Nonostante lo sconvolgimento digitale dei media musicali e degli e-book, si è registrata una grande stabilità anche nell'ascolto privato di musica e nella lettura di libri, scrive l'Ufficio federale. Al contrario, il numero di visite ai festival è aumentato di quasi 10 punti percentuali nel 2019 rispetto al 2014.

Per quanto riguarda la musica, i concerti di musica pop o rock sono stati i più popolari nel 2019 (29%), seguiti da concerti di musica classica e opera (25%) e da concerti di musica popolare svizzera o di bande di ottoni (21%).

Come nel 2014, circa il 96% della popolazione ascolta musica privatamente. In termini di supporti di memorizzazione del suono, colpisce il calo dell'uso di CD/DVD, passato dal 74% del 2014 al 53% del 2019. Anche la tendenza dei dispositivi MP3 è in netto calo, passando dal 41% al 23%. Nel 2019, la maggior parte della musica è stata ancora ascoltata via radio o TV (89%), mentre il 64% ha ascoltato musica su un telefono cellulare (2014: 45%, +19 punti percentuali) e il 54% su un computer.

Per saperne di più:
https://www.bfs.admin.ch/bfs/de/home/aktuell/neue-veroeffentlichungen.assetdetail.15044378.html

Finale. Stranamente, dopo sole 26 battute di improvvisazione pianistica all'Allegro del Fantasia corale. Inoltre, l'orchestra deve entrare solo su segnale del pianista (Qui si dà un segno all' orchestra o al direttore di musica). Seguono ben 586 battute. Gli archi entrano con una linea di marcia come da lontano e si avvicinano in un crescendo, corni e oboi si scambiano brevi motivi di richiamo con un effetto di eco, prima che il pianoforte introduca una melodia che Beethoven ha preso in prestito da se stesso - dalla canzone composta nel 1794/95 Amore in cambio (WoO 118). È il tema delle variazioni successive, in cui i singoli strumenti a fiato vengono introdotti gradualmente in modo quasi cameristico: Flauto, oboi, clarinetti con fagotto, poi i leader della sezione d'archi come quartetto, infine il tutti e poi solisti e coro.

Quest'opera particolare, che ancora oggi occasionalmente divide le opinioni, fu l'ultimo punto del programma della grande accademia di Beethoven al Theater an der Wien il 22 dicembre 1808 - il coronamento di una lunga serata che aveva già incluso la quinta e la sesta sinfonia, parti della Messa in do maggiore, l'aria Ah perfido, il Concerto per pianoforte e orchestra n. 4 e una fantasia per pianoforte non scritta. L'idea di Beethoven di unire le forze di tutti gli esecutori è evidente anche nella nota di programma, che annuncia l'opera come "Fantasia al pianoforte, che si sviluppa gradualmente con l'ingresso dell'orchestra e infine con l'ingresso dei cori come finale". ! fine". Johann Friedrich Reichardt trascorse la serata su invito del principe Lobkowitz e riportò le sue impressioni nel libro "La vita di un uomo". Lettere familiari scritte durante un viaggio a Vienna (1810). Anche lui fu sorpreso dalla composizione, ma l'esecuzione dovette essere annullata e riprogrammata dopo un'iscrizione imprecisa. La struttura di fondo, che rifletteva l'intera serata, andò così persa di vista: "Undicesimo pezzo: una lunga fantasia in cui Beethoven mostrò la sua completa maestria, e infine, alla fine, un'altra fantasia, a cui si unì presto l'orchestra e infine anche il coro. Questa strana idea fallì nella sua esecuzione a causa di una confusione così totale nell'orchestra che Beethoven, nel suo sacro fervore artistico, non pensò più a un pubblico o a un luogo, ma chiese di fermarsi e ricominciare dall'inizio. Potete immaginare come ho sofferto insieme a tutti i suoi amici".

Tuttavia, la composizione, scritta in fretta e furia, non solo non era stata provata a sufficienza. Piuttosto, l'intero concerto, durato quattro ore, aveva stremato sia i musicisti che gli ascoltatori, come riferisce Reichardt: "Abbiamo resistito al freddo pungente dalle sei e mezza alle dieci e mezza, e abbiamo scoperto che è facile avere troppo di una cosa buona - e ancora di più, troppo di una cosa forte". E così, alla fine, quei versi programmatici con i quali la Fantasia corale brillante ed enfatico in Do maggiore: "Accettate dunque, anime belle, / volentieri i doni della bella arte, / quando amore e forza si uniscono, / valgono il favore degli dei".

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L'evento è nato da una collaborazione tra la Hochschule der Künste di Berna e il Conservatorio della Svizzera italiana di Lugano, con il supporto scientifico della Beethoven-Haus di Bonn e della Società Italiana di Musicologia. Circa 170 i partecipanti che si sono riuniti online per seguire le relazioni dei 18 studiosi (ed esecutori) tra i maggiori esperti del pianismo beethoveniano nel panorama internazionale.

Filologia, contesto e prassi esecutiva: queste tre discipline hanno prodotto innumerevoli studi sulle opere pianistiche di Beethoven, a partire dal periodo immediatamente successivo alla morte del compositore fino ai giorni nostri. Nonostante la qualità e la quantità dei contributi, questa letteratura presenta ancora numerose zone di ambiguità, la cui comprensione è attualmente limitata.

Negli ultimi anni, un approccio particolare ha contribuito a portare alla luce importanti dettagli sull'interpretazione del repertorio classico. L'attenzione è rivolta alla ricerca artistica, come hanno sottolineato Thomas Gartmann, direttore del dipartimento di ricerca della HKB, e Christoph Brenner (direttore del CSI); l'unificazione della ricerca scientifica e artistica può giocare un ruolo fondamentale anche nell'interpretazione di un testo musicale, offrendo una ricchezza di nuove e interessanti prospettive.

Gli interventi del convegno hanno indagato: i cambiamenti socio-culturali che hanno segnato la diffusione e circolazione delle edizioni musicali di Beethoven; l'evoluzione della notazione musicale, che da quella "essenziale" del periodo Classico si muoveva verso un maggior grado di specificità; la rapida e diversificata evoluzione organologica del pianoforte, che ha offerto al compositore nuove possibilità espressive. Due concerti nell'Aula Magna del CSI - trasmessi in diretta streaming - hanno inoltre rappresentato la dimostrazione sonora della fusione tra ricerca scientifica e pratica musicale. Nel primo, la fortepianista Olga Pashchenko ha proposto un'esecuzione di un programma interamente dedicato a Beethoven ed eseguito su due diversi pianoforti storici. A seguire, lo Ensemble Zefiro e il pianoforte storico di Leonardo Miucci (anch'egli referente della conferenza), hanno invece accostato il Quintetto op. 16 di Beethoven a quello KV 452 di Mozart, invitandoci a cogliere le lunga durata mozartiane nelle opere giovanili beethoveniane.
 

Uno degli argomenti più discussi durante i quattordici giorni della conferenza è stato lo stretto rapporto tra notazione musicale ed esecuzione. Lo studio di tutto ciò che il compositore si aspettava fosse implicitamente comunicato all'esecutore nella tradizione del testo musicale, è il punto focale dell'intervento di Clive Brown (Universität für Musik und darstellende Kunst di Vienna). "Leggere attraverso le righe", spiega, significa non solo ricostruire le indicazioni implicite nei testi musicali, ma anche comprendere la casistica in cui fosse legittima, e anche prevista, una "deviazione" dal testo stesso. Le ornamentazioni improvvisate, l'arpeggio di accordi, l'uso della flessibilità ritmica e del tempo rubato: questi alcuni tra i mezzi espressivi che il pianista, una volta acquisita una "corretta" interpretazione della notazione, potrà sfruttare al fine di produrre una "bella" esecuzione.

Anche Sandra Rosenblum, autrice di Prassi esecutive nella musica pianistica dell'epoca Classica (1991), si sofferma sul significato del testo musicale. Prendendo in esame differenti edizioni del Quintetto op. 16 per pianoforte e strumenti a fiato di Beethoven, la ricercatrice ci mostra come, nei primi anni dell'Ottocento, esse presentassero talvolta contenuti variabili: dalla collocazione delle indicazioni di pedale fino ad un uso indifferenziato dei segni di articolazione e dinamica. Al fine di comprendere se queste differenze fossero dovute a precise intenzioni esecutive o a semplici ragioni commerciali, le singole varianti necessitano di essere analizzate alla luce delle singole pratiche di commercio editoriale.

È ancora la contestualizzazione delle prassi esecutive, compositive e notazionali a dare spazio ai successivi tre interventi: Neal Peres da Costa (Sydney University) si occupa della pratica non scritta di "arpeggiare" gli accordi nella musica pianistica di Beethoven; Dorian Komanoff Bandy (McGill University di Montreal) si sofferma sulla trasformazione nell'uso degli abbellimenti melodici; Marten Noorduin (Oxford University) mostra l'evoluzione di segni di espressione come dolce o calando durante il corso della vita del compositore. Claudio Bacciagaluppi (HKB) inoltre consegna un'interessante prospettiva sulla storia della ricezione beethoveniana attraverso il contributo dell'editore svizzero Hans Georg Nägeli.

Tornando al significato del testo musicale, Yew Choong Cheong (UCSI University Institute of Music di Kuala Lumpur) e Leonardo Miucci (HKB) propongono due interventi interconnessi. Il primo introduce la complessa casistica in cui una certa flessibilità di tempo e ritmo fossero implicati nei segni di dinamica e di accentuazione, il secondo, si concentra sulle istanze particolari in cui Beethoven sembrerebbe comunicare intenzioni agogiche attraverso indicazioni di crescendo e diminuendo. Un altro brillante contributo sulla relazione tra notazione e prassi esecutiva è quello di Siân Derry (Royal Birmingham Conservatoire), che ci consegna una nuova e convincente prospettiva su di un dibattito di lunga data. La ricercatrice affronta la figurazione con note unite da legature di valore e diteggiatura differenziata (si vedono gli esempi dell'op. 106 e il recitativo dell'op. 110). Prendendo ad esame uno schizzo di Beethoven datato circa 1790, la studiosa e pianista ricostruisce l'influsso di una particolare tecnica esecutiva per strumenti ad arco, il cosiddetto "tremolo ondulé", sull'immaginario pianistico del compositore. Egli ne avrebbe infatti ripreso il significato espressivo, dispiegandolo nel linguaggio pianistico tramite l'aggiunta di diteggiature peculiari. Gli schizzi sono nuovamente una tematica cruciale nella presentazione di Susanne Cox (Beethoven-Haus Bonn), che concentra la sua attenzione sul concetto beethoveniano di "opera" attraverso le fonti manoscritte. Christine Siegert (attuale direttrice dell'Archivio Beethoven e della casa editrice Beethoven-Haus) parlerà anche dell'evoluzione dello stile compositivo del compositore che, animato dalla ricerca di un linguaggio pianistico individuale, ha ricevuto un discorso vivace dai canoni estetici del brillante pianismo viennese e dalla tradizione mozartiana.
 

L'indagine di Michael Ladenburger (ex direttore del museo e custode della collezione della Beethoven-Haus di Bonn) ci catapulta in una dimensione differente, e cioè nelle botteghe dei costruttori di strumenti nella Bonn degli anni 1770, le cui tastiere hanno influenzato e ispirato l'attività del giovane Beethoven. In quegli anni i pianoforti si evolvevano con estrema rapidità; i loro costruttori non solo producevano un numero sempre maggiore di strumenti, ma sperimentavano anche costantemente con questi, creando, anche in una stessa città, esemplari completamente diversi tra loro sia per costruzione che per possibilità espressive. La comprensione dell'influsso di queste caratteristiche sonore e costruttive sulle prassi esecutive e compositive di Beethoven è quindi stata una tematica molto presente nel convegno. Della risposta compositiva alla graduale estensione della tastiera (che partiva dalle cinque ottave), ha parlato Martin Skamletz, direttore dell'orchestra di Beethoven.Interpretazione dell'Istituton della HKB. Una riflessione necessaria per i musicisti specializzati su strumenti storici ma ancora importante per i pianisti di oggi che, nonostante la relativa standardizzazione dello strumento moderno, affrontano ancora la necessità di adattarsi ad un tasto leggermente più pesante o, nel caso di alcuni nuovi modelli della Bösendorfer, la possibilità di sfruttare o meno un'estensione maggiore della tastiera.

Passando al periodo viennese, Robert Adelson mette fine alle controversie sul presunto acquisto da parte di Beethoven del pianoforte francese Érard. Portando all'attenzione nuovi e inconfutabili documenti, Adelson conferma la teoria del regalo da parte del costruttore e specula che, piuttosto che un riconoscimento della sua fama, esso potesse far parte di un più vasto accordo editoriale con la ditta. Il fortepianista Tom Beghin continua il discorso sulle caratteristiche costruttive e sulle qualità sonore dello strumento francese, facendone un uso immaginativo al fine di sviluppare nuove idee nella sua pratica allo strumento.

Una particolare caratteristica di alcuni pianoforti del costruttore Anton Walter, i cui strumenti Beethoven aveva posseduto ed apprezzato a Vienna, è invece spiegata e dimostrata dallo studioso e tastierista Tilman Skowroneck. Il ricercatore si sofferma sul funzionamento del cosiddetto "split damper pedal", un dettaglio costruttivo che aveva già anticipato nel suo volume Beethoven il pianista (2010). Il meccanismo permette di sollevare solo gli smorzatori delle corde nel registro acuto della tastiera, alternativamente all'intera casa degli smorzi, tramite una separazione (o "split") nel pedale stesso - in questo caso una ginocchiera. Tornando sul piano notazionale, Barry Cooper (University of Manchester) propone un'analisi dei segni di pedale negli autografi, negli schizzi ed edizioni a stampa beethoveniane. Autore di diversi libri monografici sul compositore e curatore di un'edizione pratico-interpretativa delle 35 Sonate, lo studioso si chiede infine quanto siano affidabili le moderne edizioni musicali nel rappresentare con esattezza le posizioni originali dei segni di pedale. Quale sarebbe, inoltre, il significato di queste indicazioni realizzate su pianoforti moderni e con una tecnica pianistica moderna? Quest'ultima provocazione, posta dallo studioso Mario Aschauer (University of Texas a Huntsville), suona più come una domanda retorica all'interno del suo contributo. L'invito ai curatori moderni è quello di presentare in modo intelligente le ambiguità insite nei caratteri musicali, in modo che possano fornire indicazioni sul mondo e sul pensiero di Beethoven. Questa ricerca ultima ha animato anche la tavola rotonda che ha concluso il convegno, mediata dal curatore e direttore della casa editrice Bärenreiter, Douglas Woodfull-Harris. Quale dovrebbe essere l'atteggiamento dei curatori nella preparazione delle moderne edizioni critiche/urtext? In che misura sarebbe egli inoltre responsabile della consegna, unitamente al testo, delle relative chiavi di lettura?

Sono stati inoltre discussi i limiti e vantaggi dei nuovi formati digitali e introdotti nuovi progetti editoriali riguardanti il genio di Bonn. La discussione si è infine spostata sulla responsabilità dei giovani studenti di musica e dei loro insegnanti, come sottolineato dalla Rosenblum. Con gli strumenti storici, le nuove edizioni critiche e gli studi di prassi esecutiva, possediamo potenti mezzi per la comprensione del linguaggio beethoveniano e del periodo Classico.

Il desiderio che ha animato gli organizzatori del convegno si è ora realizzato. Grazie allo stretto contatto tra studenti di vari settori e artisti, l'evento ha sicuramente ispirato e informato i molti giovani interpreti che vi hanno partecipato.

In quest'ottica, il volume della conferenza (pubblicato dalla casa editrice Argus) è programmato per il 2021.

L'archivio di fonti sulle donne attive nella cultura musicale sarà completato da 34 lettere della cantante Jenny Lind degli anni 1850-1874 e da una trascrizione della canzone "Chanson d'autrefois" della cantante, pianista, insegnante di canto e compositrice Pauline Viardot, proveniente dal patrimonio di Maria Callas. L'acquisizione, per un totale di 18.000 euro, è stata resa possibile dalla Fondazione Mariann Steegmann.

Finora era sopravvissuta solo una copia dell'ambientazione di un testo di Victor Hugo, anch'esso apparso a stampa alla fine del XIX secolo, di mano straniera. Il fatto che ora sia disponibile anche un autografo del compositore, acquisito dalla Fmg, può quindi essere definito un particolare colpo di fortuna. Un altro punto di forza è la provenienza della copia: Proviene dalla proprietà di uno dei più importanti soprani del XX secolo: Maria Callas.

Articolo originale:
https://www.hmtm-hannover.de/de/aktuelles/meldungen/archiv/2020/dezember/artikel/wertvolle-neuzugaenge-im-archiv-des-forschungszentrums-musik-und-gender-verloren-geglaubte-briefe-d/

Dalla fine di ottobre, il Consiglio federale ha ordinato un graduale inasprimento dell'ordinanza Covid-19 a causa dello sviluppo epidemiologico sfavorevole, che sta avendo un grave impatto sul settore culturale. I professionisti della cultura, le imprese culturali e le associazioni culturali del settore non professionale si trovano ancora una volta ad affrontare una situazione che minaccia la loro stessa esistenza.

In questo contesto, il Consiglio federale ha deciso di sostenere gli operatori culturali più di prima. In particolare, sarà reintrodotto lo strumento della compensazione delle perdite per i professionisti della cultura. Inoltre, saranno aumentati i limiti di reddito e di patrimonio entro i quali i professionisti della cultura hanno diritto ad aiuti di emergenza. Inoltre, i progetti di trasformazione delle imprese culturali possono ora essere sostenuti con un aiuto finanziario fino all'80% (in precedenza il massimo era il 60%).

Buon compleanno signor Beethoven! Cosa direbbe il maestro se venisse a conoscenza di tutti i concerti e i festival, i congressi e le conferenze celebrative previste in suo onore per il 2020? Probabilmente si stupirebbe della serietà con cui i posteri stanno celebrando il suo 250° compleanno, o meglio il 250° anno della sua nascita. Perché la data esatta in cui il piccolo Ludwig vide la luce rimane un mistero. L'unica certezza è l'iscrizione nel registro dei battesimi di San Remigio a Bonn il 17 dicembre 1770. La nascita avvenne molto probabilmente il giorno precedente, il 16 dicembre; a causa dell'alto tasso di mortalità infantile dell'epoca, di solito i battesimi venivano eseguiti immediatamente il giorno successivo. Beethoven stesso probabilmente considerava il 16 come il giorno del suo compleanno, e questo era noto anche alla sua cerchia ristretta. Lo dimostra una lettera di Johann Georg Albrechtsberger, che il 15 dicembre 1795 scrisse espressamente alla "Il festival dei nomi di domani" si congratulò con lei, ma naturalmente si riferiva al suo compleanno.

Ciò che stupisce, tuttavia, è che Beethoven non fu a lungo chiaro sul suo anno di nascita, il che significa che la sua età non era esattamente certa: suo padre lo aveva annunciato come più giovane di due anni alle sue prime apparizioni pubbliche (1778 come età di "6 anni") - un'annotazione che continuò negli anni successivi e che era ancora abbastanza comune nel XIX secolo. Dopo aver richiesto una copia del registro dei battesimi a Bonn nella primavera del 1810 (il registro di famiglia era andato perduto), Beethoven ha persino corretto "1770" in "1772". L'errore deve essere stato risolto negli anni successivi; in ogni caso, l'età corretta è riportata nel necrologio.

Tuttavia, è improbabile che Beethoven abbia festeggiato un vero e proprio compleanno in qualsiasi anno: Il giorno che oggi è così importante ha acquisito il suo significato solo in un secondo momento, quando l'onomastico ecclesiastico è stato sostituito dal compleanno laico. A questo proposito, non sorprende che nella musica strumentale di Beethoven si trovi una sola serenata: la Menu Congratulazioni WoO 3. Fu eseguita per la prima volta il 3 novembre 1822 in occasione di un'ambiziosa serenata all'aperto alla vigilia dell'onomastico di Karl Friedrich Hensler (1759-1825), direttore del teatro di Josephstadt, che fu eseguita anche nel teatro della città. Giornale del Teatro Generale di Vienna è stato riportato - anche se con una malintesa nobilitazione del minuetto: "... Non appena il signor Hensler è entrato nel suo appartamento, sotto le finestre della strada è iniziata la bellissima ouverture del Kapellmeister Prof. Drechsler, eseguita dall'intera orchestra. ..., A questo è seguito un concerto per flauto ottimamente eseguito, seguito da un'ottima ouverture del signor Kapellmeister Gläser e infine da una sinfonia meravigliosamente composta per questa serata da Ludwig van Beethoven. sic". Il concerto si è concluso con una marcia e un coro dall'opera di Mozart Tito con un nuovo testo in evidenza.

Anche se il libro, scritto con mano leggera e pubblicato per la prima volta nel 1832 con il titolo neutro di Allegretto stampato Menu Congratulazioni è probabilmente oggi in gran parte sconosciuto, anche tra gli intenditori, le singole svolte armoniche e la strumentazione rivelano inequivocabilmente il vero maestro.

Registro di battesimo di San Remigio
 

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Il software Muscat è stato scelto dalla comunità internazionale RISM come strumento standard per la catalogazione mondiale delle fonti musicali storiche. Di conseguenza, il personale del centro svizzero è ora responsabile anche dell'installazione e della gestione di Muscat sui server della Staatsbibliothek zu Berlin - Preussischer Kulturbesitz.

L'esperienza svizzera è evidente anche nello sviluppo di altri programmi, come lo strumento di notazione Verovio. Ciò conferisce al centro svizzero una posizione di rilievo nella comunità RISM a livello internazionale. L'associazione e il centro saranno quindi rinominati nel gennaio 2021. "Centro digitale RISM".

Il cambio di nome è sostenuto sia dall'Associazione internazionale RISM che dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica. Quest'ultimo sostiene RISM Svizzera come organizzazione infrastrutturale da diversi anni. All'interfaccia tra discipline umanistiche e tecnologiche, con un legame diretto con la cultura musicale svizzera, il progetto è un ottimo esempio di impresa umanistica digitale.

Per i musicisti è importante pensare alla pianificazione patrimoniale fin dall'inizio della loro carriera. Florian Schmidt-Gabian, autore dell'opuscolo Pianificazione patrimoniale per i musicisticonvinto.

L'opuscolo è la prima pubblicazione della serie Pianificazione patrimoniale per ... del 2019 fondato Centro per i lasciti artistici (ZKN). Introduce la terminologia, spiega le fasi della pianificazione, chiarisce le questioni finanziarie e legali e delinea lo sviluppo e l'attuazione di una strategia successoria.

L'opuscolo di 20 pagine può essere richiesto allo ZKN:

- per 18 franchi (spese postali incluse) in edizione stampata da broschuere@zkn.ch 

- o scaricabile gratuitamente in formato PDF dal sito web della ZKN - Link alla brochure
 

Nato nel 1983, David Virelles proviene da una famiglia di musicisti cubani e ha studiato pianoforte all'Humber College di Toronto. Nel 2009 si è trasferito a New York per studiare composizione con Henry Threadgill. Da molti anni è richiesto in tutto il mondo come pianista e compositore. Nel 2014 ha pubblicato l'album "Mbókò - Sacred Music for Piano, Two Basses, Drum Set and Biankoméko Abakuá" per l'etichetta ECM.

Il jazz viene offerto alla ZHdK nel corso di laurea triennale come specializzazione, con particolare attenzione al jazz strumentale/vocale e al pop strumentale/vocale. Partendo dai talenti e dagli interessi individuali degli studenti, il programma impartisce conoscenze e competenze per consentire loro di operare con successo nei mutevoli scenari delle scene musicali internazionali come personalità indipendenti e creative del jazz e del pop.

Per il festival del 2022 sono richiesti progetti sul tema "non mediato". I programmi presentati da ensemble, musicisti, organizzatori di eventi e istituzioni saranno perfezionati congiuntamente o integrati nel festival come collaborazione, se il Consiglio di amministrazione li riterrà idonei.

La direzione del festival ha stabilito le seguenti condizioni:

1. schema del progetto: Idea del progetto, forma del progetto e realizzazione del tema del festival. Si possono prendere in considerazione i diversi livelli di significato del tema.

2 Legato a Berna: Il bando si rivolge a musicisti, organizzatori e istituzioni di Berna, o a musicisti che stanno sviluppando un progetto insieme a musicisti, organizzatori o istituzioni di Berna.

3. breve descrizione degli ensemble, degli organizzatori e degli artisti, compresi i link alle registrazioni attuali.

4. altri componenti sono desiderati e possono far parte del progetto:

• Collaborazioni programmate con ensemble bernesi o organizzatori di eventi
• collaborazioni programmate con ensemble, compositori o organizzatori di eventi internazionali
• approccio scenico o interdisciplinare
• spazi non convenzionali
• tempistiche insolite
• Aspetti della mediazione

5. piano dei costi e dei finanziamenti, con indicazione della quota di finanziamento da parte di altri enti, fondazioni e contributi personali, nonché del contributo finanziario auspicato dal Bern Music Festival (è possibile solo un finanziamento sussidiario).

La bozza del progetto (PDF, max. 6 pagine) può essere presentata esclusivamente in formato digitale entro il 14 marzo 2021 tramite: info@musikfestivalbern.ch

Ulteriori dettagli sono disponibili sul sito web del Bern Music Festival:
Link al bando di gara
 

Non ha bisogno di presentazioni sulla scena della musica popolare svizzera: Fritz Dünner. Molti lo descrivono come uno dei migliori clarinettisti che la musica popolare svizzera abbia mai visto. Soprattutto con la sua formazione principale, il gruppo Dünner-Nauer, ha pubblicato numerose composizioni proprie. La sua mancanza nella scena musicale locale si è fatta sentire ancora di più da quando, nel 2010, ha concluso la sua carriera musicale ed è emigrato a Maiorca. Da lontano, tuttavia, Dünner sta tornando in auge come compositore con il libro di musica Volksmusik für Anfänger, un libro di musica per principianti ed ensemble scolastici.

Le 23 composizioni originali a due parti sono state scritte nel 2017, quando il nipote di Dünner ha iniziato a suonare il clarinetto. Pezzi così semplici sono estremamente rari nel commercio specializzato. Inoltre, nonostante la loro semplicità, sono composti magistralmente e sono ideali per ispirare i giovani clarinettisti a suonare la musica popolare.

Su suggerimento dell'editore Peter Gisler, Fritz Dünner ha ampliato le sue composizioni per ensemble musicali. Il risultato sono due libretti per strumenti melodici in Do e in Sib e due libretti di accompagnamento per pianoforte e contrabbasso. Ci sono anche file MP3 da ascoltare, che Fritz Dünner ha registrato in playback. Questi file audio sono disponibili per il download come file di accompagnamento sul sito web di Mülirad-Verlag. Le varie edizioni del libretto consentono di suonare insieme strumenti diversi come clarinetto, violino, fisarmonica, pianoforte, violoncello, basso, ecc. Questo rende Folk Music for Beginners ideale per la musica domestica e per le formazioni scolastiche.

Allo stesso tempo, Mülirad-Verlag pubblica anche letteratura per clarinettisti esperti. Dani Häusler, probabilmente il clarinettista svizzero più ricercato del momento, riunisce in Quartetto di clarinetti - 14 Danze svizzere le sue composizioni originali preferite, alcune delle quali scritte quando era ancora studente. Mentre le parti principali sono talvolta molto impegnative, Häusler ha volutamente mantenuto le parti centrali e basse più semplici. In questo modo è possibile mescolare i livelli, il che è particolarmente vantaggioso per gli ensemble delle scuole di musica, ad esempio. Inoltre, Häusler ha rinunciato a precise istruzioni di articolazione nelle partiture con indicazioni di accordi, per lasciare agli esecutori piena libertà artistica. Il CD Dani Häusler al quadrato su cui ha registrato personalmente ciascuna delle quattro parti di tutti i brani. Le registrazioni delle singole parti sono disponibili anche come file playalong sulla homepage dell'editore. In questo modo, i brani possono essere praticati insieme a Dani Häusler, per così dire.
 

La casa editrice Mülirad è stata fondata nel 1991 e si è specializzata in rarità, insoliti e dimenticati della musica popolare svizzera. Peter Gisler dirige la casa editrice dal 2006 e da allora è diventata un punto di riferimento nazionale e internazionale nel settore della musica folk.

Dani Häusler: Quartetto di clarinetti - 14 danze svizzere, voce n. 1119, Fr. 39.00

Fritz Dünner: Musica popolare per principianti - 23 composizioni a due voci per due clarinetti o altri strumenti melodici

• Per strumenti in Sib: Articolo n. 1123Bb, Fr. 29.00
• Per strumenti C: Articolo n. 1123C, Fr. 29.00
  
• Libretto di accompagnamento per pianoforte: articolo n. 1123Kl, fr. 29.00

Casa editrice Mülirad, Altdorf

 

Secondo il Cantone, la ristrutturazione completa era necessaria per motivi strutturali ed energetici. L'interno dell'intero edificio è stato riportato allo stato originale. L'interno è stato poi ridefinito con una costruzione reversibile in legno a vista. Due aule di 72 metri quadrati ciascuna e due sale gruppi di 18 metri quadrati ciascuna, oltre a diversi locali accessori, sono distribuiti su due livelli.

La spesa totale è stata di 1,4 milioni. Secondo il comunicato stampa, il nuovo edificio musicale soddisfa ora i requisiti per le moderne lezioni di musica e canto. Oltre alle lezioni scolastiche, il centro musicale sarà a disposizione anche delle associazioni culturali.

"Penso che sia assolutamente essenziale per un artista, un musicista, dare libero sfogo al proprio libero arbitrio". Una frase forte che Werner Bärtschi pronuncia al telefono in occasione dell'anniversario della sua serie di concerti "Rezital". E centrale, visto che il desiderio di libertà artistica incondizionata era alla sua culla. Dotato di sufficiente fiducia in se stesso grazie ai successi nazionali e internazionali, 40 anni fa ha fatto il passo di creare la propria piattaforma. Un luogo dove poter fare tutto ciò che ritiene artisticamente giusto senza doverlo giustificare. Non davanti agli organizzatori e non davanti al suo passato.

Si tratta quindi di un concetto che non può essere etichettato come tale. Si potrebbe piuttosto definire la decisione di fidarsi e seguire il proprio istinto. Ma che sicuramente funziona, come si può vedere dalla lunga esistenza della serie. Un non-concetto che ha permesso a Rezital di diventare una piccola istituzione a Zurigo. Lo dimostra il fatto che la città di Zurigo fornisce alla serie una piccola ma fissa sovvenzione annuale. Un onore raro, altrimenti concesso solo a istituzioni come la Tonhalle o il Collegium Novum.

E un non-concetto che ha regalato a Zurigo alcuni momenti memorabili. Per me, la visita di Karlheinz Stockhausen al recital e l'esecuzione di Momenti tra le esperienze concertistiche più impressionanti della mia vita. Lo stesso Werner Bärtschi non ama sottolineare i momenti salienti, perché "ciò che conta alla fine è un concerto riuscito", e questo potrebbe essere anche un semplice recital pianistico con Schubert. Quando gli viene chiesto, tuttavia, cita il Cage-Satie Festival o i quattro anni di studio intensivo di Carl Philipp Emanuel Bach.

Questa è certamente una costante nel lavoro di Bärtschi come interprete. Più volte ha sostenuto le opere di compositori sconosciuti. Ha promosso Erik Satie, ad esempio, ancor prima che mutasse in un eccentrico oggi popolare. Tuttavia, non si tratta mai di essere originali. Gli ingaggi derivano dalla convinzione che questa sia buona musica. E dal desiderio di suonare questa musica. Tuttavia, non vuole essere un "esperto dell'ignoto", poiché ha suonato più spesso Beethoven e Chopin. I classici della musica per pianoforte per eccellenza.

Tutto questo è stato ancora una volta dimostrato in modo impressionante nel concerto del 1° dicembre. Anche se non è stato il concerto di anniversario che avrebbe dovuto tenersi il 30 ottobre, esattamente 40 anni e un giorno dopo il primo recital, il secondo concerto della stagione è stato comunque un degno evento di anniversario. Perché ha riunito una serie di elementi tipici dei recital. È stato il preludio di una serie di concerti dedicati al compositore César Franck. Se è già insolito ascoltare un brano di Franck in concerto in questo Paese, un'intera serie di concerti è ancora più sorprendente. Ma Bärtschi spiega l'insolita idea del programma in modo succinto, affermando di considerare Franck semplicemente uno dei più grandi compositori. Aggiunge poi che ammira "il modo in cui César Franck attira gli ascoltatori e gli esecutori in un flusso di passione". Tutta la grande musica affascina, naturalmente, ma "con Franck si avvicina". Non era una promessa troppo azzardata, perché il Quintetto per pianoforte in fa minore eseguito questo martedì sera si è rivelato un'opera che si distingue per la sua passione. Persino il movimento lento, che inizia in modo rilassato, sale a spirale verso un'intensità avvincente.

La ponderatezza con cui Bärtschi concepisce i suoi programmi è stata dimostrata dal modo in cui ha combinato il Franck che ha concluso il concerto. Nella prima parte, il Quartetto per archi op. 95 di Beethoven, sempre in fa minore, è stato abbinato al Quartetto di Anton Webern. Sei bagatelle op. 9 per quartetto d'archi. E in modo tale che i pezzi di Webern fossero suonati due volte, prima e dopo Beethoven. In questo modo, Webern diventava un apri-orecchie per Beethoven - e viceversa. La cosa sorprendente è che la musica "moderna" di Webern sembrava più romantica di quella di Beethoven in questa costellazione. L'interpretazione ha certamente contribuito a questa impressione. Il Quartetto Merel ha suonato Beethoven in modo moderno, con contrasti accentuati, che sembravano ancora più radicali perché i passaggi più fini ed emotivi erano suonati in un colore argenteo piuttosto che caldo. L'avanguardia di Beethoven è stata enfatizzata qui, attraverso l'interpretazione e la progettazione del programma.

L'arbitrarietà non deve quindi essere confusa con l'incoerenza. Ciò si riflette anche nel programma del concerto per l'anniversario, che è stato posticipato all'11 giugno 2021: 40 miniature di 400 anni, un brano per ogni decennio. A prima vista, sembra un'idea folle per il momento. Ma a ben guardare, qualcuno fa sul serio con una strizzatina d'occhio, laddove altri organizzatori si limitano a fare affermazioni: Il pubblico viene condotto in un viaggio attraverso 400 anni di storia della musica.

Il trombonista basso e suonatore di tuba Ed Partyka, nato a Chicago, vive in Europa da quasi 30 anni e ha vinto premi in molti concorsi internazionali. Ha studiato trombone jazz con Jiggs Whigham e composizione sotto la direzione di Bob Brookmeyer all'Università di Musica di Colonia.

Partyka ha suonato con numerose importanti big band e ha lavorato come compositore, arrangiatore e bandleader per importanti orchestre jazz internazionali. Oggi il 53enne vive in Austria, lavora all'Università di Graz e all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna e dirige la UMO Helsinki Jazz Orchestra.

Secondo il comunicato stampa della ZJO, egli è considerato un bandleader di prima classe che porta avanti un'orchestra senza trascurare la tradizione esistente. Uno dei suoi progetti per il suo lavoro con la ZJO è quello di dare alla musica per big band storicamente rilevante un posto permanente nel programma annuale.

Il resto della direzione della ZJO rimane invariato: Bettina Uhlmann continua a occuparsi della gestione, Daniel Schenker rimane co-leader dell'interfaccia tra la gestione musicale e quella dei programmi dopo due anni di gestione ad interim e Steffen Schorn continua a lavorare come compositore in residenza.