Il Gruppo parlamentare sulla musica (MGP) non ha avuto scelta nella sua seconda riunione dell'anno. Nel bene e nel male, ha dovuto affrontare le conseguenze della crisi del coronavirus. Mentre in primavera l'argomento era stato inserito nell'ordine del giorno, ma non realmente all'ordine del giorno, ora il motto era "5 mesi di tempesta Covid-19: conseguenze e implicazioni per il settore musicale". E queste ultime sono davvero drastiche, come ha spiegato all'inizio Stefano Kunz, responsabile del lavoro politico del Consiglio svizzero della musica. Considerando che i proventi delle licenze Suisa per i diritti di esecuzione (concerti, musica nel settore alberghiero ed eventi di intrattenimento) sono destinati a diminuire di circa due terzi quest'anno, il fatturato del settore rischia di crollare. Anche per il 2021 Suisa prevede ricavi significativamente inferiori rispetto al 2019*. Ciò avrà gravi conseguenze a lungo termine per i creatori di musica, che nei prossimi anni dovranno aspettarsi distribuzioni significativamente inferiori da parte dell'organizzazione per i diritti d'autore.

Ma non è tutto. Anche un'altra importante fonte di reddito sta scomparendo: le scuole di musica registrano un calo del numero di allievi fino al 20%. A risentirne sono soprattutto gli insegnanti di musica freelance. Per il Consiglio della Musica è stato quindi chiaro che il precedente aiuto finanziario della Confederazione deve essere mantenuto - cosa che il Consiglio Nazionale ha deciso lo stesso giorno, ma che il Consiglio degli Stati ha respinto nuovamente il giorno successivo per il momento. Anche i liberi professionisti e i lavoratori autonomi dovrebbero finalmente avere accesso all'assicurazione contro la disoccupazione (ALV) e alle indennità di perdita di guadagno (IPG).

Beat Santschi, rappresentante dell'Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV), non ha avuto molto di meglio da dire. I membri permanenti dell'orchestra sono ancora protetti dai contratti collettivi di lavoro e hanno dovuto accettare "solo" tagli salariali fino al 20% in alcuni casi. Anche i freelance sono i più penalizzati nel panorama orchestrale, in quanto sono i primi a subire tagli dalle orchestre. Tuttavia, non è assolutamente chiaro come si svilupperà la vita concertistica e quindi le entrate delle orchestre. Gli organizzatori chiedono quindi sempre più spesso di essere esonerati da qualsiasi obbligo in caso di cancellazione dei concerti. Dopo sette mesi di crisi, molti organizzatori freelance sono ora decisamente sull'orlo del collasso finanziario, ha sottolineato Santschi.

Christoph Trummer, responsabile dei progetti politici di Sonart, l'associazione professionale degli artisti freelance, ha spiegato cosa significa per lui: la maggior parte dei suoi concerti è stata cancellata o rinviata all'anno prossimo, e da aprile ha ricevuto una sola prenotazione per il nuovo tour previsto a dicembre. I concerti con ingresso a pagamento sono diventati finanziariamente imprevedibili. I costi fissi dell'attività - in primo luogo un affitto di 650 franchi - sono a malapena coperti dai 750 franchi di PO. Secondo Trummer, la pianificazione della stagione 2021 è praticamente impossibile. I modelli di finanziamento incrociato verrebbero annullati, non ci sarebbero quasi più festival di grandi dimensioni, il che lascerebbe anche le agenzie senza nulla. Si teme un taglio netto dell'ecosistema culturale.

L'idea di molti politici che il peggio sia ormai passato per la cultura, perché gli eventi - anche quelli più grandi - sono di nuovo possibili, è stata contraddetta dai rappresentanti di club musicali, festival, etichette e manager musicali presenti. Un tipico evento musicale ha un tempo di realizzazione di circa sei mesi. Ci sono ancora grossi ostacoli anche nella fase di programmazione: i requisiti proibitivi, l'incertezza della pianificazione dovuta ai cambiamenti delle norme di ingresso e gli imprevedibili ritiri dei permessi all'ultimo minuto trasformano l'organizzazione in una lotteria. Le vendite dei biglietti non sono affatto tornate ai livelli pre-corona. Di conseguenza, la maggior parte degli organizzatori di eventi sta ancora affrontando un calo delle vendite dell'80-100%. In media, la liquidità è sufficiente per altri sei mesi, dopodiché per molti organizzatori si spengono le luci: Si spengono le luci.

La Task Force Cultura del Consiglio svizzero della musica ha esercitato un'intensa attività di lobbying sui parlamentari in seguito alle decisioni del Consiglio degli Stati. Alla fine, una settimana dopo la riunione dell'MGP, anche il Consiglio degli Stati ha seguito ampiamente la linea del Consiglio nazionale. Le misure di sostegno per i lavoratori autonomi e i freelance saranno portate avanti con fiducia nelle autocertificazioni degli interessati, anche se non fino alla fine del 2021, come aveva chiesto la Taskforce Cultura, ma inizialmente fino alla metà di giugno del prossimo anno.

Anche nelle attuali difficili circostanze, la Scuola di Musica della FHNW e l'Accademia di Musica di Basilea hanno in programma per il prossimo semestre autunnale tutta una serie di eventi musicali di rilievo, come si legge nel comunicato stampa: un simposio sulla danza come musica, concerti sul podio con giovani talenti emergenti, un progetto di cooperazione con il Teatro di Basilea, concerti della nuova Focusyear Band al Jazzcampus Club e, infine, il tradizionale Open Day della Scuola di Musica di Basilea.

I Conservatori di musica aprono il semestre autunnale, coordinato in tutta la Svizzera, a metà settembre. A causa della chiusura primaverile, gli esami finali, i concerti e i recital sono ancora rimandati. L'obiettivo primario della direzione dell'Accademia di Musica della FHNW / Accademia di Musica di Basilea è quello di mantenere l'attività didattica e concertistica e quindi la preziosa cultura dell'aggregazione in loco, aderendo a un concetto di protezione costantemente aggiornato.

Articolo originale:
https://www.fhnw.ch/de/medien/newsroom/medienmitteilungen/medienmitteilungen-2020/studien-lehr-und-konzertbetrieb-nimmt-wieder-fahrt-auf-praesenzmodus-dank-schutzkonzept
 

Solo la spesa per lo streaming ha registrato una crescita del 22% rispetto allo stesso periodo dell'anno precedente. Al contrario, le vendite di supporti sonori fisici sono diminuite drasticamente, con un calo del 25% della spesa per i CD. Il settore live è stato colpito ancora più duramente: la spesa per i concerti è scesa dell'80%.

È diminuita anche la quantità di tempo che le persone in Germania dedicano all'ascolto della musica. Dal lancio dello studio nell'agosto 2018, il consumo settimanale di musica è diminuito dell'8% (un'ora e 46 minuti): È passato da 21 ore e 29 minuti a 19 ore e 43 minuti.

La radio convenzionale, in particolare, è in costante declino con un calo del 15%, anche se questo è parzialmente compensato dai forti guadagni della radio online. Quest'ultima ha registrato un aumento del 73%. Secondo i ricercatori, una possibile spiegazione del calo del consumo di musica è la mobilità limitata e l'attenzione alle notizie in tempi di pandemia di coronavirus.

Lo studio "L'industria musicale in Germania" condotto dal DIW Econ si basa su un sondaggio online condotto tra l'11 maggio e il 29 giugno 2020, al quale hanno partecipato 861 aziende e lavoratori autonomi.

Articolo originale:
https://www.musikindustrie.de/presse/presseinformationen/studien-zu-musikwirtschaft-und-musiknutzung-in-hamburg-vorgestellt

A quanto pare, il coronavirus si è diffuso inosservato all'interno del team di produzione durante le prove al Theater an der Gumpendorfer Strasse (TAG), scrive l'Università di Musica e Arti della città di Vienna (MUK). Solo dopo la prima, l'amministratore delegato del TAG, che era presente in teatro, ha appreso che durante le prove c'era stato un caso sospetto nella produzione, poi risultato positivo.

Secondo i media viennesi, le scene di danza si erano svolte nell'auditorium del TAG, mescolando in modo non autorizzato palcoscenico e pubblico. Un'impiegata dell'Opera di Stato, che era presente solo come spettatrice e indossava una maschera, era stata informata troppo tardi per poterla isolare immediatamente. In seguito è risultata positiva al test. Di conseguenza, è stato necessario apportare modifiche all'Opera di Stato.

L'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna (mdw) non è interessata dagli incidenti.

Tuttavia, è stato rilevato un comportamento deviante del flusso, soprattutto nei flauti, negli oboi e nei clarinetti, che ha spinto i membri dell'Associazione Federale dei Produttori Tedeschi di Strumenti Musicali (BDMH) a lavorare con il responsabile del team Christian Kähler per trovare dispositivi di protezione per porre rimedio alla situazione, con l'obiettivo di eliminare qualsiasi rischio di infezione.

Nel corso di ulteriori studi, i ricercatori hanno scoperto che i filtri dell'aria degli ambienti rendono possibile l'insegnamento della musica; una scoperta importante non solo per le scuole di istruzione generale, ma anche per le scuole di musica e così via, e nell'ottica della rilevanza sistemica della musica e della cultura in generale.

In questo contesto, è stato individuato un livello estremamente elevato di esposizione all'anidride carbonica anche dopo un breve periodo di insegnamento. Ciò comporta problemi di concentrazione e ha un impatto sul rendimento e sull'efficacia; anche numerosi settori analoghi della vita pubblica ne risentono. A ciò si aggiunge la richiesta di utilizzare moderni filtri dell'aria ambiente per contrastare non solo il coronavirus, ma anche il problema dell'anidride carbonica in futuro.
 

Tra gli studenti del primo anno della ZHdK, 292 si sono iscritti a un corso di laurea o di master in musica, 114 in design, 83 in belle arti, 109 in educazione artistica e transdisciplinarità e 99 in arti dello spettacolo e cinema.

Lo ZHdK terrà corsi frontali nel semestre autunnale 2020 nonostante il coronavirus. Nel semestre autunnale, le maschere saranno obbligatorie nelle aree pubbliche e nei corsi, quando si lavora in gruppo o nei laboratori. Ci saranno anche alcune opzioni di insegnamento digitale. Le maschere da utilizzare presso lo ZHdK saranno messe a disposizione di tutti i membri e gli ospiti dello ZHdK.

Le linee guida e le specifiche della ZHdK possono cambiare in qualsiasi momento. Sulla base dell'esperienza acquisita nel semestre primaverile 2020, la percentuale di insegnamento digitale potrebbe essere ampliata rapidamente, se necessario.

In totale, 2194 persone studiano alla ZHdK. Di queste, 1246 sono iscritte a uno degli otto corsi di laurea triennale e 948 a uno degli undici corsi di laurea magistrale. Il numero di studenti è rimasto costante rispetto agli ultimi anni.

Cosa sarebbe la storia della musica senza il momento creativo? O semplicemente senza l'opportunità pratica di esecuzione? Quindi è stata più che altro una coincidenza che ha portato alla creazione della Pari WoO 30 per quattro tromboni, che ancora oggi sembrano un po' strani in termini di strumentazione. Per questi brevi movimenti dobbiamo ringraziare un soggiorno a Linz nel 1812, durante il quale Beethoven divenne amico dell'allora direttore della cattedrale Franz Xaver Glöggl (1764-1839). Si dice che quest'ultimo gli abbia chiesto di scriverli, "di comporre il cosiddetto Equale per 4 tromboni per il giorno di Ognissanti (2 novembre), in modo da farli suonare dai suoi musicisti nel modo tradizionale in questa festa".. Almeno così ricorda Ignaz von Seyfried. Poiché Beethoven non conosceva l'arrangiamento di questi brani, che erano stati tramandati solo a livello locale, li chiese, "per sentire un aequo, come è stato soffiato sui cadaveri a Linz".. E Franz Glöggl, l'allora sedicenne figlio del direttore della cattedrale, continua nel suo disco molto più tardivo: "Così accadde che un pomeriggio mio padre ordinò tre trombonisti, visto che Beethoven era comunque a cena da noi, e fece suonare a uno di loro l'equalizzatore".

I tre trombonisti erano presumibilmente supportati dallo stesso Padre Glöggl e sono stati eseguiti brani che probabilmente appartenevano a quei tempi. 1200 Batterie strumentali a cui il maestro della cappella della cattedrale poteva attingere quando soffiava dalla torre. Tuttavia, la collocazione di questa raccolta è del tutto sconosciuta. Anche la strana denominazione di lavoro "Equal" sembra provenire da questa tradizione locale di movimenti omofonici. Si trova anche in brani di un certo Wenzel Lambel (a quattro parti, prima del 1844) o del giovane Anton Bruckner (solo a tre parti, 1847). Questi pezzi occasionali, composti in un pomeriggio dell'autunno del 1812, documentano quindi un'usanza un tempo vivace che altrimenti sarebbe sprofondata nel vortice della storia. - A Vienna, invece, i tre brevi movimenti erano apparentemente poco utili; furono dotati di testi ed eseguiti con un coro maschile per il funerale dello stesso Beethoven e per la dedica della lapide.

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In quanto organo centrale per l'attuazione della Convenzione per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale del 2003, il Comitato intergovernativo definisce le strategie per la salvaguardia e la diffusione del patrimonio culturale vivente. È responsabile dell'attuazione della Convenzione e, in particolare, decide sulle iscrizioni alla Lista del patrimonio culturale immateriale dell'umanità.

Con la Convenzione per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale, l'UNESCO intende proteggere il patrimonio culturale meno legato a edifici o spazi e più al tempo, alle pratiche comunitarie e alle interazioni sociali. In Svizzera, l'elenco comprende finora il carnevale di Basilea e lo jodel.
 

Se date un'occhiata al calendario dei festival, avrete notato che da anni ormai l'inizio di settembre a Berna vede salire sui palchi un festival musicale denso, discorsivo, fantasioso e colorato, sia tradizionale che non. Il tema del festival di quest'anno, "Tectonics", esplorava spostamenti, stratificazioni, pieghe e crepe su larga e piccola scala. Tuttavia, poiché l'idea di base del Consiglio di fondazione, "Per quanto solida ci sembri la crosta terrestre, essa ospita ancora il non provato", si è concretizzata in modo così radicale a seguito della crisi del coronavirus, gli organi di gestione del Bern Music Festival si sono trovati di fronte a decisioni difficili. Già durante l'isolamento, tuttavia, il consiglio di amministrazione, la direzione e il consiglio di amministrazione avevano concordato in linea di principio che il festival sarebbe andato avanti con un concetto di protezione rigoroso, a seconda dell'evoluzione della situazione. Nella migliore delle ipotesi, il programma doveva essere realizzato in forma frammentata o addirittura molto ridotta - forse addirittura in frammenti, parafrasando per così dire il tema. La cancellazione non era un'opzione, soprattutto in considerazione della situazione dei musicisti freelance. È ovvio che la nuova situazione richiedeva parziali modifiche al programma, sale più grandi e, in particolare, una grande flessibilità da parte di tutti i soggetti coinvolti. Sorprendentemente e fortunatamente, ciò non ha influito sulla densità e sulla varietà dei quasi quaranta eventi che si sono svolti nell'arco di cinque giorni. Solo la presenza di Toshio Hosokawa, il compositore in residenza, ha dovuto essere cancellata, ma non la sua musica e la sua presenza in collegamento video. Il corso di interpretazione previsto con lui per gli studenti dell'Università delle Arti di Berna è stato organizzato dal Quartetto Arditti. Il fatto che un ensemble di tale fama si sia reso disponibile per questo impegno aggiuntivo è stato un colpo di fortuna unico, ma anche un segno di simpatia dell'ensemble, dato che i quattro musicisti avevano già espresso il loro entusiasmo per il concetto e il programma del festival durante la loro esibizione dello scorso anno.

Le esibizioni del quartetto hanno caratterizzato in modo evidente l'edizione di quest'anno. La collaborazione con i giovani musicisti nell'esecuzione del monodramma di Toshio Hosokawa Il Corvo (testo di E. A. Poe) ha realizzato una caratteristica essenziale del festival: La collaborazione di interpreti locali con ospiti di alto livello. Il concerto di apertura nella grande sala della Berner Reitschule con il mezzosoprano Christina Daletska (Hosokawa) e la Basel Sinfonietta (Ives) ha rappresentato una splendida introduzione.

Foto: Annette Boutellier/Festival della Musica di Berna

Toshio Hosakawa: "Il corvo".

Christina Daletska, il Quartetto Arditti e l'ensemble del festival

La grande sala è un'altra caratteristica del festival: la combinazione di progetti collegati tematicamente con luoghi speciali, a volte sorprendenti. Ad esempio, il Contrabassclarinet extended di nuova concezione (Ernesto Molinari) ha dialogato con l'elettronica dal vivo nel Klingendes Museum, interventi performativi all'interno del Ponte Monbijou hanno permesso di sperimentare attività sismografiche e il Trio Tramontana ha interpretato l'opera di Kaija Saariaho. Nuovi cancelli nella Torre del Sangue sull'Aare. Una costellazione magica e stimolante attendeva il pubblico nel mezzo della foresta di Dählhölzli, dove il collettivo Mycelium, insieme a Brane Project (installazione acustica) e Idéehaut (edifici), ha creato una rete fluttuante tra gli alberi come luogo di concerto e ha combinato musica contemporanea con canti Penan della foresta pluviale del Borneo in un programma composto.

Chiunque si avventuri negli strati della crosta terrestre non può sfuggire ai diversi suoni della pietra. Negli studi in pietra dell'azienda Bernasconi, il Mondrian Ensemble ed Erika Öhmann (percussioni) hanno mostrato il paesaggio sonoro, a volte fluttuante, a volte elettrizzante, degli strumenti in pietra serpentina orgalitho e litofono in opere di Edu Haubensak, Hans-Jürg Meier, Matthias Steinauer e in una prima mondiale di Samuel Cosandey. Peter Streiff e il Ginger Ensemble nella Nydeggkirche e nello Stadttheater hanno mostrato come suonano i materiali da costruzione bernesi, siano essi arenaria o granito, nel loro stato naturale.

Il pubblico nella cripta della chiesa di San Pietro e Paolo ha vissuto non solo una "grandiosa catastrofe", ma un'esperienza letteralmente sconvolgente quando René Waldhauser ha accordato lo strumento fino a un rumore di corde per l'esecuzione del pianoforte a coda martellato di Peter Conradin Zumthor.

La versatilità unica del festival rende quasi impossibile parlare di atti principali. Tuttavia, il concerto nella cattedrale di Berna con l'Ensemble BernVocal (diretto da Fritz Krämer), il Quartetto Arditti e un quartetto di percussioni nel soppalco dell'organo (Mihaela Despa, Peter Fleischlin, Pascal Viglino, Sacha Perusset) merita una menzione. La giustapposizione della Messa di Antoine Brumel Et ecce terrae motae con opere di Hosakawa è stato un evento spazio-sonoro di tipo speciale. Anche in questo caso, la densità tonale, il contrasto e il cambiamento della prospettiva di ascolto hanno costituito un "marchio di fabbrica" inconfondibile.

Il compositore sangallese di origine nigeriana Charles Uzor racconta di un tipo di stratificazione completamente diverso in Lingua madrequando stratifica testi degli Igbo (un gruppo etnico presente in diverse regioni dell'Africa equatoriale), di Novalis, Celan, Rauhavirta e Beckett con musica antica europea e musica delle popolazioni Gbaya. Il risultato è un conglomerato di culture e suoni che può sembrarci strano, ma che è anche espressione di una realtà attuale. Stratificazioni intergenerazionali di testi sono state trasformate in suoni del linguaggio in un progetto di Elina Bächlin e Noel Schmidlin insieme agli ospiti spoken word Guy Krneta e Marco Gurtner.
 

Il concerto del quintetto per strumenti ad ancia con Matthias Arter, Martin Bliggenstorfer, Valentine Collet, Béatrice Laplante e Béatrice Zawodnik si è rivelato un programma non convenzionale di suono spaziale. Non convenzionale perché il programma con musiche di Daniel Glaus, Barblina Meierhans, Heinz Holliger, Toshio Hosokawa e Matthias Arter nelle sale della Berner Kunsthalle spaziava dal canto dell'oboe d'amore alla nitidezza del suono d'insieme.

Il ciclo tematizza una realtà inquietante 5to12to6in cui compositori e scienziati hanno affrontato i cambiamenti della nostra mente, in particolare le domande urgenti sul cambiamento climatico, la sostenibilità e le discrepanze sociali.

Si deve e si può parlare di un momento culminante o di un climax in un programma così concentrato? Prima dell'intensità e della maestria tecnica del concerto del Quartetto Arditti con due quartetti di James Clarke, il terzo quartetto d'archi di Ferneyhough e il terzo quartetto d'archi di Ferneyhough. Tetras di Xenakis svaniscono. La presenza, l'apparente leggerezza e il virtuosismo dei quattro archi hanno attirato una standing ovation da parte del pubblico - e a ragione.
 

Nel campus, più di 500 studenti di Bachelor e Master, quasi 500 partecipanti alla formazione continua e circa 200 dipendenti della Scuola di Musica impareranno, insegneranno, condurranno ricerche e presenteranno il loro lavoro al pubblico su circa 8.000 metri quadrati. Con il nuovo edificio, la Scuola di Musica di Lucerna riunisce le sue precedenti quattro sedi sparse per Lucerna in un unico luogo. Il nuovo edificio sarà inaugurato ufficialmente con un programma musicale dall'11 al 13 settembre. Gli eventi pubblici si terranno nelle tre nuove sale da concerto fino alla fine dell'anno.

La crisi del coronavirus è particolarmente evidente nel numero di studenti internazionali: la maggior parte degli studenti internazionali proviene dall'Europa, mentre le iscrizioni dai Paesi extraeuropei sono diminuite in modo significativo. Il gruppo di studenti in scambio che vengono alla HSLU solo per un semestre si è ridotto. Solo la metà degli studenti si è iscritta a un semestre di scambio rispetto all'anno precedente.

Con l'obiettivo di consentire una rapida valutazione della reattività estetica generale, un gruppo di ricerca dell'Istituto Max Planck per l'Estetica Empirica ha sviluppato un metodo che dovrebbe facilitare la selezione di campioni per gli studi futuri. Il cosiddetto Aesthetic Responsiveness Assessment (AReA) permette di distinguere tra le persone che reagiscono regolarmente e intensamente alle opere d'arte e quelle che raramente provano più di un apprezzamento quotidiano per gli oggetti estetici.

La scala si basa su un questionario compilato con l'obiettivo di identificare le persone che reagiscono in modo particolare agli stimoli estetici e sono quindi adatte a partecipare a uno studio. Il grado di reazione di una persona alla musica, alle arti visive e alla poesia può essere determinato con la scala AReA all'interno delle categorie "Apprezzamento estetico", "Esperienza estetica intensa" e "Comportamento creativo" e può essere utilizzato per la selezione di campioni particolarmente reattivi.

La procedura di valutazione è stata testata con quasi 800 partecipanti in studi condotti negli Stati Uniti e in Germania e può essere eseguita ugualmente in entrambe le lingue. La pubblicazione è apparsa sulla rivista Psychology of Aesthetics, Creativity, and the Arts dell'American Psychological Association.

Pubblicazione originale:
Schlotz, W., Wallot, S., Omigie, D., Masucci, M. D., Hoelzmann, S. C., & Vessel, E. A. (2020). L'Aesthetic Responsiveness Assessment (AReA): Uno strumento di screening per valutare le differenze individuali nella reattività all'arte in inglese e tedesco. Psicologia dell'estetica, della creatività e delle arti. Pubblicazione anticipata online. https://doi.org/10.1037/aca0000348
 

Lo stile della musica classica europea è stato composto in passato anche su isole lontane. Il Dizionario musicale Riemann, ad esempio, cita il compositore Otto Jägermeier, nato a Monaco nel 1870, che nel 1915 emigrò dall'Europa devastata dalla guerra in Madagascar e compose poemi sinfonici come Nella giungla o il Suite tananarivienneche prende il nome dalla capitale malgascia Tananarive. Recentemente si è parlato anche di un altro isolano che ha scritto le sue partiture lontano dalla nostra civiltà. Si chiamava José Diego Coimbra, portoghese-spagnolo, e visse, si dice, dal 1824 al 1865 sull'isola di Mondariz, una piccola isola vulcanica dell'Atlantico meridionale, a cinque giorni di viaggio in nave dalla terraferma sudamericana.

Coimbra è un'apparizione che suscita curiosità. Un eccentrico di cui difficilmente si sentirebbe parlare se non fosse diventato il fantomatico protagonista di un romanzo. L'autore è Yorck Kronenberg, nato nel 1973 a Reutlingen, in Svevia. Mondariz ha pubblicato il suo quinto romanzo. Come scrittore e concertista, ha un doppio talento. Questo lo rende ineguagliabile nella sua capacità di raccontare una storia appassionante sul compositore morto da tempo e di esprimersi con competenza in termini musicali. Secondo Kronenberg, le partiture sono state a lungo conservate nella città principale dell'isola, un insediamento sonnolento di epoca coloniale, dove gli abitanti fanno un pessimo lavoro per mantenere viva la memoria dell'esotico compositore. Nella speranza che un giorno arrivino dei turisti, hanno allestito la sua casa, la Casa Coimbra, come piccolo monumento commemorativo, salvandola così da un degrado strisciante.

Tra iperrealismo e finzione

Il libro di Kronenberg offre al lettore un sapiente mix di descrizione iperrealistica e finzione. Il narratore in prima persona, che possiamo supporre sia l'autore stesso, ha visitato l'isola dieci anni fa per rintracciare le tracce del compositore. Ora è tornato per la seconda volta per osservare da vicino le partiture e i documenti riposti in vecchi bauli e per rivalutare biograficamente l'ambiente di vita di Coimbra. Si addentra nella vita del villaggio e nella storia coloniale dell'isola, ma durante le sue ricerche ha esperienze contrastanti con la diffidente gente del posto. Mentre cerca di orientarsi in questo mondo straniero, il suo passato europeo lo raggiunge sotto forma di messaggi di testo della sua ex compagna. Lei lo aveva accompagnato nella sua prima visita all'isola, ma ora i due sono lontani migliaia di chilometri in un doloroso processo di separazione. Questi due livelli sono abilmente intrecciati nella narrazione.

Nonostante tutte le carenze pratiche e le sofferenze, la figura del compositore e la sua musica prendono gradualmente forma. Quando alla fine il narratore lascia di nuovo l'isola su una chiatta, è più ricco di esperienze. Immergendosi in una terra straniera, si è anche immerso nella sua interiorità. Ora sa che il mondo degli isolani rimarrà sempre chiuso per lui, ha preso le distanze dalla sua ex fidanzata nella lontana Europa e la musica di Coimbra gli è diventata più familiare, intrecciandosi con l'imperscrutabile realtà dell'isola. Porta a casa alcuni degli spartiti come trofei.
Ed eccole nelle mani dell'autore e pianista Yorck Kronenberg. Nel suo libro le ha sapientemente descritte, ad esempio la grande sinfonia in do diesis minore, opera tarda del 1862, in cui il direttore d'orchestra può chiedere ai musicisti di fingere solo di suonare, in modo che i movimenti continuino ma non si senta alcun suono. Qui Coimbra anticipa gli esperimenti di teatro strumentale che compositori d'avanguardia come Dieter Schnebel avrebbero ripreso cento anni dopo.

In occasione di una domenica musicale e letteraria al Künstlerhaus Boswil il 30 agosto 2020, i visitatori hanno potuto farsi un'idea concreta dell'esistenza finora letteraria di Coimbra e della sua musica. Kronenberg e il Quartetto Casal hanno eseguito due opere del compositore, mentre l'autore ha letto alcuni passaggi del suo libro. Christine Egerszegi, presidente del Comitato consultivo della Fondazione Boswil, ha conversato con lui e ha guidato il pubblico attraverso il programma.

Kronenberg è un lettore e un interlocutore che è un piacere ascoltare. Come pianista, si prende tutti i rischi del caso. Questo è stato particolarmente evidente nel Concerto per pianoforte e orchestra in re minore di Bach. È stato eseguito in una versione con quartetto d'archi alla fine della serata. A un ritmo brillante e tecnicamente ben equipaggiato, ha corso nei movimenti esterni, con il quartetto sempre alle calcagna. Una prova in più avrebbe fatto bene all'insieme. Nel movimento centrale, il pianista è stato anche in grado di mostrare il suo lato introverso.

Al centro del concerto e della curiosità del pubblico c'erano, naturalmente, le due opere originali del misterioso compositore. All'inizio, Kronenberg ha suonato Dos Estudios para Piano. Il primo étude si distingue per la ripetizione motorizzata degli accordi nella mano sinistra e per le ampie melodie monofoniche nella mano destra. Il secondo è più libero nei movimenti e armonicamente più colorato. Entrambi sembrano un'innocente anticipazione dei pezzi ritmici di Prokofiev o Bartók. Il successivo quartetto d'archi è una prima mondiale. L'opera, in quattro movimenti, è intrisa di una calda emotività e prevale un tono riflessivo. Il primo movimento è caratterizzato da una rete di voci uniforme e polifonicamente stratificata. Nel secondo emergono singole figurazioni espressive, che assumono poi un carattere concreto sotto forma di lamenti nel lungo movimento finale, con linee discendenti e piccoli glissandi strappati. Sembra che Coimbra abbia anticipato le pene d'amore del suo successivo biografo.

Cosa dobbiamo pensare della produzione musicale di questo solitario, che scriveva imperterrito le sue partiture su un'isola tropicale dell'Atlantico meridionale dimenticata da Dio, sapendo che probabilmente non sarebbe mai stato ascoltato in vita? Chiunque legga il romanzo di Kronenberg viene trascinato passo dopo passo in questa situazione improbabile. Si comincia a credere nell'esistenza di Coimbra, una nuova, forte realtà diventa visibile dietro la finzione. Tuttavia, l'ascolto delle sue composizioni conferma solo in parte le promesse di unicità fatte nel libro. In questo caso, la finzione rimane più forte. Tuttavia, la scoperta del mondo musicale e letterario di Mondariz meritava un viaggio a Boswil.

PS: Il compositore Otto Jägermeier è una barzelletta musicologico-lessicografica. L'isola di Mondariz non si trova su nessuna mappa.
Yorck Kronenberg: Mondariz. Casa editrice Dörlemann, Zurigo 2020, 283 pagine

Il numero di partecipanti all'anno è in costante aumento, scrive il BAK. Nel 2019, il numero di domande è più che raddoppiato rispetto al 2017. Questo è quanto emerge dal rapporto sul periodo di finanziamento 2016-2020 pubblicato dal BAK.

In totale, oltre 46.000 bambini e ragazzi in tutta la Svizzera hanno partecipato ai programmi Y+M fino ad oggi. A giugno 2020, circa 17.000 bambini e ragazzi erano iscritti ai corsi e ai campi Y+M (2017: circa 8.700; 2018: circa 15.500; 2019: quasi 21.000). Alla fine di giugno 2020, il programma contava 1.036 leader Y+M certificati.

Dal lancio di Y+M, il governo federale ha investito circa 7,5 milioni di franchi nel programma. Di questi, circa 5 milioni di franchi sono stati spesi per sostenere i corsi e i campi Y+M e circa 500.000 franchi per contribuire alla formazione e al perfezionamento dei leader Y+M. Dal 2019, anche il Principato del Liechtenstein partecipa al programma Y+M sulla base di un accordo intergovernativo concluso nel maggio 2018.

Articolo originale:
https://www.bak.admin.ch/bak/de/home/aktuelles/nsb-news.msg-id-80298.html

Quando si legge che la compositrice Martha von Castelberg (1892-1971) non ha ricevuto né lezioni di pianoforte né di composizione, l'ascolto del CD con i suoi mottetti e le sue canzoni sacre e profane fa pensare: se Lili Boulanger avesse scritto il suo ciclo di canzoni Clairières dans le ciel senza regolari lezioni di composizione, Fanny Hensel scrisse la sua opera per pianoforte L'anno essere in grado di scrivere senza molti anni di lezioni di pianoforte? L'apprendimento di uno strumento da autodidatta porta a scoprire nuove strade, e può essere che comporre senza studiare con un insegnante impedisca di seguire percorsi stilistici ben tracciati?

Le canzoni della Castelberg, ma non i suoi mottetti, inducono a pensare che un mestiere più abile avrebbe giovato alla sua composizione e che il suo indubbio talento avrebbe potuto dispiegarsi più liberamente. Si ha la sensazione che le sue canzoni siano accompagnate in modo piuttosto semplice dal pianoforte e che un po' di raffinatezza pianistica farebbe bene anche ai testi sacri.

Chi era Martha von Castelberg? La zurighese crebbe come figlia di un banchiere privato in una casa borghese rigorosamente cattolica. Ricevette lezioni di violino fin da piccola, ma non le fu permesso di studiare musica nonostante il suo talento. Come scrive Sibylle Ehrismann nel libretto informativo del CD, la von Castelberg, che era molto devota e interessata allo spirito, si batté con il marito a favore del cattolicesimo zurighese, che aveva un momento difficile nella città riformata. Molte delle sue composizioni hanno uno sfondo religioso, altre hanno un legame con Disentis nei Grigioni, la patria del marito.

I quattro cantanti e il pianista interpretano le canzoni con un impegno udibile, ricco di colori e finemente realizzato. Se si ascoltano tutti i brani, che sono abbastanza attraenti singolarmente, uno dopo l'altro, si avverte una certa monotonia, soprattutto per quanto riguarda i canti sacri, poiché le opere non sono abbastanza varie. È notevole il fatto che non ci siano quasi altre ambientazioni dei testi scelti, ad esempio di Fontane, Rückert, Bergengruen e poeti retoromani.

La vera scoperta del CD, tuttavia, sono i cinque mottetti per voci miste. Sono interpretati dall'ensemble vocale Basel larynx sotto la direzione di Jakob Pilgram al massimo livello, con un suono bellissimo e con ogni auspicabile differenziazione. Pur essendo saldamente ancorati alla tradizione della musica sacra, i mottetti affascinano per la loro particolare armonia "moderna". Sono probabilmente il contributo più importante di Martha von Castelberg alla musica svizzera del XX secolo.

I nomi, i titoli delle opere e i testi delle canzoni contenuti nel libretto contengono parecchi errori, il che è particolarmente evidente in un'edizione altrimenti così accurata.
 

Gli edifici dello ZHdK sono di nuovo aperti al pubblico tutti i giorni, dal lunedì alla domenica, dalle 7.00 alle 19.00. Questo vale anche per il Museo del Design, il Padiglione Le Corbusier, il bar e il giardino del club musicale Mehrspur e il bistrot Chez Toni. Il Centro Media e Informazioni (MIZ) è nuovamente aperto fino all'11 settembre, dal lunedì al venerdì dalle 10.00 alle 16.00.

Il 17 agosto, la direzione dell'università ha deciso di tenere il semestre autunnale con lezioni frontali. Dal 24 agosto, le maschere sono obbligatorie in tutti i corsi, compresi quelli di formazione preliminare e continua. Inoltre, le maschere sono ora obbligatorie ovunque siano etichettate. Le maschere sono obbligatorie anche nel Centro Media e Informazioni (MIZ). Nelle aree pubbliche degli edifici della ZHdK si applica la regola della distanza, ma non vi è alcun obbligo generale di indossare una maschera.

D'ora in poi, i dati di contatto degli ospiti saranno raccolti ogni volta che visiteranno Mensa Molki, Chez Toni, Kafi Z e Café Momento. I dati di contatto possono essere raccolti con la Campus Card o con un codice QR. Inoltre, le maschere sono obbligatorie nell'area self-service, davanti ai punti di emissione e alle casse. Si applicano anche le raccomandazioni dell'Ufficio federale della sanità pubblica (UFSP) e del Cantone di Zurigo. Le linee guida e le specifiche della ZHdK possono cambiare in qualsiasi momento.