La SMG conferisce il Premio Handschin 2020 alla musicologa dott.ssa Laura Decurtins (nata nel 1985), che ha conseguito il dottorato all'Università di Zurigo con una tesi dal titolo "Chantai rumantsch! Zur musikalischen Selbst(er)findung Romanischbündens" all'Università di Zurigo e al musicologo dott. des. Rafael Rennicke (nato nel 1979 a Rottweil), che ha scritto la sua tesi di laurea dal titolo "Erinnerungspoetik. Berlioz e la ricezione di Ranz des vaches nel XIX secolo" presso l'Università di Tubinga.

Mentre Laura Decurtins ha esplorato il "DNA musicale" dei Grigioni romanci e offre un'impressionante visione musicale dei Grigioni romanci, Rafael Rennicke riesce a elevare il precedente dibattito sui riflessi della "mandria di mucche" nella musica composta a un nuovo livello, interdisciplinare e interculturale nel senso migliore del termine.

Il comitato di selezione, composto da membri del consiglio di amministrazione della SMG, quest'anno ha trovato particolarmente difficile scegliere tra 14 tesi di laurea molto valide e ha deciso di premiare due tesi eccellenti con un premio di 3000 franchi svizzeri ciascuna. Oltre all'attività accademica, il vincitore del premio lavora attualmente come redattore musicale presso la radio culturale SWR 2 di Baden-Baden, mentre la vincitrice del premio lavora presso l'Istituto per la ricerca culturale dei Grigioni (ikg) ed è un'accademica freelance.

È la sesta volta che la Società Svizzera di Ricerca Musicale assegna il premio intitolato al musicologo e organista svizzero di origine moscovita Jacques Handschin (1886-1955), che viene assegnato a giovani ricercatori ogni due anni. La cerimonia di premiazione si terrà il 17 settembre 2020 nell'ambito della prima giornata di studio della SMG nell'edificio principale dell'Università di Berna.

Circa cinque anni fa, l'evento si è svolto a Brunnen, la città natale di Othmar Schoeck, un festival che dura circa dieci giorni avrà luogo. Il team organizzativo ha elaborato un concetto pluriennale con una composizione parzialmente nuova: In un fine settimana di settembre, l'opera del compositore deve essere riportata in vita, riflettuta e messa in relazione con altre opere d'arte.

Quest'anno, con il motto "Amazzoni", si analizzeranno i ruoli e le immagini delle donne nel passaggio dal Romanticismo al Modernismo. Numerosi musicisti e ricercatori si confronteranno su questo tema nel corso di tre giorni.

L'allentamento delle restrizioni deciso dal Consiglio federale il 27 maggio consente ora lo svolgimento di eventi a determinate condizioni. A causa dello spazio limitato disponibile a Villa Schoeck, solo pochi visitatori potranno assistere al festival dal vivo. Per questo motivo, gli eventi saranno resi accessibili a un pubblico più vasto tramite live stream in collaborazione con diversi partner.

Oltre a vari eventi collaterali, il festival è caratterizzato da tre punti principali:
- Nel Prestazioni SENZA CASA presenterà le opere di Mascha Kaleko,
Else Lasker-Schüler, Clara Schumann, Marianne von Willemer, Sibylle Berg e Judith Weir.
- Le canzoni di Stefan Keller vengono eseguite in un Concerto e in contrasto con le opere di Othmar Schoeck.
- Il simposio Donne:Voci - Ruoli e personalità sotto la direzione di Merle Fahrholz, drammaturgo capo del Teatro dell'Opera di Dortmund, si concentra sull'opera nel passaggio dal XIX al XX secolo.

Il programma dettagliato è disponibile all'indirizzo www.schoeckfestival.ch e viene costantemente aggiornato.

Originariamente composto come finale dell'opera del 1825/26 Quartetto per archi in si bemolle maggiore op. 130 Le prime esecuzioni della fuga da parte del Quartetto Schuppanzigh furono accolte con incomprensione, anche dagli intenditori. Un recensore la trovò "come il cinese", anche se è stato riconosciuto che il momento potrebbe ancora arrivare "in cui ciò che a prima vista appariva torbido e confuso viene riconosciuto con chiarezza e in forme gradevoli". In ogni caso, l'editore viennese di Beethoven, Mathias Artaria, non volle aspettare così a lungo e si rivolse al compositore con la richiesta di sostituire la fuga con un altro movimento più convenzionale (un rondò esteso alla fine). Ci vollero un po' di persuasione e un supplemento di prezzo prima che Beethoven accettasse con riluttanza la richiesta. Karl Holz, violoncellista del quartetto, ricordò in seguito: "Ha pensato molto sul giunto e poteva essere persuaso solo con difficoltà a dal quartetto d'archi separare."

Il nome abituale di questa frase indubbiamente mostruosa è ingannevole: Il Giunto grande non è una composizione nel senso dello stile antico né del tipo che Beethoven aveva già composto a Bonn durante le sue lezioni con Christian Gottlob Neefe nella scuola di Johann Sebastian Bach. Pianoforte ben temperato aveva studiato. A parte le notevoli difficoltà tecniche, si tratta di un'evoluzione radicale e rivoluzionaria, tanto che Beethoven poteva a ragione affermare che l'opera era "un'opera di successo".tantôt libre tantôt recherchée" (a volte libero e a volte legato). Igor Stravinskij lo considerava addirittura "un brano musicale assolutamente contemporaneo che sarà per sempre contemporaneo".

Dopo la decisione di pubblicare la fuga separatamente come op. 133, anche Mathias Artaria si rivolse a Beethoven per una versione per pianoforte a quattro mani, ma egli inizialmente non era disposto ad accettare ciò che considerava di natura più tecnica. Tuttavia, Beethoven era talmente insoddisfatto di un arrangiamento fatto da Anton Halm con poco preavviso che ne realizzò lui stesso una versione indipendente con un numero d'opus separato, formulando le sue richieste all'editore nel suo manoscritto con alcune note per metà scherzose e per metà serie: "1=dieci / Penale Pena composto / di 2 ClementiKlavie 3 squisite / impressioni del ritratto / di L. v. Beethoven / 2=primo, un bel / per questo / e quello così come / altro / 3=terzo, il M. S. Manoscritto di questo estratto di Klawier / o onorato / o restituito all'autore -."
 

Volete essere avvisati quando viene pubblicato un nuovo articolo del blog? Iscrivetevi alla nostra newsletter o al feed RSS!

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

La Settimana del Festival Musicale di Meiringen sarà uno dei pochi festival estivi ad aprire le porte e ad eseguire musica dal vivo. Le dimensioni dell'evento consentono di rispettare le nuove limitazioni di pubblico e le norme di sicurezza.

Anche l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo intende riprendere le attività in forma ridotta. I primi concerti si terranno nella Tonhalle Maag a partire da metà giugno. Il direttore principale e direttore musicale Paavo Järvi potrà concludere personalmente la sua prima stagione. Già la prossima settimana ci saranno sorprese musicali nell'ambito dell'apertura del Festival X il 5 giugno: invece del previsto concerto di apertura sulla Münsterplatz, i musicisti dell'orchestra si esibiranno in un ambiente più intimo in vari cortili di Zurigo. Nel complesso di eventi Kosmos, il Festival di Zurigo allestirà uno studio da cui verrà trasmessa la diretta streaming.

L'Assemblea generale, l'evento annuale più importante della vita sociale della cooperativa SUISA, avrebbe dovuto svolgersi quest'anno venerdì 26 giugno 2020, alle ore 11.00, presso la Bierhübeli di Berna. Tuttavia, ciò non è possibile a causa della pandemia di coronavirus, anche se non si sa ancora esattamente quando il divieto di raduno sarà revocato e per quali dimensioni di evento. Questo perché l'organizzazione di un'Assemblea generale richiede sempre circa due mesi di preparazione.

Il 29 aprile 2020 il Consiglio di amministrazione ha pertanto deciso che l'Assemblea generale di quest'anno si terrà in via eccezionale solo per posta. Questa decisione è in linea con i requisiti della Confederazione Svizzera nell'Ordinanza COVID-19 2, che consente eccezionalmente di tenere l'Assemblea generale in questo modo in base alla legge d'emergenza, anche se la formazione di opinioni è limitata dall'assenza di discussioni all'Assemblea generale.

1. gestione organizzativa

Tutti i soci aventi diritto di voto riceveranno per posta l'invito a partecipare al voto postale sulle delibere dell'Assemblea generale a partire dal 27 maggio 2020. I soci aventi diritto di voto hanno la possibilità di restituire il modulo di voto personalizzato compilato al ricevimento dell'invito. La lettera con il modulo di voto deve pervenire alla SUISA entro il 26 giugno 2020.

I risultati delle votazioni saranno poi scrutinati dall'ufficio elettorale sotto la direzione del Dr. Bernhard Wittweiler (responsabile del Servizio giuridico della SUISA).

Il 30 giugno 2020 il Presidente, il Segretario verbalizzante, l'Amministratore delegato e il Responsabile del Servizio giuridico stabiliranno formalmente i risultati delle votazioni e delle elezioni sulla base dello spoglio e li pubblicheranno sul sito web della SUISA lo stesso giorno.

I documenti di voto presentati sono riservati e saranno conservati fino alla scadenza del termine per impugnare la decisione (due mesi dopo l'approvazione della delibera, 31 agosto 2020) e poi distrutti.

2. punti all'ordine del giorno per il voto per corrispondenza invece che per l'assemblea generale

Oltre alle consuete attività statutarie - l'approvazione del verbale, le delibere sul bilancio d'esercizio, il rapporto di gestione e il rapporto annuale della cooperativa SUISA e del Gruppo SUISA - devono essere occupati anche due nuovi posti nelle commissioni.

2.1 Elezioni suppletive del Comitato esecutivo

Il nostro storico membro del Consiglio di amministrazione Reto Parolari è scomparso improvvisamente e inaspettatamente il 15 dicembre 2019. Il Consiglio di amministrazione propone di eleggere Melanie Oesch come suo successore.

Melanie Oesch è cresciuta vicino a Thun, nel cantone di Berna, e ha frequentato il liceo musicale di Thun. Con le sue numerose idee e progetti, Melanie è la responsabile creativa degli Oesch's die Dritten in molti settori. Gli Oesch's die Dritten sono un gruppo di musica popolare svizzera dell'Oberland bernese, composto da Hansueli e Annemarie Oesch, dai loro figli Melanie, Kevin e Mike e dal fisarmonicista Urs Meier. Melanie Oesch è membro della SUISA come autrice dal 2006. Anche la casa editrice Oesch Music, da lei diretta, è membro della SUISA. È anche membro della sezione "Performing Phono" di Swissperform.

2.2 Elezione suppletiva della Commissione per la distribuzione e i lavori pubblici

Grégoire Liechti è stato eletto nel Consiglio della SUISA in occasione dell'ultima Assemblea generale. Si è quindi dimesso dal Comitato di distribuzione e lavori. Il Consiglio propone come suo sostituto Michael Hug, proveniente dal settore editoriale. È amministratore delegato di Ruh Musik AG e rappresenta la quarta generazione della famiglia alla guida dell'azienda, fondata nel 1910. Ruh Musik è nota a livello nazionale e internazionale per la pubblicazione di musica per fiati; tuttavia, il catalogo comprende anche numerose opere di musica classica e corale. Michael Hug ha rilevato l'azienda dal padre insieme alla moglie nel 2009. Ha 55 anni e, come tutti i suoi predecessori nella casa editrice, è anche lui attivo musicalmente.

Anche in tempi di crisi, dare forma al futuro della SUISA è importante. Per una volta, anche i soci che altrimenti non potrebbero partecipare all'Assemblea generale possono prendere parte al voto scritto. Ci auguriamo una grande partecipazione.

Le informazioni sull'Assemblea generale annuale, i documenti e le registrazioni sono disponibili all'indirizzo

> www.suisa.ch/generalversammlung

Felicitas Sigrist -- Le misure necessarie per combattere la pandemia di coronavirus stanno avendo su molti musicisti lo stesso effetto di un divieto professionale senza colpa. Eventi preparati da tempo e impegni regolari sono stati cancellati all'improvviso e per alcuni sono venute meno tutte le fonti di reddito. Con il previsto crollo economico, è probabile che l'industria musicale si riprenda solo lentamente. In questa situazione di stress, si prevedono effetti non solo economici ma anche psicologici.

Spesso le persone reagiscono inizialmente con sconcerto a cambiamenti scioccanti o a colpi di destino. In seguito, si attivano per garantire la propria esistenza, fino a trovare strategie emotive di coping. In questa fase di minaccia imminente, possono verificarsi reazioni di stress acuto, come esplosioni di impulsi, panico, rabbia o dolore. Alcune persone sviluppano paure eccessive riguardo al rischio di contrarre il coronavirus e necessitano di un aiuto psicologico adeguato.

Più spesso di queste reazioni acute, i disturbi psicologici sono prevedibili a medio termine se la situazione di emergenza persiste e non si può fare molto per influenzarla. Anche la consolazione che le misure drastiche possano essere superate collettivamente svanirà con l'attenuarsi delle misure. L'impotenza, il senso di impotenza e persino la disoccupazione sono fattori di rischio per le malattie mentali. Da un lato, possono intensificarsi disturbi precedentemente compensati, come l'acufene o il dolore cronico. Dall'altro, possono aumentare la depressione, l'abuso di sostanze e le crisi suicide. Se le persone colpite o i loro familiari osservano un aumento dei modelli comportamentali, come pensieri circolari, disturbi del sonno, perdita di concentrazione, intorpidimento emotivo, ritiro sociale, irritabilità e difficoltà nel controllo degli impulsi, è importante cercare aiuto. Questo è particolarmente vero quando si manifestano pensieri di stanchezza nei confronti della vita. Il centro di consulenza SMM può effettuare una valutazione iniziale del problema e fornire un supporto professionale.

Si dice che "le crisi sono opportunità". Molte persone possono crescere grazie alle crisi - si parla di crescita post-traumatica. Tuttavia, aspettarsi questo in anticipo è cinico e banalizza le difficoltà. Ci sono anche persone che vengono spezzate dalle crisi. I requisiti e la resilienza sono individuali. La resilienza per affrontare l'imminente periodo di incertezza può essere dimostrata con abitudini quotidiane apparentemente banali: mantenere una struttura quotidiana, dormire regolarmente e a sufficienza, mangiare una dieta equilibrata e fare esercizio fisico - solo 150 minuti di esercizio fisico a intensità moderata a settimana hanno un effetto antidepressivo. I contatti sociali sono utili, a patto che non si parli solo del disagio attuale, ma che si scambino anche cose positive, che orientano i pensieri in una direzione diversa. È importante poter parlare autenticamente del proprio stato emotivo, ma limitarsi a una cerchia di persone fidate. Diversi metodi di pratica della mindfulness si sono dimostrati efficaci per affrontare le crisi con più calma. Questi insegnano la capacità di concentrarsi sul momento presente e di non permettere ai pensieri del passato o del futuro di dominare e appesantire. In termini medici, questo riduce i sintomi fisiologici dello stress e causa meno danni a lungo termine alla salute.

La pausa nel calendario delle esibizioni può essere utilizzata per rivedere e, se necessario, ottimizzare il proprio modo di fare musica. Si sono insinuate abitudini, posture o tecniche di esecuzione che potrebbero causare problemi di salute a lungo termine? Un'analisi con l'aiuto di uno specialista che conosca la fisiologia musicale è utile anche come misura preventiva - il centro di consulenza può anche mettervi in contatto con degli specialisti a questo scopo.

Come abbiamo già visto nei due mesi successivi alla chiusura, il bisogno di musica non è diminuito. La musica permette qualcosa di essenziale: un contatto anche senza contatto fisico, una sensazione di connessione anche a distanza.

Dott.ssa Felicitas Sigrist

... è psichiatra e psicoterapeuta musicale e dirige il centro di consulenza SMM per la medicina dei musicisti. Può essere contattata all'indirizzo beratung@musik-medizin.ch.

Lorenzo Micheli - La pandemia COVID-19 è diventata una catastrofe nell'arena educativa globale, portando a una rivoluzione immediata e radicale. Tuttavia, a causa della sua enorme drammaticità, la ristrutturazione forzata di scuole e università ha incentivato un processo già in atto da tempo, creando una spirale senza precedenti. A causa della limitata sperimentazione, l'e-Learning si è imposto come frontiera ultima e unica dell'insegnamento anche in ambito musicale, persino per quelle aree della didattica (ad esempio la prestazioni) in cui era tradizionalmente considerato inattuabile.

L'insegnamento durante la pandemia ha rappresentato una sfida notevole per l'intero Conservatorio della Svizzera italiana, sia per gli studenti che per i docenti e il personale amministrativo. La sfida più grande è stata quella di mantenere al centro della ricerca gli obiettivi didattici, o meglio quelli privati, dei loro "contendenti" formali e rituali. Questo ha portato a una revisione quasi totale dei corsi in funzione dei contenuti. Le variegate declinazioni della didattica musicale (lezioni collettive/lezioni individuali, materie pratiche/materie teoriche) hanno reso impossibile l'adozione di un unico formato, e favorito piuttosto una ricerca creativa in cui docenti e studenti hanno giocato un ruolo paritario nella scelta delle modalità di apprendimento e della piattaforma da utilizzare. Per l'apprendimento individuale e di gruppo, sono stati sperimentati servizi di videoconferenza a distanza come Teams, Zoom, Google Meet, Webex Meetings, software di chat VoIP come Skype o What's App, e sistemi più "tradizionali" come l'uso di registrazioni audio e video. I corsi teorici, forti di un'esperienza già consolidata negli anni passati, hanno sfruttato per la condivisione dei materiali didattici le potenzialità di iCorsi, la piattaforma e-Learning adottata dall'USI e dalla SUPSI.

Nell'esperienza di questi ultimi mesi, le voci su cui abbiamo cercato di intervenire e di esprimere dalla viva voce degli studenti (anche attraverso un questionario) non mancano. ad hoc). In molti casi il passaggio all'e-Learning ha portato a un aggravamento considerevole del lavoro individuale. La percezione di ogni singolo studente è poi determinata (e talvolta falsata) dalla sua situazione personale, logistica ed economica, e lo stesso corso di studi rischia di avere un'efficacia diversa quando si tratta di problemi psicologici (come quelli causati dall'isolamento) o tecnologici (il divario digitale preclude di fatto la frequenza dei corsi a diversi studenti). Le attività di insieme sono sospese fino a nuovo ordine, e passata l'emergenza dovremo fare uno sforzo per ricordarci che la pratica (e la fruizione) della musica sono essenzialmente momenti collettivi e sociali. Ultimo ma non meno importante, la verifica dell'apprendimento rimane un capitolo ancora da scrivere, e dal finale tutt'altro che scontato.

Un vero e proprio bilancio sarà possibile solo a posteriori. Tuttavia, a fronte di questi problemi, appare chiaro che le pratiche di e-Learning stimolano forme personali di elaborazione dei contenuti, sollecitano l'autonomia individuale e consentono una maggiore integrazione tra strumenti bibliografici e strumenti tecnologici, oltre a presentare qualità interessanti di sostenibilità ambientale e accessibilità. L'emersione ha richiesto un'ottimizzazione dei rischi interni al Conservatorio e una gestione fluida e pragmatica dei processi decisionali (compresi quelli finalizzati al sostegno economico degli studenti in difficoltà) che potrebbe essere proficua in futuro. Alcune delle forme di e-Learning introdotte in questi mesi potrebbero essere mantenute, laddove esse possono garantire continuità e facilitazione nell'apprendimento, o dove permettono l'interazione con una rete educativa più ampia di quella abituale. Le piattaforme come iCorsi, infine, hanno le carte in regola per diventare veri e propri "hub" di conoscenze condivise.

Lorenzo Micheli

... è docente di chitarra al Conservatorio della Svizzera italiana, co-responsabile della formazione e co-responsabile dell'area performance alla Scuola Universitaria di Musica.

Michael Eidenbenz - Come tutti sappiamo, dobbiamo imparare dalla crisi. Per questo, naturalmente, la ZHdK ha istituito dei gruppi di lavoro che valutano le esperienze di blocco digitale in modo metodicamente corretto e che un giorno le trasformeranno in raccomandazioni produttive. Per il momento, queste sono solo le impressioni soggettive e frammentarie di un osservatore che lavora da casa.

Così abbiamo imparato. Ad esempio, gli esami di ammissione possono essere sostenuti online, nonostante tutto lo scetticismo che c'è stato finora. Il tasso di decisioni sbagliate non è quasi mai superiore a quello di un incontro di persona e si possono risparmiare molti voli inutili. - Abbiamo imparato che l'insegnamento online richiede una maggiore riflessione didattica. Richiede maggiore precisione, sta diventando più democratico e le aspettative degli studenti stanno crescendo. Molta della vecchia polvere delle aule è stata spazzata via. - Ci siamo resi conto di quanto fosse vicino e naturale il mondo digitale prima. Lo spazio sicuro digitale è stato occupato con incredibile rapidità quando il mondo reale ha iniziato a diventare pericoloso. Centinaia di licenze Zoom sono state acquistate in anticipo, i team di e-learning hanno messo online esercitazioni e offerto piattaforme per la condivisione di esperienze. Docenti e studenti hanno installato i loro account di streaming e, come nel resto del mondo, l'universo dei cretini di Zoom, Skype e Facetime ha preso piede dopo pochi giorni. Non c'è stata molta opposizione, ma solo stupore: per la facilità con cui questa tecnologia è diventata improvvisamente facile, per la facilità con cui anche i presunti digital dummies hanno imparato a usare le applicazioni, per come si sono potuti risolvere i problemi di latenza e di compressione del suono - e per quante persone si sono incontrate all'improvviso, che prima si vedevano raramente. Tutti erano comunque a casa e accessibili, e lo spazio digitale non conosce distanze. - In generale abbiamo imparato che istituzioni apparentemente tranquille come le accademie d'arte possono essere sorprendentemente vigili. In ogni caso, alla ZHdK sono stati istituiti in pochi giorni i team di emergenza, sono stati definiti i canali di comunicazione e di decisione, sono stati chiariti e organizzati i processi centrali, come l'implementazione degli esami online, compreso l'adeguamento dei regolamenti vincolanti. Inoltre, sono stati messi a disposizione generosi fondi dalla fondazione dell'università per far fronte alle prevedibili crisi finanziarie degli studenti. C'era una vera e propria euforia nel risolvere i problemi.

Abbiamo osservato i perfezionamenti, l'uso sempre più abile dei luoghi di lavoro, i tentativi riusciti di trasmettere in streaming lezioni di classe, podi e interi concerti. Abbiamo imparato quanto sia interdisciplinare il fare musica online e quanto stia diventando importante la messa in scena. E abbiamo dovuto prendere atto del fatto che il numero di clic su Insta è stato molte volte superiore al numero di presenze ai concerti analogici grazie a contributi originali, ad esempio su #zhdkathome.

Ma abbiamo anche imparato cosa non funziona: orchestra, coro, musica da camera, prove, jamming spontaneo, danza e movimento - una vera interazione non è possibile. E sono sorte delle domande: Se uno degli aspetti principali del fare musica non funziona, non rimane forse tutto un grande "come se"? E: una volta non pretendevamo l'eccellenza, non ascoltavamo meticolosamente le sfumature del suono, non ci sforzavamo di ottenere un'acustica perfetta, non sentivamo le vibrazioni performative e la minima finezza interpretativa? Ora siamo soddisfatti quando il micro Bluetooth non perde la connessione e ci godiamo le app polifoniche a cappella. Non conoscevamo la qualità di seguire un'opera nella sua interezza e con concentrazione, invece di limitarci ad ascoltare gli streaming live? Rimarrà così? La spinta alla digitalizzazione del blocco è stata solo un colpo d'arco, o il concertante del XIX secolo è stato sepolto per sempre? La vita musicale nel mondo digitale raggiungerà mai lo stesso livello di eccellenza che la cultura pop sta dimostrando da tempo? E l'eterna questione delle istituzioni educative: Chi formeremo per cosa in futuro?

Rimane senza risposta. Ma attenzione all'illusione della comodità digitale: l'arte è un rischio. Vive in un mondo pericoloso. Si appassisce in uno spazio sicuro e privo di germi.

Michael Eidenbenz

... è direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK).

MvO - Béatrice Zawodnik è coordinatrice dell'insegnamento presso la Haute École de Musique de Genève. Risponde alle nostre domande.

Béatrice Zawodnik, quando ha capito che la crisi del coronavirus sarebbe stata una sfida importante?

Dal momento in cui ci siamo resi conto che le lezioni frontali non erano più possibili a causa del confino e che tutti i corsi pubblici - che sono una parte essenziale della formazione pratica degli studenti di musica - erano stati cancellati.

Siete preparati, in termini di e-learning, ad affrontare una situazione del genere?

Anche se negli ultimi due anni ci siamo dotati di software specializzati per la pratica musicale a distanza, non eravamo preparati a una situazione del genere. Ma gli insegnanti di tutte le discipline hanno reagito con estrema rapidità per trovare e proporre soluzioni alternative di apprendimento a distanza, la creatività è stata dimostrata e questo indipendentemente dalla generazione interessata (insegnanti giovani, ma anche insegnanti a pochi mesi dalla pensione...).

Qual è stata l'esperienza della vostra scuola superiore nel campo dell'e-learning negli ultimi mesi?

Sono state proposte varie forme di insegnamento: corsi collettivi ex-cathedra, corsi semi-collettivi, corsi individuali strumentali e vocali su Teams o Zoom, follow-up individualizzato, invio di attestati/tracce da parte degli studenti per posta o via video e ritorno degli insegnanti, conferenze/seminari specifici preregistrati, poi sedute bilanali a distanza, registrazioni "meno uno" preparate dagli accompagnatori, ecc.. Condivisione di buone pratiche tra professori HEM, incontri virtuali per condividere problemi e proporre soluzioni comuni.

L'altra grande sfida in questo periodo in cui tutti erano isolati gli uni dagli altri - sia il personale amministrativo e tecnico, sia il personale docente e di ricerca, sia gli studenti - è stata quella di mantenere un legame con ogni stakeholder di HEM: La comunicazione interna è stata rafforzata, sono stati stabiliti contatti regolari con l'associazione degli studenti e i direttori di dipartimento, supportati dai loro assistenti, si sono preoccupati di contattare tutti i professori e gli studenti, a seconda del loro background, per garantire lo stato di salute del progresso accademico di ogni studente, e quindi per essere in grado di affrontare situazioni di fragilità e fornire un sostegno specifico, finanziario o di altro tipo. I metodi di valutazione e convalida sono stati adattati al contesto dell'apprendimento a distanza, senza abbassare i requisiti per l'acquisizione delle competenze, al fine di garantire agli studenti il valore dei certificati che vengono rilasciati.

Quali sono, secondo lei, i principali inconvenienti e vantaggi?

L'inconveniente principale è, ovviamente, il degrado di tutta la didattica legata alla pratica musicale, nonché l'impossibilità di realizzare tutti i progetti di musica d'insieme. Inoltre, secondo il parere unanime di tutti i professori della disciplina principale, nulla può sostituire i corsi di strumento/voce in presenza: molti parametri non possono essere verificati al computer, qualità del suono, finezza delle sfumature, proiezione del suono o della voce, postura e respirazione, ecc. D'altra parte, molti studenti si trovano in una situazione difficile per praticare intensamente il proprio strumento/voce a casa: problemi con la lettura a vista o con lo strumento.

Un certo vantaggio - che potrebbe portare a un'interessante riflessione istituzionale nell'ambito del COVID - sarebbe la possibilità di registrare alcuni corsi teorici ex-cathedra, seminari specialistici o conferenze, per consentire agli studenti di accedere a questi contenuti durante il regolare orario del corso, che si scontra regolarmente con le regolari attività che si svolgono durante l'anno accademico. Ma questa esperienza forzata di vivere la musica a distanza non potrà mai sostituire il piacere di suonare insieme e per un pubblico.

Come hanno reagito gli studenti ai cambiamenti e come hanno partecipato? Ci sono stati contributi diretti da parte degli studenti?

Una grande creatività da parte dei professori HEM, ma anche da parte degli studenti. Gli studenti hanno risposto molto bene ai cambiamenti, con alcune legittime preoccupazioni sui nuovi metodi di valutazione e convalida. La comunicazione ha svolto un ruolo cruciale nel permettere loro di comprendere le decisioni prese e di tenere conto delle loro difficoltà. Gli studenti hanno creato video collettivi di alta qualità, originali e umoristici, coinvolgendo un gran numero di loro, favorendo così la sensazione di far parte di una comunità unita, nonostante la distanza imposta dalla reclusione.

Capuçon ha conquistato l'orchestra soprattutto dirigendo un concerto lo scorso marzo, che presentava opere di Beethoven, Schubert e Mozart, ma che ha dovuto essere eseguito senza pubblico a causa della crisi del coronavirus. Capuçon è il settimo direttore artistico dell'Orchestra da Camera di Losanna. L'OCL collaborerà con Renaud Capuçon già nella prossima stagione per un concerto al Festival di Pasqua di Aix-en-Provence l'8 aprile 2021.

Nato nel 1976, Renaud Capuçon ha studiato violino al Conservatorio di Parigi. La sua particolare predilezione per la musica da camera lo ha portato a collaborare con Martha Argerich, Daniel Barenboim, Hélène Grimaud, Truls Mørk, Frank Braley e suo fratello, il violoncellista Gautier Capuçon. Nel 2013 Renaud Capuçon ha assunto la direzione artistica del Festival di Pasqua di Aix-en-Provence. Suona un Guarneri del Gesù, precedentemente appartenuto a Isaac Stern e messo a disposizione dalla Banca Svizzera Italiana.

Mozart non deve certo temere la musica dei suoi contemporanei. Ma che dire del contrario? La violinista basilese Plamena Nikitassova e la sua accompagnatrice Aline Zylberajch al fortepiano presentano un CD che giustappone proprio questi due mondi. Non è certo il primo tentativo di questo tipo, ma con opere di Joseph Welsch, Friedrich Wilhelm Rust e Antoine Lacroix compaiono nomi di compositori che non sono poi così familiari.

Questa registrazione apre all'orecchio allenato un mondo raramente ascoltato di galanteria e arte dell'intrattenimento. Tuttavia, c'è poca evidenza del tipico dualismo della musica classica e del suo trattamento motivico e tematico; l'attenzione di questa musica è rivolta al piacere e al divertimento. C'è, ad esempio, il Sonata per violino solo col. Accompagnamento di Rust, in cui il melodioso violino costituisce il centro della musica. Ha anche senso che l'opera in cinque movimenti si concluda con un arioso scherzando, che rivela ancora tratti barocchi. Zylberajch si accompagna discretamente con un fortepiano dal bel suono di Johann Andreas Stein (1792).

Un incontro emozionante porta anche il Tema con variazioni da "Airs variés pour un violon". di Joseph Welsch, che sopravvive in una copia di Lubecca del 1795. Nikitassova esegue il brano, con i suoi passaggi ugualmente lirici e virtuosi, su un violino di Jacobus Stainer (1659) con un tono mellifluo e un'alta arte del fraseggio. Tuttavia, il riverbero della chiesa di Seewen, dove è stato registrato il CD, a volte distrae, e questo vale per l'intera registrazione.

Due opere di Mozart fanno da cornice al giro di contemporanei: la Sonata per violino K. 302 all'inizio e la Sonata per pianoforte e violino K. 454 alla fine. Nella loro profonda diversità, queste composizioni sottolineano la certa arbitrarietà delle altre opere che, nonostante la loro qualità, sono orientate soprattutto al valore di intrattenimento. Mozart rimane in un'altra categoria, che viene sottolineata dalle vivaci interpretazioni della Nikitassova.

"Mi piace esercitarmi, ma non mi piacciono gli esercizi in cui devo suonare sempre la stessa cosa. Certo, esercitarsi significa ripetere, ma non voglio nemmeno annoiarmi". Questo è quanto afferma Jost Nickel, che presenta un'opera che offre agli esecutori un'ampia gamma di esercizi per rullante diversi e variegati, per migliorare la tecnica esecutiva e la comprensione generale del ritmo.

Nella sua consueta forma strutturata, l'autore presenta concetti di esercizi in varie firme e suddivisioni temporali per il miglioramento sistematico della flessibilità ritmica e dell'indipendenza motoria, nonché per un migliore controllo dell'esecuzione attraverso i cambi di tempo, che rafforzano la panoramica ritmica. All'inizio del libro è incluso un libretto rilegato separato. Si tratta dei testi di lettura che vengono ripetutamente utilizzati come base nei vari capitoli e argomenti. Questo dimostra quanto l'opera sia strutturata e ben congegnata.

Il Libro del rullante è suddiviso in sei capitoli. Il primo contiene vari esercizi di riscaldamento in cui, ad esempio, i movimenti familiari delle mani vengono combinati con accentuazioni, suddivisioni e firme temporali insolite. Particolarmente stimolanti sono gli esercizi di ostinato, che migliorano l'indipendenza, mentre gli esercizi di incastro favoriscono una migliore coordinazione.

Concetti chiari caratterizzano anche il secondo capitolo del libro, in cui Nickel ci accompagna passo dopo passo attraverso esercizi per rolls invertiti a doppio colpo, flams, colpi multipli, ruffs, paradiddles e altro ancora. Questi esercizi permettono al batterista di creare i propri esercizi mantenendo lo stesso approccio ma cambiando il contenuto.

Nickel dà anche molti consigli utili sulla pratica in generale, ad esempio su come cantare un groove per gli esercizi o su come affrontare un piano di pratica con una lista di tempi. Descrive i singoli esercizi in modo dettagliato e chiaro, guidando il lettore attraverso gli argomenti in modo mirato.

Conclusione: un lavoro interessante che fa venire voglia di suonare subito il tamburo della lotteria.

Jost Nickel: Libro del rullante, libro e testi di lettura (supplemento). Art. n. 20279G, € 21,95, Alfred Music, Colonia 

Louis Théodore Gouvy nacque a Goffontaine (oggi Schafbrücke [Saarbrücken]), nella regione di confine franco-tedesca, nel 1819 e morì a Lipsia nel 1898. Visse alternativamente in Francia e in Germania e trovò riconoscimento artistico in entrambi i Paesi. La sua opera compositiva comprende sinfonie, musica da camera, un'opera, canzoni e opere vocali sinfoniche.

I dieci pezzi di carattere per violoncello e pianoforte op. 28, scritti nel 1859, furono pubblicati con il supertitolo Décaméron. Sono tutte composizioni in duo che trattano in modo paritario il pianoforte e il violoncello. Possono essere eseguite sia ciclicamente che come numeri singoli e offrono agli esecutori una variegata tavolozza di stati d'animo.

Il livello di difficoltà è medio. La riscoperta di questo ciclo romantico è un'esperienza che arricchisce sia gli strumentisti che gli ascoltatori.

Louis Théodore Gouvy: Décaméron per violoncello e pianoforte, a cura di Wolfgang Birtel, Volume 1: PON 1035; Volume 2: PON 1036; € 19,95 cad. 

Il canone in musica è la forma più rigorosa di imitazione musicale, che consiste in due o più voci che eseguono gli stessi passi vocali uno dopo l'altro e quindi sfalsati. Il termine inglese "round" lo riassume come una forma di canto insieme, e Sumer è Icumen in dell'Inghilterra del XIII secolo è il primo canone sopravvissuto nella storia della musica.

Oltre al fatto che tutti i grandi compositori hanno utilizzato la finezza tecnica del canone nel contrappunto delle loro opere, nel corso del tempo si è sviluppato anche un genere di canoni divertenti, che possono essere utilizzati come strumento pedagogico corale per la formazione al suono.

Werner Beidinger e Kristian Commichau hanno ora pubblicato la raccolta altamente raccomandata Canonissimo con 66 canoni per la scuola, il coro e il tempo libero. Contiene un ampio spettro in varie categorie: canoni di antichi maestri, canoni per la danza, canoni modali (modi pentatonici/di chiesa), canoni swing/pop, canoni del 1625 (ovvero i passi dello schema armonico) e canoni malagueñi ("cadenza andalusa" ecc.).

Oltre alle partiture per la direzione d'orchestra, sono molto utili i facili accompagnamenti per pianoforte, le note didattiche e, soprattutto, la presentazione di tutti i canoni come partiture corali. Per avere una migliore impressione del suono polifonico, è incluso anche un CD con le "partiture sonore" di tutti i canoni come file pdf e mp3.

Kanonissimo, 66 canoni per la scuola, il coro e il tempo libero, ed. Werner Beidinger, Kristian Commichau, 148 p. con CD, n. d'ordine 335, € 29,90, Fidula, Koblenz

La famosa letteratura pedagogica per pianoforte di Béla Bartók dovrebbe essere suonata anche sulla chitarra? Si tratta di un'idea in qualche modo ovvia, ma non per questo facile da realizzare. Mentre la mano destra e la mano sinistra interagiscono sulla tastiera del pianoforte, ma ognuna ha i propri movimenti indipendenti, le note sulla chitarra sono solitamente suonate da quattro dita di una sola mano, la mano sinistra. Ciò richiede una grande abilità motoria fine per far emergere un ritmo groovy di sette ottave e la melodia che lo sovrasta in modo altrettanto fluido.

Ora Siegfried Steinkögler, dell'associazione Microcosmo La monumentale raccolta di oltre 150 brevi brani di Bartók, di cui 16 arrangiati per chitarra sola. Essi contengono tutto ciò che caratterizza la qualità della letteratura didattica di Bartók: melodie piacevoli, spesso folcloristiche, ritmi attraenti, armonie maggiori/minori contrapposte a cromatismi acuti, scrittura contrappuntistica a due parti. È inoltre sempre sorprendente quanto possano suonare attraenti le ottave parallele quando vengono utilizzate in modo efficace nella composizione.

Il chitarrista, compositore ed editore austriaco è rimasto il più possibile fedele all'originale. Tuttavia, ciò che appare molto semplice nella notazione per pianoforte sembra terribilmente complicato nella notazione per chitarra - e lo è! Diteggiature, segni di posizione e numeri di corda ingombrano la musica, ma aiutano il chitarrista a orientarsi sulla tastiera. Ad esempio, un ostinato di accompagnamento deve essere diteggiato in modo molto diverso nel corso del brano, a seconda della posizione della parte superiore, e in questo caso sono utili indicazioni aggiuntive.

Già nel 2017, Steinkogler aveva pubblicato la raccolta di Bartók Per i bambini ma per due chitarre anziché una sola e con un obiettivo diverso: far conoscere ai giovani esecutori la musica di Bartók. Con il Microcosmo adotta un approccio diverso: "Con diverse soluzioni chitarristiche possibili, ho spesso rinunciato a una versione semplificata a favore di una più impegnativa ma dettagliata", scrive nella prefazione. Le miniature di Bartók sono certamente degne delle elevate esigenze poste alla loro esecuzione.

Béla Bartók: Mikrokosmos, 16 pezzi per chitarra arrangiati da Siegfried Steinkogler, UE 38060, € 14,95, Universal Edition, Vienna 

L'edizione Urtext delle canzoni di Schubert, basata sulla "Nuova edizione Schubert", è ora disponibile in nove dei tredici volumi previsti. Curata da Walther Dürr, sorprende con diverse innovazioni. Da un lato, i brani sono stati riarrangiati, dall'altro sono stati messi a disposizione spartiti completamente nuovi e autorizzati, con diversi vantaggi pratici per il cantante esecutore.

Si è deciso di non organizzare i brani in ordine cronologico o, come nell'edizione Peters disponibile dalla metà del XIX secolo, di procedere secondo il loro presunto significato per la pratica musicale, ma di adottare l'ordine che Schubert stesso dava ai suoi brani. Questo vale per circa un terzo di tutti i brani pubblicati durante la sua vita. I rimanenti sono disposti nell'ordine in cui sono stati composti.

Le canzoni stesse sono precedute da un ampio materiale informativo (bilingue): Ogni testo è tradotto in inglese, contiene commenti dettagliati sul testo, sulla storia della sua composizione e sulle fonti, nonché informazioni sul numero di versioni alternative che possono esistere. Queste versioni alternative sono incluse nell'appendice di ogni volume e forniscono all'esecutore materiale musicale supplementare non disponibile in precedenza. Ad esempio, il Canzone di Mignon"Nur wer die Sehnsucht kennt", probabilmente una delle canzoni più famose di Schubert, è presentata in ben cinque versioni, alcune delle quali differiscono notevolmente l'una dall'altra. L'interprete ha così la possibilità di scegliere la versione che più si avvicina alla sua comprensione dell'opera. Questo nuovo materiale invita a un viaggio emozionante alla scoperta di un mondo di Schubert finora sconosciuto.

Infine, ma non meno importante, vi sono alcuni vantaggi imbattibili per i cantanti esecutori: mentre nella vecchia edizione di Schubert solo i volumi dall'1 al 3 erano disponibili in versione trasposta e dal volume 4 in poi ci si doveva accontentare delle chiavi originali o trasporle da soli, ora si aprono tesori completamente nuovi, soprattutto per le voci medie e basse! L'intera opera è trasposta e disponibile in tre chiavi diverse.
Mi piace anche il fatto che nella trasposizione dei grandi cicli come "Winterreise" e "Schöne Müllerin" sia stata conservata la sequenza originale delle chiavi, mentre nell'edizione Peters la trasposizione era ancora basata su altri criteri. Così nell'edizione intermedia La bella moglie del mugnaio nel suo complesso di una terza minore, che Viaggio d'inverno di un secondo maggiore. Questo approccio è certamente molto più in linea con l'intenzione di Schubert.

Vorrei sottolineare un aspetto piccolo ma utile: l'indice all'inizio del libro e la facilità d'uso che ne deriva. Non è necessario scavare tra pagine di fonti, traduzioni e commenti per trovarlo.

Franz Schubert: Lieder, a cura di Walter Dürr, Vol. 1-9 per voce alta: BA 9101-9109; per voce media: BA 9121-9129; per voce bassa: BA 9141-9149; € 36,50 ciascuno, Bärenreiter, Kassel