canto in chiesa e dal movimento corale secolare del periodo romantico, nel Cantone si è sviluppata una scena corale di alta qualità, varia e vivace. Il trilinguismo del cantone e le influenze culturali ad esso associate si rivelano ancora oggi un grande vantaggio e un arricchimento in questo senso.

Il messaggio è disponibile qui:
https://www.gr.ch/DE/Medien/Mitteilungen/MMStaka/2020/DokumenteMedien/Botschaft_Kulturfoerdergesetz.pdf

Il Centro Arnold Schönberg di Vienna organizza un simposio internazionale dal 15 al 17 ottobre 2020 in collaborazione con il Centro scientifico Arnold Schönberg e la Scuola di Vienna presso l'Istituto di Musicologia e Ricerca sull'Interpretazione dell'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna.

Il simposio si concentrerà sul frammento, sulle sue manifestazioni e sui suoi contesti. L'attenzione sarà rivolta ai frammenti di tutte le aree creative di Arnold Schönberg, dalle composizioni e dagli scritti incompiuti ai progetti artistici cancellati.

Per la sezione "Free papers", sono benvenuti contributi sul tema principale e su questioni di ricerca attuale su Schönberg.

Il simposio offre agli scienziati l'opportunità di presentare i risultati delle loro ricerche in una conferenza di 20 minuti. Le lingue del simposio sono il tedesco e l'inglese. Una pubblicazione di contributi selezionati e di contributi liberi è prevista per il Journal of the Arnold Schönberg Centre 18/2021.

Si prega di inviare un abstract (circa 300 parole) e una breve biografia entro il 17 febbraio 2020 a: direktion@schoenberg.at
Centro Arnold Schönberg, Schwarzenbergplatz 6, A-1030 Vienna

Le informazioni sull'accettazione dei contributi saranno fornite a metà marzo 2020.
 

L'assistente di ricerca Hendrik Sonnabend della FernUniversität di Hagen.
e un collega britannico hanno studiato come la rarità influisca sui prezzi degli oggetti da collezione in vinile insolitamente costosi in uno studio scientifico. Hanno raccolto dati sulle vendite più costose di un mese su una piattaforma online di riferimento.

L'analisi empirica ha dimostrato che una riduzione dell'offerta dell'1% fa aumentare il prezzo di circa il 16%. L'età della registrazione, d'altra parte, non gioca quasi alcun ruolo. Le registrazioni di artisti presenti nell'elenco di Wikipedia degli artisti musicali più venduti sono in media più costose del 15% rispetto, ad esempio, ai dischi black metal di gruppi meno popolari. L'inserimento di un album nell'elenco porta solo il quattro per cento.

Particolarmente interessanti sono le prime edizioni di album molto popolari prodotti in numero ridotto. L'album di debutto dei Led Zeppelin con scritte turchesi del 1969, ad esempio, vale da 1000 a 1500 euro, la ristampa ufficiale con scritte rosse da 15 a 30 euro. L'aumento di valore dell'album completamente nero di Prince, di cui esistono solo poche copie di debutto prodotte legalmente, è stato ancora più estremo.

Poco prima della pubblicazione, Prince ebbe un'esperienza spirituale in cui Dio gli disse che l'album era malvagio o peccaminoso. Per questo motivo, nel 1987 Prince fece distruggere a sue spese l'intera produzione, di cui rimasero solo pochi esemplari.

Articolo originale:
https://www.researchgate.net/publication/336923221_Pricing_the_Groove_Hedonic_equation_estimates_for_rare_vinyl_records

Matthias Bamert è direttore principale dell'Orchestra Sinfonica di Sapporo dall'aprile 2018. Come annunciato oggi dall'orchestra, il suo contratto è stato prolungato fino a marzo 2024. Sotto la guida di Bamert, l'orchestra mira ad ampliare il suo repertorio e a sviluppare ulteriormente il suo elevato standard.

Il bando 2020 (residenza 2021) è rivolto ad artisti bernesi professionisti con un curriculum convincente e di tutte le età nei settori del design, dell'arte, della fotografia, dell'architettura, della letteratura, della musica, del teatro e della danza. Sono esclusi i cineasti, per i quali vengono offerte ogni anno due borse di studio per la formazione continua.

Il Cantone di Berna dispone di studi e laboratori a New York, Berlino (ogni due anni) e Parigi. Le borse di studio per diversi mesi all'estero comprendono spazi abitativi e di lavoro, nonché un contributo per le spese di soggiorno e di viaggio. Gli artisti hanno l'opportunità di lavorare in un contesto diverso per diversi mesi, di acquisire nuovi impulsi e di creare una rete di contatti con la rispettiva scena culturale locale e spesso anche internazionale.

Una giuria composta da delegati delle commissioni culturali cantonali e intercantonali e dal comitato di esperti della Fondazione Bernese per il Design valuta le candidature. Il bando dettagliato fornisce informazioni sui criteri di candidatura e sui requisiti di ammissione.