Il violinista ceco František Drdla (1868-1944), studente di teoria di Anton Bruckner al Conservatorio di Vienna, scrisse oltre 200 opere di musica leggera: oltre a due operette e a un concerto per violino, molti brani di genere per violino e pianoforte. Uno dei più noti, questo piccolo tomo melenso e armonicamente affascinante, è stato ora arrangiato anche per viola. È altrettanto bello sulla viola, nella stessa tonalità, che sul violino.

Franz Drdla: Souvenir, per viola e pianoforte arrangiato da Heinz Bethmann, partitura e parte di viola, BU 8194, € 11,00, Musikverlag Bruno Uetz, Halberstadt 2019

La sua terza collaborazione con il pianista statunitense Marc Copland è anche la più matura, come afferma il bassista Daniel Schläppi nella documentazione del loro CD congiunto. Il paese delle meraviglie di Alice sapere. Anche il compagno di duo Copland è pieno di elogi: "Suonare con Daniel mi ricorda le cose che amo di più del jazz: il calore, la comunicazione e il tentativo di condividere un'esperienza con l'ascoltatore".

Il presente lavoro ha anche lo scopo di documentare come si è sviluppata la musica dei due. Marc Copland (*1948), che si è esibito sul palco anche con luminari del jazz come John Abercrombie e Ralph Towner, si dimostra ancora una volta un maestro dell'accordo e sa come far scaturire dal suo pianoforte un fluido etereo con un tocco raffinato. Nel frattempo, il suo partner, Daniel Schläppi, di 20 anni più giovane, si distingue come un bassista curioso con un'inclinazione per i suoni groove. - Gestisce anche un'etichetta discografica ed è ricercatore associato presso l'Istituto Storico dell'Università di Berna.

L'incontro di 49 minuti e nove canzoni tra il duo su Il paese delle meraviglie di Alice inizia con una cover di Cole Porter Tutto ciò che amo. La versione di Schläppi e Copland è ben temperata, attinge a un'ampia tavolozza di colori tonali ed è piena di forza emotiva. Sebbene il brano risulti essere stilisticamente di tendenza per il resto dell'album, i due musicisti riescono sempre a sorprendere con il loro modo di suonare intimo e leggero, con l'improvvisazione e con un tempismo superbo. Questo è anche il caso di Blu in verdeche proviene dal canzoniere di Miles Davis. Conclusione: l'elegante collaborazione tra Schläppi e Copland sa come ispirare, dalla A alla Z.
 

La flautista svizzera Ursula Büttiker ha attirato l'attenzione già con i suoi primi CD. Ultima allieva di André Jaunet, ha preso anche lezioni di canto. Non c'è quindi da stupirsi che il suo modo di suonare il flauto sia principalmente orientato alla cantabilità espressiva.

Il musicista si fa promotore di opere poco conosciute con la passione di uno scopritore che cerca di prendere posizione. Realizzato il CD Cartoline musicali con rarità di Pál Járdányi o Bryan Kelly, la produzione successiva, ricca di opere per flauto solo, si è distinta con lavori di Jindřich Feld e Saverio Mercadante.

Il CD realizzato in occasione del 150° anniversario della morte di Hector Berlioz si colloca interamente nella tradizione francese, caratterizzata dal flautista e compositore Theobald Boehm Élégie - Rêverie - Capriccio con la pianista Minako Matsuura, appassionata interprete. Jules Mouquet, vincitore del Premio Roma e ispirato alla mitologia greca, è al centro della scena. Nel suo La Flûte de Pan Nella sua sonata del 1906, che porta lo stesso titolo, gli stati d'animo impressionistici si alternano alla brillantezza e al virtuosismo di stampo classico con la stessa frequenza dei contrasti dinamici. Sebbene se la cavi con un minimo di vibrato, Ursula Büttiker sviluppa un'impressionante espressività anche nei registri molto bassi. La sua bravura nella tecnica di respirazione giova a corse fortemente cromatizzate; il tocco delicato della pianista esalta la magia sonora dei numerosi e delicati effetti di eco.

L'eleganza tipicamente francese soddisfa sia la Cinq Pièces brèves da Mouquet, Chanson et Badinerie di Pierre Camus e il Eleganza op. 47 di Theobald Boehm e la musica coronata da una tarantella Tre sketch musicali di Wilhelm Bernhard Molique, che condivide lo stesso anno di morte di Berlioz. In Rêverie e Capriccio op. 8, l'unica opera concertante di Berlioz, grazie al sottile arrangiamento per flauto e pianoforte di Hans-Wolfgang Riedel, è impossibile dire che era originariamente segnata per violino e orchestra ed è basata sugli schizzi per la cavatina di Teresa dall'opera Benvenuto Cellini basato.
 

Il premio comprende anche un incarico di due anni come direttore assistente di Hallé e la posizione di direttore musicale della Hallé Youth Orchestra.

Nel 2019, Lazarova ha vinto il primo concorso di direzione d'orchestra della Radio Nazionale d'Albania e il James Conlon Conducting Prize dell'Aspen Music Festival. Attualmente sta studiando per un master in direzione d'orchestra con Johannes Schläfli presso la ZHdK (Zurich University of the Arts). Ha già conseguito un master in violino presso l'Indiana University (USA), dove si è laureata con lode.

I suoi impegni attuali includono la direzione dell'Orchestra Sinfonica della Radio Nazionale Ungherese, dell'Orchestra Sinfonica della Radio Televisione Albanese e dei Solisti Aquilani. I suoi studi alla ZHdK includono anche un debutto con Carmen al Teatro di Stato di Meiningen in Germania.

Sono probabilmente non più di una dozzina le composizioni di musica classica che hanno trovato un posto permanente nella coscienza pubblica. Le ragioni sono estremamente varie e vanno dal loro frequente utilizzo in occasioni ufficiali, alla radio, al cinema e alla televisione, fino a tradizioni talvolta non proprio locali. Perché, mano sul cuore, chi non ha mai sentito un'esecuzione più o meno festosa della Nona di Beethoven a San Silvestro o a Capodanno, al termine della quale il canto sembra eclissare tutto ciò che è sinfonico? Almeno in questo momento sublime, è come se - a dispetto di molte esperienze quotidiane - tutti gli uomini fossero davvero fratelli. Inoltre, questo "Inno alla gioia" non è mai stato un cattivo sostituto quando nessun inno nazionale era disponibile o sarebbe stato adatto (ad esempio in Rhodesia, in Kosovo o in occasione dell'ingresso di squadre interamente tedesche ai Giochi Olimpici). In tutti questi casi, tuttavia, i versi visionari di Friedrich Schiller non sono stati cantati, forse nemmeno presi in considerazione. Lo stesso vale (purtroppo) per il suo uso ufficiale come inno europeo (dal 1985). senza parole arrangiato da Herbert von Karajan nelle versioni per pianoforte, orchestra di fiati o orchestra.

Gli arrangiamenti non mancavano nemmeno nel XIX secolo. Anche allora, la questione cruciale era come trattare il testo e le parti vocali. La trascrizione virtuosa per pianoforte a due mani di Franz Liszt (1853), ad esempio, divenne una riduzione per pianoforte nel finale. Anni prima, Carl Czerny aveva già avuto delle riserve su una simile esecuzione in occasione del suo arrangiamento per pianoforte a quattro mani: Dove avrebbero dovuto essere inserite le parti vocali, dal momento che (come si usa ancora oggi) ai due esecutori sono assegnate le pagine sinistra e destra dell'edizione aperta? Così l'editore Probst di Lipsia pubblicò finalmente un volume per pianoforte in formato orizzontale, mentre le parti vocali furono allegate separatamente in formato verticale. In una lettera del 3 settembre 1828, Czerny fu ancora più pragmatico (e come sappiamo oggi: con capacità quasi chiaroveggenti): "Il futuro apprezzerà così tanto la grandezza della composizione musicale da dimenticare le parole".

Volete essere avvisati quando viene pubblicato un nuovo articolo del blog? Iscrivetevi alla nostra newsletter o al feed RSS!

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

A partire dall'anno accademico 2020/21, Gebert si unirà allo Zurich Violin College con Ilya Gringolts, Andreas Janke, Rudolf Koelman, Sergey Malov e Alexander Sitkovetski. La violinista polacco-finlandese ha completato i suoi studi presso accademie musicali in Europa e negli Stati Uniti. È richiesta a livello internazionale sia come insegnante che come musicista in orchestre rinomate e in numerosi festival. La sua profonda conoscenza della prassi esecutiva storica e della musica contemporanea arricchisce l'esperienza della ZHdK.

La cantante e cantautrice di origine irlandese Shirley Grimes contribuisce da decenni alla vita culturale della regione di Berna. Ha contribuito con la sua versatilità musicale a vari gruppi, ma ha anche realizzato molti progetti propri.

Negli ultimi dodici anni, la violinista bernese Meret Lüthi ha costruito l'orchestra bernese di musica antica "Les Passions de l'Ame" e l'ha posizionata sulla scena musicale internazionale. Ha scoperto ed eseguito pubblicamente o registrato numerose opere barocche.

Dal 1992 la Fondazione Bürgi-Willert assegna ogni due anni un premio culturale. Il premio viene assegnato a persone che hanno arricchito la vita culturale di Berna per molti anni.

Lo statuto del 1913 dell'associazione Wiener Konzerthausgesellschaft, fondata nello stesso anno, prevedeva già la possibilità di nominare membri onorari. La prima volta che se ne fece uso fu nel 1937, quando Felix Stransky, responsabile finanziario e membro della direzione della Wiener Konzerthausgesellschaft, fu nominato primo membro onorario; il secondo fu Richard Strauss nel 1938.

La violinista di origine moldava Patricia Kopatchinskaja ha inizialmente studiato violino con Michaela Schlögl, allieva di David Oistrakh. Nel 1989 la sua famiglia è emigrata a Vienna, dove ha proseguito gli studi presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna. All'età di 21 anni si trasferisce al conservatorio di Berna con una borsa di studio. Si è laureata con lode nel 2000.

Dopo essere stata partner artistico della Saint Paul Chamber Orchestra negli Stati Uniti dal 2014 al 2018, alla fine del 2018 ha assunto la direzione artistica della Camerata Bern, con cui ha messo in scena i progetti "War and Chips" e "Time and Eternity".

Chi vuole studiare musica contemporanea a Berna beneficia della transdisciplinarità: studio, live electronics, composizione e pratica creativa, ensemble, arti sonore, teatro, arti visive, letteratura, performance, festival - tutti i collegamenti sono possibili e sono supportati da un team internazionale di docenti e da un piano di studi individuale.

Dal 2020, il programma di Master Specialised Music Performance in New Music / Création musicale della HKB farà parte di un'esclusiva rete istituzionale europea: la cooperazione internazionale Master New Music Bern-Dresden-Salzburg. Gli studenti della HKB visiteranno anche una delle altre due università di loro scelta, svilupperanno e realizzeranno progetti e li porteranno in tournée.

L'ORF Vienna Radio Symphony Orchestra avrebbe dovuto effettuare una tournée in Corea del Sud e Cina dal 10 al 21 marzo, ma il tour guidato dal direttore finlandese John Storgards è stato completamente cancellato. Il motivo è la diffusione del coronavirus in Cina, che sta avendo un impatto negativo anche sulla vita culturale della Corea del Sud.

Inizialmente, i due concerti previsti in Cina sono stati cancellati dall'organizzatore all'inizio di febbraio, e una settimana dopo uno degli organizzatori si è ritirato anche dalla Corea. I concerti rimanenti in Corea non possono più essere eseguiti dall'orchestra.

A causa dell'ondata di infezioni, anche il tour di concerti a lungo pianificato dal Festival Strings Lucerne con Midori, che avrebbe dovuto girare in diversi Paesi dell'Asia orientale a marzo, ha dovuto essere cancellato. Anche una tournée ridotta, senza i concerti previsti nella Cina continentale, non è più possibile a causa delle norme più severe in materia di viaggi e dell'interruzione della vita pubblica nelle località previste per il tour, come Hong Kong. I concerti cancellati saranno riprogrammati il prima possibile.

Sono stati programmati concerti a Singapore e Seoul, nonché nelle città cinesi di Shanghai, Changsha e Zhuhai e un'esibizione all'Hong Kong Arts Festival, dove il Festival Strings Lucerne è ospite dal 1978. L'Hong Kong Arts Festival, uno dei festival più rinomati dell'Asia, quest'anno è stato addirittura completamente cancellato con oltre 120 eventi. Un evento unico nei quasi 50 anni di storia del festival.

Nato da una famiglia aristocratica nel 1905 e cresciuto nel Castello di Valva, vicino a Napoli, portava il titolo di Conte d'Ayala Valva. "Già da bambino, a tre anni, improvvisava per ore sul pianoforte con i piedi, le braccia e i gomiti e non voleva essere disturbato per nessun motivo", racconta la pianista Marianne Schroeder, che ha conosciuto Scelsi personalmente e ha lavorato con lui.

Come pianista, fu in gran parte autodidatta. In seguito studiò composizione con tre insegnanti: lo specialista di Debussy Giacinto Sallustio a Roma, Egon Köhler, seguace di Scriabin, a Ginevra e la tecnica dodecafonica con l'allievo di Schoenberg Walter Klein a Vienna. Questi studi si svolsero al di fuori del mondo accademico, da cui si tenne deliberatamente a distanza e per cui fu talvolta disprezzato o ridicolizzato. Marianne Schroeder racconta con entusiasmo un concerto del 1979 nella Hans-Huber-Saal di Basilea, in cui Jürg Wittenbach eseguì opere di Scelsi. Era presente anche il soprano giapponese e specialista di Scelsi Michiko Hirayama. Nel 2014, Schroeder ha invitato l'ormai novantenne cantante al suo primo festival di Scelsi alla Gare du Nord. "È stato incredibile: ha cantato un programma di un'ora e mezza con l'opera di Canti del Capricornoche le sono stati dedicati".

Durante la Seconda guerra mondiale, Scelsi ha lottato con problemi nervosi e si è sempre più interessato allo spiritismo, rivolgendosi agli insegnamenti dell'Estremo Oriente e praticando intensamente lo yoga. Credeva di ricevere la sua musica come messaggi dall'aldilà, ad esempio dalle divinità indù: "Sono solo un medium al servizio di qualcosa di molto più grande di me", dice nel ritratto del film. Il primo movimento dell'opera non mossa dall'anno 2018.

Era alla ricerca di microtonalità, sempre alla ricerca di frizioni, seconde minori e settime. Nel 1965 smise di improvvisare al pianoforte e iniziò a lavorare con l'Ondiola, il primo strumento elettronico su cui si potevano impostare le altezze.

Marianne Schroeder, insegnante di pianoforte presso la Scuola di Musica di Basilea all'inizio della sua carriera, afferma: "Mi sono sentita felice solo quando ho iniziato a suonare musica moderna. Ho sempre avuto successo con essa". Ha studiato Bartók, Stockhausen, Feldman e Cage. "Scelsi è stata una conseguenza logica di tutto ciò", è convinta. Dopo l'esperienza iniziale del concerto di Scelsi a Basilea, ci sono voluti altri cinque anni prima che trovasse il coraggio di chiamare il maestro: "Nel 1984 ero a Darmstadt quando è arrivato come un fulmine: ora devo suonare Scelsi". L'anno successivo incontrò il maestro a Roma. Le fece tre domande: "Quanti anni hai? Che tipo di musica suoni? Fai yoga?". Lei non faceva yoga, ma iniziò subito dopo la morte di Scelsi (1988) e ancora oggi lo pratica intensamente: "Scelsi era estremamente gentile e calmo, una persona che voleva solo il meglio per te". Poiché lavorava sempre di notte, lo si poteva incontrare solo dopo le 16.00. Scelsi chiedeva spesso: "Hai improvvisato oggi?". Per lui era estremamente importante che un musicista lasciasse che la musica emergesse da dentro.

Secondo Scelsi, non si poteva ascoltare la sua musica per più di dieci minuti alla volta, perché era troppo eruttiva. Oggi siamo più avanti, dice Schroeder: "C'è qualcosa nella musica di Scelsi che è emotivamente giusto. C'è qualcosa di naturale, fondamentale e non influenzato".
 

Dopo un concerto a Roma, Schroeder ebbe la sua seconda importante ispirazione: "Ora organizzerò un festival". Ha trovato un project manager in Anja Wernicke e la prima edizione di tre giorni è stata organizzata con successo nel gennaio 2014. Ad eccezione del 2015, il festival è sempre stato ospitato dalla Gare du Nord. Tuttavia, il primo giorno si svolge tradizionalmente al Fachwerk Allschwil, come quest'anno il 2 febbraio. Il programma prevedeva innanzitutto un workshop di canto con Amit Sharma, seguito da una lettura dell'opera autobiografica di Scelsi, Il sogno 101. La musica era interamente dedicata al pianoforte. Sono stati eseguiti Cinque incantesimi (1953), eseguito da Marija Skender. Questi brani sono tra le opere pianistiche più conosciute del compositore. Furono scritti nell'arco di diversi anni in improvvisazioni notturne registrate su nastro. Musica d'azione 1-4 (1955), interpretato da Giusy Caruso, risale al periodo in cui Scelsi si ispirò all'action painting di Jackson Pollock, tra gli altri, a New York. Marianne Schroeder ha concluso il programma con I Capricci di TY, Suite n. 6 (1938-39), che intendono descrivere i capricci della moglie Dorothy.

Altre tre giornate di festival sono previste dal 7 al 9 maggio ad Allschwil (questa volta la Gare du Nord non è disponibile per motivi organizzativi). È stata confermata una masterclass dal titolo "L'arte di cantare Scelsi" con il soprano e allieva di Michiko Hirayama, Maki Ota. Marianne Schroeder è piena di entusiasmo e di idee per il programma, ma si rammarica anche di poter fare solo progetti a breve termine a causa del suo sovraccarico di lavoro: "Le prime opere monumentali di Scelsi sarebbero un sogno che si avvera". La nascita del verbo con orchestra e coro, ma questo richiede almeno due anni di preparazione".
 

Inizialmente Dodo Hug ha calcato il palcoscenico con Christoph Marthaler & Pepe Solbach, tra gli altri, e successivamente ha fondato il suo ensemble Mad Dodo. Dal 1994 collabora con il musicista e cantautore sardo Efisio Contini, che è anche il suo compagno. Dal 2004 ha la doppia cittadinanza italiana e svizzera.

I due premi di sponsorizzazione di quest'anno, pari a 30.000 franchi ciascuno, vanno alla rete Bla*sh e al duo di musicisti Eclecta. Bla*sh - abbreviazione di Black She - è una rete di donne nere mediatrici culturali e artiste della Svizzera tedesca, fondata a Zurigo nel 2013. La rete si impegna per l'empowerment delle donne nere in una società in cui la bianchezza e la mascolinità sono ancora considerate la norma.

Eclecta è sinonimo di uno spettacolo pirotecnico musicale decisamente eclettico ed elettrizzante. Ne sono responsabili le musiciste Andrina Bollinger (*1991) e Marena Whitcher (*1990). Esse cantano, rantolano, urlano e sussurrano la loro strada nella musica. Persino glockenspiel rotti, pianoforti difettosi, palloncini o carte perforate trovano spazio nelle canzoni. I musicisti hanno studiato jazz a Zurigo e hanno iniziato a liberarsi dei loro paraocchi musicali fin da subito nelle loro formazioni.

Il Conservatorio statale del Vorarlberg ha ospitato un simposio per professionisti della cultura e della musica il 4 e 5 febbraio. Il tema "Musica e società" ha riunito circa 170 partecipanti provenienti dalla regione dei quattro Paesi nel Montforthaus Feldkirch insieme. Oltre alle presentazioni e ai contributi, si sono svolti vivaci dibattiti nei turni di discussione e il primo formato in assoluto è stato utilizzato per lo scambio di idee.

Martin Tröndle (Università Zeppelin di Friedrichshafen) ha gettato le basi per i dibattiti successivi con la sua relazione sulla "ricerca dei non visitatori": le istituzioni culturali (nel senso stretto di teatri, teatri d'opera e sale da concerto classiche) sono note come luoghi in cui si trova solo una piccola parte della società. Tuttavia, non è ancora chiaro chi si lascia sfuggire le numerose offerte del settore classico e, soprattutto, per quali ragioni. Alcuni risultati di uno studio (condotto a Berlino nel 2019 con circa 1.300 giovani universitari) sono qui brevemente menzionati: le pagine dedicate alla classica sono poco utilizzate come luogo di informazione e preparazione, mentre le informazioni offline e gli amici sono la seconda fonte più importante dopo internet.

La mancanza di tempo e di denaro sono spesso citati come motivi per non partecipare agli eventi tradizionali; tuttavia, non sono determinanti per il comportamento dei visitatori. Tröndle parla di 11 % di cosiddetti "mai-visitatori", che è inutile cercare di attirare; vale più la pena perché è più promettente conoscere i circa 20 % di "non ancora" e "forse-visitatori". Le istituzioni possono chiedersi come offrire "prossimità" a tutti i livelli possibili e come rendere i loro locali e i loro programmi invitanti per tutti coloro che vogliono cultura.

La sala da concerto di Blaibach, nella Foresta Bavarese, un progetto locale che è diventato noto anche al di fuori della regione, è stata finanziata in gran parte da programmi di sviluppo urbano. Anche in questo caso, come per molti altri organizzatori, esiste il ben noto problema dei costi di gestione dei programmi. Nel frattempo, qui si è rinunciato completamente ai finanziamenti pubblici, troppo insignificanti rispetto allo sforzo necessario per ottenerli. Il direttore artistico Thomas E. Bauer sostiene con passione che esiste un diritto alla cultura di primo piano, all'istruzione e alle infrastrutture, anche nelle zone rurali.

La serie di concerti "Montforter Zwischentöne" cerca la rilevanza regionale coinvolgendo le comunità locali, suonando negli spazi urbani e avendo un impatto che va oltre Feldkirch, nella valle del Reno con i suoi 250.000 abitanti. Nelle sue produzioni, i temi della regione vengono ripresi ed elaborati artisticamente in nuovi formati concertistici; la partecipazione significa prendere sul serio la "competenza dell'utente" quanto la competenza.

Christine Rhomberg (Hilti Foundation) ha fornito un esempio di promozione pratica dei talenti con la sua relazione sull'impegno "Musica per il cambiamento sociale" e ha introdotto il secondo tema principale dell'incontro: Come si può dare ai musicisti la possibilità di essere coinvolti in contesti sociali mentre sono ancora in formazione? Sono necessarie persone creative e collaborazioni intelligenti per combinare il business musicale consolidato e le iniziative socio-musicali come JeKi o Superar in modo sostenibile e redditizio.

È un compito urgente avvicinare gli studi musicali e la formazione degli insegnanti per colmare le devastanti lacune nella formazione musicale di base dei bambini. Questo aspetto è stato sottolineato anche da Peter Heiler della Scuola di Musica di Bregenz: "Per una 'scuola di musica nella scuola' sono necessari insegnanti di musica che abbiano in mente l'intero spettro di 'educare - imparare - suonare', dato che il sostegno dei genitori è sempre minore".

Il simposio è stato arricchito da un programma musicale che ha visto esibirsi diversi ensemble del Conservatorio di Stato del Vorarlberg e il coro Superar (diretto da Magdalena Fingerlos). La fase finale del Concorso Hugo - un concorso studentesco internazionale organizzato da Montforter Zwischentöne per nuovi formati di concerto - ha presentato quattro squadre di accademie musicali di lingua tedesca con idee sul tema "Taking detours". Il collettivo XYlit di Lipsia ha conquistato la giuria e il pubblico con il suo progetto "Traumlandschaft"; i vincitori del concorso Hugo hanno ricevuto 1000 euro di premio e potranno ora sviluppare il loro progetto con un budget di produzione professionale per il festival estivo Montforter Zwischentöne.

Il simposio è stato un preludio di successo per ulteriori scambi tra la musica e la società ed è stato collocato in una posizione intelligente: Il Landeskonservatorium ha appena richiesto l'accreditamento come università musicale. Per il direttore artistico, Jörg Maria Ortwein, la sua istituzione e il simposio sono ugualmente importanti come "fonte di ispirazione per approcci innovativi". L'obiettivo è quello di affermare l'emergente università musicale privata come piattaforma ideale per lo sviluppo di personalità artistiche con un impatto multilivello sulla società".

Foto: Conservatorio statale del Vorarlberg/Victor Marin

Per Jörg Maria Ortwein, direttore artistico del Conservatorio di Stato, sono importanti il networking e gli approcci innovativi alla comunicazione.

No, Beethoven come persona non compare in quest'opera. Anche la sua musica è citata in modo riconoscibile solo una volta, quando verso la fine, come un commento da fuori scena, il quartetto vocale Mir ist so wunderbar da Fidelio si sente. Ma la figlia di Beethoven è al centro della scena e si chiama Minona. Come può una persona informata anche solo a metà sulla storia della musica pensare che la paternità di Beethoven non sia menzionata da nessuna parte nella letteratura?

Ma è certamente possibile. Almeno questa è la tesi di Jüri Reinvere, autore dell'opera Minonache è stata presentata in anteprima a Ratisbona, in Baviera, all'inizio del cosiddetto Anno Beethoveniano. Il compositore, nato in Estonia nel 1971 e residente a Francoforte sul Meno da diversi anni, prima di scrivere il libretto ha condotto una ricerca meticolosa per avvalorare la sua ipotesi e quindi la trama dell'opera. Tra le altre cose, ha trovato nella sua città natale, Tallinn, dei documenti che forniscono una visione approfondita della storia della famiglia di Minona.

Al centro della storia c'è la persona misteriosa a cui Beethoven dedicò il suo ciclo di canzoni. All'amante lontano del 1816 e che presumibilmente è identica all'"amata immortale" a cui indirizzò una lettera nel 1812 dopo un breve soggiorno a Praga, ma che non inviò mai.

Reinvere sospetta che questa figura, di cui Beethoven custodiva accuratamente l'anonimato, fosse la contessa ungherese Josephine von Brunsvik, sposata con von Stackelberg; era l'allieva di pianoforte di Beethoven e lui si sentiva, come è dimostrato, fortemente attratto da lei. In quei giorni di luglio del 1812, quando Beethoven si trovava a Praga, si dice che l'abbia incontrata segretamente, secondo la teoria di Reinvere, e che sia successo proprio allora. Ma ci sono solo prove circostanziali, nessuna prova che Josephine fosse a Praga in quel momento. Ma c'era anche un'altra donna molto vicina a Beethoven: Antonie Brentano. Probabilmente la nebbia biografica non sarà mai completamente diradata.

La ricerca storica è una cosa, la libertà artistica un'altra. Reinvere, che bilancia sapientemente realtà e finzione, si è attenuto alla variante di Brunsvik e l'ha trasformata in un libretto che si presta perfettamente all'opera: il possibile incontro tra Beethoven e Giuseppina a Praga ha delle conseguenze, che vanno sotto il nome di Minona.

In realtà - e qui entra di nuovo in gioco la realtà - la bambina nacque esattamente nove mesi dopo l'infausta data di Praga e fu battezzata Minona von Stackelberg. Tuttavia, Giuseppina e suo marito, il barone von Stackelberg, avevano già divorziato nel luglio del 1812 e vivevano separati - honi soit qui mal y pense. Nell'opera, la contessa von Goltz, a cui la sconvolta Giuseppina racconta il suo sconveniente passo falso, raccomanda la ben nota ricetta: via a Vienna, al freddo letto matrimoniale! Un figlio da questo solitario amante di Beethoven sarebbe la rovina sociale.

Questo prequel è raccontato nelle prime due scene dell'opera. Il resto dell'opera in due atti descrive la vita della vera Minona. La donna diventa ora il personaggio principale dell'opera. La vediamo da giovane e da vecchia, a volte in entrambe le scene. È un personaggio cosiddetto difficile; come un Kaspar Hauser al femminile, è alla ricerca per tutta la vita della sua identità, una figura tragica stretta tra due padri. Uno, il combattente per gli alti ideali, da cui si sente inspiegabilmente attratta, è presente solo nei suoi geni e nel suo subconscio. L'altro, fanatico protestante ed educatore tirannico, domina la sua esistenza reale con violenza fisica e psicologica. La ragazza perisce tra questi due poli.

Verso la fine, le lettere d'amore di Beethoven a sua madre Josephine le vengono consegnate come ereditiera. Ora sente che i suoi sospetti sono stati confermati e sa chi è. Appare la figura di Leonore, allegoria dell'amore ideale, e si apre un dialogo filosofico sulla vera natura dell'amore. Minona si rende conto che i suoi sentimenti si sono atrofizzati sotto la pressione della sua educazione pia e che non ha mai vissuto la sua vita: "Non sono mai esistita... non so da dove vengo, non so chi mi ha voluta". Minona, letto al contrario, significa "anonimo". Ciò che rimane è la disperazione e il vuoto. Leggermente storditi, sgattaiolate fuori dal teatro.

La commedia in due atti, a metà strada tra un dramma stazionario e un'arguta conversazione, intreccia abilmente tempi e ambientazioni. Le ampie parti dialogiche sono elaborate con grande cura; prevale un tono arioso, che non pregiudica la comprensibilità delle parole. Il canto è sostenuto da un suono orchestrale potente e fluente. Essa risplende di colori ricchi, non sembra mai ponderosa e, sorprendentemente, non affossa mai le voci cantanti, ma piuttosto le trasporta. Diversi commenti orchestrali forniscono climax espressivi, e quello all'inizio dell'ultima scena aggiunge una dimensione apocalittica agli eventi sempre più cupi. La sezione finale si trascina, ma nel complesso il disegno musicale fornisce una tensione interna sia in termini di architettura che di dettagli.

La produzione non era priva di punti deboli. Ciò non è dovuto al palcoscenico di Marc Weeger. Con una struttura metallica che strutturava abilmente lo spazio e il meccanismo del palcoscenico girevole, ha creato le condizioni per rapidi cambi di scena e decorazioni espressive. Il regista Hendrik Müller, invece, ha creduto di dover abbellire lo spettacolo con ogni sorta di ingredienti inverosimili. All'inizio, la nonna pianista del Reich, Elly Ney, attraversa la scena con gesti solenni, ponendo immediatamente la musica di Beethoven sotto il sospetto nazista, oggi uno dei mezzi preferiti della critica culturale progressista.

Nel film di Stackelberg, l'ambiente protestante bigotto è aiutato da un piccolo esorcismo e il personaggio di Beethoven, Leonore, appare alla fine come un medico maligno in camice bianco che dà a Minona pillole suicide e spara rapidamente ai servi ladri al suo passaggio. Con pistole con silenziatore, naturalmente, proprio come i mafiosi. Autorealizzazione creativa in onore, ma per favore sul palcoscenico sperimentale e non alla prima di un'opera completa, dove sarebbe importante prima chiarire i contorni dell'opera e non decostruirla subito.