Nel programma di Bachelor of Arts in Music sono stati conseguiti 56 diplomi, di cui 40 nel profilo Classico e 16 nel profilo Jazz. Nel programma di Master of Arts in Music sono stati conseguiti 57 diplomi, la maggior parte dei quali nel profilo di esecuzione classica (24).

Nel Master of Arts in Music Education, 43 laureati hanno ottenuto la qualifica professionale per l'insegnamento nelle scuole di musica o nelle scuole secondarie, con il maggior numero di diplomi nel profilo di musica classica (31). Inoltre, 17 professionisti hanno completato la loro formazione con un Diploma di Studi Avanzati (DAS) o un Certificato di Studi Avanzati (CAS). I premi della Fondazione Strebi, pari a 2.000 franchi svizzeri ciascuno, sono stati assegnati a Nadia Zobrist e Samuel Cueni.

Secondo il comunicato stampa, la sassofonista Nadia Zobrist (Profil Jazz) ha eseguito "la parte dell'esame in carta bianca con grande potenza improvvisativa e un lavoro sonoro differenziato". Un altro punto di forza musicale è stata l'improvvisazione libera con il pianista Christoph Baumann. Samuel Cueni (Profil Klassik) è "chiaramente un artista che mette in primo piano la musica e non se stesso".

Due cantanti del Lucerne Concert Choir raccontano cosa significa per loro il canto corale.

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Isa Glanzmann, insegnante di scuola materna

In realtà canto molto spesso: a casa, nella foresta, all'asilo. Il mio sogno è sempre stato quello di cantare in un coro classico. Da tre anni canto nel Lucerne Concert Choir e ho l'impressione che la mia voce sia diventata più chiara e più pura. Questo è dovuto alle numerose prove e all'ottima direzione del coro. Mi esercito molto anche a casa, perché per me è importante che le meravigliose opere che ci vengono concesse siano davvero di successo nella nostra esibizione al KKL.

Cantare mi rende totalmente felice, le prove sono sempre troppo brevi per me. Mi piace la comunità del coro e apprezzo il contatto tra le generazioni. Qui si riuniscono molte persone allegre e amichevoli. Lo trovo molto arricchente!

Il momento più importante dell'anno corale per me è la prima prova insieme all'orchestra professionale e ai solisti. È un momento fantastico: immergersi nella musica. Quando risuonano i primi accordi, le lacrime scorrono ancora e ancora perché mi rende così felice.
 

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Robert Humbel, insegnante di chimica

Ho iniziato la mia carriera corale nel Kantichor e successivamente ho cantato nel Coro Accademico del Politecnico e dell'Università di Zurigo. A Lucerna sono finita nel Lucerne Concert Choir perché mi sono sentita a casa in questo grande coro fin dalla prima prova. Cantare mi fa dimenticare i problemi quotidiani. Mi sento parte creativa di un grande insieme. Ogni membro del coro deve prestare attenzione a se stesso, all'ambiente circostante e al direttore, e solo insieme può emergere qualcosa di nuovo. In questo processo vivo momenti meravigliosi.

Nel corso degli anni, la mia voce è migliorata e la mia comprensione musicale si è approfondita. Anche i contatti sociali nel coro sono importanti per me. Ho trovato un gruppo che si riunisce ancora dopo le prove. Sono in buone mani.

Una volta all'anno teniamo un grande concerto al KKL. È sempre un'esperienza esibirsi in questa sala. Poiché abbiamo provato intensamente per un anno, non sono affatto nervoso. La mia famiglia ascolta tra il pubblico. L'evento è semplicemente meraviglioso.
 

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Simona Brauchli, pedagogista sociale

Canto dalla seconda elementare. Mi è piaciuto subito cantare. Dopo una lunga pausa, ho iniziato a cercare un nuovo coro. Così mi sono detta: perché non ti unisci al coro di mia madre? È un'opportunità meravigliosa per fare un'esperienza insieme.

Mi piace cantare la musica classica. Ho già amato questi brani nel coro dei bambini. Spesso mi chiedo come sia stato possibile che qualcuno abbia ideato dei pezzi così belli. Mi piace molto far parte di un grande coro. Quando col tempo diventiamo più bravi a cantare un pezzo e le note si appoggiano e si sfregano l'una con l'altra, a volte sento un formicolio allo stomaco. È una sensazione meravigliosa. Mi piace far parte di questo grande insieme.

Il vero momento culminante per me è quando l'orchestra si unisce alla settimana prima della grande esibizione. Tutto ha senso in un colpo solo. Allora provo una vera sensazione di meraviglia. Semplicemente meraviglioso! Sono nervosa quando mi esibisco al KKL, non per il canto, ma perché devo consegnare i fiori. A parte questo, penso che sia fantastico che un grande progetto si stia concludendo e non vedo l'ora di iniziare il nuovo lavoro.
 

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Volker Appel, terapista occupazionale

In realtà ho sempre cantato: prima cantavo nel coro giovanile, poi nel coro della chiesa, nel coro da camera e qui in Svizzera, da oltre 25 anni, nel Lucerne Concert Choir. Ci esercitiamo un anno intero su un'opera. Mi piace conoscere ogni anno una nuova opera classica. Ogni compositore è diverso. Bisogna capire ogni opera in modo nuovo. Per quanto riguarda l'interpretazione, seguo il direttore e mi piace essere sorpreso.

Il momento culminante di ogni anno è naturalmente l'esibizione al KKL. Sono sempre nervosa, anche dopo aver fatto parte del coro per così tanto tempo. Mi piace l'atmosfera che si respira dopo l'esibizione, quel senso di rilassamento e di sollievo quando tutto è andato bene. Il coro dà il massimo ed è completamente concentrato: è logico che alla fine siamo piuttosto esausti. È una sensazione incredibilmente bella aver lavorato insieme a qualcosa di grande.
 

Il direttore d'orchestra svizzero Nicolas Fink, nato nel 1978, è direttore ospite del WDR Rundfunkchor dal 2011. Collabora regolarmente anche con altri cori della radio ARD e con il Choeur de Radio France. È stato direttore assistente del Coro della Radio di Berlino dal 2010 al 2015. È anche direttore del coro del Festival musicale dello Schleswig-Holstein.

Inoltre, Simon Halsey è stato assunto dal WDR Rundfunkchor come direttore creativo per la musica corale e i progetti straordinari. Questa posizione è stata creata di recente. Il direttore di coro, nato nel Regno Unito nel 1958, è stato direttore principale del Coro della Radio di Berlino dal 2001 al 2015, periodo che ha visto la prima stretta collaborazione tra Simon Hasley e Nicolas Fink.

Halsey si presenta al pubblico in occasione del concerto sing-along del 12 dicembre. Nicolas Fink inizia la sua stagione concertistica con il WDR Rundfunkchor nel settembre 2020.

I 711 studenti inizieranno i loro studi alla ZHdK lunedì 16 settembre. Oltre agli studenti di musica, ci sono 110 iscritti in design, 91 in arte e media, 112 in educazione artistica e transdisciplinarità e 90 in arti dello spettacolo e cinema.

In totale, 2.245 persone studiano all'Università delle Arti di Zurigo. Di queste, 1.300 studiano in uno degli otto corsi di laurea triennale e 945 in uno degli undici corsi di laurea magistrale. Il numero di studenti è rimasto costante rispetto agli ultimi anni. Alla ZHdK si applica un numerus clausus; i futuri studenti sono sottoposti a una rigida procedura di ammissione preventiva.

Allo stesso tempo, la città e il Cantone hanno regolato la responsabilità e il finanziamento dei prossimi progetti di investimento culturale nell'ambito dell'associazione speciale. In futuro, i contributi agli investimenti delle istituzioni continueranno a essere negoziati caso per caso. In particolare, per i prossimi grandi progetti culturali del teatro e del Museo dei Trasporti, ciò significa che la città assumerà la guida per il Teatro di Lucerna e il Cantone per il Museo dei Trasporti.

Il Cantone investirà circa 25 milioni di franchi svizzeri nel progetto d'investimento del Museo dei Trasporti, mentre la città spenderà un importo non ancora specificato a due cifre per il Teatro di Lucerna. La riorganizzazione dei contributi operativi comporterà un onere finanziario complessivo di circa il 50% per la città e di circa il 50% per il Cantone. Il nuovo sistema di ripartizione dei costi sarà introdotto in tre fasi a partire dal 2023.

Il Beethovenfest scrive: "Il 13 settembre, giorno del 200° compleanno di Clara Schumann, il brano orchestrale Movimento fantastico di Bettina Skrzypczak prima assoluta. È stata commissionata dal Beethoven Festival e sarà eseguita dalla Robert Schumann Philharmonic Orchestra Chemnitz sotto la direzione di Gerrit Prießnitz. (...) Nel suo omaggio a Clara Schumann, Bettina Skrzypczak si astiene da allusioni motiviche o citazioni stilistiche. Si avvicina invece con cautela al mondo poetico di Clara, che era anche il mondo di Robert, con i propri mezzi compositivi. Ciò che la affascina sono i misteriosi codici, i segnali e le reazioni che possono essere percepiti solo nel mezzo del suono, in cui si articolava l'affinità tra Clara e Robert Schumann. Il pianoforte, che i due usavano come mezzo per i loro messaggi, svolge un ruolo speciale nella nuova opera. Tuttavia, non è utilizzato in modo concertante, ma fa parte dell'orchestra".

Una proposta della Commissione giuridica del Consiglio nazionale (RK-N) vuole abolire i diritti d'autore per le trasmissioni televisive e radiofoniche in alberghi, appartamenti di vacanza, ospedali e prigioni. Se il diritto internazionale venisse rispettato, gli importi esteri dovrebbero comunque essere pagati, solo che le produzioni svizzere sarebbero più svantaggiate.

La remunerazione costa agli alberghi meno di un franco al mese per camera, scrivono i professionisti della musica svizzeri in una lettera aperta al Parlamento. Si tratta di "un misero scherzo e di un insulto ai professionisti della musica in Svizzera".

La revisione dell'URG è stata avviata nel 2012. Secondo la loro stessa valutazione, i creatori di musica "hanno sostenuto un compromesso per la revisione con importanti concessioni", che conteneva ben poco delle loro richieste originali. La proposta della RK-N sbilancia questo compromesso e mette la revisione contro di loro. Il Consiglio di Stato lo aveva capito e aveva eliminato la richiesta sul turismo; la RK-N l'ha ora reinserita.

L'OSEW ha preso il via venerdì sera con lo Swiss Students Competition, un concorso di percussioni per studenti delle università musicali svizzere. Sabato e domenica, i solisti e gli ensemble hanno messo alla prova le loro abilità musicali.

Il concorso OSEW Swiss Student Competition per laureati si è svolto quest'anno per la terza volta. Il concetto è stato rivisto in collaborazione con le università svizzere. Possono partecipare gli studenti iscritti alle università musicali svizzere fino all'età di 24 anni. La giuria era composta da esperti di fama internazionale, Franz Bach, Stoccarda e Roman Brogli, Pugema TI. Il concorso si è svolto in tre parti (1° turno: timpani/mallet; 2° turno: set-up/body percussion/teatro musicale; 3° turno: marimba con tre finalisti). Cédric Gyger di Schönenried, laureato all'Università delle Arti di Zurigo, ha vinto il concorso con i brani Per Marimba II e Indifferenza attraverso. Ha relegato ai posti d'onore Farida Hamdar di Rehetobel e Corentin Barro di Mühleturnen.

Le gare dell'OSEW si sono svolte nella Dreitannensaal e nel complesso scolastico di Grünau. Il momento culminante è stata la grande finale per il Campione di assolo della Svizzera orientale, svoltasi domenica pomeriggio. Alla luce delle numerose esibizioni di spicco, la giuria, riconosciuta a livello internazionale, ha dovuto affrontare un compito difficile. I bambini e i giovani nati tra il 1998 e il 2012 si sono sfidati nei concorsi di melodia lenta, ensemble e assolo, con la partecipazione di circa 800 giovani musicisti, da clarinetti, trombe e tromboni a un'ampia varietà di strumenti a percussione.

I cinque vincitori di categoria del fine settimana si sono qualificati per la grande finale di domenica pomeriggio. Katharina Mätzler (Scuola di Musica di Bregenzerwald) si è imposta con il suo fagotto grazie a un'eccezionale performance virtuosa. È riuscita a convincere la giuria e ha conquistato per la prima volta all'estero l'ambito titolo di "Campionessa solista della Svizzera orientale". Sven Dahinden, rullante della scuola di musica di Schüpfheim, si è classificato al secondo posto con la sua esibizione. Linus Tschopp, della Società musicale di Sulgen, si è classificato terzo con l'eufonio. È stato anche nominato per partecipare al "Prix Musique 2020".

L'anno prossimo la competizione si svolgerà per la ventesima volta dal 4 al 6 settembre 2020. L'associazione si inventerà sicuramente qualcosa di speciale per l'anniversario, ha promesso Verena Fehr, amministratore delegato di lunga data di OSEW, rivelando allo stesso tempo che un regalo tardivo avrà luogo a Sirnach nel 2021 con la finale del "Prix Musique".

Che cos'è un buon direttore d'orchestra? Un ballerino, un insegnante, un terapeuta, un rapper o una diva? La droga del fare musica insieme crea dipendenza, hanno detto gli organizzatori alla finale del 9° Concorso svizzero di direzione d'orchestra. La possibilità di entrare nel flusso è molto maggiore se il direttore d'orchestra è entusiasta, carismatico e porta tutti nel suo mondo. Questa promozione del talento è il compito dell'evento, ormai collaudato, che si è svolto questa settimana a Baden.

Tutte le decisioni della giuria, composta da tre membri, sono state prese all'unanimità: Il vincitore del nono Concorso svizzero di direzione d'orchestra (4-9 settembre 2019) è Théo Schmitt di Palézieux. Il ventottenne vodese ha impressionato la giuria con la sua interpretazione dell'opera di alta classe "Praise Jerusalem" di Alfred Reed. Raphael Honegger di Argovia si è classificato secondo e Laurent Zufferey del Vallese terzo.
 

I premi vengono assegnati solo se vengono rispettati gli elevati standard stabiliti dalla giuria (Jan de Haan, Philippe Bach e Carlo Balmelli). Questo è stato il caso questa volta, poiché il livello complessivo dei 23 partecipanti era eccezionalmente alto. La giuria ha deciso a favore di Schmitt perché è stato chiaramente il migliore durante l'intera settimana, come ha spiegato il presidente della giuria Jan de Haan. Il vodese ha provato molto bene e ha avuto un'ottima padronanza della partitura. Nonostante la pressione della competizione, si è esibito in modo sicuro e convincente. Grazie al suo buon carisma e al buon contatto con le orchestre, Schmitt è un vincitore convincente secondo il presidente della giuria Jan de Haan.

Subito dopo l'annuncio, il vincitore Théo Schmitt ha faticato a capire cosa significasse la vittoria per la sua carriera. Dato che la prossima settimana inizierà un corso biennale di musica per film a Los Angeles, al momento ha comunque molto da fare. Questo potrebbe avergli tolto la pressione di dosso. Invece, ha potuto godersi le prove e i concerti ogni giorno di più. L'unica cosa che preoccupava il francese era la barriera linguistica. Alla fine, però, la sua mancanza di tedesco si è rivelata un vantaggio, perché ha potuto rivolgersi all'orchestra in modo molto personale ed esprimersi con i mezzi di un direttore d'orchestra piuttosto che con molte parole.
 

Lo stesso effetto è stato poi applicato alla finale: Schmitt si è aggiudicato Elogio di Gerusalemme Gli è stato dato esattamente il pezzo che non voleva affatto. Poi ha lavorato tutta la notte tra la semifinale e la finale e al mattino era molto convinto di questa composizione. Ecco perché Théo Schmitt dice: "Vincere non è la cosa più importante nel concorso di direzione d'orchestra". L'attenzione si concentra sul processo di apprendimento prima e durante l'evento e, in quest'ottica, non vede l'ora di affrontare l'imminente critica dettagliata da parte della giuria.

Il concorso di direzione d'orchestra gode di un'ottima reputazione nel panorama della musica per fiati. È una piattaforma unica per competere, affrontare una giuria e fare musica con grandi orchestre. Gli ex vincitori sono ancora oggi direttori di successo e godono di un'ottima reputazione. Questo tipo di promozione dei giovani talenti è estremamente interessante anche per il pubblico. Dopotutto, raramente è possibile confrontare in modo così diretto il comportamento dei direttori d'orchestra, i gesti e gli sguardi con cui dirigono l'orchestra, se riescono a creare tensione, se la loro gestione della bacchetta è adeguata all'opera e se il candidato lascia ai musicisti lo spazio per fare musica.
 

23 candidati si sono iscritti al 9° Concorso svizzero di direzione d'orchestra e hanno dovuto affrontare un programma impegnativo in un totale di quattro prove. I dodici ammessi al Concorso svizzero di direzione d'orchestra dalla commissione musicale hanno provato per mezz'ora un brano sconosciuto all'orchestra con l'Orchestra di fiati di Baden Wettingen fin dalla metà della settimana nella fase preliminare. Nella semifinale di venerdì, ai candidati sono stati concessi cinque minuti per provare una composizione già nota alla Brass Band Emmental o per eseguire passaggi strategici. Il lavoro è stato poi eseguito. Nella finale, i tre finalisti hanno impiegato 45 minuti ciascuno per provare una composizione nota alla Bern Symphony Brass Orchestra (Sibo), che è stata poi eseguita al concerto di gala.

Il concorso è anche una sfida per le orchestre, perché i candidati interpretano i singoli passaggi in modo diverso. Esistono diverse strategie per preparare un'opera. Per i direttori d'orchestra, oltre alle alte sfide tecniche, si pone il problema di come ottenere l'attenzione dell'orchestra. Un breve cenno a favore di una battuta, un sorriso dopo un assolo di successo o una battuta prima dell'inizio mostrano se un candidato è all'altezza della situazione.

La nona edizione del concorso di direzione d'orchestra è stata un completo successo. Per la prima volta (ad eccezione della selezione dei candidati), tutte le fasi del concorso sono state aperte al pubblico. Tutto è filato liscio, come hanno confermato all'unanimità la giuria, il pubblico e i candidati. Possiamo solo sperare che la situazione finanziaria dell'Associazione svizzera dei concorsi di direzione d'orchestra permetta di organizzare nuovamente una simile piattaforma per giovani direttori d'orchestra fra tre anni.

Il contratto tra il Festival di Lucerna e la Fondazione Kühne durerà inizialmente dal 2020 al 2022. In occasione di un incontro con i media presso il KKL di Lucerna, il presidente della Fondazione Klaus-Mchael Kühne ha sottolineato che la Fondazione non è interessata a commercializzare attivamente il marchio Kühne attraverso la sponsorizzazione. L'impegno sembra quindi avere più un carattere di mecenatismo. Il direttore del Festival di Lucerna Michael Häfliger non ha voluto rivelare dettagli specifici sulla portata finanziaria dell'accordo.

La Fondazione Kühne, senza scopo di lucro, con sede a Schindellegi, è stata fondata dalla famiglia Kühne nel 1976. Promuove l'istruzione e la formazione, nonché la ricerca e la scienza nel settore dei trasporti e della logistica. È coinvolta nella ricerca allergologica presso la Hochgebirgsklinik Davos. La Fondazione Kühne gestisce anche la clinica specializzata nel trattamento e nella riabilitazione delle allergie e delle malattie cardiache. In ambito culturale, sostiene festival, teatri d'opera e sale da concerto in vari Paesi europei. Svolge inoltre un ruolo importante al Festival di Salisburgo.

La caratteristica più evidente del nuovo Scuola di chitarra Ping-Pong di Andreas Knoblich e Philippe Loli sono le molte note sulla cui testa sono disegnati i nomi delle note in una distribuzione irregolare. Quando si lavora su un brano, l'insegnante dovrebbe suonare solo le note normali, non preparate, l'allievo solo quelle etichettate e viceversa - come nel ping-pong (la scuola è illustrata anche con due piccole figure di questo nome). Questo permette all'allievo di memorizzare i nomi delle note in modo rapido e sicuro, e l'attenzione costantemente forzata - quando sarà il mio turno? - diventerà rapidamente abile anche dal punto di vista ritmico.

Sulla base dei nomi degli accordi, per i quali è abbastanza comune che il tedesco H attraverso l'inglese B viene sostituito, il tono singolo h sempre come b ma, a differenza del mondo anglosassone, in minuscolo - tranne che per i titoli delle note, che sono maiuscoli. Alcune disattenzioni editoriali rovinano quello che di per sé è un concetto didattico interessante. Ad esempio, i primi 22 brani dell'applicazione audio play-along sono registrati troppo bassi. Le spiegazioni preparatorie e gli schemi per la mano destra compaiono solo dopo i brani corrispondenti e gli ultimi cinque numeri, un po' più lunghi, sono sistemati in modo tale da doverli scorrere.

Robert Morandell adotta un approccio diverso con il suo corso a spirale Chitarra tigre. La chitarra viene intonata fin dall'inizio. La notazione non viene introdotta nella prima lezione, ma gradualmente; la tablatura viene utilizzata per i pattern ritmici e gli esercizi per le dita della mano sinistra - chiamati "sfide". Nei brani solistici, progressioni di accordi abbreviate si alternano a barre di melodia scritte. La figura della tigre, che non muta in mucca o in orso, ma almeno in "Mu(h)tiger", "Bärtiger" e "Schmusetiger", guida le canzoni.

L'esperienza dell'autore nella pubblicazione di letteratura pedagogica per chitarra è evidente in alcuni dettagli: alternare tirando o apoyando? Il tono d' impugnare con il 3° o il 4° dito? Morandell lascia tacitamente ma deliberatamente queste decisioni all'insegnante. Unica nota negativa: il tempo degli esercizi sul CD di accompagnamento è troppo veloce per la maggior parte dei bambini.

Andreas Knoblich und Philippe Loli: Die Ping-Pong-Gitarrenschule. Die neue Gitarrenmethode für alle Altersgruppen, Band 1, N 2770, mit Übungs-App, € 19.90, Heinrichshofen & Noetzel, Wilhelmshaven

Robert Morandell: Gitarrentiger. Die tierisch gute Gitarrenschule für Kinder ab 6 Jahren, Vol. 1, D. 35 963, con CD, € 29,90, Doblinger, Vienna

Le domande sono interessanti: quanta responsabilità ha un musicista rock? Quando raggiunge il limite in cui la provocazione sconfina in zone tabù, nei cosiddetti "no-gos"? I musicisti rock e pop si sono sempre scatenati in aree precarie - che si tratti di fantasie sessuali apertamente mostrate (i Rammstein in modo eloquente: Piegarsi) o scene cupe di violenza con riferimenti al Terzo Reich (Slayer: Angelo della morte). Ma non tutti i testi vanno presi al valore nominale. Alcuni - vedi i Rammstein - sono ironicamente infranti, altri - vedi gli Slayer - sono deliberatamente inscritti in quello scandalo e non necessariamente a sfondo politico, ma solo per promuovere le vendite. Un grande clamore è una pubblicità. Suscita interesse.

I numerosi fenomeni pop e rock difficilmente possono essere ridotti a un comune denominatore. A questo proposito, l'autore e critico pop Jens Balzer farebbe bene a partire da alcuni esempi selezionati. Ci sono, ad esempio, quei rapper che hanno nel mirino i tardo-adolescenti. "Giovane, brutale, bello xxx" è lo slogan dei rapper Kollegah e Farid Bang. I loro testi sono pieni di sesso, violenza e persino antisemitismo, che ha portato allo scandalo Echo. "Il mio corpo è più definito di quello dei detenuti di Auschwitz", dice la canzone 0815. Altrove rappano: "Fate un altro Olocausto, forza con le Molotov".

Se una cosa del genere possa essere giustificata con il concetto di libertà artistica rimane dubbio. Per Balzer, in ogni caso, tali misfatti sono indice dell'abbrutimento della morale. Egli vede chiari parallelismi tra la musica e la politica odierna, dove siriani, musulmani o ebrei si trovano nel mirino verbale. Per Balzer, la responsabilità del pop significherebbe una consapevole controreazione alla nuova destra, nel senso di testi intelligenti senza frasi fatte, senza frasi ad effetto alla Kollegah. E anche un linguaggio politicamente corretto, come descrive nel caso dell'artista performativo inglese Planningtorock, aperto al diverso, allo straniero nel senso di considerazioni transgender differenziate. "Si tratta", riassume Balzer, "dell'insostituibile speranza che il pop possa darci luoghi e spazi, momenti e opportunità in cui persone magari molto diverse da noi ci incontrino non come concorrenti e avversari, ma come amici".

Il libro di 200 pagine Pop e populismo fa già riflettere. Tuttavia, c'è da chiedersi se il mantello del silenzio non sia un'alternativa migliore della critica, che è facile nel caso dei rapper meno intellettuali, ma che alla fine non porta da nessuna parte. Il pop come fenomeno di massa è di solito superficiale o altamente imbarazzante di per sé. Lo stesso vale per la politica di destra. Anche lì i testi sono "emotivi", ma molto più pericolosi della musica per adolescenti che vogliono solo essere forti.

Jens Balzer: Pop e populismo. Sulla responsabilità nella musica, 206 p., € 17,00, Edition Körber, Amburgo 2019, ISBN 978-3-89684-272-5

Quando si pensa ai concerti solistici di Dvořák, sicuramente si pensa in primo luogo al suo brillante
Concerto per violoncello op. 104, "il concerto perfetto in assoluto", secondo il pianista (!) Rudolf Buchbinder. Il suo unico concerto per pianoforte in sol minore op. 33 è raramente ascoltato nelle nostre sale da concerto. Quali sono le ragioni?

All'epoca, Dvořák aveva già una certa esperienza come compositore nel campo della musica da camera e delle sinfonie. Tuttavia, il suo personalissimo linguaggio tonale si rivela solo parzialmente nei tre movimenti dell'opera. I prestiti da maestri come Beethoven, Chopin, Wagner e Brahms sono ancora inconfondibili. Questo vale in particolare per il primo movimento, mentre il secondo movimento lento rivela già tratti molto personali. Tuttavia, ciò che ha ripetutamente impedito a molti pianisti di includere questo concerto nel loro repertorio è probabilmente la scrittura pianistica scomoda e ingombrante, che in alcuni punti suona incantevole, ma che non consente un'esibizione virtuosistica.

Per questo motivo, circa 100 anni fa, il maestro di pianoforte ceco Vilém Kurz si sentì in dovere di rivedere completamente la parte solistica. Per decenni sembra che sia stata eseguita solo la sua versione. Uno dei primi pianisti a sostenere la versione originale fu nientemeno che Sviatoslav Richter. Ha suonato il concerto molto spesso e lo ha persino registrato nel 1976 con l'Orchestra di Stato Bavarese (sotto la direzione di Carlos Kleiber!).

Robbert van Steijn ha recentemente ripubblicato questa versione originale da Bärenreiter-Verlag, sia la riduzione per pianoforte che la partitura. La prefazione fornisce ogni tipo di informazione illuminante sulla complicata storia della ricezione dell'opera, e Ivo Kahánek aggiunge alcuni consigli molto utili sull'interpretazione e sulla diteggiatura.

Il crescente interesse per il concerto per pianoforte e orchestra di Dvořák negli ultimi tempi non può essere trascurato. La nuova edizione Bärenreiter presumibilmente rafforzerà questa tendenza. András Schiff probabilmente non ha torto quando dice: "Numerosi concerti per pianoforte e orchestra del XIX secolo, che fanno parte del repertorio di molti pianisti - e vengono suonati fin troppo spesso - non sono meno complicati dal punto di vista pianistico, senza raggiungere il lavoro di Dvořák in termini di espressione musicale e capacità compositiva."

Antonín Dvořák: Concerto in sol minore op. 33 per pianoforte e orchestra, Urtext a cura di Robbert van Steijn; partitura, BA 10420, € 59,00; riduzione per pianoforte, BA 10420-90, € 32,50; Bärenreiter, Praga

Questa è l'edizione del trio di Antonín Dvořák più adatta all'uso pratico! Le pagine sono disposte dall'editore in modo tale da non doverle girare fino alla fine del secondo movimento, la carta è di qualità stabile e i numeri di battuta sono posti all'inizio di ogni battuta e non includono il levare. Nessuna delle parti stampate che conosco negli ultimi cinque decenni soddisfa tutti questi criteri allo stesso tempo. La concisa Relazione Critica di questa edizione Urtext testimonia una grande cura. Le differenze tra la partitura autografa e la prima stampa delle parti e della partitura sono segnalate nelle note. La curatrice Annette Oppermann privilegia in ogni caso la soluzione più plausibile. Le parti non contengono alcun dispositivo per l'arco, ma solo le diteggiature originali, che si limitano a occasionali armonici e corde vuote. Questo è un vantaggio anche per gli esecutori!

La storia di come è nato questo gioiello della musica da camera è divertente: nel 1887, uno studente di chimica e musicista dilettante viveva a casa di Dvořák e riceveva lezioni di violino nella sua stanza. Mentre lavorava a commissioni sinfoniche, Dvořák ascoltò i due violinisti e fu ispirato a diventare il terzo violista del loro ensemble. A causa della mancanza di letteratura per questa strumentazione, compose l'opera Tercet op. 74 (il nome originale in ceco) e poco dopo ha consegnato l'opera Drobnosti (inezie). Queste ultime sono state arrangiate dal compositore per violino e pianoforte come Pezzi romantici L'op. 75, tuttavia, è più popolare.

Il nome italianizzante Terzetto L'editore di Dvořák, Fritz Simrock, non volendo esaudire il desiderio del compositore di un titolo ceco in vista del mercato musicale tedesco, diede all'opera 74 in do maggiore un nome tedesco. Il nome tedesco "Terzett", d'altra parte, avrebbe offeso i sentimenti della patria boema di Dvořák.

I suoni che Antonín Dvořák evoca con questo piccolo ensemble sono magistrali! E le richieste strumentali rimangono adeguate al livello di allievi avanzati e dilettanti esperti. Questa edizione facilita inoltre le prove e allontana ogni preoccupazione quando si sfogliano le pagine.

Antonín Dvořák: Terzetto in do maggiore op. 74, per due violini e viola, a cura di Annette Oppermann; parti, HN 1235, € 12,00; partitura di studio, HN 7235, € 8,00; G. Henle, Monaco di Baviera

Da quando Constantin Floros ha scoperto gli indizi criptici della Suite lirica di Alban Berg, che documentano la sua storia d'amore con la sorella di Franz Werfel, Hanna Fuchs-Robettin, non manca l'attenzione alla vedova Helene Berg. Dopo tutto, è sopravvissuta a lui per 41 anni, si è descritta come "vedova di un compositore" alla voce "Professione" nel "Modulo di registrazione per le principali feste residenziali (annuali e mensili)" e si è sentita in dovere non solo di occuparsi del patrimonio del compositore, ma anche di registrare qualcosa della vita di Alban: "Dovete vedere come vive Alban...". Questo è anche il titolo del principale contributo di Daniel Ender nel capitolo "Spazi della memoria". Poiché la prima edizione delle lettere è stata accolta con grande diffidenza, il suo lavoro si è comprensibilmente concentrato sulla costruzione dell'"immagine".

I suoi sforzi per creare una fondazione attiva hanno avuto successo e sono stati riconosciuti. Il suo modo di minimizzare la parte "auto/biografica", invece, ha portato ancora una volta a commenti critici, ma ha anche fatto emergere valutazioni diverse dopo la morte di Helene Berg nel 1976. Il confronto del lavoro archivistico accademico con i "compiti di genere" delle vedove come "educatrici di anime" ereditati dal XIX secolo è tematizzato in diversi contributi. L'invito a rivalutare il comportamento di Helene Berg non viene sollevato solo da Anna Ricke, ma può essere ricavato anche dal già citato contributo di Daniel Ender con il sottotitolo "Berg's living spaces and the staging of the authentic". Nel suo saggio sull'Alban Berg Complete Edition, Martin Eybl ha anche posto la questione del perché Helene Berg non abbia nemmeno preso in considerazione un'edizione del genere nonostante "l'ampio spettro delle sue attività".

Non va dimenticata la ricchezza di interessanti illustrazioni e documenti scritti.

Ricordare - Helene Berg e l'eredità di Alban Berg, a cura di Daniel Ender, Martin Eybl e Melanie Unseld, 210 p., € 29,95, Universal Edition e Alban Berg Foundation, Vienna 2018, ISBN 978-3-7024-7574-1