Anderhalden gestisce un'agenzia di concept e design a Sarnen. Negli ultimi anni è stato regolarmente coinvolto in progetti in vari settori culturali e, secondo il comunicato stampa del Cantone, ha già lavorato per promuovere lo scambio e la messa in rete dei vari attori della vita culturale di Obvaldo come presidente del Förderverein Kreativität OW.

La musicista Antonia Gasser, 29 anni, è cresciuta ad Alpnach. Dopo essersi formata come insegnante e aver esercitato la professione per diversi anni, ora studia all'Università della Musica di Lucerna nel dipartimento di jazz (specializzazione in canto). Gasser canta in rock e cover band, in duo di standard jazz e in formazioni a cappella e lavora come direttrice di varie formazioni di jodel.

Il Klingendes Museum di Berna è specializzato in strumenti a fiato. Ma a causa della situazione attuale, i visitatori possono provare il theremin senza tocco. L'intonazione e il volume vengono creati con i movimenti della mano nei campi magnetici.

Per motivi di igiene, è possibile seguire la video guida sul proprio tablet o smartphone.

Il museo è aperto da mercoledì a domenica pomeriggio dalle 14.00 alle 17.00.

Ulteriori informazioni:
www.klingendes-museum-bern.ch
 

Beethoven non ha scritto né Spettacoli per bambini un altro Album per i giovani. A differenza di quanto avvenne negli anni Quaranta dell'Ottocento con Mendelssohn (op. 72) e Schumann (op. 68), nei primi decenni del XIX secolo i bambini e l'infanzia non avevano ancora acquisito il significato emotivo e sociale che oggi ci è così familiare. Eppure Beethoven presentò a Maximiliane Brentano (1802-1861), che aveva appena dieci anni, un brano composto il 26 giugno 1812. Allegretto con accompagnamento obbligato di violino e violoncello al pianoforte - scritto ordinatamente in autografo, con diteggiature e una dedica: "per la mia piccola amica Maxe Brentano per rallegrarla nei giochi Klawier."

Il movimento di 124 battute, musicalmente e tecnicamente padroneggiabile anche da mani piccole, sembra un complemento alla serie di trii per pianoforte in più movimenti dell'opera beethoveniana, che si era già conclusa nel 1810/11 con il Trio Arciduca op. 97 e non era più stata ripresa. Tuttavia, è molto di più. Con il suo flessuoso diatonismo, sembra rivelare un Beethoven "diverso", che fu spesso ospite di Antonie Brentano (1780-1869) e delle sue figlie nel periodo compreso tra il loro primo incontro alla fine di maggio del 1810 e l'estate del 1812. Secondo un'annotazione del diario, Antonie, che dal 1809 si occupava dell'organizzazione della vasta proprietà del padre a Vienna, sentì ben presto un "Affinità elettiva", nel 1811 è stato il suo "è diventata una delle mie persone preferite", che (come ha poi dichiarato a verbale) "Un ospite spesso non invitato". Molto fa pensare che Antonie, da parte sua, potesse essere la misteriosa "amante immortale" di Beethoven. Tutto il resto rimane nel campo delle speculazioni, soprattutto perché Beethoven sembra essere diventato amico di tutta la famiglia (compreso il marito Franz).

A ricordo di questo periodo, il 6 dicembre 1821 Beethoven inviò a Maximiliane, ormai adulta, una copia della sua Sonata per pianoforte in mi maggiore op. 109 con una dedica che testimonia il suo attaccamento personale: "A Maximiliana V. Brentano - Una dedica!!! - Ora, non è uno di quelli che vengono abusati nelle moltitudini - è lo spirito che tiene insieme persone nobili e migliori su questa terra, e nessun tempo può distruggerlo, è questo che ti parla ora, e che ti mostra a me ancora presente negli anni della tua infanzia, proprio come i tuoi amati genitori."Tuttavia, Beethoven dimenticò di menzionare chi aveva accompagnato l'Allegretto al violino e al violoncello...

Volete essere avvisati quando viene pubblicato un nuovo articolo del blog? Iscrivetevi alla nostra newsletter o al feed RSS!

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

Intervista: Cornelia Suhner - La nostra fondatrice e presidente onoraria Pia Bucher, chinesiologa da molti anni, è stata direttamente colpita dalle massicce restrizioni ai servizi terapeutici. In questa intervista, fornisce esempi di ciò che questo significa per i professionisti come lei, sia a livello professionale che privato.

Pia Bucher, lei è una terapeuta complementare e lavora con i musicisti. Quali sono i problemi per i quali vengono da lei in terapia?

Nel settore musicale si è esposti a numerosi fattori di stress che possono portare a disturbi fisici e psicologici specifici del lavoro. I problemi tipici sono lo stress durante le esibizioni, le critiche, la pressione del tempo, la tensione muscolare, la postura, la respirazione e, nel caso degli ottoni, le disfunzioni dell'imbuto. Nel caso della distonia focale, collaboriamo con gli specialisti SMM su base interdisciplinare.

Perché si è specializzato in musica come chinesiologo?

Essendo io stesso un musicista professionista, ho lottato contro la distonia focale e ho dovuto abbandonare la mia carriera per motivi medici. Ho quindi deciso di fondare un'istituzione medica per musicisti: nel 1997 è nata la SMM, con l'obiettivo di fornire un aiuto precoce e di offrire un centro di contatto e consulenza per la medicina dei musicisti in Svizzera. In quel periodo stavo completando una formazione di perfezionamento professionale a orientamento corporeo e una formazione come chinesiologo.

La Music Kinesiology MK è un settore specializzato della kinesiologia applicata che si occupa di questioni pratiche legate alla musica e alla riduzione dello stress nei musicisti. Dopo molti anni di esperienza come musicista e insegnante di strumenti, questo era l'approccio giusto per me. Oggi il mio lavoro - integrato da un'ulteriore formazione in medicina musicale - comprende la rieducazione alla distonia degli ottoni e il coaching delle performance per i musicisti.

A causa del divieto professionale in vigore fino alla fine di aprile, ci sono forti restrizioni nella cura dei clienti. Le misure di protezione e le pratiche igieniche sono ancora obbligatorie. Come avete vissuto personalmente il blocco?

Un segno positivo è stata l'improvvisa calma nella vita quotidiana e la decelerazione. Nel mondo della musica, il consueto stress e la pressione quotidiana erano improvvisamente scomparsi: niente concerti, prove, audizioni e viaggi. Le sedute di terapia improvvisamente non erano più urgenti: non c'erano più "richieste di aiuto acute" dovute allo stress da prestazione o ai disturbi del musicista. I miei clienti avevano molto più tempo per esercitarsi e approfondire le nuove strutture di pratica, per provare i concerti in tutta tranquillità... Se necessario, si potevano discutere ulteriori misure al telefono.

Gli argomenti e le domande delle persone coinvolte sono cambiati durante il blocco?

Corona ha paralizzato la scena musicale: c'è molta incertezza.

Molti freelance stanno vivendo un disagio esistenziale a causa della perdita di reddito.

Nuovi argomenti sono: la situazione finanziaria, le paure esistenziali e le prospettive future o lo stress di un insegnamento online non familiare o di un insegnamento faccia a faccia con regole di distanziamento.

Quali conseguenze e postumi si aspetta per i suoi clienti e per lei come terapeuta?

È in atto un ripensamento generale. Sono richiesti concetti innovativi. La sfida richiede flessibilità e creatività in tutti i settori.

Può trarre qualcosa dalle sue esperienze terapeutiche o personali durante questo periodo nella "nuova normalità"?

Rallentare è un arricchimento prezioso. Crea spazio per sperimentare nuove possibilità o per avviare i propri processi creativi. Gli impulsi innovativi, come la formazione online o le forme di insegnamento complementare, generano fiducia nel potenziale della digitalizzazione.

Sito web di Pia Bucher:

> www.sana-musica.ch

George Marti - "George & Jam", una serie di concerti settimanali, era appena iniziata bene quando il 16 marzo è stata dichiarata la grande chiusura: Tutte le jam erano state organizzate fino alla fine di maggio, i miei ultimi esami di pedagogia per il 1° aprile erano perfettamente preparati, altri concerti, eventi, progetti e vacanze erano stati pianificati. E poi la serrata! Tutto si è fermato. Tutto era pronto. Cancellato. Improvvisamente eravamo solo io e la mia musica. Una nuova avventura.

Non c'è voluto molto perché lo ZHdK iniziasse l'apprendimento a distanza. Ed è stato divertente! Avete mai sperimentato sessioni di batteria con infradito e scatole di legno? Sembrava fantastico. Tutte le risorse sono state utilizzate e valutate. Anche gli incontri online con la birra dopo il lavoro, organizzati dal Rettorato, sono stati una novità. Ci sono state grandi conversazioni, tutti si sono finalmente ritrovati e hanno potuto compensare un po' la mancanza di momenti di ispirazione nel Toni Areal. Sono stati i contatti quotidiani, il dialogo, le prove con i gruppi, tutte le persone che mi sono mancate. Ho sempre apprezzato la buona collaborazione con i docenti della ZHdK nelle lezioni individuali, di ensemble e di big band. Durante la collaborazione virtuale, ho sperimentato un'attenzione molto intensa e un senso di responsabilità reciproca. Questi momenti preziosi mi hanno dato molta fiducia e sicurezza. Improvvisamente mi sono ritrovata a passare il tempo sulla cyclette quasi ogni giorno o a fare passeggiate nella natura conformi al coronavirus. Per tanto tempo c'era stato troppo poco spazio per l'esercizio fisico nella vita quotidiana. Mi sentivo bene. Per caso, ai margini del bosco ho incontrato vecchi amici che non vedevo da molti anni. Sono stato sorpreso ancora e ancora. Dalla nuova vita quotidiana e da me.

Ho potuto decidere spontaneamente, lavorare intensamente o godermi consapevolmente una pausa al sole. In questo modo ho avuto il tempo di pianificare il mio secondo progetto di Master accanto ai miei studi o di continuare a lavorare alla post-produzione di "Playas". Infine, il pastore Andreas Maurer mi ha invitato a organizzare un servizio online per la Chiesa riformata di Zug. Ho improvvisato nel laboratorio della Zugerland Verkehrsbetriebe sui temi "Essere in viaggio", "Apprezzamento", "Resilienza" e "Addio". È stato un impegno speciale che ha significato molto per me personalmente. Allo stesso tempo, per me è stata la fine dell'isolamento. All'improvviso mi sono sentito rilassato, le misure avevano funzionato, la pausa, la perseveranza e l'ulteriore sviluppo avevano dato i loro frutti.

Sono in contatto regolare con i miei clienti e posso riprendere gli impegni. Non appena la situazione lo permette, inizio a ricostruire. Sono emersi nuovi approcci. I concerti e gli eventi culturali stanno tornando, con cautela e su scala ridotta. Ma bene e con forza. Torneremo a suonare dal vivo e tutti sentiranno una nuova, più profonda leggerezza e gioia.

George Marti

... studia educazione musicale jazz e pop alla ZHdK.

Jonas Inglin - Ripensandoci, mi sembra che sia successo tutto così in fretta. All'inizio, con le prime notizie da Wuhan, sono stato gradualmente sopraffatto dall'incertezza, a cui inizialmente ho prestato poca attenzione. Ma appena una settimana dopo, giorno dopo giorno, ho capito che questo coronavirus avrebbe sicuramente colpito anche me. All'inizio si parlava ancora delle precauzioni da prendere per organizzare i concerti e si progettavano già alcune misure concrete. Ma con la conferenza stampa del Consiglio federale del 16 marzo è apparso subito chiaro che nulla di tutto ciò era realistico, e la mia oscura premonizione è stata confermata: non avrei diretto una prova, suonato o diretto un concerto nel prossimo futuro, e per il momento non avrei nemmeno insegnato.

Da quel momento in poi, ho vissuto un'esperienza da montagne russe sotto molti punti di vista: il mio umore generale, la mia motivazione, il mio senso di sicurezza, ma anche la mia autostima - tutto oscillava. Sebbene mi trovi in una situazione molto confortevole (il mio reddito non è troppo compromesso grazie a vari lavori permanenti, la mia situazione abitativa è fantastica e ho la possibilità di esercitare per tutto il tempo che voglio), non è sempre stato facile. Alcuni progetti che non vedevo l'ora di realizzare sono stati cancellati o rimandati, compreso il tour con il duo Amstad Inglin, che mi stava particolarmente a cuore. Ho cominciato a chiedermi perché mai avrei dovuto esercitarmi se non avrei comunque suonato nel prossimo futuro, anzi, perché mai avrei dovuto fare qualcosa se tutto intorno a me era praticamente fermo.

Ho trovato diverse risposte a questo problema. Probabilmente la migliore è che si possono fare attività per il gusto di farle. Mi piace molto suonare il trombone, quindi non ho bisogno di un'altra ragione per farlo. Una constatazione banale, apparentemente ovvia, eppure nel frattempo l'avevo dimenticata: Mi piace essere un musicista perché mi piace suonare. Certo, è più bello suonare con altri musicisti, con un pubblico, con gli applausi, con la birra dopo il concerto. Ma anche da soli, senza pubblico e solo per se stessi, è qualcosa di meraviglioso, e spero che il maggior numero possibile di persone possa trarre da questa crisi una così bella consapevolezza.

Jonas Inglin

... ha studiato presso l'HSLU - Music Profile Classical, seguito da un Master of Arts in Music Education con un minore in Jazz Performance.

Fabian Ziegler - Al posto di concerti, lezioni e conferenze, incontri di Zoom, ambienti di pratica sconosciuti e solitudine dominano la vita quotidiana di noi studenti di musica. La crisi del coronavirus e le sue restrizioni stanno colpendo in modo particolare la scena creativa. Anche per noi, come Trio Colores, questo è un momento speciale con sfide particolari. Nonostante tutto, stiamo cercando di trarre il meglio dalle circostanze e siamo inaspettatamente produttivi, anche se a livelli completamente diversi. La distanza sociale ci colpisce come un tallone d'Achille come ensemble di musica da camera. Fino a poco tempo fa, non potevamo nemmeno pensare ai grandi concerti, alle produzioni e agli obiettivi che ci eravamo prefissati. Lo streaming attraverso i canali dei social media è una magra consolazione. Anche la motivazione a esercitarsi in modo produttivo si è esaurita rapidamente nelle prime settimane. Allo stesso tempo, però, si sono aperte rapidamente aree completamente nuove, lontane dallo strumento, che altrimenti ricevono troppo poca attenzione nella vita di tutti i giorni. Temi amministrativi come la creazione di un sito web, la presenza pubblica sui social media, la richiesta di offerte da parte di servizi di streaming, curriculum vitae aggiornati, buone foto... tutto sommato, una revisione generale della struttura dell'ensemble. Questo lungo periodo di pausa ci ha dato anche molto tempo per formulare nuovi obiettivi, discutere di questioni relative all'industria musicale e, soprattutto, condividere le nostre idee e opinioni. In breve, abbiamo fatto ancora grandi progressi e la strada da percorrere in futuro è chiaramente tracciata. Tuttavia, questo periodo, che ci pone di fronte a enormi sfide di ogni tipo, ci offre anche l'opportunità di liberarci dal ritmo frenetico della vita quotidiana per riprendere il cammino con calma e con rinnovata motivazione. Non vediamo l'ora di tornare a fare musica insieme e siamo anche impazienti di assistere ai prossimi concerti.

Fabian Ziegler

... studia strumenti a percussione (Master Music Pedagogy - pedagogia musicale strumentale/vocale - musica classica) presso la ZHdK.

Sandro Erni - Ho sentito parlare per la prima volta della COVID-19 a gennaio, ma naturalmente non avrei mai immaginato che avrebbe avuto un tale impatto sulla mia vita musicale. Quando a febbraio il numero di casi è improvvisamente aumentato in Italia e poi a marzo i concerti a cui volevo partecipare e quelli in cui avrei dovuto suonare sono stati rimandati o cancellati, ho capito che questo avrebbe avuto un impatto notevole sul mio lavoro musicale.

L'università ci ha tenuti regolarmente informati via e-mail. Siamo stati informati di molte misure anche attraverso le conferenze stampa del Consiglio federale, come il divieto di organizzare eventi e la chiusura delle scuole. Ricordo quando, dopo tre ore di lezione di composizione, ho ricevuto la notifica push che annunciava la chiusura delle scuole, l'ho letta e ho capito che probabilmente le settimane o i mesi successivi non sarebbero stati come al solito.

La mia vita musicale è cambiata molto in alcuni settori, ma è rimasta invariata in altri. Il cambiamento più drastico è che non posso avere lezioni frontali con il mio professore fino al 31 luglio. Poiché avevo già un buon microfono prima della pandemia, il mio professore può capire come suono ragionevolmente bene. Tuttavia, durante le lezioni online si perdono molti aspetti: ad esempio, le piccole sfumature che sono essenziali per la musica, sia nel suono che nella musica, che non possono essere trasmesse tramite un microfono. Ciò che più mi infastidisce delle lezioni online è che a volte ci sono piccoli problemi di connessione con Zoom, che il programma cerca di compensare, rendendo difficile per l'altra persona capire il ritmo a causa delle conseguenti fluttuazioni di tempo nella trasmissione. Sorprendentemente, non mi sono perso molte esibizioni durante questo periodo. Ho potuto suonare in vari servizi di adorazione telematica. Questo è stato un bene per non perdere la mia routine esecutiva e vorrei ringraziare tutte le parrocchie, che hanno permesso a molti musicisti di esibirsi anche in tempi come questi.

Ciò che mi dispiace, tuttavia, sono gli impegni extra-chiesa che sono stati improvvisamente cancellati. Soprattutto le attività di musica da camera, ma anche diversi concerti orchestrali con programmi che attendevo da tempo. È un peccato non poter presentare al pubblico le opere appena create.

Sono lieto e sollevato che il numero di casi in Svizzera si sia stabilizzato molto bene, che il sistema sanitario non sia stato sovraccaricato e che queste agevolazioni siano ora possibili. È comprensibile che la direzione dell'università abbia cancellato l'insegnamento frontale fino al prossimo semestre, in modo che gli studenti stranieri abbiano avuto la possibilità di tornare dalle loro famiglie. Tuttavia, mi dispiace molto che l'insegnamento frontale rimanga limitato fino ad agosto, anche se sarebbe possibile fare di più in termini di rilassamento. In fondo, come diciassettenne, non mi vedo nella posizione di criticare gli altri. Ma ho due desideri: spero che il normale insegnamento faccia a faccia sia consentito di nuovo il prima possibile, perché gli studenti e i professori che sono sul posto avrebbero il tempo e lo spazio per farlo. E spero che formati innovativi come quelli che ho sperimentato personalmente attraverso il mio coinvolgimento nel settore ecclesiastico continuino ad avere luogo e offrano a molti musicisti un certo sostegno in crisi simili.

Sandro Erni

... studia tromba, è uno studente junior del Pre-College Music della ZHdK e frequenta il liceo artistico e sportivo Rämibühl di Zurigo.

Catalina Paredes - Vengo da Santiago del Cile, una città di quasi sei milioni di abitanti dove si incontrano molte realtà diverse. Il Sudamerica ha un numero incredibile di sfaccettature, le distanze sociali sono praticamente inesistenti, le persone si salutano e si accomiatano sempre con baci e abbracci. Si balla anche molto e sui mezzi pubblici non c'è quasi spazio tra le tante persone. Il 2019 si è concluso con molte tensioni sociali in Sud America, e la povertà è più evidente a causa della crisi climatica. Ma le nostre storie sono sempre piene di difficoltà e siamo abituati alle crisi: ci rialziamo sempre.

A gennaio ho saputo che l'università aveva ordinato agli studenti cinesi di rimanere a casa. A febbraio, quando un mio compagno di studi si è recato in Cina, gli ho portato il suo contrabbasso alla stazione ferroviaria: è stato allora che ho capito che la situazione era seria. Poi è successo tutto molto rapidamente. Quando è stata annunciata la chiusura del Toni-Areal (per me come la mia casa), ho portato con me tutto quello che avevo lì: Spartiti, piante, archi, vestiti e naturalmente il mio strumento. L'annuncio del 27 marzo che gli studenti stranieri dovevano recarsi al più presto nei loro Paesi d'origine mi ha gettato nel panico. Ho iniziato a pensare a tutto ciò che riguardava il viaggio di ritorno: volare o no? Dare il preavviso per l'appartamento in affitto? Cosa voglio? Cosa posso fare? Beh, sono rimasto qui e ho passato il resto dei tre mesi successivi da solo a casa ad esercitarmi. Di solito faccio molte prove e per me non c'è missione migliore che suonare la linea del basso in un ensemble. Da marzo, però, non ho mai suonato con nessun altro. Ci sono state settimane molto produttive e altre terribili. E a un certo punto non avevo più voglia di mangiare zuppa istantanea tutti i giorni. Sono stata contenta che l'università abbia fornito vari collegamenti per ottenere aiuto psicologico o finanziario durante la crisi. Ciò che mi ha rafforzato maggiormente è stato l'incredibile umorismo e l'energia dei miei insegnanti Wies de Boevé e Duncan McTier. Hanno fatto di tutto per farmi sentire meglio, hanno persino organizzato delle masterclass!

Ora sono felice che la situazione si stia calmando. Sono ancora un po' preoccupato che ci sia un'altra epidemia, ma resto ottimista sul fatto che la situazione in Svizzera continuerà a migliorare (purtroppo non posso dire lo stesso del mio Paese). Posso finalmente pianificare di nuovo, incontrare i colleghi, bere una birra. Ma credo che nulla in me sarà più come prima. Non voglio avere paura, ma voglio camminare nel mondo in modo più consapevole. Sono felice e grata di vivere e studiare qui. Tuttavia, mi chiedo se ne valga la pena. Essere così lontano da casa in una crisi come questa? Ma la mia risposta per ora è sì, anche se il mio cuore è in Cile.

Negli ultimi mesi ho imparato molto: quanto tutto è fragile, quanto è importante la comunicazione, quanto è prezioso il contatto fisico, ma anche quanto può essere meravigliosa la solitudine, quanto sono indisciplinata, quanto è globalizzato il mondo, quali persone tengono davvero a me, quanto mi manca mia madre e che è ora di avere un fidanzato. L'unica cosa sicura della mia vita è la musica e il mio contrabbasso. Ora lavorare in gruppi di musica da camera diventa molto più prezioso, e forse è un'occasione per portare la musica fuori dai teatri. La musica ha bisogno di un pubblico nuovo, dobbiamo avvicinare la musica classica, moderna e contemporanea alla gente. Un concerto non è solo un momento di relax, ma anche un momento di apprendimento. Il mio desiderio è che tutte le persone nel mondo abbiano una casa, amino e siano amate. Che gli Stati e le nazioni prendano sul serio il nostro pianeta e che capiscano che è più importante investire nella scienza e nei servizi sanitari che nelle armi e nel materiale bellico. L'attuale livello di globalizzazione ci permette di comprendere meglio l'origine e lo scopo di ogni cosa. Ma non è che abbiamo bisogno di più, è che possiamo vivere in pace con meno.

Catalina Paredes

... studia contrabbasso (Bachelor Music - Classical - Instrumental/Vocal) presso la ZHdK.

Jörg Andreas Bötticher ha ricevuto la sua formazione musicologica a Basilea. Dal 1997 è docente di clavicembalo, basso continuo e musica da camera presso la Schola Cantorum Basiliensis della Scuola di Musica della FHNW. Dal 1996 è organista presso la Predigerkirche di Basilea con i suoi tre organi storici.

La ricerca di Bötticher si concentra sulla composizione e sulla prassi esecutiva basata sul basso continuo, su questioni di estetica musicale e sulla musica del primo barocco italiano fino a Johann Sebastian Bach e ai suoi successori. Si dedica in particolare ai compositori meno noti, di cui ricerca, edita e rende accessibili per l'esecuzione le opere e le reti musicali. Si è distinto in particolare per le sue ricerche sul basso continuo, che costituisce il fondamento e l'ossatura armonica della musica dal 1600 al 1800 circa, e per l'esplorazione pratica delle composizioni barocche per l'esecuzione.

Il premio scientifico di 20.000 franchi svizzeri viene assegnato annualmente e a rotazione dalle sette facoltà a ricercatori che hanno un legame con l'Università di Basilea e che si sono distinti per i loro eccellenti risultati scientifici.

Nato e cresciuto nella regione inglese della Cumbria, dove la madre era una cantante e il padre un organista e direttore di coro, Hubert Harry ha iniziato a suonare il pianoforte all'età di due anni e mezzo e a quattro anni ha eseguito il famoso Preludio in do diesis minore di Rachmaninov. Da adolescente, Hubert fu incaricato di diversi importanti compiti musicali nella natia Inghilterra, finché non giunse in Svizzera all'età di soli 19 anni per studiare con il famoso pianista Edwin Fischer. Fischer tenne una masterclass al Conservatorio di Lucerna, che all'epoca esisteva solo da quattro anni (fondato nel 1942, durante la guerra, dall'avvocato lucernese e conoscitore di musica Walter Strebi, tra gli altri). A Lucerna e sul Lago dei Quattro Cantoni, a Weggis/Hertenstein, Hubert Harry ebbe modo di incontrare la vedova di Rachmaninov, il che fu per lui un particolare onore e piacere in quanto grande ammiratore di questo compositore.

Grazie alla vita di Harry a Lucerna e al suo contatto con il conservatorio, pochi anni dopo divenne lui stesso insegnante presso questo istituto, al quale sarebbe rimasto fedele per decenni senza precedenti. Innumerevoli studenti di pianoforte (compreso il sottoscritto) hanno frequentato la scuola di Harry, che col tempo ha cominciato a diffondersi anche al di fuori di Lucerna. Nella sua classe ci si sentiva talmente a casa, musicalmente e personalmente, che quando si lasciava questa "Isle joyeuse" ci si doveva riabituare al resto della vita mondana. Anche sua moglie, Heidi Harry, anch'essa eccellente pianista, ha dato un contributo pedagogico significativo, ad esempio supervisionando i corsi di metodologia. (È stata anche insegnante del Consigliere federale Sommaruga, di formazione pianistica).

Sebbene il fulcro dell'attività musicale di Hubert Harry fosse l'insegnamento, di tanto in tanto si tenevano grandi concerti, preferibilmente in Svizzera. La rarità di questi concerti li rendeva momenti speciali, spesso addirittura grandiosi. Fortunatamente, molti di essi sono documentati e accessibili in registrazioni di successo. I programmi di Harry erano principalmente dedicati alla grande letteratura concertistica internazionale. Tuttavia, le sue interpretazioni di questa letteratura molto suonata non si sono mai sottratte al confronto con i (cosiddetti) grandi del pianismo mondiale - anzi, è vero il contrario... Con le singole esecuzioni, Harry è riuscito a stabilire standard vincolanti che difficilmente sono stati eguagliati, tanto meno superati.

Ciò può sorprendere, dato che il lavoro di Harry è rimasto così limitato e non ha mai raggiunto l'impatto di ampio respiro che meritava - probabilmente anche perché questo non era un problema per Harry nella sua genuina umiltà e dedizione alla musica. Ma la vera grande arte è molto spesso difficilmente riconosciuta come tale all'inizio e apprezzata solo postuma (e in questo Harry è certamente in buona compagnia). Resta da vedere se la meritata fama mondiale di Harry, se era importante per lui, si materializzerà. Con le possibilità tecniche e digitali di oggi, è ipotizzabile. Fino ad allora, la sua crescente cerchia di seguaci rimarrà una comunità privilegiata di addetti ai lavori.

Attuale

Sabato 4 luglio, dalle 11.00 alle 16.00, la Scuola di Musica di Lucerna organizza un evento a Dreilinden per salutare l'attuale sede prima del trasferimento nel nuovo edificio del Südpol Luzern/Kriens. Patrizio Mazzola suonerà e commenterà opere in memoria di Hubert Harry e Caspar Diethelm, che hanno lavorato entrambi alla scuola per molto tempo.

Link alla recensione del libro
Hubert Harry, pianista. Frammenti di vita

Chi non conosce Oh, caro Agostino! Il termine "Wienerlied" ha origine dall'urbanizzazione della città di Vienna dopo il 1850, quando la gente cominciò a sentire la mancanza dell'originale e del folclore. Come il Gassenhauer berlinese, il Wienerlied è un genere a sé stante: umoristico, malinconico, ma anche beffardo e sfrontato, canta la vita facile e la transitorietà. Fiorì fino agli anni Trenta e dopo la Seconda guerra mondiale fino agli anni Ottanta. Con la crescente cancellazione delle trasmissioni di canzoni viennesi alla radio austriaca ORF, ha perso il suo ampio appeal e oggi è purtroppo quasi sconosciuta al pubblico mediatico più giovane.

Per evitare che queste canzoni di carattere siano completamente dimenticate, Günther Mohaupt ha pubblicato due volumi delle più note per coro misto a quattro voci con accompagnamento di pianoforte (ad lib.) con Doblinger-Musikverlag. Le sue versioni corali sono molto riuscite perché sono semplici, ma mostrano sempre una grande varietà tonale nonostante l'esecuzione semplice. Un'ottima aggiunta al repertorio per cori.

Wienerlieder per coro misto a quattro voci, a cappella o con accompagnamento di pianoforte, arrangiamento di Günther Mohaupt, Volume 2, riduzione per pianoforte, D 42 903, € 39,95, Doblinger, Vienna

Cosa ci dicono i ritratti dei grandi musicisti? La musicologa tedesca Ute Jung-Kaiser ha sempre incluso la ricerca sulle immagini (iconografia) nelle sue monografie su Mozart, Beethoven, Chopin, Schubert, Wagner e altri. Ora presenta un volume illuminante sull'argomento: Il ritratto ideale di un musicista. Da Lutero a Schönberg. Il libro è spesso e pesante quasi 530 pagine e la qualità della carta deve far risaltare al meglio le immagini.

Il libro è suddiviso in 24 ritratti per facilitare l'approccio e, una volta acquisita familiarità con l'argomento, la lettura sarà piacevole. Le immagini selezionate di compositori famosi e studiati a fondo nella storia della musica forniscono informazioni interessanti ed essenziali sulla loro personalità e sulla ricezione della loro musica. È un peccato che non sia inclusa nemmeno una donna compositrice.

Jung-Kaiser sceglie come punto di partenza per il suo studio il ritratto del mitico cantore Orfeo, ideale del musicista per eccellenza, in quanto capace di superare la morte cantando per la sua amata. Il suo ritratto funge da modello e diventa un prototipo per il musicologo. La scelta delle immagini è caratterizzata dalla domanda di fondo: Quali di questi ritratti vanno al cuore della questione? Quali dicono qualcosa su ciò che definiva la personalità dell'artista? Secondo Jung-Kaiser, il massimo che un ritrattista può raggiungere è quando l'immagine "suona". Il pittore Franz Nölken (1884-1918), ad esempio, raggiunge questo obiettivo nel suo ritratto di Max Reger: "Con la sua composizione di superfici di colore e il trattamento impressionistico della luce, Nölken cattura magistralmente Reger in un'atmosfera estiva e solare, completamente concentrato sul suo lavoro".

Uno schizzo a olio di Isidor Neugass (1780 ca. - 1874 ca.) intitolato "Composizione della superficie del colore" ci dimostra che non è stato scoperto solo dagli impressionisti. Joseph Haydn compone. Il gioco di luci nei colori caldi (marrone e oro) evoca un'aura, uno spazio sonoro musicale in cui Haydn siede alla scrivania in una posa pensosa e rivolta verso l'interno. Il busto in cera, sorprendentemente realistico, creato intorno al 1795 da Franz Christian Thaler con i veri capelli di Haydn, appare senz'anima, persino banale.

Jung-Kaiser include ripetutamente nelle sue osservazioni le maschere mortuarie degli artisti, l'ultima immagine realistica del volto. Soprattutto in epoca moderna, vengono presi in considerazione anche gli autoritratti dei compositori: Arnold Schönberg, ad esempio, si dipingeva spesso, così come Paul Hindemith, che aveva un grande talento come disegnatore. Ciò fornisce una visione dell'immagine di sé dei compositori, che l'autrice è in grado di rivelare con citazioni puntuali e descrizioni competenti di ogni soggetto ritratto.

In questo modo, le visioni interne ed esterne si uniscono in uno spazio ristretto, le immagini vengono confrontate e valutate in termini di messaggio e ci avviciniamo sorprendentemente all'essenza di queste persone brillanti. Quanto meno un ritratto è rappresentato e pateticamente idealizzato, tanto meglio è, scrive Jung-Kaiser. Questo libro offre quindi aspetti interessanti della ricezione della musica e delle personalità di coloro che sono stati ritratti, che finora sono stati affrontati solo marginalmente nella ricerca.

Ute Jung-Kaiser: Il ritratto ideale di un musicista. Da Lutero a Schönberg, 528 p., oltre 350 illustrazioni, € 82,00, Georg Olms, Hildesheim e altri 2019, ISBN 978-3-487-15792-4

Non si tratta di un rinomato interprete svizzero, ma del poco conosciuto pianista Berkant Nuriev, nato in Bulgaria con radici turche, responsabile di alcuni dei più originali arricchimenti del repertorio recente. Da un quarto di secolo vive a Berna, dove si è formato come solista, musicista da camera e accompagnatore di canzoni all'Università delle Arti sotto la guida di Rada Petkova, Erika Radermacher e Bruno Canino. Il suo CD, meravigliosamente divertente Giro romantico della Svizzera conduce nella Svizzera turistica della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

Tutta una serie di brani pianistici fuori catalogo, che Nuriev ha rintracciato in archivi e biblioteche con un'incontenibile sete di scoperta, evocano ricordi di mete preferite tra il lago di Costanza (Wilhelm Baumgartner: Al Lago di CostanzaRomanticismo) e il Lago di Ginevra (Johannes Wolfensperger: Sul lago di Ginevrapolka). Nelle sue prime registrazioni, il pianista porta alle nostre orecchie tutti questi luoghi turistici nei loro riflessi musicali.

L'assenza dell'étude da concerto, per esempio Al Giessbach di Joachim Raff o di brani appropriati di Johann Carl Eschmann, allievo di Mendelssohn a Winterthur, il pianista compensa con immagini di viaggio a lungo dimenticate di un solo straniero. L'austriaco Alfred Jaëll invita l'ascoltatore a fare una lunga pausa con impressioni particolarmente raffinate di Interlaken, Zurigo e della Valle di Lauterbrunnen (Il servizio di lavanderia in Svizzera).

Il viaggio prosegue con le accattivanti miniature dei colleghi elvetici Bernhard Bogler (Polka Sulle rive della Limmat), Jacques Ehrhart (Valli luganesi) e l'unico allievo di Chopin proveniente dalla Svizzera, Charles Samuel Bovy-Lysberg (Fantaisie sur des Airs Suisses). Il souvenir più breve e allo stesso tempo più umoristico, il brano dura poco meno di un minuto. Pista di ghiaccio di Arosaè stato scritto da Heinrich Pestalozzi, che ha lavorato come parroco in questa parrocchia grigionese.

Berkant Nuriev padroneggia il delicato equilibrio tra arte e kitsch con bravura e un'udibile strizzata d'occhio nelle dodici rarità, in cui si alternano nutrienti foraggi virtuosistici a musica da salotto facilmente digeribile.

Con le sue opere già pubblicate con successo per flauto e clarinetto Studi facili di jazz per flauto dolce contralto Tilmann Dehnhard colma una lacuna nel repertorio del flauto dolce. I suoi studi intendono fornire risposte esemplari alla domanda su come suonare belle melodie su progressioni di accordi familiari e articolarle in uno stile che le renda "groove". La prefazione introduce la notazione jazz, spiega la differenza tra otto dritti e swinging e l'articolazione off-beat, e spiega le gracenotes e altre caratteristiche e convenzioni speciali comuni nel jazz.

Le dieci composizioni originali nei livelli di difficoltà 3-4, di cui una "versione facile", introducono poi i vari stili jazzistici. Alcune di esse sono etichettate con le articolazioni precedentemente apprese e sono state registrate con un suono esemplare, anche se un po' monodimensionale, da Tobias Reisige (flauto dolce), Kai Brückner (chitarra) e Marc Muellbauer (contrabbasso). Il CD di accompagnamento offre versioni complete e play-along dei brani in vari tempi di esercizio.

Sarebbe stato auspicabile avere un aiuto su come i flautisti possono improvvisare o comporre le proprie melodie, soprattutto perché alcuni dei brani presentati sono basati sulle progressioni di accordi di noti standard jazz, come ad esempio La Georgia nei miei pensieri o L'ora legale basato. Come introduzione al mondo del jazz, tuttavia, gli studi, variamente concepiti, funzionano molto bene e possono fornire il punto di partenza per le vostre future improvvisazioni attraverso una versione play-along.

Tilmann Dehnhard: Easy Jazz Studies, 10 facili composizioni per flauto dolce contralto come introduzione al jazz, UE 37222, con CD, € 16,95, Universal Edition, Vienna

Ci sono editori musicali che si lamentano delle continue difficoltà del settore di fronte al cambiamento dei media. E ci sono editori musicali che pubblicano semplicemente qualcosa di nuovo e sorprendente. Tra queste c'è la lionese Editions Symétrie, una casa editrice che ha incentrato il suo ambizioso programma principalmente sulla musica francese e sulla storia della musica - e probabilmente per questo motivo è poco conosciuta nei Paesi di lingua tedesca. Vale comunque la pena di dare un'occhiata al catalogo, che non contiene petitessen, ma numerose (prime) edizioni di opere di grande formato, come il primo contributo di Vincent d'Indy al repertorio sinfonico. Eseguita integralmente il 14 aprile 2005 (!) a Yerevan (Armenia) e già registrata due volte (2007 e 2010), la partitura dell'opera è ora finalmente disponibile.

Scrivendo con ardore giovanile, d'Indy (1851-1931) riflette sul proprio viaggio in Italia in questa composizione, scritta nel 1870/72, riconoscibile dai titoli dei movimenti: Roma, Firenze, Venezia e Napoli. Sebbene lo Scherzo, che ricorda fortemente Mendelssohn, sia stato ben accolto in occasione di un'esecuzione nei Concerts Pasdeloup, d'Indy si era presto evoluto dal punto di vista stilistico e decise di non dare alle stampe l'opera, che oggi potrebbe essere una bella aggiunta al repertorio. Il movimento lento in particolare, con i suoi archi multipli divisi, non mancherà di avere un impatto.

Tuttavia, la presente edizione avrebbe meritato maggiore attenzione da parte di un editore esperto: questo vale per la disposizione delle pagine, per i riconoscimenti che cambiano frequentemente (ad esempio a p. 32 e segg.) o per le regole di incisione generosamente interpretate. Mancano anche informazioni sulle fonti utilizzate, sulle letture e sugli eventuali adattamenti. Inoltre, l'edizione non consiste in un volume rilegato, ma in un fascio di tre libretti A4. Sono finiti i tempi in cui un'edizione di questo tipo era interessante solo per filologi e collezionisti.

Vincent d'Indy: Sinfonia n. 1 en la mineur "italienne", partitura, € 70,00, Éditions Symétrie, Lione, ISMN 979-0-2318-0233-7

Il semaforo è passato da tempo al rosso: Il blocco ha gettato l'industria degli eventi in una grave crisi. Con l'allentamento delle restrizioni, ora c'è un "senso di ottimismo", come scrivono gli organizzatori.

Il 22 giugno 2020, innumerevoli luoghi in tutta la Svizzera saranno illuminati di rosso dalle 22.00 a mezzanotte. Il motto di questa campagna è: "Notte di luce": un memoriale luminoso e un appello infuocato da parte dell'industria degli eventi.

Per ulteriori dettagli vedere www.nightoflight.ch