Quando si legge che la compositrice Martha von Castelberg (1892-1971) non ha ricevuto né lezioni di pianoforte né di composizione, l'ascolto del CD con i suoi mottetti e le sue canzoni sacre e profane fa pensare: se Lili Boulanger avesse scritto il suo ciclo di canzoni Clairières dans le ciel senza regolari lezioni di composizione, Fanny Hensel scrisse la sua opera per pianoforte L'anno essere in grado di scrivere senza molti anni di lezioni di pianoforte? L'apprendimento di uno strumento da autodidatta porta a scoprire nuove strade, e può essere che comporre senza studiare con un insegnante impedisca di seguire percorsi stilistici ben tracciati?

Le canzoni della Castelberg, ma non i suoi mottetti, inducono a pensare che un mestiere più abile avrebbe giovato alla sua composizione e che il suo indubbio talento avrebbe potuto dispiegarsi più liberamente. Si ha la sensazione che le sue canzoni siano accompagnate in modo piuttosto semplice dal pianoforte e che un po' di raffinatezza pianistica farebbe bene anche ai testi sacri.

Chi era Martha von Castelberg? La zurighese crebbe come figlia di un banchiere privato in una casa borghese rigorosamente cattolica. Ricevette lezioni di violino fin da piccola, ma non le fu permesso di studiare musica nonostante il suo talento. Come scrive Sibylle Ehrismann nel libretto informativo del CD, la von Castelberg, che era molto devota e interessata allo spirito, si batté con il marito a favore del cattolicesimo zurighese, che aveva un momento difficile nella città riformata. Molte delle sue composizioni hanno uno sfondo religioso, altre hanno un legame con Disentis nei Grigioni, la patria del marito.

I quattro cantanti e il pianista interpretano le canzoni con un impegno udibile, ricco di colori e finemente realizzato. Se si ascoltano tutti i brani, che sono abbastanza attraenti singolarmente, uno dopo l'altro, si avverte una certa monotonia, soprattutto per quanto riguarda i canti sacri, poiché le opere non sono abbastanza varie. È notevole il fatto che non ci siano quasi altre ambientazioni dei testi scelti, ad esempio di Fontane, Rückert, Bergengruen e poeti retoromani.

La vera scoperta del CD, tuttavia, sono i cinque mottetti per voci miste. Sono interpretati dall'ensemble vocale Basel larynx sotto la direzione di Jakob Pilgram al massimo livello, con un suono bellissimo e con ogni auspicabile differenziazione. Pur essendo saldamente ancorati alla tradizione della musica sacra, i mottetti affascinano per la loro particolare armonia "moderna". Sono probabilmente il contributo più importante di Martha von Castelberg alla musica svizzera del XX secolo.

I nomi, i titoli delle opere e i testi delle canzoni contenuti nel libretto contengono parecchi errori, il che è particolarmente evidente in un'edizione altrimenti così accurata.
 

Lo si potrebbe definire aridamente un "contributo alla ricerca biografica". Ma le "Conversazioni con sei compositori e una compositrice sui loro anni di studio" di Werner Grünzweig offrono molto di più che retrospettive soggettive di compositori ormai affermati. Se si leggono con attenzione le interviste a Peter Ablinger, Orm Finnendahl, Georg Friedrich Haas, Hanspeter Kyburz, Bernhard Lang, Isabel Mundry ed Enno Poppe, si ottengono spunti profondi, vivaci e sfaccettati che dicono molto sull'educazione estetica, sulla psicologia e, non ultimo, su un certo ambiente chiamato Nuova Musica.

Il compositore e professore di composizione austriaco Gösta Neuwirth è un punto di riferimento costante. Dal 1980 al 1990 circa, ha insegnato a tutti e sette i ritratti, in parte a Graz e in seguito a Berlino. Neuwirth era un mecenate liberale per il quale la tecnica compositiva significava molto, ma non tutto. Ai suoi studenti parlava di cinema, letteratura e pittura. Hanspeter Kyburz, cresciuto in Svizzera, è stato ispirato dal periodo di studio a Graz proprio per la diversità: "Le lezioni di Gösta erano molto stimolanti, molto aperte, mondi stranieri. Ma cosa fare con questi alieni che hai visto?".

Una domanda davvero centrale. Chiunque visualizzi lo sviluppo dei sette compositori, molto diversi tra loro, giunge alla conclusione che ognuno di loro ha costruito il proprio mondo estetico. Kyburz ha intrapreso una direzione quasi scientifico-oggettiva, Peter Ablinger ha perseguito un'estetica concettuale che supera i confini, mentre Georg Friedrich Haas si è dedicato con successo all'esplorazione del suono microtonale. Il fatto che non abbia sviluppato una scuola nel senso di Arnold Schönberg depone chiaramente a favore di Neuwirth. Ci sono professori di composizione molto più rigidi e con un concetto di musica molto più ristretto.

Sebbene Neuwirth sia l'anello di congiunzione, Grünzweig non si occupa principalmente di insegnare la composizione. Nelle interviste - già condotte nel 2007 e nel 2008 - pone le sue domande apertamente, guidate dal flusso della conversazione e adattate al rispettivo compositore. Questo metodo porta a un'accattivante varietà di argomenti e a un tono molto personale. Anche gli specialisti di un compositore o di un altro scopriranno qualcosa di nuovo e saranno in grado di leggere tra le righe (soprattutto quando non vengono citati i nomi). I flashback degli anni Ottanta sono quasi malinconici. All'epoca c'era ovviamente molta più libertà di oggi, quando anche gli studi di composizione stanno gradualmente diventando sempre più scolastici. Fondamentalmente, il libro è un appello all'apertura liberale, un'apertura che rende possibili percorsi autodeterminati e sicuri di sé.

Werner Grünzweig: Come si crea la musica? Conversazioni con sei compositori e una compositrice sul loro periodo di studio, 200 p., € 19,80, von Bockel-Verlag, Neumünster 2019, ISBN 978-3-95675-026-7

La cantante lirica e compositrice francese Pauline Viardot (1821-1910) è stata una delle artiste più versatili del XIX secolo. A quel tempo era difficile per le donne sviluppare il proprio talento. Ciononostante, si fece un nome come cantante, compositrice e donna di mondo. Come cantante, era paragonabile a star come Adele o Netrebko, con la differenza che ovviamente aveva una gamma vocale molto più ampia di loro. Gli incontri nel suo salotto con celebri contemporanei come Franz Liszt o Clara e Robert Schumann devono essere stati leggendari e dimostrano quanto dovesse essere interessante la sua personalità. Come donna di oggi, si cercano sempre invano i modelli femminili del passato. Nel caso di Pauline Viardot, si è ricompensati e in questo progetto la sua eredità di compositrice sarà pienamente realizzata e, soprattutto, ascoltata!

Aurea Marston, Cornelia Lenzin, Simona Mango e Nicolaia Marston desiderano celebrare il 200° compleanno di Viardot nel maggio 2021 con un concerto semiscenico. Le sue canzoni, i duetti e gli arrangiamenti di canzoni avranno il ruolo principale. Ad essi si aggiungeranno altre canzoni e duetti di compositori della sua cerchia di amici (ad esempio Johannes Brahms, Franz Liszt o Clara e Robert Schumann). Oltre alla musica, gli interpreti vogliono far rivivere la vita e l'epoca della compositrice con molto umorismo. Una messa in scena leggera conferisce al programma un filo narrativo e un tocco umoristico. L'obiettivo è quello di rendere accessibile a un vasto pubblico questa meravigliosa musica del periodo romantico.

In tempi di crisi, la raccolta fondi tradizionale ha lasciato gli artisti a bocca asciutta, per cui hanno cercato nuovi modi per finanziare il progetto e hanno avviato il crowdfunding:
www.lokalhelden.ch/concerts
 

La biblioteca dell'Abbazia di Engelberg conserva una parte stampata del 1764, scritta dal lucernese Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789), che compose i quattro concerti per clavicembalo o organo e orchestra. La sua vita, che si concluse nell'anno della Rivoluzione francese, fu caratterizzata dal suo lignaggio patrizio. I suoi genitori ereditarono il castello di Schauensee, sopra Kriens, e d'ora in poi si fecero chiamare Meyer von Schauensee. (Questo castello, dipinto da Mara Meier, è riportato sulla copertina dello spartito).

La famiglia musicale di Joseph gli impartì lezioni di canto e di organo fin dall'età di cinque anni, tanto che il precoce ragazzo fu presto in grado di sostituire il suo maestro agli organi della Hofkirche St Leodegar di Lucerna. Imparò a suonare il violino e il violoncello nelle scuole monastiche di San Gallo. Tornato a Lucerna, imparò le basi della composizione e creò musica per il teatro della scuola dei gesuiti già nel 1738. Nel 1740-41 il giovane si recò a Milano. Impressionato dalla vita musicale mondana e dalle opere della scuola napoletana (Feo, Leo, Pergolesi), acquisì un ulteriore virtuosismo al violino e al clavicembalo, che lo rese uno dei preferiti dei gesuiti. Sonate da camera per il Clavecin che purtroppo sono andati perduti.

Dopo il suo ritorno, il padre gli organizzò un posto di ufficiale presso il re di Sardegna-Piemonte. Ma nonostante gli impegni militari, trovò il tempo di comporre. Il freddo e l'umidità delle montagne e le tempeste del Mediterraneo lo ispirarono a scrivere opere future. I successivi incarichi a Lucerna come Gran Consigliere e supervisore del Reis-Waage gli lasciarono abbastanza tempo per la musica; diresse e suonò l'organo a Engelberg, Muri, San Gallo, Beromünster e fu chiamato come esperto d'organo a Rheinau. A partire dall'età di 32 anni si ritirò dalle cariche secolari e si concentrò su compiti spirituali e musicali presso l'Abbazia di San Leodegar. Nel 1760 fondò il primo Collegium musicum pubblico e nel 1775 fondò la Società Concorde Elvetica, un'associazione che propagandava l'unità nazionale dell'Antica Confederazione Svizzera. La sua musica fu molto apprezzata durante la sua vita - persino Mozart padre e figlio eseguirono la sua musica da chiesa - e il suo virtuosismo e la sua immaginazione furono lodati. Tuttavia, con gli sconvolgimenti politici e culturali che seguirono la morte di Meyer, la sua musica cadde nell'oblio.

Ora l'organista di Soletta Hans-Rudolf Binz ha accuratamente rieditato i quattro concerti sopra citati in occasione del 300° anniversario della nascita del compositore. Ciascuna delle opere in tre movimenti ha un carattere particolare. Il primo si chiude virtuosisticamente con un prestissimo ed alla breve, il secondo richiede un martellato e un sospirando, il terzo è un concerto natalizio con pedaliera di piverone e ninna nanna allegretto ed amoroso, il quarto è un concerto di Natale. Il Molino I rapidi apeggi imitano lo sferragliare di un mulino. I Concerti II e III richiedono due corni ad lib oltre agli archi. L'editore ha incluso soluzioni stampate per le cadenze richieste dal compositore nei Concerti I e IV.

L'introduzione e il rapporto di revisione in tedesco, francese e inglese forniscono informazioni dettagliate sul compositore e sulla sua storia contemporanea (su cui si basano i dati biografici qui riportati), sull'esecuzione e sulla prassi editoriale. Le opere sono state registrate già nel 1949 a Radio Berna da Eugen Huber, che ha anche aggiunto con cura le parti mancanti (peccato che queste aggiunte manchino nella nuova edizione!), e nel 1975 con Philippe Laubscher e François Pantillon su disco. Il nuovo bellissimo materiale ispira nuove esecuzioni!

Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee: Quattro Concerti armonici d'Organo o di Cembalo op. 8, parte 1ma.
Concerto I in do maggiore, M&S 2367
Concderto II in re maggiore, M&S 2368
Concerto III in sol maggiore, M&S 2369
Concerto IV in la maggiore "il molino", M&S 2370
Partitura I, II, IV/III: Fr. 38.00/22.00, riduzione per pianoforte Fr. 28.00/18.00, parti Fr. 8.00/5.00 ciascuna;
Müller & Schade, Berna

Il nome di Albert Moeschinger compare solo sporadicamente nei programmi dei concerti in Svizzera e sembra essere quasi sconosciuto alle giovani generazioni di musicisti. Nasce a Basilea nel 1897, dove frequenta anche la scuola e poi, per volontà del padre, inizia un apprendistato come banchiere. Tuttavia, abbandonò presto questa attività per dedicarsi agli studi musicali a Berna, Lipsia e Monaco. Inizialmente si guadagnò da vivere come musicista in un caffè e poi come insegnante al Conservatorio di Berna.

Come compositore, Moeschinger esplorò gli stili più diversi e creò un'opera di oltre 100 numeri d'opera in quasi tutti i generi. Solisti di spicco come Walter Gieseking hanno suonato i suoi concerti per pianoforte, mentre Hermann Scherchen, Paul Sacher e altri direttori d'orchestra hanno sostenuto le sue opere orchestrali.

Per motivi di salute, Moeschinger rinunciò all'insegnamento a Berna nel 1943 e successivamente visse come artista libero professionista a Saas Fee, Ascona e Thun, dove morì nel 1985.

Perché oggi la sua musica viene eseguita così raramente? Non può essere dovuto alla sua qualità. I suoi concerti per pianoforte e le opere per pianoforte solo in particolare rivelano un uso estremamente abile delle possibilità dello strumento. Per questo non si può che essere grati all'editore Müller & Schade per aver pubblicato l'opera Sonatina op. 66 è stata pubblicata di recente. Un'opera varia in tre movimenti per un totale di 13 pagine, che ricorda la Sonatine pour piano di Ravel, e non solo per la sua breve durata. Anche nel caso di Ravel, il titolo non si riferisce a un brano studentesco, ma piuttosto a una deliberata ed economica riduzione della dimensione temporale.

Le esigenze pianistiche non sono eccessive e la scrittura pianistica è generalmente molto buona. Alcuni passaggi richiedono un abile incrocio delle mani (che a volte è un po' scomodo nell'opera di Ravel...). Nonostante la deliberata riduzione dei mezzi compositivi, i tre movimenti sono molto diversi per carattere e sonorità, così che l'impressione di un ricco percorso musicale rimane nella memoria.

Si spera che l'editore Müller & Schade pubblichi in futuro altre trouvailles di Moeschinger. (Finora sono disponibili per pianoforte: Kleine Klavierstücke M&S 1999, Danses américaines M&S 2095, Fête de capricorne, M&S 2107) e magari anche con un testo di accompagnamento e ulteriori informazioni su questo appassionante musicista.

Albert Moeschinger: Sonatina per pianoforte op. 66, M&S 2144, fr. 12.00, Müller & Schade, Berna

Al di fuori della sfera culturale francese, i due quartetti per archi op. 112 (1899) e op. 153 (1918) di Camille Saint-Saëns conducono un'esistenza marginale. Le opere di altri compositori francesi sono troppo dominanti, soprattutto le pietre miliari epocali del genere di Claude Debussy (op. 10, 1893) e Maurice Ravel (Fa maggiore, 1904). Ma anche i contributi di Darius Milhaud, Gabriel Fauré e César Franck non sono stati completamente dimenticati.

Saint-Saëns è un fenomeno della storia della musica. Come Max Bruch, non ha mai abbandonato la strada della tonalità e alcune delle sue opere suonano fuori dal tempo. Tuttavia, mentre il Quintetto in la minore e l'Ottetto in si bemolle maggiore di Bruch del 1918/19, ad esempio, potrebbero essere stati scritti 60 anni prima, i due quartetti per archi in mi minore (1899) e in sol maggiore (1918) del compositore francese mostrano chiaramente i tratti del loro tempo di composizione. Saint-Saëns era piuttosto aperto nei confronti di Gustav Mahler e di altri modernisti che si rifacevano al tardo romanticismo, mentre etichettava come "pazzi" coloro che rovesciavano le leggi e le forme conosciute, come Igor Stravinsky, Debussy e il gruppo Les Six.

La sua musica è sempre tecnicamente impeccabile, caratterizzata da grande raffinatezza e ingegnosità e da melodie accattivanti. Allo stesso tempo, è sempre strettamente legata alla tradizione e ancorata ai principi formali che si sono evoluti nel corso dei secoli. Allo stesso tempo, però, è pieno di sorprese, idee brillanti ed effetti introvabili altrove. Questo caratterizza l'individualista Saint-Säens, che spesso è stato ingiustamente accusato di essere arretrato solo perché non ha voluto seguire gli sconvolgimenti del XX secolo. Egli, infatti, mutava costantemente nel proprio stile, l'unico a sua disposizione, anche se a volte sceglieva di tornare indietro. È possibile essere innovativi anche in un linguaggio ancestrale che riconosce le proprie radici. Non va dimenticato che il compositore è stato un pianista e un musicista focoso fino alla fine.

I due quartetti sono molto diversi. Con i suoi 30 minuti di durata, il 1° Quartetto per archi sovrasta già la sua controparte di Haydniana brevità, composta quasi una generazione dopo. Nell'annuncio della casa editrice Bärenreiter si legge che la forma e lo stile dei quartetti si rifanno (tra l'altro) all'estetica di questo grande padre del genere. Questo è a volte sorprendentemente vero nel secondo quartetto, ma come argomento di vendita o stigma - a seconda di come lo si guarda - è troppo poco. Il compositore corregge e contrasta sempre questa vicinanza immediatamente con l'inaspettato, ad esempio con tecniche fugali grandiose e complesse. Nell'opera tarda, più tradizionale, è particolarmente coinvolgente il movimento lento, profondamente sentito, che può certamente essere inteso come un'allusione alla devastazione e alla tristezza dell'epoca. Il 1° Quartetto, suonato dalle grandi star della scena d'archi francofona subito dopo la sua pubblicazione (ad esempio Eugène Ysaÿe e Pablo Sarasate), non è altro che un capolavoro senza riserve. Con le sue ricche armonie, il contrappunto e i passaggi d'effetto, ritmicamente avvincenti come lo Scherzo, gli archi gratificati e pieni di melodia appassionata, merita il posto che gli spetta accanto alle opere dei famosi tardo-romantici.

Camille Saint-Saëns: Quartetto per archi n. 1 in mi minore op. 112, parti, BA 10927, € 32,95; Quartetto per archi n. 2 in sol maggiore op. 153, parti, BA 10928, € 34,95; n. 1 + 2, partitura di studio, TP 779, € 29,95; Bärenreiter, Kassel

Le otto miniature per due violini di Rudolf Kelterborn hanno un tempo di esecuzione totale di sette minuti - più le "chiare pause di rilassamento" raccomandate dal compositore. Il Otto ideecome li chiama lui, possono essere eseguiti in qualsiasi ordine, motivo per cui le partiture sono stampate su fogli singoli. Le impegnative formazioni ritmiche complementari richiedono una grande presenza mentale. Le richieste tecniche sono varie e molto stimolanti. Quando si esprimono idee, ci sono pause di riflessione; di conseguenza, le fermate sono spesso prescritte su pause o suoni (a volte anche sulla durata in secondi!). Si alternano eccitazione, tranquillità vocale, impegno preciso e danza omofonica.

Rudolf Kelterborn, nato nel 1931 - "compositore, pensatore musicale, mediatore", come lo definisce Andreas Briner nel titolo del suo libro pubblicato nel 1993 - ha dedicato questi duetti a Bettina Boller e Malwina Sosnowski.

Rudolf Kelterborn: Otto idee per due violini (2018), BA 11408, € 28,50, Bärenreiter, Kassel

John W. Duarte era un inglese a tutti gli effetti, per cui era sempre un po' infastidito dal fatto che il suo nome venisse pronunciato dai non anglofoni - Du-árte invece di Djú-ǝtsen. Anche se questo era quasi inevitabile per un chitarrista e compositore attivo a livello internazionale che coltivava amicizie con persone come Andrés Segovia e Antonio Lauro. Era un organizzatore, un editore, un recensore, una figura ben nota nella vita musicale londinese e un decano della scena chitarristica britannica, dalla lingua tagliente ma amichevole. Il suo gilet e la sua pipa ricordavano Sherlock Holmes. Dopo ogni concerto di chitarra che si svolgeva nella famosa Wigmore Hall, i suoi discepoli si riunivano intorno a lui nel pub per una riunione conviviale.

L'album, compilato in onore del compositore scomparso nel 2004 all'età di 85 anni, comprende 20 brani per chitarra sola, tutti pubblicati da Duarte negli anni Settanta e Ottanta, tra cui tre sue composizioni. Si tratta di brani vivaci, colorati, a volte un po' stravaganti, con la loro tonalità spezzata da seconde acute e accordi trasversali. È sorprendente la capacità di Duarte di trasferire alla chitarra le intavolature di Gaspar Sanz o Alonso Mudarra già all'epoca. Le sue chiare idee interpretative possono essere facilmente comprese dall'impostazione delle battute, dalle legature e dalla diteggiatura senza soluzione di continuità.

La notazione musicale è stata copiata uno a uno dalle edizioni precedenti, compresi gli errori di stampa. Per alcuni brani mancano le indicazioni di scordatura. Oltre a molta musica antica, non ultima quella di John Dowland, sono ben rappresentate le trascrizioni di Domenico Scarlatti, e alcuni numeri più leggeri e dal bel suono, ad esempio di Rodrigo Riera, invitano a sognare ad occhi aperti. Un breve studio di Reginald Smith Brindle è il più moderno. Nel complesso, il volume è John W. Duarte - Una celebrazione della sua musica per chitarra un bellissimo tributo a una personalità di spicco e un album di chitarre variegato che invita a sfogliare la musica.

John W. Duarte: A Celebration of His Music for Guitar, selezionato da Paul Coles, UE 29201, € 14,95, Universal Edition, Vienna

Johann Sebastian Bach ha preceduto alcune delle sue cantate con una sinfonia come introduzione strumentale invece di un coro di apertura. Si tratta sempre di gemme di musica da camera con una strumentazione spesso insolita.

Il presente Concertino a 5 unisce ora le sinfonie delle cantate BWV 18 e 152 (Mentre la pioggia e la neve cadono dal cielo e Percorrere il cammino della fede) in un'opera strumentale in tre movimenti. Per rendere possibile la combinazione dei brani, è stato necessario armonizzare la strumentazione. Quella dell'introduzione della cantata BWV 152 con flauto dolce contralto, oboe, viola (originariamente viola d'amore), viola da gamba e basso continuo è stata adottata senza modifiche. La strumentazione originale della Sinfonia del BWV 18 era piuttosto insolita con quattro viole e continuo; nella ripresa è stata addirittura rafforzata da due flauti dolci in ottava parzialmente colla parte. Ora sono state apportate importanti modifiche a questo brano: le due parti superiori originali della viola sono state trasferite al flauto dolce e all'oboe con posizioni di ottava parzialmente modificate o parti scambiate, e la viola da gamba e la viola da gamba sono state incluse nel motivo. Piccoli ritocchi tecnici su entrambi gli strumenti ad arco completano la preparazione di questa nuova e attraente strumentazione.

La Sinfonia riarrangiata forma ora il primo movimento di questo concertino, in cui la pioggia e la neve cadenti sono musicalmente rappresentate nel carattere di una ciaccona. L'Adagio da BWV 152 nel movimento centrale, lungo solo quattro battute e caratterizzato da voci superiori finemente cesellate, conduce a una delle poche fughe strumentali delle cantate di Bach.

Ci si chiede se sia legittimo fare interventi così importanti in un'opera. Ci sono tre ragioni a favore: Bach stesso trattava le sue composizioni in modo altrettanto libero e cambiava la strumentazione, proprio come un approccio libero alla strumentazione era pratica comune all'epoca. In secondo luogo, tutti i cambiamenti sono spiegati in modo plausibile e accuratamente documentati. In terzo luogo, due sinfonie indipendenti vengono così combinate per formare un nuovo lavoro che rappresenta un arricchimento assoluto della letteratura cameristica in termini di suono e composizione.

Johann Sebastian Bach: Concertino a 5 dopo movimenti strumentali dalle cantate della chiesa di Weimar, per flauto dolce, oboe, viola da braccio, viola da gamba e b.c., a cura di Klaus Hofmann, EW 1085, € 21,80, Edition Walhall, Magdeburg

Martin Neukom - L'Istituto per la musica computerizzata e la tecnologia del suono ICST è uno dei due istituti di ricerca del Dipartimento di Musica della ZHdK. Impiega 15 persone, per lo più a tempo parziale, che lavorano su un'ampia varietà di progetti di ricerca. L'istituto dispone di sale di ricerca, studi e uffici nel Toni-Areal. Dalle varie specializzazioni del personale, come ingegneria, percezione, informatica, matematica, ingegneria del suono, arte generativa, media art, musicologia, teoria musicale, performance e composizione, vengono sviluppati progetti in cui si esamina il rapporto tra tecnologia e pratica musicale in un esame della tradizione della musica contemporanea ed elettroacustica utilizzando metodi di ricerca scientifici e artistici. Le attuali aree di ricerca dell'ICST sono Interfacce e strumenti aumentati, Sistemi di composizione e performance basati su reti, Movimento e musica interattiva, Notazione e rappresentazione musicale, Sonificazione/ecologia acustica e Ambienti immersivi e virtuali.

Così come sono diversi i progetti, sono diverse anche le risorse richieste e i metodi utilizzati. Di conseguenza, nello scorso semestre è stato possibile programmare applicazioni e scrivere testi senza problemi, ma le opportunità di utilizzare le infrastrutture, fare prove, condurre esperimenti o invitare scienziati e compositori esterni erano molto limitate. È emerso chiaramente che non solo lo scambio (digitale) tra ricercatori è importante, ma anche l'elaborazione e l'archiviazione dei risultati della ricerca. I seguenti esempi mostrano come i singoli gruppi di ricerca hanno risposto a queste particolari sfide.

"The Art of Diagram", il successore del progetto SNSF "Sound Colour Space - A Virtual Museum" (https://www.zhdk.ch/forschungsprojekt/sound-colour-space-426348), ha fatto grandi progressi. L'équipe internazionale di Daniel Muzzulini sta lavorando su diagrammi storici dall'antichità al Medioevo, fino ai tempi moderni, che esplorano e illustrano i concetti di suono, tono, altezza e timbro. Nel 2017 un'ampia collezione di diagrammi e testi scientifici di accompagnamento è stata pubblicata in un museo virtuale e resa accessibile per ulteriori ricerche. Lo scorso semestre, l'ICST ha deciso di pubblicare i risultati con il titolo "The Art of Diagram" nel formato Gold Open Access ePub (online e cartaceo). Allo stesso tempo, il contenuto del museo virtuale viene aggiornato e vengono sviluppate nuove forme di presentazione. Musicologi di vari Paesi europei e degli Stati Uniti sono molto interessati a partecipare a questo progetto di pubblicazione. Gli incontri ZOOM, ospitati e documentati da Susan F. Weiss (Baltimora), servono a scambiare i risultati delle ricerche. Per istituzionalizzare questa collaborazione, Daniel Muzzulini e Susan F. Weiss hanno chiesto che il gruppo di ricerca venga accettato come Study Group Musical Diagrams della International Musicological Society IMS.

Il progetto di ricerca del FNS "Performing Live Electronic Music" (2018-2022, diretto da Germán Toro Pérez) non ha avuto restrizioni significative, in quanto questo periodo di sei mesi è stato inteso come una fase di documentazione in cui il team ha scritto relazioni dettagliate sulle 12 composizioni realizzate fino ad oggi e ha completato la documentazione audio e video. Questo è stato fatto principalmente dall'ufficio di casa, il che ha funzionato bene. Alcune date di registrazione previste per il prossimo SACD hanno dovuto essere posticipate. I 12 articoli saranno pubblicati nel "Performance Practice Database" entro la fine di agosto.

Lucas Bennett e Tobias Gerber hanno lavorato con il Media and Information Centre MIZ per sviluppare un concetto di registrazione e archiviazione dei materiali delle residenze ICST e stanno registrando i set di dati nell'archivio multimediale MADEK. Il progetto SNSF "Haptic Technology and Evaluation for Digital Musical Interfaces" (HAPTEEV) si concentra sullo sviluppo e la valutazione di interfacce musicali digitali con feedback aptico. I temi di ricerca attuali sono la progettazione, la caratterizzazione delle vibrazioni e la valutazione sperimentale di interfacce commerciali nuove e ampliate. Il lavoro tecnico e le misurazioni potrebbero essere eseguite quando il laboratorio ICST potrebbe essere nuovamente utilizzato. Tuttavia, un esperimento pianificato con gli studenti della ZHdK come partecipanti ha dovuto essere rimandato. Programmatori e compositori lavorano allo sviluppo di strumenti per la produzione e la riproduzione del suono 3D sin dalla fondazione dell'ICST. L'anno scorso, Johannes Schütt e Christian Schweizer hanno sviluppato l'ICST Ambisonics Plugins versione 2.0 (https://ambisonics.postach.io/page/icst-ambisonics-plugins). La programmazione e il collaudo sono stati completati. I test pratici con studenti di composizione e compositori ospiti, che hanno le loro procedure e idee sonore, sono molto importanti per valutare l'usabilità di questi plugin e i flussi di lavoro documentati. Purtroppo, questi test hanno dovuto essere rimandati.

Martin Neukom

... è docente presso la DMU della ZHdK e ricercatore associato presso l'Istituto per la musica computerizzata e la tecnologia del suono.

Attualità e prospettive di ricerca presso l'HEM di Ginevra

Rémy Campos - Da diversi anni, la Haute école de musique de Genève sostiene progetti di ricerca in tutti i campi artistici coperti dai suoi programmi di insegnamento. Citiamo solo tre dei più recenti.

Il primo è un progetto internazionale che consiste nell'immaginare uno strumento informatico di aiuto all'orchestrazione. Intitolato ACTOR (Analysis, Creation and Teaching of Orchestration), è stato avviato da Stephen Mac Adams (McGill University) e coinvolge università, centri di ricerca e scuole d'arte in America del Nord e in Europa. A Ginevra, Éric Daubresse ha animato un'équipe di insegnanti e studenti di composizione (dopo la partenza del collega nell'ottobre 2018, è Gilbert Nouno ad aver assunto la responsabilità del progetto). L'originalità della logica è che permette di testare combinazioni di timbri utilizzando il computer come un'orchestra virtuale.

In un campo completamente diverso, William Dongois ha cercato di scoprire i segreti di un trattato di musica scritto da Silvestro Ganassi e pubblicato a Venezia nel 1535: La Fontegara. Prima opera dedicata esclusivamente all'arte della diminuzione, espone l'arte di organizzare le melodie che sono andate perdute nel corso dei secoli. Con l'aiuto di numerosi partner e riunendo artisti e ricercatori insieme a musicisti in formazione, il progetto ha variato gli approcci dalla concezione di una logica di analisi delle forme di diminuzione al dialogo con le tradizioni musicali dell'Italia rinascimentale (India, Balcani, ecc.).

Infine, il progetto realizzato da Jérôme Albert Schumacher si concentra sull'uso degli strumenti digitali in un contesto pedagogico. L'obiettivo dello studio è definire il posto e il ruolo che gli insegnanti di strumento e di canto attribuiscono ai nuovi strumenti didattici. Il presente studio è una rassegna dei diversi usi nelle scuole di musica delle risorse e degli strumenti disponibili, con particolare attenzione alle tecnologie digitali (applicazioni per smartphone e/o tablet).

Possiamo chiederci fino a che punto l'attuale crisi sanitaria possa disturbare il lavoro dei team impegnati. I progetti ambiziosi non si basano forse su un'intensa circolazione di idee e persone? Gli strumenti di lavoro a distanza che tutti abbiamo sperimentato negli ultimi mesi hanno già dimostrato che la liberalizzazione della mobilità non deve essere fine a se stessa per le grandi aziende collaborative. Inoltre, la ricerca artistica - come la pratica musicale su cui si concentra - richiede incontri regolari con il pubblico. Anche in questo campo, i limiti non vanno mai dimenticati.

C'è quindi molto da dire sul fatto che nei prossimi anni la ricerca artistica, di cui l'innovazione è dominio privato, entrerà in un periodo in cui le forme della professione del musicista dovranno essere reinventate.

Rémy Campos

... è coordinatore della ricerca presso l'HEM.

Notizie dall'Istituto di Interpretazione dell'Università delle Arti di Berna

Martin Skamletz - Nel 2019, l'Università di Scienze Applicate di Berna BFH ha creato un archivio per le pubblicazioni di ricerca, che sono sempre più disponibili in open access, e ha rinominato le precedenti specializzazioni di ricerca dell'Università delle Arti di Berna BUA come istituti. L'Istituto di Interpretazione che ne è derivato continua a concentrare le sue attività su progetti finanziati dall'esterno e fa tutto il possibile per rendere i suoi risultati fruttuosi a lungo termine all'interno dell'università e in collaborazione con partner esterni. Ad esempio, la serie di progetti "Geisterhand" sulle registrazioni interpretative su Welte e altri rotoli di carta come "Magic Piano" è entrata nella fase di attività di mediazione ad ampio raggio come parte di un progetto Agorà finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica (FNS) - sotto la guida di Thomas Gartmann, che è anche coinvolto in progetti relativi all'archivio dell'Associazione Svizzera dei Musicisti (STV) e a una collezione di registrazioni bootleg dagli anni '70 agli anni 2000 provenienti dai teatri d'opera di New York acquisiti dalla BUA. All'inizio di settembre si terrà una conferenza online su questo tema, mentre un evento internazionale di networking Welte in collaborazione con l'Università di Stanford - già programmato per lo scorso giugno ma rimandato per ovvi motivi - si spera possa svolgersi a Berna e al Museum für Musikautomaten Seewen nel 2021.

Un altro progetto Agorà basato su una serie di progetti sugli strumenti a fiato storici che risalgono agli inizi della ricerca HKB sarà presto completato. Si è sviluppata la mostra speciale "Fresh Wind" al Klingendes Museum di Berna, diretta da Adrian v. Steiger in collaborazione con il settore di ricerca HKB "Strumenti musicali". Le iniziative di successo che da tempo offrono agli studenti della HKB l'opportunità di suonare gli strumenti storici del museo sono attualmente in fase di realizzazione a lungo termine grazie a un finanziamento della fondazione.

I docenti di teoria musicale sono anche molto attivi nel trasferire i risultati della ricerca nell'insegnamento: insieme al musicologo Claudio Bacciagaluppi, sono coinvolti in progetti sullo sviluppo istituzionale dell'insegnamento della teoria nel XIX secolo nell'omonimo campo di ricerca.

Il campo di ricerca "Performance e interpretazione" è coordinato da Annette Kappeler, che sta conducendo una ricerca su un teatro italiano settentrionale del primo Ottocento finora poco conosciuto nell'ambito di un progetto del FNS. In collaborazione con il Conservatorio della Svizzera italiana, celebriamo l'Anno Beethoveniano con il simposio "Beethoven e il pianoforte", organizzato da Leonardo Miucci all'inizio di novembre a Lugano.

Negli ultimi anni sono aumentate le attività relative alle "interfacce della musica contemporanea". Tra queste, Leo Dick, che nel suo progetto Ambizione del FNS studia il "teatro musicale avanzato e la formazione dell'identità collettiva in Svizzera dal 1945", e il progetto Mikroton di Roman Brotbeck in collaborazione con la Hochschule für Musik di Basilea. Anche il progetto Mikroton di Roman Brotbeck, in collaborazione con la Hochschule für Musik di Basilea, e l'esame della politica culturale svizzera in Sudafrica durante l'apartheid di Chris Walton fanno parte di questo campo di ricerca. Quest'estate Andreas Schoenrock ha assunto il compito di sviluppare ulteriormente la ricerca sulla musica popolare avviata negli ultimi anni da Immanuel Brockhaus e, in qualità di responsabile del programma MAS Pop & Rock, garantirà anche la collaborazione con il programma di formazione continua della HKB. Il programma di dottorato "Studies in the Arts" in collaborazione con l'Università di Berna si sta svolgendo con successo; nell'anno accademico 2021/22, la BUA inizierà a partecipare anche al programma di dottorato artistico-scientifico dell'Università privata Anton Bruckner di Linz, e sono in corso di pianificazione ulteriori collaborazioni.

Martin Skamletz

... è responsabile dell'Istituto di interpretazione della HKB.

Wolfgang Böhler* - - La Società Svizzera di Medicina Musicale (SMM) riunisce sotto lo stesso tetto specialisti dei settori della medicina e di un'ampia gamma di approcci terapeutici, nonché scienziati e musicisti professionisti. Uno degli obiettivi principali della SMM è incoraggiare un dialogo costruttivo tra questi gruppi. Tuttavia, vuole anche aiutare i musicisti che stanno lottando con specifiche restrizioni di salute o che sono semplicemente interessati a mettere il loro modo di fare musica su una base sana e sostenibile.

Siamo orgogliosi che nella nostra cerchia ci siano medici in grado di offrire soluzioni mediche di altissimo livello per le malattie legate alla musica. Nella vita di tutti i giorni, tuttavia, le persone che cercano aiuto dal mondo della musica sono di solito più vicine a persone fidate con servizi di terapia a bassa soglia che a medici specialisti, che in genere devono affrontare i ritmi frenetici di cliniche o ambulatori. La varietà di metodi, scuole e tecniche nella giungla della terapia può creare confusione. La decisione a favore di una tecnica rimane spesso una questione di fortuna, di solito basata su incontri personali o raccomandazioni.

Con il 18° simposio, la SMM vuole offrire a coloro che cercano aiuto l'opportunità di conoscere alcuni dei più importanti approcci corporei alla musica in un unico luogo e allo stesso tempo cogliere l'opportunità di parlare con i loro rappresentanti senza impegno. In questa giornata anche i terapeuti dovrebbero potersi avvicinare tra loro. Un motto che l'epistemologo americano Nelson Goodman ha coniato per la filosofia dovrebbe valere anche in questo caso: coloro che offrono terapie non dovrebbero più essere giudicati in base a quali scuole e visioni del mondo rappresentano, ma per quali problemi sviluppano soluzioni.

Una prima mondiale per dare il via ai lavori

Siamo lieti di annunciare che apriremo il simposio con un'insolita prima mondiale. Si tratta di un lavoro molto interessante del clarinettista e sassofonista Fabio da Silva, che attualmente studia alla HKB. Rugueux 2, un gioco tra performance dal vivo e suoni pre-prodotti per sassofono baritono e clarinetto basso, è una performance a bassa frequenza accompagnata da un nastro pre-prodotto. Gli strumenti, che si mescolano molto bene, soprattutto nella gamma bassa, si avvicinano a frequenze microtonali specifiche. I suoni multipli vengono filtrati, creando attriti più o meno forti.

*Lo psicologo e produttore musicale Wolfgang Böhler è presidente del SMM dal gennaio di quest'anno.

In collaborazione con la Fondazione Svizzera degli Interpreti SIS, l'Università delle Arti di Berna HKB, l'Associazione Pedagogica Svizzera SMPV e l'Associazione Svizzera delle Scuole di Musica VMS.

Sul palco e ai tavoli verranno presentate varie forme riconosciute e comprovate di approcci corporei alla musica. I relatori principali sono Klaus Scherer (psicologo musicale e fondatore del Centre Interfacul-taire en Sciences Affectives di Ginevra) e Günther Bernatzky (fondatore dell'Istituto del dolore di Salisburgo e membro del consiglio direttivo della Società austriaca per la musica e la medicina).

Sabato 24 ottobre 2020, ore 9.50-17.00, Università delle Arti di Berna, Papiermühlestrasse 13a, 3014 Berna. Costi: soci SMM, studenti e dipendenti della BUA: CHF 30; non soci CHF 90; studenti del primo anno ingresso gratuito.

Il concetto di protezione del simposio sarà adattato tempestivamente all'attuale situazione pandemica e alle corrispondenti normative e raccomandazioni cantonali e nazionali. Il programma potrà quindi subire modifiche a breve termine.

Informazioni e iscrizioni: tel. 032 636 17 71 o www.musik-medizin.ch, scadenza iscrizioni: 10 ottobre 2020.

Per saperne di più:

> www.musik-medizin.ch/aktuelles-symposium

Fiona-Olivia Plüss ha 17 anni. Frequenta le lezioni di pianoforte alla Musikschule Konservatorium Zürich (MKZ) da più di cinque anni, tre dei quali con l'insegnante di musica Sophie Aeberli. Il fatto che l'accesso alle lezioni di musica sia stato così semplice per lei, nonostante la sindrome di Down, ha sicuramente a che fare con l'approccio pragmatico adottato all'MKZ. Non esiste un programma di sostegno o di integrazione specifico per i bambini con disabilità. Le lezioni sono "inclusive" e, come dice Sophie Aeberli: "Le ho affrontate senza paura e con 'Gwunder'".

Conversando con Fiona, i suoi genitori e Sophie Aeberli, appare chiaro quanto queste lezioni possano essere vantaggiose per tutti. Ciononostante, il numero di bambini e ragazzi con disabilità che frequentano le scuole di musica è ancora a una sola cifra.

L'introduzione di Fiona al pianoforte è avvenuta tramite la melodica. Fiona ha imparato a leggere la musica e a maneggiare uno strumento a tastiera. Quando la sorella maggiore volle prendere lezioni di pianoforte, Fiona disse: "Lo voglio anch'io!". In ogni caso, Fiona era sempre presente ovunque. I suoi genitori erano fortemente impegnati nel percorso inclusivo. Fiona ha frequentato la stessa scuola materna e poi la scuola elementare della sorella. Oggi frequenta la seconda classe della scuola secondaria di Zurigo, la Letzi, con i bambini del quartiere. "È stata la decisione migliore", dice il padre di Fiona.

L'accesso alla scuola di musica comunale è stato facile, anche se né il sito web né altre pubblicazioni fanno riferimento alle lezioni inclusive di musica, danza e teatro offerte. Un recente sondaggio tra gli insegnanti della MKZ ha rivelato che gli alunni con disabilità sono molto più numerosi di quanto si sapesse in precedenza.

Fiona è entusiasta delle sue lezioni con Sophie Aeberli. È raggiante quando parla della sua insegnante di pianoforte. Oltre alle lezioni di pianoforte, frequenta le lezioni di teatro con l'insegnante di teatro Arniko Dross insieme a un gruppo di alunni dell'MKZ. Si esercita regolarmente, in modo indipendente ed è orgogliosa di avere qualcosa "per sé". Le piacciono molto anche le audizioni. Fiona non ha paura del palcoscenico, è nel suo elemento sul palco. La mamma osserva: "Sua sorella maggiore sarebbe voluta scappare durante l'audizione, ma Fiona si è goduta l'esibizione".

Chiediamo alla mamma se la sua educazione musicale ha influenzato lo sviluppo di Fiona. Lei risponde: "Penso di sì. Ma poiché attualmente riceve anche un buon sostegno a scuola, è difficile valutare quale sia l'effetto. Anche André Frank Zimpel, professore specializzato in sviluppo mentale ed educazione alla disabilità presso l'Università di Amburgo, ritiene che suonare il pianoforte sia uno dei modi migliori per promuovere la coordinazione. Ha un effetto sul cervello, proprio come il canto e la danza".

Sophie Aeberli vede nel grande piacere di Fiona per la musica la chiave del suo successo: "Spesso la lascio giocare. Così non ha la sensazione di dover imparare questo o quello. Il punto è che ci troviamo semplicemente bene come persone e ci incontriamo alla pari". Per lei non c'è separazione tra sostegno speciale o didattica e lezioni normali. Probabilmente la pratica si colloca a metà strada.

Ha adattato le lezioni di pianoforte in modo specifico per Fiona? "Leggiamo meno musica, perché richiede troppo tempo. Le capacità motorie di Fiona sono piuttosto tese, ma le sue dita sono forti. La fluidità e la velocità non sono quindi il suo forte, quindi preferisco concentrarmi su altri argomenti come il suono", rivela l'insegnante di musica. È anche importante che Fiona non entri in modalità stress. Ha iniziato a suonare molto a memoria con Fiona, il che funziona bene. A volte registra ciò che suona in una sorta di notazione grafica. Aeberli la incoraggia anche a suonare insieme a un amico (anch'egli affetto dalla sindrome di Down). "Ci poniamo deliberatamente obiettivi più piccoli, ma li raggiungiamo".

L'inclusione non è stata un problema durante la sua formazione come insegnante di pianoforte a Lucerna, o al massimo è stata menzionata solo di sfuggita. Aeberli ha quindi adottato un approccio piuttosto pragmatico e intuitivo alle lezioni di Fiona. Non ha fatto molte ricerche, ma ha provato diverse cose. Questo perché ogni alunno è in realtà qualcosa di speciale nelle lezioni individuali e lei risponde sempre in modo diverso agli stili e alle velocità di apprendimento. Ora, però, sente la necessità di una formazione specifica o di uno scambio tra insegnanti. Un argomento che la preoccupa è la valutazione delle prestazioni nei test di livello. Aeberli è critica nei confronti delle valutazioni puramente orientate alle prestazioni, perché le differenze tra gli alunni sono viste come una debolezza e non come una risorsa. Se invece i concerti e i test di livello sono organizzati come momenti ludici e motivanti per fare musica insieme e scambiare idee, tutti possono partecipare, come avviene all'MKZ.

Con circa 23.000 studenti, la MKZ è la più grande scuola di musica della Svizzera e una delle più grandi d'Europa. Per i circa 600 insegnanti qualificati di musica, danza e teatro non esiste (ancora) un concetto di inclusione degli alunni con disabilità. Ulteriori opportunità di formazione e scambio sono organizzate su base selettiva. Tuttavia, c'è una grande apertura da parte della direzione e del personale docente.

Sophie Aeberli consiglia agli insegnanti alle prime armi di rimanere rilassati, di cercare il dialogo con i colleghi più esperti e di stabilire un contatto costruttivo con i genitori.

La Scuola di musica del Conservatorio di Berna svolge un ruolo pionieristico. Sul suo sito web, fa esplicito riferimento alle sue lezioni di musica per persone con disabilità. Le lezioni sono personalizzate. Esistono anche lezioni di banda per persone con disabilità. Un concetto a parte riguarda i vari metodi. Tra l'altro, le lezioni per le persone con disabilità cognitive sono allenate e supervisionate dall'Università di Berna per la formazione degli insegnanti. La scuola di musica si fregia del marchio "Kultur inklusiv", un riconoscimento per le istituzioni culturali particolarmente impegnate sul tema dell'inclusione.

- Inclusione dello spettro: ne facciamo parte! Modi per sviluppare scuole di musica inclusiveVdM, Associazione delle scuole di musica tedesche (una guida molto completa con esempi concreti)

- Fare musica con una disabilità alla Scuola di Musica del Conservatorio di Berna (Concetto di accesso e insegnamento inclusivo)

- Perché la disabilità non è un ostacolo, Associazione delle scuole di musica della Turgovia in collaborazione con Pro Infirmis e Insieme Thurgau