Niklaus Egg ha studiato tromba all'Università delle Arti di Berna e alla Haute école de Musique de Genève. Da allora ha suonato in diverse orchestre (Orchestre de la Suisse Romande, Orchestre de Chambre de Genève, Bern Symphony Orchestra, Gstaad Festival Orchestra e altre).

Attualmente studia nel programma MAS Arts Management presso l'Università di Scienze Applicate di Zurigo, è amministratore delegato dell'ensemble vocale ardent e dell'ensemble di ottoni UnglauBlech e gestisce diversi progetti artistici e culturali con il suo ufficio di gestione culturale. Dal 1° dicembre 2019 ha assunto la direzione organizzativa e amministrativa dell'Orchestra da Camera di Berna.

Il nuovo centro non ha ancora una sede fissa. Una struttura aperta intende consentire un lavoro al di là dei confini delle discipline scientifiche. Anche gli artisti devono diventare ricercatori, esplorando sistematicamente le possibilità estetiche della loro arte o indagando la loro arte con metodi scientifici e incorporando i loro risultati direttamente nella formazione artistica.

Allo stesso tempo, l'FZM vuole collegare strettamente ricerca e insegnamento e incorporare i risultati del suo lavoro di ricerca direttamente nei suoi programmi di insegnamento. Gli studenti della Hochschule für Musik e dell'università possono già usufruire dei programmi congiunti di musicologia offerti da entrambe le istituzioni. Il passo successivo avverrà nel semestre estivo del 2020: da quel momento in poi, potranno conseguire un diploma di specializzazione in teoria musicale, fisiologia musicale e formazione auditiva presso l'FZM.

Sito web:
https://www.mh-freiburg.de/fzm-landeszentrum/das-fzm

Secondo la giuria, la giovane francese non si è distinta solo per il suo carisma e la sua contagiosa gioia di suonare, ma anche per la sua enorme versatilità negli stili musicali. Lucienne Renaudin Vary si muove con la stessa disinvoltura nella musica classica e nel jazz, ad esempio. Renaudin Vary è la prima donna ad essere insignita di questo premio svizzero.

Il Premio Arthur Waser per giovani solisti eccellenti prevede un premio in denaro di 25.000 franchi svizzeri e viene assegnato ogni due anni dal 2013. Lucienne Renaudin Vary è quindi la quarta beneficiaria di questo premio. Negli anni precedenti sono stati premiati il pianista George Li (2017), il violoncellista Edgar Moreau (2015) e l'organista Sebastian Küchler-Blessing (2013).

Nella valutazione dei candidati al premio di sponsorizzazione sono determinanti i seguenti aspetti: originalità dell'interpretazione, eccellenza strumentale e personalità artistica. Il Premio Arthur Waser non è legato ad alcuno strumento particolare o all'origine nazionale dei musicisti.

Nato in una famiglia di musicisti, Giuliano Sommerhalder ha studiato in Italia e con il padre a Detmold. Ha ricevuto numerosi premi in concorsi internazionali. Nel 2008 è stato ammesso al BBC New Generation Artists Scheme.

Giuliano Sommerhalder si è esibito in tutto il mondo come solista su strumenti moderni e storici: Nella Musikvereinssaal di Vienna, nella Philharmonie di Berlino, nella Wigmore Hall e in altre sedi europee e americane. Dopo aver ricoperto ruoli da solista a Lipsia (Orchestra del Gewandhaus diretta da Riccardo Chailly) e ad Amsterdam (Concertgebouw con Mariss Jansons), Giuliano Sommerhalder è ora tromba principale a Rotterdam sotto la direzione di Yannick Nézet-Séguin e, da questa stagione, sotto la guida di Lahav Shani.

DECCA, harmonia mundi e NEOS hanno pubblicato diverse registrazioni del suo repertorio per tromba solista che spazia dal barocco alla musica contemporanea. Giuliano Sommerhalder vanta già numerose esperienze di insegnamento a livello internazionale, tra cui a Detmold, Rotterdam e Roma, e tiene regolarmente masterclass in tutta Europa, Asia, Nord e Sud America.
 

Il 1° premio della categoria più giovane I (fino a 14 anni) è stato vinto dalla tredicenne tedesca Maya Wichert. Il secondo premio è stato vinto dallo svizzero Raphael Nussbaumer, anch'egli di 13 anni. La vincitrice del terzo premio, la violinista Fiona Khuong-Huu, 12 anni, proviene dagli Stati Uniti.

Nella categoria II (15-17 anni), la 15enne sudcoreana Haewon Lim ha sbaragliato la concorrenza. Si è aggiudicata il 1° premio davanti alla violinista belga di 15 anni Pauline van der Rest (2° premio). Il terzo premio è andato al violinista svizzero Anatol Toth, 16 anni.

Phoenix Avalon ha avuto successo nella categoria III (18-20 anni): il diciottenne americano ha vinto il 1° premio davanti al diciassettenne di Monaco Tassilo Probst (2° premio). Il terzo premio è andato al ventenne violinista giapponese Taichi Miyamoto.

Un totale di 71 partecipanti provenienti da 18 Paesi del mondo si sono recati a Weimar per il 9° Concorso Internazionale Louis Spohr. Dal 23 ottobre si sono sfidati al massimo livello in tre turni per aggiudicarsi premi e premi speciali per un valore complessivo di oltre 17.000 euro.

Foto: Maik Schuck

Anatol Toth

Per 16 anni, Andreas Brenner ha svolto un ruolo decisivo nella formazione della Scuola di Musica di Lucerna in diverse funzioni, scrive la scuola: dal 2003 come docente di teoria musicale e dal 2007 come responsabile dell'Istituto per la Nuova Musica, la Composizione e la Teoria e come membro della direzione del dipartimento. Nel 2017/18 ha ricoperto anche la carica di responsabile dell'istruzione e della formazione ad interim per circa un anno.

Andreas Brenner si trasferirà alla ZHdK come docente di teoria musicale nell'estate 2020. Andreas Brenner lascerà il suo incarico di direttore dell'Istituto di Nuova Musica, Composizione e Teoria della Scuola di Musica di Lucerna nell'estate 2020 e terminerà le sue attività di insegnamento alla fine del semestre autunnale 2019/20.

Dall'età di 16-21 anni, Joseph Joachim compì numerose tournée in Europa come virtuoso del violino e compose variazioni solistiche con orchestra da verbuncoli ungheresi e canzoni scozzesi. Il London Evening Standard ha paragonato Joachim al successore di Paganini, Camillo Sivori. H. W. Ernst scrisse: "... la Fantasia scozzese ... è adatta a dimostrare l'eccellente qualità di stile, meccanica ed espressione che si dice che questo violinista possieda". Nella Il Mattino è stato scritto: "Il signor Joachim ha padroneggiato le difficoltà del pezzo... con un'abilità che rasenta la magia".

Joachim impedì la distribuzione di queste opere, che considerava una garanzia di successo per le sue tournée. L'autografo è stato scoperto nel 1989 nella biblioteca dell'Università di Lodz (Polonia), dove era stato portato via da Berlino nel 1943. - Ora è finalmente in stampa! I temi semplici sono continuamente diminuiti, con passaggi di terza, ottave, cromatismi, arpeggi, salti, staccati e cadenze non accompagnate per terminare in moto-perpetuo - una sfida per i giovani virtuosi.

La dettagliata prefazione in tedesco e inglese di Katharina Uhde, violinista e musicologa attiva a livello internazionale, contiene preziose informazioni sulla prassi esecutiva dell'epoca, compresa quella di Ferdinand David (1810-1873) e dello stesso Joachim: colpi d'arco, doppi stop, portamento, vibrato e rubato. I commenti critici dimostrano una grande cura editoriale. Tra l'altro, Katharina Uhde possiede privatamente materiale orchestrale per i suoi concerti - proprio come il giovane Joachim!

Joseph Joachim: Fantasie über Ungarische Motive, Fantasie über Irische (Schottische) Motive per violino e orchestra, a cura di Katharina Uhde, riduzione per pianoforte e parte di violino, BA 7898-90, € 26,95, Bärenreiter, Kassel

La scena culturale della Turgovia è caratterizzata da associazioni di piccole e medie dimensioni, per lo più gestite da volontari. Solo pochi organizzatori di eventi hanno strutture completamente professionali, con posizioni chiave occupate da esperti. Le associazioni si affidano a volontari impegnati che svolgono le loro attività nel tempo libero o con un piccolo carico di lavoro minimamente retribuito.

In conformità con il concetto culturale del Canton Turgovia, il governo cantonale ha quindi stanziato un contributo del fondo lotteria di 60.000 franchi per l'area prioritaria "Rafforzamento e messa in rete degli organizzatori di eventi nel Cantone". Oltre all'attuale promozione culturale, a partire dal 2020 saranno organizzati incontri regolari di rete per gli organizzatori di eventi culturali.

Questa offerta serve sia per lo scambio di conoscenze e la creazione di reti, sia per la formazione continua degli organizzatori culturali. Con incontri regolari della rete, si crea un forum finora sconosciuto per lo scambio e il trasferimento di conoscenze. Gli incontri si svolgono due volte l'anno in diverse località della Turgovia su vari argomenti e sono aperti a tutti gli interessati.
 

"Uno dei miei principi compositivi è quello di scrivere sempre per gli strumenti, per le voci, persino per il direttore d'orchestra. Per me è importante che i miei esecutori si godano la musica e non siano sovraccaricati in modo assurdo. Questo mi permette anche di raggiungere l'ascoltatore". Questo è ciò che Walter Furrer (1902-1978) disse del suo lavoro nel settembre 1970. A quel tempo, aveva già scritto i suoi principali lavori musico-drammatici: due opere (Il fauno e Naso nano), due composizioni su larga scala per la radio: Il cavaliere grigio e Notte di dicembre e due balletti. Inoltre, numerosi cori, canzoni e cicli di canzoni, nonché opere strumentali come Tre schizzi di diario per grande orchestra, musica da camera per flauto, oboe e quartetto d'archi, musica per archi e musica sacra. Nel 1957 Furrer fondò il coro da camera di Radio Studio Bern, che rimase sotto la sua direzione fino al 1972. All'età di settant'anni, poteva quindi vantare una carriera di grande successo. La sua musica è stata eseguita con grande successo.

Perché Walter Furrer è stato dimenticato dopo la sua morte nel 1978? Ingiustamente dimenticato, secondo la figlia Beatrice Wolf-Furrer, che nel 2014 ha dichiarato che non era più presente nella coscienza pubblica, "sebbene Walter Furrer abbia dato un contributo significativo alla creazione musicale svizzera del XX secolo". Da allora, la dottoressa in lettere ha svolto ricerche in biblioteche, archivi e circoli musicali, ha fondato il "Förderverein Komponist Walter Furrer" a Berna e ora ha pubblicato questo profilo biografico di 70 pagine riccamente illustrate. In breve tempo, l'autrice delinea la vita del padre e mette in luce le tappe fondamentali della sua attività creativa, senza dimenticare che il suo carattere difficile lo ha reso un emarginato già in vita. Il documentario potrebbe dare un impulso alla riscoperta delle opere di Furrer.

Beatrice Wolf-Furrer: Walter Furrer - un compositore svizzero ingiustamente dimenticato. Schema biografico, M & S n. 2506, 70 p., fr. 28.00, Müller & Schade, Berna 2018

La politica culturale svizzera viene discussa, coordinata e sviluppata in seno al Dialogo culturale nazionale (NKD), composto da rappresentanti delle autorità politiche e degli enti di promozione culturale dei Cantoni, delle città, dei Comuni e del Governo federale. Il comitato è stato istituito nel 2011 in risposta alle mutate condizioni socio-politiche, come la globalizzazione, la digitalizzazione e il cambiamento demografico, e al loro impatto sulla vita culturale, sulla politica culturale e sulla promozione culturale.

Questo manuale contiene una valutazione iniziale del suo lavoro in tre parti: Un esame del termine "partecipazione culturale", una discussione dei programmi e dei campi d'azione esistenti e gli approcci per rafforzare la partecipazione in futuro. In 33 contributi di esperti nominati del settore culturale, queste aree sono esaminate da diverse prospettive in tre lingue nazionali. Il manuale è organizzato in modo chiaro, fornisce sia discussioni concettuali che esempi concreti ed è completato da un'ampia bibliografia. I singoli articoli sono preceduti da brevi riassunti.

Asse strategico d'azione
Il Consiglio federale ha definito la partecipazione culturale come uno dei tre assi d'azione strategici del messaggio culturale 2016-2020. Secondo l'articolo di David Vitali dell'Ufficio federale della cultura, la partecipazione culturale è stata collocata come compito trasversale della politica culturale nazionale, il che rende più facile per la Confederazione esercitare un'influenza senza violare la sovranità culturale dei Cantoni. Il maggiore coinvolgimento della Confederazione nella politica culturale non è casuale. Vitali cita diversi requisiti legali che legittimano e obbligano il Consiglio federale. Tra questi, l'art. 27 della Dichiarazione dei diritti dell'uomo dell'ONU sulla libertà della vita culturale; tuttavia, anche l'art. 9a "Partecipazione culturale" della Legge sulla promozione della cultura (2009) e l'art. 67a "Educazione musicale" (2012), che si basa su di essa, contengono chiari mandati per l'intervento della Confederazione in campo culturale.

Rafforzare l'identità
Il documento di posizione del gruppo di lavoro sulla partecipazione culturale del NKD, riportato nell'appendice del manuale, fornisce informazioni fondamentali sul tema, il punto di partenza e la definizione del termine. Il documento pone la partecipazione culturale sullo stesso piano della partecipazione politica, economica e sociale e la intende come parte di "un processo a più livelli, interconnesso, dinamico e quindi non conclusivo" (p. 355). Le opportunità di partecipazione dovrebbero essere aumentate e diversificate separatamente in ciascuna delle quattro aree, in modo che - secondo la tesi - possano a loro volta interagire meglio.

La partecipazione è sinonimo di coinvolgimento della popolazione nella vita culturale del nostro Paese, crea identità, contribuisce all'"inclusione e alla coesione" e mira a contrastare la "polarizzazione della società". È quindi nell'interesse dello Stato e della società che il maggior numero possibile di persone sia in qualche modo coinvolto culturalmente, sviluppi la propria identità culturale e contribuisca così alla diversità del Paese.

A prima vista, questa pubblicazione sembra avere un taglio più regionale, concentrandosi sulla cultura organistica del nostro vicino paese orientale, che oggi occupa probabilmente un posto marginale nella musica sacra e nella vita concertistica svizzera. Tuttavia, diventa subito evidente che i quattro contributi di tre docenti dell'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna sono davvero di grande interesse.

L'attenzione si concentra sull'organista, compositore e insegnante di organo viennese Anton Heiller (1923-1979), che non solo ha formato e influenzato un gran numero di organisti svizzeri durante i suoi anni di insegnamento, ma è stato anche molto legato al nostro Paese attraverso le sue attività concertistiche e le sue registrazioni. Nel suo articolo in tre parti, Roman Summereder inizia con una breve ma affascinante panoramica della composizione organistica del XX secolo, che include anche tendenze e nomi di compositori meno noti, spostando così fortunatamente l'attenzione dalle opere organistiche francesi, spesso molto dominanti.

Dopo aver tratteggiato la biografia e l'estetica di Heiller, Summereder presenta l'intera opera organistica con brevi descrizioni analitiche, informazioni sul contesto delle opere e sulla loro storia fino alle edizioni e alle eventuali correzioni ed errori di stampa. La terza parte tratta dell'interprete Heiller, e non, come ci si potrebbe aspettare, in relazione a Bach, ma alle opere di Max Reger, Franz Schmidt e Paul Hindemith. Una riproduzione in facsimile della Fantasia corale di Reger Svegliati, la voce ci chiama con le registrazioni per l'organo Rudigier della Cattedrale di Linz illustra l'approccio di Heiller di trasferire l'opera su uno strumento "non familiare"; il risultato si può ascoltare nel CD allegato, così come un altro lavoro e la nota improvvisazione su Ave Maris Stella. Informazioni preziose sulla prassi di registrazione di Heiller nelle sonate per organo di Hindemith permettono di trarre conclusioni sul lavoro tra esecutore e compositore e sull'approccio di Hindemith all'organo.

Successivamente, due testi di Wolfgang Kreuzhuber fanno luce sulla storia e sull'estetica dell'organo Marcussen della Cattedrale di Linz e sul relativo cambiamento di suono in un Paese che per un periodo relativamente lungo è rimasto fedele a un suono d'organo tardo-romantico. Utilizzando l'esempio dell'organo di Sant'Orsola a Vienna (1968) e dei suoi modelli, Peter Planyavsky approfondisce questo tema nel capitolo finale.

Conclusione: una pubblicazione straordinariamente interessante che fornisce una grande quantità di informazioni su quel Partenza dei suoni (questo è il titolo di un'altra pubblicazione di Roman Summereder, Edition Helbling 1995, di cui si consiglia la lettura), che ha dato impulsi decisivi alla cultura organistica anche al di fuori dell'Austria, e soprattutto in Svizzera.

Organum XX. Stazioni della cultura organistica austriaca nel XX secolo, volume 4 della serie "Wiener Beiträge zu Orgel und Kirchenmusik", pubblicato dall'Istituto per l'organo, la ricerca organistica e la musica ecclesiastica dell'Università di musica e arti dello spettacolo di Vienna, 2018. 224 p., incl. CD audio, € 35,00

Purtroppo Beethoven ha una cattiva reputazione per quanto riguarda la cantabilità delle sue opere. Troppo alto, troppo forte, troppo veloce sono i pregiudizi comuni, che si basano sul fatto che le sue opere sinfoniche corali come la Nona Sinfonia o la Missa solemnis pongono esigenze molto elevate agli esecutori. Tuttavia, bisogna anche tenere presente che i registri estremamente alti non rappresentano un'incapacità tecnica, ma un deliberato calcolo compositivo che trascende i confini. La sua Messa in do maggiore op. 86, ad esempio, è altrettanto vocale delle grandi messe di Haydn o Mozart. In termini di quantità, tuttavia, la musica corale di Beethoven è purtroppo molto scarsa rispetto a quest'ultimo.

Carus-Verlag, in collaborazione con l'Associazione corale tedesca e con Jan Schumacher come editore, ha ora pubblicato un album per il prossimo anniversario di Beethoven nel 2020 (250° anniversario della sua nascita). Libro di cori Beethoven è stato pubblicato. Oltre alle prime opere a cappella poco conosciute e alle versioni per pianoforte del suo repertorio sinfonico corale, contiene arrangiamenti sacri e profani della musica di Beethoven di tre secoli. Tra questi figurano interessanti arrangiamenti di compositori contemporanei di Beethoven, alcuni curiosi arrangiamenti di compositori del nostro tempo (è davvero necessario Per Elise come pezzo corale Alleluia?) e anche nuove composizioni commissionate da Carus, come un riuscito canone quodlibet di Gunnar Eriksson. Nel complesso, questo libro corale è un'interessante aggiunta al repertorio e un tesoro.

Come la Messa in si minore di Bach o la Messa in do minore di Mozart, che sono rimaste un frammento, la Messa in si minore di Beethoven è un frammento. Missa solemnis è una delle più grandi opere sacre di tutti i tempi. Richiede requisiti molto elevati agli esecutori, va al di là del quadro liturgico e difficilmente può essere utilizzata per un servizio in chiesa. Alcune idee compositive innovative per l'epoca includono l'ampio respiro vocale e l'incommensurabile intensità del canto. Gloria in excelsis Deol'unico Et incarnatus est con il flauto solista che respira la linfa vitale, la conclusione mistica della Et vitam venturi saeculi con gli interminabili richiami di Amen, il violino solista che fluttua tra cielo e terra Benedictus e il Agnus Dei, che raffigura una scena di guerra con l'imponente assolo dei timpani e mette in musica l'esplicito appello di Beethoven alla "pace interiore ed esteriore".

Bärenreiter Verlag ha pubblicato il libro Missa solemnis in un'edizione esemplare e altamente raccomandata. La nuova edizione Urtext dell'opera tiene conto di tutte le fonti, comprese le vecchie e le nuove edizioni complete. Il rinomato specialista di Beethoven Barry Cooper giunge a letture diverse in diversi punti, per esempio nel Sanctusin cui il coro entra al posto dei solisti e non solo nel Pleni sunt coeli. Degna di nota è anche l'inclusione di solisti oltre al coro nella maggior parte del programma. Credenze. Questi fatti e numerose decisioni editoriali sono documentati nel dettagliato Rapporto critico.

Beethoven-Chorbuch, 41 opere corali SATB; volume per direttori di coro con CD, CV 4.025, € 33,90; libro per coro, CV 4.025/05, € 12,80; Carus, Stoccarda 2019

Ludwig van Beethoven: Missa solemnis op. 123, a cura di Barry Cooper; partitura, BA 9038, € 98,00; riduzione per pianoforte, BA 9038-90, € 13,50; Bärenreiter, Kassel 2019

"Schweizer Fonogramm": il nome dell'ultima etichetta svizzera di CD promette molto. Evoca associazioni con i bei tempi andati, quando le registrazioni erano la misura artistica di tutte le cose e Glenn Gould poteva profetizzare la fine dei concerti di musica classica. Sì, qualcuno sta evocando registrazioni elaborate, interpretazioni accuratamente elaborate in studio. E i due fondatori dell'etichetta, la direttrice d'orchestra Graziella Contratto e il violinista e ingegnere del suono Frédéric Angleraux, lo fanno con un chiaro impegno nei confronti della vita musicale svizzera.

Nelle prime due uscite, questo legame con la Svizzera non è forse ancora così chiaramente tangibile, ma gli stessi direttori artistici si presentano come interpreti di alto livello. Su doppio-je Angleraux esegue in duo sonate per violino di Prokofiev, Honegger e Ysaÿe insieme a Raphaël Oleg. L'interazione tra i due è particolarmente sorprendente. I due fondono il suono dei loro violini con facilità, per poi separarsi di nuovo in modo netto poco dopo. Una registrazione del repertorio meno noto che vale la pena di ascoltare.
 

E Graziella Contratto presenta nel CD Titänli insieme al Mythenensemble Orchestral versioni da camera della prima sinfonia di Mahler e del brano orchestrale di Zemlinsky I fiori di maggio sono sbocciati ovunque. Gli arrangiamenti di Klaus Simon si rivelano un'opportunità per tutti i partecipanti. I membri dell'ensemble vengono messi in risalto più che nella grande orchestra e hanno la possibilità di mostrare le loro qualità solistiche. Contratto riesce a mantenere il carattere sinfonico dell'opera nonostante la strumentazione ridotta. A questo contribuisce, naturalmente, anche la produzione di Angleraux, che offre un suono nitido e molto vicino ai singoli strumenti. C'è quindi molto da scoprire in questa registrazione. Infatti, se la prima opera di Mahler in questa versione - non molto sorprendentemente - ha un po' meno potenza orchestrale, la migliore udibilità e, in alcuni punti, vari passaggi più fortemente accentuati offrono una nuova prospettiva dell'opera.

Le edizioni enciclopediche sono un segno di anzianità. Di solito hanno un peso considerevole (sia in senso reale che figurato), ma vengono anche proposte al pubblico a prezzi relativamente vantaggiosi, a patto che l'editore sia in vena di festeggiamenti. È un onore speciale quando un pacchetto di questo tipo riguarda l'opera di un compositore vivente. In occasione dell'85° compleanno di Krzysztof Penderecki (il 23 novembre 2018), Schott-Verlag ha pubblicato un cofanetto contenente le partiture di studio delle Sinfonie nn. 1-8.

Composti tra il 1972/73 e il 2008/17, descrivono l'opera di questo compositore in costante mutamento stilistico: dalla ricerca del suono attraverso i cluster cromatici al neoromanticismo innocuo. La designazione di genere rappresentativo si impone ancora una volta - e questo nonostante il fatto che le ultime opere siano state concepite come una serie di canzoni (basate su testi di Hans Bethge, modelli latini o poesie in lingua tedesca sulla caducità). È sorprendente vedere il percorso che Penderecki ha intrapreso nei decenni qui registrati e dove c'erano evidenti aree problematiche. Questo vale soprattutto per la Sesta Sinfonia (Canzoni cinesi), la cui data di composizione è indicata come 2008/2017, mentre la Settima Sinfonia era già stata completata nel 1996. Questo rivela anche ciò che manca alla fine dell'imponente pubblicazione: un saggio, un piccolo documentario, suoni originali significativi. Come queste parole: "Quando scrivo sinfonie, l'architettura dell'insieme è la cosa più importante". (citato da BR Klassik)

Krzysztof Penderecki: Sinfonie n. 1-8, partiture di studio in astuccio, ED 23098, € 99,00, Schott, Mainz