Nel 2019 sono stati pubblicati due libri contrastanti in occasione del 300° anniversario della nascita di Leopold Mozart. Erich Broy ha studiato lo stile compositivo che si è allontanato dal basso continuo e si è orientato verso la sinfonia d'opera italiana. Ha utilizzato come materiale le opere per ragazzi di Wolfgang Amadeus e i primi movimenti delle sinfonie di Leopold Mozart. Leopold si ispirò agli scritti teorici di Joseph Riepel, che descrisse la composizione come una comporre (composizione di parti di battuta definite con precisione). La maestria con cui il padre ha insegnato al figlio è testimoniata dal rapido progresso delle opere da KV 1 a KV 7 e anche dalle numerose somiglianze tra le composizioni - il che crea confusione nell'attribuzione e depone a favore della qualità del lavoro di Leopold!

Le analisi scientificamente precise e basate su numerosi esempi musicali presenti nel testo e in un volume aggiuntivo di spartiti richiedono conoscenze professionali; i lettori possono familiarizzare con il testo con l'aiuto di musikanalyse.net/tutorial siate intelligenti per questo. È preziosa la tabella alle pagine 307-309, che elenca tutte le sinfonie conosciute di Leopold Mozart con i dettagli della fonte e la sua datazione, l'autenticità, la classificazione stilistica e la data presunta di composizione. In questo contesto cito il libro di Christian Broy, fratello di Eric, sulla trasmissione delle fonti e sulla strategia di distribuzione di Leopold Mozart (Sulla trasmissione delle grandi opere musicali di Leopold Mozart, Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, vol. 5, Wissner Musikbuch, Augsburg 2012).

Silke Leopold ci permette di partecipare con entusiasmo alla vita sacrificale di Leopold Mozart. Anche la tabella cronologica a due colonne in appendice rende chiaro il significato europeo della sua opera: oltre ai dati familiari e alle attività di Leopold, la seconda colonna mostra gli eventi politici e culturali più importanti di cui è stato testimone - un'interessante lezione di storia!

La sezione principale, illustrata a colori, racconta in sette capitoli (ognuno dei quali è chiaramente suddiviso con titoli rossi) come il padre, che era un rilegatore di libri ad Augusta, diede a Leopoldo un'educazione gesuita privilegiata, come Leopoldo si stabilì abilmente a Salisburgo tra gli arcivescovi capricciosi o generosi, si sposò e commercializzò le sue opere. Come un nobile, viaggiò molto con i suoi figli, allacciando contatti utili e facendo affari in tutta Europa, e allo stesso tempo spianando la strada del successo ai suoi figli. Le numerose lettere citate mostrano una grande quantità di intelletto, autorità, sentimento e umorismo. Ad esempio, i suoi giudizi sulle varie confessioni in Europa - compresa la sua - diventano sempre più critici man mano che si allontana da Salisburgo. L'autore dimostra il genio di Leopold per la pittura tonale con analisi vivaci di alcune delle sue composizioni. L'importanza della sua scuola di violino è inserita nel contesto delle altre scuole strumentali dell'epoca. L'indurimento del rapporto con il figlio "irragionevole" e dissoluto è tragico, mentre la preoccupazione del nonno per Leopoldli, figlio di Nannerl, è commovente. L'autore di spicco brilla per erudizione e forza narrativa.

Eric Broy: Leopold Mozart - Comporre in un'epoca di cambiamenti stilistici, Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Vol. 6.1 e 6.2 (volume di spartiti), insieme 506 p., € 59,80, Wissner Musikbuch, Augsburg 2019, ISBN 978-3-95786-162-7

Silke Leopold: Leopold Mozart - "Un uomo di grande ingegno e saggezza", una biografia, 280 p., € 29,99, Bärenreiter/J.B. Metzler, Kassel/Stoccarda 2019, ISBN 978-3-7618-2086-5

Catalogo ragionato delle opere di Leopold Mozart:
Cliff Eisen: Leopold-Mozart-Werkverzeichnis (LMV), Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Vol. 4 (ed. Internationale Leopold Mozart Gesellschaft), 272 p., € 39,80, Wissner Musikbuch, Augsburg 2010, ISBN 978-3-89639-757-7

Ancora oggi comprendiamo a malapena come la musica e le emozioni siano collegate. La comunità scientifica non è nemmeno d'accordo su cosa siano effettivamente le emozioni e su come classificare le loro varie manifestazioni. Ciò significa che i singoli studi sull'effetto emotivo della musica rimangono frammentari. Questo brancolare preliminare nella nebbia lascia spazio a suggerimenti originali e sorprendenti su come spiegare l'espressività della musica.

Bernd e Daniela Willimek stanno facendo un tentativo con una "teoria della tendenza allo sforzo", che si basa sulle idee degli psicologi musicali Ernst Kurth e Deryck Cooke, tra gli altri. Le "emozioni trasmesse ed evocate dalla musica" sarebbero spiegate dall'"identificazione con contenuti volitivi astratti". Citando Schopenhauer e Nietzsche, gli autori creano una teoria intuitivamente difficile da comprendere e piuttosto asistematica, piena di metafore (una tonica maggiore rappresenta una "persona in piedi"). D'altra parte, i due non dicono una parola sugli approcci teorici gestaltici storicamente influenti, che dovrebbero spiegare le energie direzionali dei toni in modo molto più plausibile e naturale del loro approccio. Le numerose analisi musicali individuali che si possono trovare nel loro libro Musica ed emozioni - Studi sulla teoria dell'aspirazione sono originali e stimolanti, ma senza chiarire o sostenere realmente la loro teoria. Lo stesso vale per la serie di esperimenti che i due coniugi hanno condotto in ginnasi e scuole tedesche all'estero. Ovviamente, hanno lavorato con un gruppo abbastanza omogeneo di soggetti che sono stati socializzati nello stesso modo musicale, il che di per sé non giustifica in alcun modo la pretesa universale della teoria.

Non si può escludere che la teoria della tendenza allo sforzo possa dare contributi interessanti per spiegare l'espressività della musica. Tuttavia, ciò richiederebbe un disegno molto più chiaro e sistematico - agganciato ai concetti teorici e ai risultati esistenti della psicologia musicale, con interfacce metodologicamente valide per la verifica sperimentale.

Bernd e Daniela Willimek: Musica ed emozioni. Studien zur Strebetendenz-Theorie, 125 p., € 20,00, Deutscher Wissenschafts-Verlag, Baden-Baden 2019, ISBN 978-3-86888-145-5

Johann Jacob Froberger (1616-1667) - "il Franz Liszt del XVII secolo" - è noto come clavicembalista, compositore di toccate, canzonette, ricercari e suite. Le sue opere più famose sono probabilmente i "Lamenti" e i "Tombeaus" o le due meditazioni ..faict à Madrid sur la Mort future risp. ...faist svr ma Mort fvtvre. Istruzioni verbali come "avec/à discrétion" hanno da tempo indicato che l'esecuzione di Froberger era molto più di quello che i testi musicali sopravvissuti contengono. La sua fama leggendaria si basa non solo su due ampie raccolte di autografi e innumerevoli copie, nonché su tre edizioni complete, ma anche sul fatto che un ulteriore autografo è emerso brevemente nel 2006, ma da allora non è più stato accessibile ai ricercatori o alle edizioni. Motivi sufficienti per un simposio che si è svolto nell'ottobre 2016 a Stoccarda, città natale di Froberger, in occasione del suo 400° compleanno, e per la successiva pubblicazione delle relazioni presentate in quell'occasione.

"Avec discrétion" Ripensare Froberger porta alla luce scoperte attuali che vanno ben oltre lo stesso Froberger. Sebbene le nuove fonti forniscano chiarimenti significativi sui dettagli della biografia e dell'ambiente di Froberger, più sorprendente è l'evidenza di quanto Froberger fosse impegnato nella tradizione liutistica francese (Dirksen e Ledbetter) e di come (anche) la sua composizione fosse basata su modelli di movimento esistenti (Gavito), vale a dire che non ci sono quasi differenze fondamentali tra la composizione originale e l'improvvisazione modulare. Particolarmente interessanti sono anche i testi sulla prassi esecutiva di Froberger: i commenti di Karin Paulsmeier sulle peculiarità della notazione, le indagini di Francesco Cera sulla punteggiatura dei fermi e le note di Florian Bassani sull'arricchimento performativo basato sui trattati francesi di tastiera e vocalità. Inoltre, Martin Kirnbauer e Eugène Michelangeli si interrogano sugli strumenti previsti: rispettivamente clavicembalo e clavicordo polifonico.

La relazione del simposio contiene anche una storia del concetto di "discrezione", approfondimenti sui modi di viaggiare dell'epoca e un esame della Roma musicale del XVII secolo, dove Froberger, allievo di Frescobaldi, soggiornò più volte. Infine, a Ripensare Froberger Ci si può anche chiedere perché non abbia dedicato più tempo alla musica vocale.

Nel complesso, il vantaggio di questo volume completo (che comprende documenti, illustrazioni, un elenco di fonti ed edizioni e un'accurata bibliografia) risiede non solo nella varietà degli approcci, ma anche nella ricchezza di dettagli che vale la pena conoscere sulla storia e sulla prassi esecutiva della musica del XVII secolo. Chiunque desideri studiare la musica per tastiera da una prospettiva più ampia deve prendere in mano questo libro.

"Avec discrétion" Ripensare Froberger, a cura di Andreas Vejvar e Markus Grassl, (Wiener Veröffentlichungen zur Musikgeschichte, Vol. 14), 544 p., € 53,00, Böhlau, Vienna et al. 2018, ISBN 978-3-205-20740-5

Sembra tutto così leggero, così giocoso, così stimolante! Il libro di Birgit Jeschonneck Sviluppo del linguaggio con la musica è destinato agli insegnanti di prima e seconda elementare, soprattutto a quelli che insegnano a bambini la cui prima lingua non è il tedesco. Il concetto è chiaro e di facile comprensione: i bambini visitano quattro terre da sogno, inventate dall'autore per bambini Paul Maar. C'è la terra colorata dei cerchi, la terra dei 1000 angoli, la terra dei toni rossi e, infine, la piccola terra del sottosopra. Jeschonneck stabilisce chiari obiettivi educativi per ognuno di questi Paesi: I bambini devono cercare oggetti rotondi o angolari in classe, come il termostato rotondo per il riscaldamento, l'orologio rotondo, il tavolo angolare o il quadrato impostato. Imparano così nuovi termini.

Ora ogni paese dei sogni ha la sua nota canzone popolare, nella quale vengono integrati oggetti trovati con la tecnica della parodia. Un esempio è "La credenza ha otto angoli, la credenza ha otto angoli". Oppure i bambini scrivono poesie sulle note di Verde, verde, verde sono tutti i miei vestiti nuove battute come: "... perché la mia cosa preferita è l'allarme antincendio". I bambini sviluppano in modo giocoso il senso della struttura della lingua tedesca, degli articoli e della sillabazione.

Non tutti gli insegnanti saranno in grado di leggere l'intero libro. Ma gli insegnanti di tedesco o di musica possono utilizzarne gran parte per lezioni stimolanti e inclusive che incoraggiano la creatività e combinano l'apprendimento con il divertimento. Il libro, di quasi 100 pagine, è altamente raccomandato anche per l'uso domestico. Oltre a molti esempi illuminanti, c'è un CD splendidamente prodotto e una stimolante sezione teorica per ulteriori riflessioni.

Birgit Jeschonneck: Sviluppo del linguaggio con la musica per "I viaggi di Paula". Idee didattiche e ludiche per il libro illustrato di Paul Maar per i gradi 1+2, 99 pagine, con CD, € 21,95, Friedrich-Verlag, Hannover 2019, ISBN 978-3-617-92026-8

I confini tra musica seria e popolare nelle lezioni di musica e nei concerti stanno diventando sempre più permeabili e l'influenza reciproca dei diversi stili musicali è un arricchimento. Le composizioni per due violoncelli discusse di seguito tengono conto di questo sviluppo.

Il compositore americano George A. Speckert è nato nel 1951 nel Missouri (USA), centro della cultura jazzistica americana. Il libretto Le radici del jazz comprende arrangiamenti di noti brani orecchiabili di Scott Joplin (L'intrattenitore), Arthur Harrington Gibbs (Correre in modo selvaggio) e Nick La Rocca (Straccio di tigre) e spiritose composizioni originali dello stesso Speckert. Entrambe le parti per violoncello hanno lo stesso livello di difficoltà e non vanno oltre la quarta posizione. La raccolta darà piacere ad allievi e insegnanti e non mancherà di avere un effetto sul pubblico.

La sonata heavy metal Cantus di David Floer è tecnicamente impegnativo e combina ritmi e armonie heavy metal nella forma di una sonata classica in tre movimenti. Il brano è rivolto a violoncellisti di livello avanzato e combina cantilene estese con diteggiature rock simili a quelle della chitarra. Se si desidera esaltare ancora di più il suono heavy metal, è possibile utilizzare dispositivi di effetti come il wah-wah o la distorsione del suono per ottenere l'effetto desiderato.
Si può avere un'idea del pezzo su Youtube fornire.

George A. Speckert: The Roots of Jazz per due violoncelli, Ready to Play, BA 10649, € 14,95, Bärenreiter, Kassel 2019

David Floer: Cantus, Heavy Metal Sonata per due violoncelli, Floer Music Verlag, Colonia 2017, ISMN 979-0-700351-13-7

Il Quartetto Merel ha già esplorato con successo la musica di Felix Mendelssohn Bartholdy (e di sua sorella Fanny) per un album (Genuin 11204: Felix: Quartetto per archi in fa minore op. 80; Quattro pezzi per quartetto d'archi op. 81; Fanny: Quartetto per archi in mi bemolle maggiore). La formazione svizzera è stata ora affiancata dal giovane quartetto d'archi inglese Castalian String Quartet per la registrazione dell'Ottetto op. 20.

Nel primo quartetto per archi in mi bemolle maggiore op. 12, tuttavia, il Quartetto Merel è ancora tra sé. I quattro eseguono la veloce sezione centrale della Canzonetta come una danza degli elfi, l'Andante espressivo ha un grande respiro. E nel finale, Mary Ellen Woodside (violino 1), Edouard Mätzener (violino 2), Alessandro D'Amico (viola) e Rafael Rosenfeld (violoncello) combinano la leggerezza con un effetto drammatico che crea una vera e propria attrazione. Solo nel movimento d'apertura il quartetto si prende troppe libertà agogiche, cosicché la pulsazione si perde un po' nei numerosi piccoli ritardi quando le figure di crome vengono suonate in modo eccessivo o le cesure introducono nuove sezioni.

Insieme a Sini Simonen (violino 1), Daniel Roberts (violino 2), Charlotte Bonneton (viola) e Christopher Graves (violoncello), l'ottetto crea un'interpretazione narrativa ed equilibrata dal punto di vista tonale, che spazia dalla fragile intimità alla potenza orchestrale. Il compositore voleva che l'ottetto suonasse "nello stile di un'orchestra sinfonica". La fusione dei due ensemble in un unico, flessibile corpo sonoro ha un successo impressionante. Il modo in cui la tensione nella sezione di sviluppo del primo movimento si riverbera e la ricapitolazione è annunciata dall'impeto dei semicrome che si rincorrono tra le voci - è fantastico! Un Andante molto emotivo e uno Scherzo arioso sono seguiti da un'introduzione del violoncello un po' rimbombante e da un velocissimo Presto finale che celebra il virtuosismo e lascia una forte impressione nonostante piccole imprecisioni ritmiche.
 

Sì, esistono, le opere che sono cadute nel dimenticatoio della storia. Le ragioni sono molteplici: nel XX secolo sono state spesso le circostanze politiche a farle cadere nel dimenticatoio, prima di allora hanno giocato i fattori più disparati: uno scarso successo iniziale, una strumentazione insolita, un testo non riuscito... Quando queste partiture vengono inaspettatamente ritrovate o vengono eseguite di nuovo dopo decenni, si parla spesso di una composizione "ingiustamente dimenticata". Ma se poi entrerà nel repertorio o almeno sarà generalmente riconosciuta, è tutto da vedere. Sorge sempre una domanda eretica: Non esistono anche composizioni "ingiustamente dimenticate", come opere giovanili troppo precoci o addirittura musica occasionale?

In ogni caso, i meccanismi del repertorio non funzionano secondo regole fisse. Questo è anche il caso di Beethoven e della sua ricca opera, non tutta conosciuta allo stesso modo, anzi: c'è ancora molto da scoprire. Così anche il Cantata sulla morte dell'imperatore Giuseppe II. WoO 87 (1790), un'opera commissionata dalla Bonner Lese- und Erholungsgesellschaft (che, per inciso, esiste ancora oggi e dal 2019 ammette anche le donne come membri). I vecchi verbali del Comitato esecutivo contengono la proposta che "eseguire qualcosa di musicale prima o dopo il discorso". doveva essere eseguita. Tuttavia, la cantata non fu mai eseguita. Come è stato detto in seguito: "per diversi motivi"Forse Beethoven aveva progettato l'opera in modo troppo esteso (con un tempo di esecuzione di poco meno di tre quarti d'ora), forse fu completata troppo tardi (c'erano solo tre settimane tra la commissione e la cerimonia commemorativa del 19 marzo), e l'Elettore Massimiliano, fratello del defunto e Prorettore della Società, aveva chiesto un'ora di silenzio nel senso di un servizio funebre.

L'autografo di Beethoven andò perduto senza essere suonato. Una copia riapparve solo nel 1884 e la cantata fu eseguita per la prima volta in un concerto organizzato dalla Gesellschaft der Musikfreunde di Vienna su proposta di Eduard Hanslick. Da allora ha condotto un'esistenza oscura. - Giustamente? Certamente no, perché qui si può già ascoltare molto del Beethoven successivo. Non è un caso che il maestro abbia in seguito utilizzato il materiale musicale in altre sue opere (tra cui la Fidelio) viene riutilizzato.
 

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In questo modo, il Consiglio federale mira a "prevenire danni permanenti al paesaggio culturale svizzero e a preservare la diversità culturale della Svizzera", come ha dichiarato nel documento Comunicato stampa scrive. E ancora:

"L'impatto economico del divieto di organizzare eventi sul settore culturale (arti dello spettacolo, design, cinema, arti visive, letteratura, musica e musei) sarà ammortizzato con aiuti e compensazioni di emergenza. Come primo passo, la Confederazione mette a disposizione 280 milioni di franchi svizzeri come prima tranche per due mesi. Durante questi due mesi, la Confederazione monitorerà gli ulteriori sviluppi insieme ai Cantoni e alle organizzazioni culturali. Sono previste le seguenti misure:

In primo luogo, il governo federale mette a disposizione fondi per fornire aiuti di emergenza alle imprese culturali e ai professionisti della cultura: le imprese culturali senza scopo di lucro, ad esempio le fondazioni, possono ricevere prestiti rimborsabili senza interessi per garantire la loro liquidità. I professionisti della cultura possono richiedere un aiuto d'emergenza non rimborsabile per coprire le spese di sostentamento immediate, a condizione che non siano coperte dal nuovo indennizzo per la perdita di guadagno basato sulla Legge sulle indennità di perdita di guadagno. La gestione è affidata ai Cantoni (imprese culturali) o a Suisseculture Sociale (artisti creativi).

In secondo luogo, le imprese culturali e i professionisti della cultura possono richiedere ai Cantoni un risarcimento per la perdita finanziaria associata alla cancellazione o al rinvio di eventi o alla chiusura di attività. L'indennizzo per la cancellazione copre un massimo dell'80% della perdita finanziaria. La Confederazione si fa carico della metà dei costi riconosciuti dai Cantoni.

In terzo luogo, le associazioni amatoriali nei settori della musica e del teatro possono essere sostenute con un contributo finanziario per le perdite economiche associate alla cancellazione o al rinvio degli eventi".
 

Inoltre, il Consiglio federale Riunioni di più di cinque persone vietato. Si astiene dall'imporre il divieto di uscire e si affida invece alla solidarietà e alla responsabilità personale di ciascuno. È importante che la popolazione comprenda le misure. Dopo tutto, devono essere rispettate entro il 19 aprile. Ciò richiede una grande perseveranza da parte di tutti.

Georg Matter è vicedirettore del Dipartimento Cultura da febbraio 2018. Prima di entrare nel Cantone, è stato per dieci anni socio fondatore e membro del consiglio di amministrazione di ProSpect GmbH a Reinach.

Georg Matter ha studiato preistoria e storia antica, archeologia medievale e archeologia classica presso le Università di Basilea e Friburgo in Brisgovia (Germania). Nel 2008 ha conseguito il dottorato presso l'Institut d'Archéologie et des Sciences de l'Antiquité (IASA) dell'Università di Losanna. Nel 2012 ha completato un corso di certificazione CAS presso l'Università di Scienze Applicate della Svizzera nordoccidentale sui fondamenti dell'amministrazione aziendale.