All'inizio del 2018, l'organizzazione di protezione civile di Winterthur si è separata dal suo fiore all'occhiello, la ZS Big Band Winterthur. Lo scrive in una lettera l'Orchestra Reto Parolari (ORP). Da 25 anni collabora con la ZS Big Band, sia nell'ambito del festival U-Musik che in concerti congiunti.

L'ORP vorrebbe conservare l'ex-ZS Big Band nella sua forma attuale con il nuovo nome di ORP Big Band. Tuttavia, non può farlo con i propri fondi. Per questo motivo ha lanciato una campagna di raccolta fondi e spera in una buona volontà e in un grande sostegno.
Il prossimo spettacolo è previsto per novembre 2019 con il titolo "Una serata al circo".

Ulteriori informazioni e contatti via www.orchester-retoparolari.ch
 

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Lo Zurich Center for Creative Economies (ZCCE) sarà un centro di eccellenza internazionale nella ricerca, nell'insegnamento e nella consulenza. La ZHdK si è posizionata con successo in questo campo da circa 15 anni. La ZKB finanzia l'iniziativa con un totale di 1,9 milioni di franchi svizzeri per i prossimi sei anni. Ciò consentirà di collegare le iniziative esistenti dello ZHdK e di istituire una cattedra, un programma di borse di studio senior e programmi di sostegno per start-up e spin-off all'interfaccia tra studi e mercato del lavoro.

Se lo ZCCE si affermerà con successo, la ZKB sosterrà l'università con ulteriori contributi per un totale di 1 milione di franchi fino al 2024. Il presupposto è che vengano acquisiti altri partner e finanziamenti. La ZHdK sottolinea che la partnership tra la ZKB e la ZHdK "non pregiudica in alcun modo la libertà di insegnamento e di ricerca". La libertà accademica è stata affermata contrattualmente. Il Consiglio dell'Università di Scienze Applicate di Zurigo ha approvato la collaborazione.

Le industrie creative combinano settori sostenibili e costituiscono una parte importante del mercato del lavoro per i laureati della ZHdK. È quindi di importanza strategica per l'università. Con aziende innovative e una scena dinamica di start-up, Zurigo è riconosciuta a livello nazionale e internazionale come un hotspot per le industrie creative. Circa un terzo del valore aggiunto svizzero viene creato nel Cantone di Zurigo.

Il Rhön-Klinikum Campus Bad Neustadt e il Centro universitario svizzero di fisiologia musicale SHZM vi invitano al primo evento di formazione congiunto per musicisti che si terrà il 24 e 25 maggio 2019 a Bad Neustadt. L'evento sarà incentrato su workshop pratici sul lavoro corporeo di gruppo e sulla gestione dello stress nella vita lavorativa quotidiana di un musicista. Saranno inoltre presentate e discusse nuove strategie per la prevenzione e il trattamento di problemi specifici della professione. Il nuovo modello di cooperazione "Salute al Teatro di Meiningen" sarà presentato come un progetto di apprendimento interdisciplinare. Il volantino dell'evento può essere scaricato al link

https://www.campus-nes.de/presse-aktuelles/veranstaltungen/fort-und-weiterbildungen.html

Il 62% di coloro che hanno risposto al sondaggio utilizza regolarmente recensioni musicali professionali. Quattro amanti della musica su cinque ritengono che le recensioni debbano essere costruttive, rispettose, aperte e imparziali. Ci si aspetta anche una valutazione fondata. Circa due terzi degli appassionati di musica classica amano leggere confronti con altre registrazioni e altrettanti si lasciano convincere da una descrizione chiara e avvincente.

Al sondaggio online condotto dal team di ricerca dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna e dell'Università di Sheffield, pubblicato su piattaforme web in lingua tedesca e inglese tra gennaio 2017 e marzo 2018, hanno risposto 1.200 persone di 62 Paesi diversi che ascoltano musica classica regolarmente o occasionalmente, di età compresa tra i 17 e gli 85 anni.

Per saperne di più: https://www.hslu.ch/de-ch/hochschule-luzern/ueber-uns/medien/medienmitteilungen/2019/01/28/rezensionen-spielen-grosse-rolle-fuer-liebhaber-klassischer-musik/

Quando il Quartetto per archi op. 80 in fa minore viene esaminato più da vicino come prima opera e porta alla domanda "Perché il genere minore predomina così vistosamente nell'area strumentale (...)", l'autore si muove nell'area della sua precedente pubblicazione del 2015, Musica e saluti. Lì aveva unito intuizioni sorprendenti in una serie di opere che vanno dal Medioevo al presente sotto il comune aspetto della morte. L'Opera 80 di Mendelssohn ci irrita per la sua spietatezza nei confronti della forma; fu composta poco dopo la morte della sorella Fanny - e pochi mesi dopo morì anche lui. Con questa struttura, Gülke vuole contrastare fin dall'inizio la critica di "perfezionismo" e "levigatezza" che ancora oggi viene rivolta a Mendelssohn nelle descrizioni delle sue opere. E conclude questa sezione con la frase: "Questa morte precoce è anche una delle catastrofi della storia della musica".

Gülke non si sottrae alle domande, anzi le provoca immediatamente quando non è con l'ottetto e con la musica per la Sogno di una notte di mezza estate Il compositore non prosegue con le opere oggi popolari e riconosciute, ma utilizza la Sonata per pianoforte op. 6 e il Quartetto per archi op. 13 del non ancora ventenne per indicare riferimenti indipendenti a grandi modelli. Il suo talento nell'analizzare e al tempo stesso descrivere vividamente il corso della musica si dimostra anche quando si limita "solo" a dettagli (per lui) vistosi, che però portano sempre a un'illuminante intuizione individuale.

Con la criptica citazione di Schumann come sottotitolo, che completa già nella prima pagina: "È il Mozart del XIX secolo, il musicista più brillante che vede attraverso le contraddizioni del tempo più chiaramente e le riconcilia per primo", Gülke pone al centro il significato del compositore per il periodo del "Romanticismo". Allo stesso tempo, sottolinea le difficoltà nel valutare la sua opera nel suo complesso e la sua biografia: "Mendelssohn rimane una patata bollente".

La situazione familiare privilegiata, il sensazionale talento precoce dei fratelli Fanny e Felix, l'incoraggiamento unilaterale del ragazzo e il relativo blocco della creatività della sorella sono presentati in modo non abbellito, così come le numerose opere sacre di Felix, che dovevano dimostrare la serietà della sua conversione al cristianesimo, ma che si sono poi concretizzate con i due oratori San Paolo e Elias ma ha dimostrato di non voler favorire nessuna delle religioni - dalla sua Sinfonia della Riforma ha preso le distanze e non li ha resi disponibili per la stampa.

Il capitolo più ampio, "Im schönen Zugleich von Kunst und Religion" ("Nella bella simultaneità di arte e religione"), si concentra su quest'area della musica sacra, dove Gülke vuole individuare le contraddizioni in modo più chiaro: "Molte composizioni, complementari al Sinfonia della Riforma e al Inno di lodesembrano tentativi di minare la distinzione spirituale/secolare dal lato secolare". E altrove: "In nessuna opera di Mendelssohn la ricezione e il giudizio si contraddicono così acutamente come nella musica sacra". Gülke dedica quindi le analisi più dettagliate ai due oratori, ma sottolinea: "Cercando di ascoltare il più profondamente possibile la musica di Mendelssohn, rischiamo di capirlo diversamente da come voleva essere capito".

Peter Gülke: Felix Mendelssohn Bartholdy, "Der die Widersprüche der Zeit am klarsten durchschaut", 139 p., con illustrazioni e bibliografia, € 29,99, Bärenreiter/Metzler, Kassel/Stuttgart 2017,
ISBN 978-3-7618-2462-7

Nuovo di zecca e già con evidenti segni di utilizzo! Non che l'abbia letto tutto in una notte, ma ho tirato fuori questo libro più volte, l'ho letto capitolo per capitolo, l'ho consultato. Non si tratta di una storia della musica convenzionale, che raccoglie i fatti in modo chiaro e conciso e li fissa in modo un po' troppo chiaro, ma di una lettura. Non si tratta solo di avere una solida conoscenza (che è un prerequisito necessario), ma almeno altrettanto della selezione fatta e di come le parti sono combinate e presentate. Trasmettere la storia della musica sulla base delle ultime scoperte, in modo soddisfacente per gli intenditori ma anche comprensibile per i non addetti ai lavori, è un'arte. Un team guidato dai due curatori Tobias Bleek e Ulrich Mosch ci accompagna in un viaggio attraverso dodici secoli, dall'800 al 2000, partendo dall'antichità fino ai tempi recenti. È inclusa anche la musica pop 2.0, così come il nostro mutato comportamento di ascolto.

Fermiamoci qui brevemente su quella stravagante ars subtilior intorno al 1400, che fu presto sostituita da toni inglesi più dolci. Il libro non ce la presenta come un manierismo senza speranza, ma come una musica che cercava di esprimere sfumature emotive e creative attraverso i mezzi della notazione, della costruzione e dell'intertestualità - in un momento in cui l'Europa e, soprattutto, la Chiesa erano divise. Tutto questo è raccontato in modo vivido, fortunatamente con il coraggio di raccontare un aneddoto illuminante, perché la storia della musica è fatta anche di storie. Le illustrazioni non solo illustrano, ma completano. Gli inserti delineano i termini tecnici e sottolineano ulteriori dettagli. Ogni insegnante troverà qui molto materiale e ispirazione. La cosiddetta U-music compare così come, meno frequentemente, la musica extraeuropea. Allo stesso tempo, vengono presi in considerazione anche gli aspetti sociologici, politici, mediatici e tecnici della musica. Infine, c'è anche un capitolo sulla distribuzione della musica su Internet. L'unico inconveniente è che la carta è piuttosto pesante e ha un odore un po' forte. Ma per il resto il libro è caldamente consigliato.

Tobias Bleek / Ulrich Mosch (a cura di): Musica. Un viaggio attraverso 12 secoli, 397 p., numerose illustrazioni, € 34,95, Bärenreiter/Henschel, Kassel/Lipsia 2018, ISBN 978-3-7618-2233-3

Perché non familiarizzare con le suite per clavicembalo del tardo barocco, che non possono competere con quelle di Bach e Handel? Non c'è dubbio che questo genere si sia estinto dopo il 1740 e non sia stato più utilizzato nella musica per fortepiano, ma anche i pianisti traggono vantaggio dalla conoscenza di questa letteratura, che probabilmente faceva ancora parte del repertorio dei cosiddetti classici successivi. Fa quindi scalpore la scoperta di 26 suite (Parthien) finora sconosciute di Gottlieb Muffat (1690-1770), organista viennese e insegnante di musica imperiale, figlio del violinista e organista Georg Muffat (1653-1704), nel patrimonio della Singakademie di Berlino, restituite da Kiev nel 2001.

Il clavicembalista Glen Wilson ne ha pubblicati cinque per la prima volta; un sesto era già disponibile nell'edizione di Christopher Hogwood (Ut Orpheus, 2009). Ciò dimostra che vale la pena studiare questo compositore, finora riconosciuto soprattutto grazie alle sue opere pubblicate nel 1739 con il titolo di Componenti musicali stampato otto suite. Le sei nuove suite, che sono sopravvissute solo in forma di manoscritto, possono competere in termini di stravaganza, portata e requisiti tecnici con le Componenti ma in essi Gottlieb Muffat si dimostra anche un esperto dei vari linguaggi musicali dell'epoca, che integra nei suoi preludi, movimenti di danza e pezzi di carattere.

Dobbiamo essere grati all'editore per l'attenta trattazione degli ornamenti di Muffat nella prefazione e nel testo principale, che contribuiscono notevolmente all'effetto brillante di questi brani. La maggior parte degli esecutori avrebbe probabilmente bisogno di un aiuto simile per quanto riguarda la disposizione dei finali e l'inserimento delle cosiddette "petites reprises", che richiedono soluzioni che non si trovano necessariamente nelle note. Muffat era noto per la sua coerente divisione della notazione tra le due mani o pentagrammi. Fortunatamente, Wilson ha mantenuto questa divisione nelle chiavi moderne (G2 invece di C1). Tuttavia, rimane problematico quando due figure ritmicamente identiche nella stessa battuta occupano una quantità ineguale di spazio nell'incisione moderna (ad esempio nel Balletto della Suite in la minore) e le note che non sono suonate simultaneamente sono quasi direttamente l'una sopra l'altra in entrambi i pentagrammi (ad esempio Adagio, Allemande della Suite in re minore). La stampa originale dell'opera di Muffat Componenti musicali ci avrebbe insegnato come stampare la musica in modo bello e facile da usare ancora oggi.

Gottlieb Muffat: Sechs Suiten für Cembalo (Clavier), Erstausgabe, hg. von Glen Wilson, EB 8904, € 26.90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden, 2017

Con "Bestiaire" per clarinetto e pianoforte, il clarinettista, insegnante di musica e compositore francese Alexis Ciesla ha creato un'opera versatile e affascinante per principianti avanzati. L'opera, in tre movimenti, affascina per il suo linguaggio musicale accessibile, che si avvale di un'ampia varietà di stili e tecniche e le utilizza abilmente. Il primo movimento, "Klapperschlange", gioca con la scala minore armonica e utilizza tecniche come i trilli e il flutter tonguing o una notazione speciale per una figura di tre note in accelerazione. Entrambi gli esecutori devono creare una breve cadenza. Il secondo movimento, intitolato "Koi Carp", con il suo scintillante accompagnamento in semicrome del pianoforte, si basa sulla musica giapponese e richiede a entrambi gli esecutori di creare un disegno musicale fluente con lunghi archi melodici. Come tecnica speciale, il clarinetto incorpora una nota che termina come nota aerea. "Foxes" è il titolo del terzo movimento e sta per un vivace e allegro foxtrot swing. Sebbene l'intero movimento sia interamente composto, nella sezione centrale il compositore dà al clarinettista la possibilità di scegliere di suonare un'improvvisazione di 16 battute, specificando la scala appropriata.

Mentre il primo e il secondo movimento offrono ampie possibilità di interpretazione musicale con articolazioni differenziate, dinamiche varie e lunghi archi di fraseggio, il terzo movimento si concentra soprattutto sulla precisione nella realizzazione ritmica e sul fraseggio swing.

Alexis Ciesla: Bestiaire per clarinetto e pianoforte, ADV 8117, € 18,95, Advance Music (Schott), Mainz 2017

Henle-Verlag ha recentemente pubblicato le opere più importanti della letteratura per corno di Mozart, Beethoven, Schumann e altri in edizione Urtext. L'edizione recentemente pubblicata del Morceau de Concert di Camille Saint-Saëns è, come le precedenti, ottimamente curata e accompagnata da una prefazione dell'editore Dominik Rahmer, che fornisce informazioni dettagliate sulle peculiarità del brano. È stato composto nel 1887, all'epoca del passaggio dal corno naturale al corno a valvole, e ha quindi un significato storico-strumentale. Per i compositori e i suonatori di corno dell'epoca non fu facile dire addio al corno naturale e il passaggio al corno a valvole fu agevole. Henri Chaussier, il cornista della prima, progettò quindi uno strumento in cui un blocco di valvole era montato sul corno naturale. Questo gli ha permesso di passare al corno a valvole all'interno del brano. Chaussier ha tenuto introduzioni molto dettagliate prima dei concerti per aiutare gli ascoltatori a comprendere questo sistema. I risultati di questa prassi esecutiva possono o devono essere presi in considerazione anche sui nostri strumenti moderni.

Camille Saint-Saëns: Morceau de Concert in fa minore op. 94 per corno e pianoforte, a cura di Dominik Rahmer, HN 1284, € 13,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Il sestetto fu composto nel 1924 per il 70° compleanno di Janáček. Mládí als Suite in der seltenen Besetzung für Flöte, Oboe, Klarinette, Bassklarinette, Horn und Fagott. Das in der tschechischen Musik stark verwurzelte klassische Bläserquintett erweiterte er also um die Bassklarinette, die zwar einen ähnlichen Tonumfang aufweist wie das Fagott, aber zu einer ganz eigenwilligen, zwischen lärmender Rauheit und geheimnisvollem Raunen changierenden Vielfarbigkeit fähig ist und hier ein noch stärker eingedunkeltes Fundament in das Werk einbringt. Die Register teilen sich nun in ausgewogene je zwei diskante, mittlere und tiefe Lagen. Die charakterstarken Einzelinstrumente mit ihren in den Übergangsbereichen der Register oszillierenden Tonschwebungen tragen viel zur Faszination dieses Werkes bei, das immer wieder an die Anfangspassagen von Sacre du Printemps dove dominano gli stessi strumenti.

Trasferire questa partitura nel mondo piuttosto monocromatico del quartetto d'archi, con il suo suono omogeneo, è un rischio, come riconosce autocriticamente l'arrangiatore, il compositore Kryštof Mařatka. È giusto dire che quest'opera insolita ma ottimamente realizzata è un pezzo nuovo, che a sua volta ha molto in comune con Janáček e i suoi quartetti d'archi originali. Il primo quartetto, Sonata Kreutzer, è stato creato nel 1923 prima Mládíla seconda poco prima della morte di Janáček. In entrambe, Mařatka utilizza tecniche strumentali e musicali che non hanno nulla da invidiare ad altri compositori e che rendono queste opere delle icone del modernismo classico espressionista. Va da sé che Mařatka ha studiato a fondo queste partiture e si è persino preso la libertà di incorporare alcune delle tecniche che ha trovato nei suoi arrangiamenti per archi, anche se il materiale di partenza per strumenti a fiato naturalmente non le contiene. Questa libertà di trasformazione può essere criticata, ma permette di avvicinare il brano all'estetica dei quartetti per archi e di conferirgli un'originalità che si rifà a Janáček. Fortunatamente, oggi tali esperimenti non sono più disapprovati per principio e aggiungono un nuovo "piccolo" membro della famiglia al canone dei quartetti di Janáček che vale la pena ascoltare.

Leoš Janáček: Mládí / La gioventù, arrangiato per quartetto d'archi da Kryštof Mařatka; parti, BA 11543, € 19,95; partitura di studio, TP 521, € 19,95; Bärenreiter, Praga 2017

Il compositore basilese Ernst Levy (1895-1981) divenne inizialmente molto noto come bambino prodigio del pianismo. Nella prima metà del XX secolo era addirittura considerato uno dei pianisti più importanti. Fu riconosciuto anche come teorico musicale, ma la sua produzione compositiva, che comprende 15 sinfonie e numerosi brani di musica da camera e opere per pianoforte, fu poco apprezzata. Negli Stati Uniti intraprese la carriera universitaria come professore di pianoforte, il che significa che non fu costretto a comporre in modo particolarmente orientato al mercato e a curare l'esecuzione delle sue opere. Il Sonata per flauto e pianoforte fu creato da Levy nel 1932, ma fu eseguito per la prima volta solo nel 1939 in un concerto alla Carnegie Hall di New York con lo stesso compositore al pianoforte.

La sonata in un solo movimento, che dura poco meno di 17 minuti, contiene la classica struttura in tre movimenti nell'ordine veloce-lento-veloce ed è tipica dello stile compositivo di Levy, che descrive così: "La caratteristica principale di una sonata, che è insita nel suo concetto, è quella del divenire, dello sviluppo. Alla fine di un'opera non siamo, per così dire, gli stessi che eravamo all'inizio".

Dopo un elegiaco assolo di flauto all'inizio, si ascolta un avvincente motivo di terzine, accompagnato da terzine pulsanti del pianoforte. Seguono cantilene in entrambi gli strumenti, che si intrecciano e si imitano a vicenda. È interessante il fatto che il metro di 4/4 scritto all'inizio venga costantemente cambiato, tanto che, come lo descrive il curatore Timon Altwegg, sembra presto uno scherzo ironico e ne emerge un "organismo musicale in continuo cambiamento, quasi inalante ed esalante". Al centro della sonata segue una sezione lenta con delicati passaggi pianistici e una cantilena del flauto, accompagnata solo sporadicamente da accordi. Si giunge così a un'audace sezione finale intitolata "Vivo e leggiero", in cui il motivo d'apertura si fa sentire nuovamente nel flauto poco prima della fine del brano.

Con questa sonata, Ernst Levy ha creato un'opera interessante e stratificata che merita un posto nei programmi concertistici di oggi.

Ernst Levy: Sonata per flauto e pianoforte, a cura di Timon Altwegg, prima edizione, BP 2803, € 14,00, Amadeus-Verlag, Winterthur 2017

Soprattutto se non abbiamo molta esperienza con l'improvvisazione, troviamo difficile integrare questo campo di apprendimento enormemente arricchente nelle nostre lezioni. Tuttavia, la serie di Thomas Silvestri Pianoforti-amplificatori per l'improvvisazione (Vol. 1-3) mi ha fornito un materiale meraviglioso che mi ha dato molti nuovi impulsi e idee per le mie lezioni. I brani sono tutti basati interamente sulla sua pratica didattica e offrono solo la quantità di teoria esplicita necessaria per iniziare a suonare rapidamente. Nei libretti sono presentate brevi figure di basso ostinato (vamps), che possono essere improvvisate. Le scale corrispondenti (maggiore, minore, scala blues, scala pentablues ecc.) sono volutamente elencate separatamente nell'ultima parte dei libretti, con l'intenzione di memorizzarle prima e farle proprie. Ci sono anche molti "pattern" tipici, che devono essere praticati come elementi costitutivi e che possono essere successivamente incorporati nell'improvvisazione. L'obiettivo è quello di costruire un repertorio di frasi ben suonate e di prendere confidenza con le diverse tonalità nel corso del tempo. Raccomandiamo anche i suggerimenti su come i singoli tasti possano essere praticati non solo come una cosiddetta "scala", ma anche come, usando il modello della tastiera come guida, si possa partire da qualsiasi nota per trasporre diatonicamente piccoli motivi, intervalli o accordi specifici della scala, ad esempio. Di conseguenza, le scale sono sempre più viste come un "serbatoio di toni" che inizia da qualche parte e finisce da qualche parte, come avviene naturalmente quando si improvvisa.

Anche con www.silvestrimusic.ch sono stati pubblicati Melodie jazzistiche per pianoforte soloin versioni per principianti e avanzati. Si tratta di raccolte di brani pianistici "jazzistici", molti dei quali con una sezione di improvvisazione. Il libretto della fascia di difficoltà intermedia (Intermediate Vol.1), ad esempio, oltre ai brani offre numerosi suggerimenti su scale e pattern. L'autore mostra anche come creare uno schizzo di improvvisazione con passaggi annotati e liberi. I singoli brani possono essere ascoltati come campioni audio utilizzando un codice QR.

Thomas Silvestri: Piano-Vamps for Improvising Vol. 1, Blues, Funk, Jazz, Valse, Tango, Pop, Bossa, Classic, Choro, Flamenco ... e altro; libretto Fr. 20.00; PDF Fr. 10.00; autoprodotto da Thomas Silvestri, www.silvestrimusic.ch

I chitarristi Raoul Morat e Christian Fergo hanno studiato con Frank Bungarten all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, dove hanno anche unito le forze per formare un duo di chitarre. La formazione in duo può aprire allo strumento molta più letteratura pianistica rispetto alla chitarra solista, per una ragione ovvia: poiché il chitarrista solista ha solo una mano per produrre il suono - deve accorciare le corde con l'altra - gli manca la ricchezza armonica e contrappuntistica della letteratura pianistica a due mani. Tuttavia, due chitarre assicurano una riproduzione senza perdite della scrittura pianistica. I due si sono già cimentati con le opere di Schubert nel 2016, quando hanno eseguito una Viaggio d'inverno-ciclo sono stati realizzati. Quindi ora Impromptus, Moments musicaux e Valses sentimentales, che sarà piaciuto a molti chitarristi. Uno dei Momenti musicali era già stato arrangiato dall'importante chitarrista Francisco Tarrega nel XIX secolo. Ora Morat e Fergo presentano un'intera raccolta di questi brani di carattere, probabilmente non del tutto casualmente su un'etichetta austriaca chiamata Challenge Records.

All'inizio si è un po' spaventati: il primo Improvvisazione dall'Op. 90 di Schubert inizia nell'originale con una quadrupla ottava di sol in fortissimo. Questo suona piuttosto patetico su due chitarre. Tuttavia, più il duo chitarristico Morat-Fergo si fa strada nel testo musicale, più si viene coinvolti nel vortice della musica e si rimane sempre più affascinati. Le chitarre hanno a disposizione un'infinità di tecniche sonore, armonici, vibrati, pizzicati, suoni di diverse posizioni delle dita che pizzicano e così via. Il duo di Lucerna le utilizza con sapienza ed estremo gusto per rendere la musica di Schubert cangiante in tutti i suoi colori. Il risultato è un suono filigranato e trasparente che fa apparire i brani selezionati delicati, ma anche moderni.

Il duo amplia così in modo estremamente convincente il repertorio dello strumento, davvero poco ricco di opere di alta qualità del periodo tardo classico e del primo romanticismo. Si sforzano di fornire ulteriori radici storiche registrando i brani su copie di chitarre dell'epoca di Schubert. Tuttavia, questo non garantisce che i brani siano contemporanei, anche se il suono degli strumenti storici può indicare l'epoca in cui sono stati scritti gli originali. Tuttavia, si può ipotizzare che queste opere per pianoforte avrebbero suonato in modo strano se fossero state suonate su chitarre dell'epoca. Il fascino degli arrangiamenti risiede nei principi interpretativi e creativi generali piuttosto che nel tentativo di fare musica storicamente informata. Il risultato è convincente perché illumina la musica in modo intelligente e senza tempo. I due hanno registrato il CD in una sala da concerto dell'Abbazia di Marienmüster, finanziato in parte dal crowdfunding.
 

La produttività del violinista Sebastian Bohren è quasi inarrestabile. Per sua stessa ammissione, si sforza di interpretare un brano in modo tale che idealmente "suoni come è". Nel caso del brano di Dmitri Shostakovich Sonata op. 134 (1968) amplia anche il quadro di riferimento.

Originariamente impostato per violino e pianoforte e scritto per il violinista Igor Oistrakh, la parte pianistica è stata successivamente trasferita a una grande orchestra d'archi e percussioni. Un trucco legittimo. Soprattutto, però, si tratta di un'impresa alla quale Sebastian Bohren e la Camerata Zürich, sotto la direzione di Igor Karsko, si sono dedicati con deliziosa giocosità in occasione di un concerto nella Stadtkirche di Brugg. La registrazione dal vivo ora disponibile per Sony Classical ne è la testimonianza.

L'Opera 134 di Shostakovich è sia uno psicogramma che un documento tonale dei tempi. Nel 1968, anche il compositore viveva in un clima di paura e oppressione ed era anche sotto l'influenza della violenta repressione della Primavera di Praga. Eseguito in una rada sequenza dodecafonica, il primo movimento non offre più alcun rifugio emotivo a causa della mancanza di una chiave di base. Il secondo movimento, veloce, scatena una danza spettrale di morte. Il movimento finale sembra una conclusione ridotta, con variazioni idiosincratiche su una passacaglia stoica e prestiti barocchi abilmente adattati.

Gli interpreti di questa nuova registrazione sono accomunati da un desiderio udibile di chiarezza oggettiva: l'esecuzione di Sebastian Boren si erge in ogni momento come una stella fissa splendente al centro degli eventi sonori brillantemente catturati. Il suo timbro irradia con forza una calma interiore e testimonia una profonda concentrazione spirituale. Spesso freddo e privo di vibrato, condensa un gesto laconico nelle parti solistiche esposte, ma rivendica anche una sovranità incrollabile negli slanci virtuosistici più accesi. La Camerata Zürich, con il suo interplay preciso e sensuale al tempo stesso, crea il miglior ambiente sonoro possibile per il lodevole tentativo di immergere l'emozionante opera tarda di Shostakovich in una luce interpretativa "ringiovanita".
 

Dmitri Shostakovich: Sonata op. 134 per violino, percussioni e orchestra d'archi. Sebastian Bohren,