L'edizione Urtext delle canzoni di Schubert, basata sulla "Nuova edizione Schubert", è ora disponibile in nove dei tredici volumi previsti. Curata da Walther Dürr, sorprende con diverse innovazioni. Da un lato, i brani sono stati riarrangiati, dall'altro sono stati messi a disposizione spartiti completamente nuovi e autorizzati, con diversi vantaggi pratici per il cantante esecutore.

Si è deciso di non organizzare i brani in ordine cronologico o, come nell'edizione Peters disponibile dalla metà del XIX secolo, di procedere secondo il loro presunto significato per la pratica musicale, ma di adottare l'ordine che Schubert stesso dava ai suoi brani. Questo vale per circa un terzo di tutti i brani pubblicati durante la sua vita. I rimanenti sono disposti nell'ordine in cui sono stati composti.

Le canzoni stesse sono precedute da un ampio materiale informativo (bilingue): Ogni testo è tradotto in inglese, contiene commenti dettagliati sul testo, sulla storia della sua composizione e sulle fonti, nonché informazioni sul numero di versioni alternative che possono esistere. Queste versioni alternative sono incluse nell'appendice di ogni volume e forniscono all'esecutore materiale musicale supplementare non disponibile in precedenza. Ad esempio, il Canzone di Mignon"Nur wer die Sehnsucht kennt", probabilmente una delle canzoni più famose di Schubert, è presentata in ben cinque versioni, alcune delle quali differiscono notevolmente l'una dall'altra. L'interprete ha così la possibilità di scegliere la versione che più si avvicina alla sua comprensione dell'opera. Questo nuovo materiale invita a un viaggio emozionante alla scoperta di un mondo di Schubert finora sconosciuto.

Infine, ma non meno importante, vi sono alcuni vantaggi imbattibili per i cantanti esecutori: mentre nella vecchia edizione di Schubert solo i volumi dall'1 al 3 erano disponibili in versione trasposta e dal volume 4 in poi ci si doveva accontentare delle chiavi originali o trasporle da soli, ora si aprono tesori completamente nuovi, soprattutto per le voci medie e basse! L'intera opera è trasposta e disponibile in tre chiavi diverse.
Mi piace anche il fatto che nella trasposizione dei grandi cicli come "Winterreise" e "Schöne Müllerin" sia stata conservata la sequenza originale delle chiavi, mentre nell'edizione Peters la trasposizione era ancora basata su altri criteri. Così nell'edizione intermedia La bella moglie del mugnaio nel suo complesso di una terza minore, che Viaggio d'inverno di un secondo maggiore. Questo approccio è certamente molto più in linea con l'intenzione di Schubert.

Vorrei sottolineare un aspetto piccolo ma utile: l'indice all'inizio del libro e la facilità d'uso che ne deriva. Non è necessario scavare tra pagine di fonti, traduzioni e commenti per trovarlo.

Franz Schubert: Lieder, a cura di Walter Dürr, Vol. 1-9 per voce alta: BA 9101-9109; per voce media: BA 9121-9129; per voce bassa: BA 9141-9149; € 36,50 ciascuno, Bärenreiter, Kassel

La famosa letteratura pedagogica per pianoforte di Béla Bartók dovrebbe essere suonata anche sulla chitarra? Si tratta di un'idea in qualche modo ovvia, ma non per questo facile da realizzare. Mentre la mano destra e la mano sinistra interagiscono sulla tastiera del pianoforte, ma ognuna ha i propri movimenti indipendenti, le note sulla chitarra sono solitamente suonate da quattro dita di una sola mano, la mano sinistra. Ciò richiede una grande abilità motoria fine per far emergere un ritmo groovy di sette ottave e la melodia che lo sovrasta in modo altrettanto fluido.

Ora Siegfried Steinkögler, dell'associazione Microcosmo La monumentale raccolta di oltre 150 brevi brani di Bartók, di cui 16 arrangiati per chitarra sola. Essi contengono tutto ciò che caratterizza la qualità della letteratura didattica di Bartók: melodie piacevoli, spesso folcloristiche, ritmi attraenti, armonie maggiori/minori contrapposte a cromatismi acuti, scrittura contrappuntistica a due parti. È inoltre sempre sorprendente quanto possano suonare attraenti le ottave parallele quando vengono utilizzate in modo efficace nella composizione.

Il chitarrista, compositore ed editore austriaco è rimasto il più possibile fedele all'originale. Tuttavia, ciò che appare molto semplice nella notazione per pianoforte sembra terribilmente complicato nella notazione per chitarra - e lo è! Diteggiature, segni di posizione e numeri di corda ingombrano la musica, ma aiutano il chitarrista a orientarsi sulla tastiera. Ad esempio, un ostinato di accompagnamento deve essere diteggiato in modo molto diverso nel corso del brano, a seconda della posizione della parte superiore, e in questo caso sono utili indicazioni aggiuntive.

Già nel 2017, Steinkogler aveva pubblicato la raccolta di Bartók Per i bambini ma per due chitarre anziché una sola e con un obiettivo diverso: far conoscere ai giovani esecutori la musica di Bartók. Con il Microcosmo adotta un approccio diverso: "Con diverse soluzioni chitarristiche possibili, ho spesso rinunciato a una versione semplificata a favore di una più impegnativa ma dettagliata", scrive nella prefazione. Le miniature di Bartók sono certamente degne delle elevate esigenze poste alla loro esecuzione.

Béla Bartók: Mikrokosmos, 16 pezzi per chitarra arrangiati da Siegfried Steinkogler, UE 38060, € 14,95, Universal Edition, Vienna 

Il canone in musica è la forma più rigorosa di imitazione musicale, che consiste in due o più voci che eseguono gli stessi passi vocali uno dopo l'altro e quindi sfalsati. Il termine inglese "round" lo riassume come una forma di canto insieme, e Sumer è Icumen in dell'Inghilterra del XIII secolo è il primo canone sopravvissuto nella storia della musica.

Oltre al fatto che tutti i grandi compositori hanno utilizzato la finezza tecnica del canone nel contrappunto delle loro opere, nel corso del tempo si è sviluppato anche un genere di canoni divertenti, che possono essere utilizzati come strumento pedagogico corale per la formazione al suono.

Werner Beidinger e Kristian Commichau hanno ora pubblicato la raccolta altamente raccomandata Canonissimo con 66 canoni per la scuola, il coro e il tempo libero. Contiene un ampio spettro in varie categorie: canoni di antichi maestri, canoni per la danza, canoni modali (modi pentatonici/di chiesa), canoni swing/pop, canoni del 1625 (ovvero i passi dello schema armonico) e canoni malagueñi ("cadenza andalusa" ecc.).

Oltre alle partiture per la direzione d'orchestra, sono molto utili i facili accompagnamenti per pianoforte, le note didattiche e, soprattutto, la presentazione di tutti i canoni come partiture corali. Per avere una migliore impressione del suono polifonico, è incluso anche un CD con le "partiture sonore" di tutti i canoni come file pdf e mp3.

Kanonissimo, 66 canoni per la scuola, il coro e il tempo libero, ed. Werner Beidinger, Kristian Commichau, 148 p. con CD, n. d'ordine 335, € 29,90, Fidula, Koblenz

Louis Théodore Gouvy nacque a Goffontaine (oggi Schafbrücke [Saarbrücken]), nella regione di confine franco-tedesca, nel 1819 e morì a Lipsia nel 1898. Visse alternativamente in Francia e in Germania e trovò riconoscimento artistico in entrambi i Paesi. La sua opera compositiva comprende sinfonie, musica da camera, un'opera, canzoni e opere vocali sinfoniche.

I dieci pezzi di carattere per violoncello e pianoforte op. 28, scritti nel 1859, furono pubblicati con il supertitolo Décaméron. Sono tutte composizioni in duo che trattano in modo paritario il pianoforte e il violoncello. Possono essere eseguite sia ciclicamente che come numeri singoli e offrono agli esecutori una variegata tavolozza di stati d'animo.

Il livello di difficoltà è medio. La riscoperta di questo ciclo romantico è un'esperienza che arricchisce sia gli strumentisti che gli ascoltatori.

Louis Théodore Gouvy: Décaméron per violoncello e pianoforte, a cura di Wolfgang Birtel, Volume 1: PON 1035; Volume 2: PON 1036; € 19,95 cad. 

"Mi piace esercitarmi, ma non mi piacciono gli esercizi in cui devo suonare sempre la stessa cosa. Certo, esercitarsi significa ripetere, ma non voglio nemmeno annoiarmi". Questo è quanto afferma Jost Nickel, che presenta un'opera che offre agli esecutori un'ampia gamma di esercizi per rullante diversi e variegati, per migliorare la tecnica esecutiva e la comprensione generale del ritmo.

Nella sua consueta forma strutturata, l'autore presenta concetti di esercizi in varie firme e suddivisioni temporali per il miglioramento sistematico della flessibilità ritmica e dell'indipendenza motoria, nonché per un migliore controllo dell'esecuzione attraverso i cambi di tempo, che rafforzano la panoramica ritmica. All'inizio del libro è incluso un libretto rilegato separato. Si tratta dei testi di lettura che vengono ripetutamente utilizzati come base nei vari capitoli e argomenti. Questo dimostra quanto l'opera sia strutturata e ben congegnata.

Il Libro del rullante è suddiviso in sei capitoli. Il primo contiene vari esercizi di riscaldamento in cui, ad esempio, i movimenti familiari delle mani vengono combinati con accentuazioni, suddivisioni e firme temporali insolite. Particolarmente stimolanti sono gli esercizi di ostinato, che migliorano l'indipendenza, mentre gli esercizi di incastro favoriscono una migliore coordinazione.

Concetti chiari caratterizzano anche il secondo capitolo del libro, in cui Nickel ci accompagna passo dopo passo attraverso esercizi per rolls invertiti a doppio colpo, flams, colpi multipli, ruffs, paradiddles e altro ancora. Questi esercizi permettono al batterista di creare i propri esercizi mantenendo lo stesso approccio ma cambiando il contenuto.

Nickel dà anche molti consigli utili sulla pratica in generale, ad esempio su come cantare un groove per gli esercizi o su come affrontare un piano di pratica con una lista di tempi. Descrive i singoli esercizi in modo dettagliato e chiaro, guidando il lettore attraverso gli argomenti in modo mirato.

Conclusione: un lavoro interessante che fa venire voglia di suonare subito il tamburo della lotteria.

Jost Nickel: Libro del rullante, libro e testi di lettura (supplemento). Art. n. 20279G, € 21,95, Alfred Music, Colonia 

Come team, Steier e Gebhardt gestiranno congiuntamente la divisione opera e quindi plasmeranno insieme i contenuti, il programma, l'ensemble e le posizioni di regia. La drammaturga della danza Wanda Puvogel assumerà la direzione del dipartimento di danza del Teatro di Lucerna come parte del nuovo team. Katja Langenbach arriva a Lucerna da San Gallo e assume la direzione del dipartimento di teatro.

Lydia Steier, americana di nascita, ha studiato canto all'Oberlin Conservatory of Music e regia alla Carnegie Mellon University. Dal 2009 lavora come regista freelance, tra l'altro alla Komische Oper di Berlino, all'Opera di Los Angeles, alla Semperoper di Dresda, al Konzert Theater di Berna, al Theater Basel, al Bremer Theater e al Theater Weimar, oltre che nei teatri d'opera di Ginevra, Düsseldorf e Colonia. Nel 2018 ha aperto il Festival di Salisburgo con la sua interpretazione de "Die Zauberflöte" di Mozart. Ha insegnato anche alla Hochschule für Musik und Theater di Amburgo e al corso estivo di Darmstadt, tra gli altri.

Lars Gebhardt ha studiato studi teatrali e lingua e letteratura tedesca all'Università di Lipsia e drammaturgia all'Accademia di Musica e Teatro Felix Mendelssohn Bartholdy di Lipsia. Gli impegni drammaturgici permanenti lo hanno portato alla Komische Oper di Berlino, ai teatri statali di Oldenburg e Mainz e, dal 2017, alla Deutsche Oper di Berlino.

Wanda Puvogel ha studiato violino all'Università di Musica di Aquisgrana. In seguito è stata incaricata della pianificazione e dell'organizzazione di tournée per importanti compagnie di danza internazionali presso la Norddeutsche Konzertdirektion Melsine Grevesmühl, tra le altre. Nel 2007 si è trasferita in Svizzera e ha lavorato come drammaturga e manager per il Balletto di Berna, diretto da Cathy Marston. Dal 2014 lavora per l'associazione professionale Danse Suisse. A livello nazionale e internazionale, siel lavora anche come drammaturga di danza freelance e dal 2016 è drammaturga per il Migros Culture Percentage Dance Festival Steps.

L'Ensemble Phoenix Basel organizza un concorso biennale di composizione svizzero tra novembre 2020 e novembre/dicembre 2021. Il concorso inizia a giugno. Insieme a Michael Jarrell (professore di composizione all'Università della Musica di Ginevra), i compositori selezionati svilupperanno brevi brani che fungeranno da "satelliti" dell'opera. Vortex Temporum per pianoforte e cinque strumenti. Questa, un'opera importante di Gérard Grisey, sarà eseguita alla Gare du Nord di Basilea alla fine del 2021.

In primo luogo, i compositori saranno selezionati per una fase di lavoro in tre parti tra novembre 2020 e giugno 2021 sulla base dei dossier presentati. L'Ensemble Phoenix e Michael Jarrell incaricheranno due musicisti di scrivere ciascuno un'opera d'insieme, che verrà poi eseguita insieme a Vortex Temporum essere eseguiti nel "Concerto Trabant". Il termine ultimo per le iscrizioni è il 30 giugno. Per i requisiti di ammissione, i dettagli di presentazione e la procedura esatta, vedere:

http://ensemble-phoenix.ch
 

La famiglia Janett, composta da cinque musicisti di Sulgen, "riesce a passare con disinvoltura dalla musica antica e tradizionale a suoni nuovi e sperimentali" nel suo lavoro musicale, scrive il Cantone. Sibylle, Curdin, Madlaina, Cristina e Niculin Janett vivono una grande apertura stilistica che spazia dalla musica popolare e classica al jazz e all'improvvisazione.

Curdin Janett, nato a Tschlin in Engadina nel 1953, ha studiato musica al Conservatorio di Winterthur e suona come musicista indipendente in diverse formazioni note di musica popolare tradizionale svizzera e engadinese. Sibylle Janett è insegnante di scuola materna a Sulgen ed ex insegnante di educazione musicale precoce presso la scuola di musica di Weinfelden. Madlaina Janett è una violista attiva nella scena della musica popolare e membro di varie formazioni. Lavora anche come organizzatrice di eventi, è membro del consiglio di amministrazione dell'associazione Musikvermittlung Schweiz+ e nel 2011 ha fondato un ufficio di mediazione culturale.

Cristina Janett, 1986, ha conseguito il Master in Educazione musicale a Berna nel 2010 e ha poi ottenuto un Master in Performance presso l'Università delle Arti di Zurigo. Attualmente suona in vari ensemble e insegna violoncello. Niculin Janett, 1989, ha conseguito il Bachelor in sassofono jazz all'Università delle Arti di Zurigo nel 2011. Ha ottenuto un Master of Arts in Pedagogia musicale nel 2013. Come sassofonista freelance, Niculin Janett improvvisa, compone e arrangia per e con gruppi e musicisti rinomati e suona nelle proprie band. Niculin Janett insegna alla Scuola di Musica di Untersee e Reno e alla Scuola di Musica di Weinfelden.

Tra tutti i parametri musicali, il ritmo occupa indubbiamente il primo posto nella Settima Sinfonia op. 92 di Ludwig van Beethoven: ciascuno dei quattro movimenti è strettamente legato a figure di movimento simili a motivi che conferiscono all'opera un impulso energico - dal 6/8 vivace, a volte rimbalzante, del pesante movimento di apertura al finale pieno di energia e di corsa. Per questo motivo Richard Wagner definì la composizione una "Apoteosi della danza", un termine che usava non tanto per indicare una possibile coreografia quanto per riassumere il gesto generale della partitura.

Il centro emotivo della sinfonia, tuttavia, è il secondo movimento lento, segnato Allegretto (un po' veloce). Con il suo tono affondato e stridente, segna una marcia funebre tragicamente motivata, dalla quale Beethoven emerge solo in due sezioni - simili a un trio ripetuto - in un più leggero La maggiore, portato melodicamente dai clarinetti e dai fagotti. Un accordo in aperta dissolvenza nell'armonia dei fiati incornicia solennemente il movimento all'inizio e alla fine. La marcia funebre si caratterizza soprattutto per il suo ritmo di base sostenuto (lungo - breve - breve), che viene completato dal punto di vista motivico da due note lunghe successive; ciò si riflette anche nel soprannome dell'opera, ancora diffuso in Francia, di Sinfonia dattilica riflesso. Alle prime esecuzioni, a pochi mesi dalla vittoria su Napoleone nella battaglia di Lipsia, conquistata con notevoli perdite, il pubblico contemporaneo ascoltò la sinfonia con orecchie aperte e comprese immediatamente la tragedia espressa nell'Allegretto. Questa affinità con Vienna è documentata da un resoconto del Leipzig Allgemeine musikalische Zeitung. Si dice che il pubblico abbia richiesto un dacapo quasi inimmaginabile nei concerti di oggi: "L'Andante ! (La minore) doveva essere ripetuto ogni volta e ha deliziato gli intenditori e i non intenditori.."

La misura in cui il movimento è ancora oggi in grado di evocare connotazioni simili è dimostrata dal suo utilizzo come musica da film per scene apocalittiche - non in senso illustrativo, ma come realizzazione sonora di un tumulto interiore. Questo vale, ad esempio, per Il discorso del re (2010). La musica di Beethoven è musicata dal discorso radiofonico del re britannico Giorgio VI, in cui giustifica al suo popolo - già consapevole delle innumerevoli vittime - l'ingresso del Paese nella Seconda Guerra Mondiale. Il movimento, solo leggermente abbreviato, viene utilizzato in modo molto più drammatico anche in Sapere - Il futuro finisce ora (2009), quando Nicolas Cage (alias John) sale in auto poco prima che la terra esploda in un mare di fiamme, inserisce un CD e si dirige verso i suoi genitori, al riparo acustico dalla folla disperata che saccheggia nell'inferno. La marcia funebre non è integrata nella trama vera e propria, ma più fondamentalmente nel gioco filosofico e teologico delle idee in L'uomo della Terra (2007) - come risposta musicalmente significativa alla domanda: "Credete nel futuro dell'umanità?"
 

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Una di queste sarà trasmessa in streaming il 21 maggio dalle 10.00 alle 16.00: 900 bandiere con la data EJCF 2020 saranno utilizzate per creare un telo di solidarietà multicolore di oltre 400 m2. Non solo il pubblico in Svizzera, ma anche i cori all'estero potranno assistere alla crescita del telo nel corso di sei ore, accompagnati dalla musica corale dei festival passati.

La sciarpa della solidarietà simboleggia la solidarietà con i bambini e i giovani di altri Paesi europei che ora non possono cantare insieme al festival o nel loro Paese. È l'acronimo di "I colori delle culture", che da sempre costituiscono la vivacità dell'EJCF e che in questi giorni di festival sarebbero cresciuti insieme per formare una grande unione.

Nata nel 1994, la cantante dell'Alto Vallese Tanya Barany, il cui vero nome è Tanja Zimmermann, è cresciuta a Visperterminen. Dal 2014 studia canto jazz e pop all'Università delle Arti di Zurigo. Ha conseguito il bachelor con lode per il "Best Bachelor Project" nel 2017 e il master con lode in educazione musicale nel 2019.

Tanja Zimmermann si è fatta conoscere a livello nazionale e internazionale negli ultimi anni come "Tanya Barany". Ha calcato molti palcoscenici in patria e all'estero e, oltre a "Tanya Barany", è una musicista versatile in varie formazioni, vocal coach, compositrice, paroliera, produttrice e autrice di canzoni.

Il Premio culturale del Canton Vallese è stato istituito nel 1980. Dotato di 20.000 franchi, il premio corona una carriera artistica riconosciuta e confermata. Dal 1982 sono stati assegnati altri tre premi per sostenere giovani artisti di talento in un momento decisivo della loro carriera. I premi, del valore di 10.000 franchi ciascuno, sono un forte segno di riconoscimento e un incoraggiamento a continuare su questa strada. Dal 2011 viene assegnato anche un premio speciale di 10.000 franchi a persone o gruppi innovativi nel campo della mediazione o della realizzazione culturale che contribuiscono allo sviluppo culturale del Cantone con il loro lavoro "dietro le quinte". I premi sono assegnati dal Consiglio di Stato ad artisti nominati dal Consiglio culturale.
 

I tre musicisti riceveranno un premio in denaro di 10.000 franchi svizzeri ciascuno e un'ulteriore borsa di studio sotto forma di partecipazione all'accademia del valore di altri 10.000 franchi svizzeri. Poiché il festival estivo e quindi l'accademia non possono svolgersi quest'estate a causa della pandemia di coronavirus, la borsa di studio è valida per il prossimo anno. Nell'estate 2021, Karen, Lai e Gignoux parteciperanno all'Accademia del Festival di Lucerna insieme ai vincitori del Premio Fritz Gerber 2021.

Nata nel 1991, la pianista finlandese Helga Karen è membro dell'ensemble Lemniscate di Basilea. Ha conseguito il Master of Arts in Specialised Musical Performance presso la Hochschule für Musik Basel nel 2016, dove ha studiato, tra gli altri, con Mike Svoboda, Jürg Henneberger e Marcus Weiss. Ha frequentato masterclass con Christian Dierstein, Florian Hoelscher, Nicolas Hodges, Benjamin Kobler e altri. Dal 2015 ha partecipato più volte alla Lucerne Festival Academy e nel 2018 si è esibita con la Lucerne Festival Alumni Orchestra.

Il contrabbassista Thomas Hong Yiu Lai, nato a Hong Kong nel 1997, sta completando il Master in Educazione musicale con Duncan McTier e Wies de Boevé presso la Zurich University of the Arts. Nel 2019 ha conseguito un Master of Arts in Musical Performance presso la Lucerne University of Applied Sciences and Arts con Božo Paradžik. Attualmente è membro dell'Orchestra Academy della Bamberg Symphony Orchestra. È già stato impegnato a progetto con l'Orchestra Sinfonica di Gottinga e la Philharmonia di Zurigo all'Opera di Zurigo.

Il percussionista franco-svizzero Aurélien Gignoux, nato nel 1997, ha studiato al conservatorio di Parigi con Gilles Durot, Jean-Claude Gengembre e Florent Jodelet. Ha già suonato nella Gustav Mahler Youth Orchestra sotto la guida di Vladimir Jurowski e Lorenzo Viotti. Nel 2019 ha vinto il Premio musicale di Osnabrück, nonché il secondo premio e il premio speciale per la migliore interpretazione della composizione commissionata al Concorso musicale ARD.

La Fondazione Fritz Gerber per i giovani di talento è attiva dal 1999. Sostiene i giovani di talento nei settori dell'artigianato, della cultura e dello sport. Il sostegno viene fornito sotto forma di contributi finanziari per l'istruzione, la formazione e il perfezionamento. Negli ultimi 21 anni, la fondazione ha sostenuto oltre 2.300 giovani di talento con un totale di oltre 27 milioni di franchi svizzeri.

Marc Unternährer colpisce "come musicista straordinario e dotato di un fascino nazionale e internazionale", scrive la città. Il suo virtuosismo e la sua creatività, il suo amore unico per la sperimentazione e l'espressività come suonatore di tuba sono espressi nella sua vasta opera musicale.

Unternährer si esibisce in un'ampia varietà di stili musicali, sia in ambito classico in varie orchestre svizzere (Orchestra della Tonhalle di Zurigo, LSO, ecc.), sia in molti progetti musicali indipendenti in formazioni affermate per la nuova musica, la musica improvvisata, la nuova musica popolare e il jazz (NAH Trio di Albin Brun, Ensemble Le Rex, ecc.).

È coinvolto nel Forum per la Nuova Musica di Lucerna, organizza la serie "Jazz am Dienstag" al Kleintheater di Lucerna, è direttore del programma dello Stanser Musiktage e co-fondatore del Mullbau, che fornisce una piattaforma per l'improvvisazione e le arti sperimentali in particolare. Dal suo soggiorno a Chicago presso lo studio di gemellaggio di Lucerna nel 2002, lo scambio e la rete di contatti con i musicisti di Chicago hanno continuato a crescere.

Come musicista impegnato, è anche un convinto sostenitore delle questioni di politica culturale. È docente di improvvisazione presso la HKB di Berna e la HSLU Music di Lucerna.

In un'epoca in cui è più probabile che le persone si infilino mini-pod nelle orecchie quando sono in giro piuttosto che canticchiare o fischiettare un brano, la bella parola "Gassenhauer" è passata di moda da tempo. Mentre oggi la popolarità della musica è determinata dalle classifiche, in passato si votava con i piedi, o più precisamente: per strada, cioè registrando il "tormentone" e trasmettendolo. Nei decenni intorno alla fine del XIX secolo, anche i compositori amavano prendere spunto da queste melodie popolari, scrivendo ogni tipo di variazione su di esse (soprattutto per pianoforte) e venendo ben pagati dagli editori. Joseph Gelinek (1758-1825) era l'indiscusso "re delle variazioni" in questo senso ai suoi tempi. Beethoven, invece, prese sempre particolarmente sul serio un successo.

Solo raramente si trovano variazioni di questo tipo in un contesto di musica da camera, come nel finale del Trio per pianoforte e orchestra in si bemolle maggiore op. 11, che è segnato per clarinetto (invece che per violino).Pria ch'io l'impegno", una melodia dell'opera L'amor marinaro ossia Il corsaro (Der Korsar oder Die Liebe unter den Seeleuten) di Joseph Weigl (1766-1846), rappresentata per la prima volta al Burgtheater di Vienna il 15 ottobre 1797. Tuttavia, in questo caso probabilmente non fu solo la musica orecchiabile a contribuire alla sua rapida popolarità, soprattutto perché non proviene da un'aria o da una canzonetta, ma da un terzetto (all'inizio del II atto) tra il capitano, il suo servo Pasquale e Cisofautte, un capobanda che si pone delle priorità ben precise: "Ma prima di mostrarmi come un maestro / devo prima mangiare. / Allora vedranno / quanto posso fare. / Quando dalle altezze / alle profondità / il mio stomaco vuoto / risuona così brillantemente." Il vernacolo è "Uno stomaco vuoto non può saltare bene" non troppo lontano da questo.

Non proprio un "evergreen", il "Pria ch'io l'impegno" ha ispirato numerosi contemporanei a scrivere variazioni, fantasie o altro ancora - oltre alle opere di Joseph Eybler, Johann Nepomuk Hummel, Joseph Wölfl e Friedrich Kalkbrenner, Nicolò Paganini scrisse addirittura una Sonata con Variazioni op. 29 per violino con accompagnamento orchestrale. E ancora nel 1832 un certo H. W. Stolze di Celle pubblicò una serie di variazioni per pianoforte e violoncello op. 6. Tuttavia, la melodia di Weigl è sopravvissuta solo nella composizione di Beethoven, che oggi (e non del tutto accuratamente) viene chiamata "Trio Gassenhauer".

Il libretto (italiano/tedesco) fu pubblicato anche a Dresda nel 1798 con un titolo dell'opera leggermente diverso; il "Gassenhauer" si trova a p. 118/119 (scansione 122/123). Link al libretto.
 

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Le organizzazioni culturali federali hanno opposto resistenza ai criteri formulati nel progetto di legge sulla pensione di base, anche se il progetto di legge è stato accolto con favore in linea di principio. Ad esempio, l'Associazione federale degli artisti visivi ha scritto un appello con 45.000 firme al governo federale, ai membri del Parlamento e al Consiglio federale, sostenuto anche dall'Alleanza delle arti liberali.

Secondo Martin Maria Krüger, presidente del Consiglio tedesco per la musica, i professionisti creativi assicurati attraverso il Fondo di previdenza sociale degli artisti (KSK) spesso non guadagnano nemmeno il 30% del reddito medio necessario per ricevere la pensione di base secondo il progetto di legge, nonostante molti anni di lavoro altamente qualificato e di grande impegno.

Ad esempio, 20.000 artisti sono attualmente esclusi dalla pensione di base perché il loro reddito è troppo basso. A sua volta, la previdenza privata è inaccessibile per questo gruppo di professionisti: un circolo vizioso di povertà.

Il Consiglio della Musica si appella quindi al Bundestag affinché nelle prossime deliberazioni sul disegno di legge vengano apportati dei miglioramenti e venga abbassato il reddito minimo richiesto per la pensione di base al 20% del reddito medio, in linea con la situazione di molti professionisti creativi.