Il voto è stato preceduto da diversi anni di negoziati. L'obiettivo della nuova direttiva è quello di arginare l'uso illegale delle opere creative e di garantire che i loro autori siano remunerati. Le disposizioni dell'articolo 13, in particolare, sono controverse. L'obiettivo è quello di obbligare le piattaforme a verificare se il caricamento dei rispettivi contenuti viola il diritto d'autore. La nuova direttiva UE sarà finalizzata solo dopo l'approvazione del Consiglio europeo, ma questa è considerata una formalità. Il voto degli Stati membri dell'UE potrebbe avvenire il 9 aprile.

Secondo Christian Höppner, segretario generale del Consiglio tedesco della musica, si tratta ora di "lottare per un Internet veramente libero". Da questo punto di vista, non c'è alcuna differenza con i critici della riforma. Il potere di mercato dei giganti di Internet rimane inalterato, ma la nuova direttiva li obbliga a rispettare maggiormente le loro responsabilità nei confronti degli autori, ha proseguito Höppner. Un'equa remunerazione per i creatori è un prerequisito per la libertà e la diversità su Internet.

Matthias von Orelli - Mátyás Szandai è uno studente dell'HEMU di Losanna (Master in Interprétation option performer composer) da due anni. Ci offre un resoconto personale dei suoi studi quotidiani.

Mátyás Szandai qual è il suo attuale curriculum e come è arrivato in Svizzera e a Losanna?

Ho studiato il contrabbasso classico presso il Dipartimento dell'Accademia di Musica Ferenc Liszt di Budapest e con Gergely Járdányi. Ha poi studiato composizione classica con Jean-Michel Bardez al Conservatorio Hector Berlioz di Parigi e armonia jazz con Emil Spanyi al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica e Danza di Parigi. Dopo aver trascorso quasi sei mesi a Parigi, ho deciso di continuare gli studi. Sono stato felice di trovare il Master in Interpretazione - opzione compositore interprete presso l'HEMU di Losanna. Era esattamente quello di cui avevo bisogno.

Qual è l'importanza della composizione jazz per lei, il suo sviluppo musicale e la sua carriera?

Ho più esperienza come interprete. Penso che la pratica della composizione e dell'arrangiamento mi aiutino a diventare anche un miglior improvvisatore. Ho sempre composto per i miei gruppi, ma questo significa stare in piccoli gruppi e mi è sempre mancata la formazione che mi aiutasse a realizzare le mie idee musicali e a metterle in pratica allo stesso tempo. La sezione jazz dell'HEMU non solo mi ha dato l'opportunità di imparare a creare arrangiamenti per grandi orchestre, ma ho anche avuto la possibilità di interpretarli e registrarli (nell'ambito di un progetto semestrale). Ad esempio, quest'anno eseguirò una mia composizione e un mio arrangiamento come parte della creazione Oriental Tales per il Cully Jazz festival nell'aprile 2019, e alla fine dell'anno eseguirò le mie composizioni con il mio ensemble per il concerto d'esame alla BCV Concert Hall di Losanna.

Cosa si aspetta in linea di principio da questi studi?

Il mio obiettivo principale è quello di essere in grado di scrivere musica per grandi ensemble, ad esempio un'orchestra da camera, una big band o un'orchestra sinfonica.

In cosa consiste esattamente lo studio della composizione jazz a Losanna, soprattutto in relazione ad altri stili di composizione?

Studio con Emil Spànyi, che ha una conoscenza globale e una visione d'insieme della storia della musica e della sua teoria. Ho lezioni ogni semestre. All'inizio dell'anno viene stilato un piano di lavoro. L'iscrizione al semestre di progetto e il concerto di fine anno stabiliscono le scadenze e il ritmo del lavoro. Il primo anno volevo imparare le tecniche di arrangiamento per armonizzare standard jazz nello stile di Ellington o Gil Evans. L'anno scorso, per il concerto d'esame finale, ho suonato i miei arrangiamenti con il mio quintetto. Quest'anno voglio concentrarmi sulle mie composizioni personali. Ho alcune composizioni che ho scritto per il mio quartetto e voglio arrangiarle per un ensemble che comprende un flauto, un hautbois, un clarinetto, due violoni, un violoncello, un vibrafono e una sezione ritmica. Prima di tutto definiamo le forme, lo stile, prendiamo alcuni esempi con la stessa strumentazione dal repertorio jazz o classico, poi propongo alcune idee personali che sviluppiamo.

A mio parere, la scrittura e la composizione jazz sono inimmaginabili senza le conoscenze acquisite con la musica classica. Per me, le differenze compositive tra la musica classica e il jazz risiedono nell'improvvisazione, nell'accentuazione, nei ritmi e nelle forme.

Thomas Dobler - La composizione occupa un posto di rilievo nel dipartimento di jazz della Haute École de Musique de Lausanne (HEMU). Nel 2016, nell'ambito di una revisione degli orientamenti dei master di jazz, il Master in Composizione è stato integrato nel Master in Interpretazione, poiché i legami tra la composizione jazz e l'interpretazione sono importanti. Nell'esercizio della professione, il compositore è per la maggior parte del tempo anche un interprete della sua musica. Allo stesso tempo, è importante che l'interprete abbia le competenze di orchestrazione, arrangiamento e composizione. I legami tra l'improvvisazione, considerata l'elemento chiave del jazz, e la composizione sono evidenti e indispensabili. Il Master en composition sotto la sua antica forma è quindi scomparso, ma si intravede la luce di un nuovo orientamento: il Master en Interprétation - option performer composer.

Questa riforma rappresenta una significativa valorizzazione della composizione all'interno dell'istituto. È riuscita a stimolare lo spirito creativo, un fattore cruciale per la musica vivace e il jazz in movimento. Il Master in Interpretazione - opzione interprete compositore è stato subito ben accolto e caloroso dagli studenti. Le iscrizioni sono raddoppiate molto rapidamente.

Il programma offre a ogni studente, oltre ai corsi principali di strumento, corsi individuali di composizione e vari corsi collettivi nel campo dell'arrangiamento e dell'orchestrazione. Inoltre, questo Master offre un'ampia gamma di opzioni per personalizzare il proprio profilo. In particolare, esiste un ramo di "specializzazione", un corso individuale a scelta che permette allo studente di concentrarsi su un settore specifico o di rafforzare un orientamento (musica per film e media, musica elettronica, composizione secondo un tema specifico, orchestrazione, interpretazione, ecc.)

La cosa più importante, tuttavia, è l'applicazione pratica. È inefficace e dannoso se le composizioni rimangono esercizi che finiscono in un tiroir. Al contrario, è fondamentale che lo studente sia in grado di scoprire e di conseguenza modificare e rivedere il proprio lavoro. Questo è il motivo per cui l'HEMU Jazz ha messo in atto un sistema ben sviluppato che integra numerosi concerti con partner esterni. Tutti gli studenti del programma "Master in Interpretazione - Opzione compositore esecutore" sono tenuti a scrivere almeno due composizioni/orchestrazione all'anno per i progetti degli ensemble di HEMU Jazz.

Questi comandi implicano vincoli in termini di strumentazione e livello stilistico, ma soprattutto esecuzioni precise. Tutti i processi sono soigneusement accompagnati dai professori di composizione e direttori artistici dei diversi progetti. La concezione dei progetti prevede una grande diversità di stile per non lavorare in estetiche troppo astratte o dogmatiche.

La HEMU ritiene indispensabile trasmettere i valori dei "classici", ovvero della cultura in generale, in particolare un'ottima conoscenza del passato, una buona padronanza delle tecniche di composizione e orchestrazione che rappresentano i veri strumenti del mestiere, con la convinzione che la creatività possa svilupparsi attraverso il lavoro. Nell'ambito di questi incarichi di composizione/orchestrazione, gli studenti compongono progetti personalizzati con i quali si esibiscono in numerosi concerti, tra cui un recital/concerto pubblico nella sala concerti della HEMU alla fine di ogni anno. Nel secondo anno del Master, i progetti vengono registrati nello studio dell'HEMU. Le travail de Master integra queste registrazioni, accompagnate dalla creazione di un sito Internet contenente una cartella stampa in diverse lingue che illustra il processo artistico.

Il sito HEMU du Flon (jazz e musica contemporanea) organizza circa 200 concerti pubblici all'anno, in collaborazione con numerose istituzioni partner come RTS (concerti d'Espace JazzZ), il Cully Jazz Festival, il Montreux Jazz Festival, l'Onze Plus Festival di Losanna, il Périgord Noir Festival in Francia, il festival "Nova jazz" di Yverdon, il Jazzclub Chorus di Losanna, i concerti di Lancy - Cave Marignac, il Théâtre de Vidy di Losanna, Label Suisse, Le Bourg di Losanna, l'Output Festival di Zurigo, il "City Club" di Pully, l'Esprit Sainf di Losanna e le Hautes Ecoles de Musique di Stoccarda, Linz, Graz, Lucerna, Berna, Zurigo, Bâle.

Le creazioni

Una buona parte di questi concerti comprende composizioni e orchestrazioni degli studenti. Ma l'HEMU prende anche ordini per le sue creazioni da parte dei suoi professori e degli intervenuti esterni (tra cui Nik Bärtsch e Michel Godard). Il mélange di compositori "professionisti" e "studenti" è particolarmente interessante, poiché gli studenti possono osservare come i loro insegnanti affrontano le loro stesse sfide. Un buon esempio è la creazione di "Oriental Tales" per l'edizione del Cully Jazz Festival dell'aprile 2019. Un'ora di musica composta da quattro studenti e un insegnante per un ensemble più che eterogeneo: quattro musicisti classici, una sezione ritmica jazz, un percussionista orientale e due musicisti tradizionali marocchini.

Il direttore d'orchestra londinese torna così nel Vorarlberg, dove ha già diretto due produzioni del SOV lo scorso anno. Succede a Gérard Korsten, che si è dimesso nell'estate 2018 dopo 13 stagioni. La decisione è stata preceduta da un intenso processo di selezione in cui sono stati coinvolti anche i musicisti dell'Orchestra Sinfonica del Vorarlberg.

McFall ha vinto il German Conducting Award nel 2015 ed è stato finalista del Nestlé and Salzburg Festival Young Conductors Award l'anno precedente. Ha lavorato come direttore ospite con orchestre rinomate come la City of Birmingham Symphony Orchestra, la BBC Philharmonic e la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin. Ha assistito Bernhard Haitink con la Chicago Symphony Orchestra e la Filarmonica di Vienna.

L'Orchestra Sinfonica del Vorarlberg è stata fondata nel 1984 da un gruppo di musicisti e appassionati di musica della regione tra l'Arlberg e il Reno. I suoi membri sono 120 musicisti professionisti provenienti dal Vorarlberg e dalle regioni limitrofe. Ogni stagione esegue un ciclo di sei concerti a Bregenz e Feldkirch, oltre a una grande produzione operistica al Teatro di Stato del Vorarlberg, concerti e progetti scenici al Festival internazionale di Bregenz in estate, al festival Montforter Zwischentöne, altre esibizioni di ospiti e produzioni di CD.

Dalla Georgia provengono giovani stelle mondiali della musica classica; la georgiana Gija Kantscheli è stata una delle compositrici contemporanee più acclamate dopo la Glasnost, anche grazie al sostegno di Luigi Nono e ai suoi CD su ECM. La tradizione musicale del Paese è di tutto rispetto e il Conservatorio di Tbilisi, fondato nel 1917 e a lungo influenzato dall'Unione Sovietica, è il più antico della regione. È quindi sorprendente che il primo ensemble georgiano di musica contemporanea sia stato fondato solo due anni fa. Georgia Modern" si è recentemente esibito al festival Close Encounters di Zurigo, presentando una musica che in qualche modo si conforma al cliché dei paesaggi sonori neo-tonali, espansivi e dell'Europa orientale - eppure non lo fa. La miscela fa sì che ci si alzi in piedi e si prenda nota. I giovani compositori Demetre Gamsakhurdia e Giorgi Papiashvili si muovono in una terra di nessuno stilisticamente lontana da qualsiasi formula.

Il concerto ha testimoniato anche la qualità dei musicisti. Il compositore Reso Kiknadze, che dal 2012 è anche Rettore dell'Accademia di Musica di Tbilisi, ha sottolineato in un'intervista quanto sia stata importante la fondazione di questo ensemble. Tuttavia, ha anche sottolineato quanto il festival lo abbia aiutato nel corso degli anni. Il contatto è importante. Tuttavia, che si sia trattato di un "incontro inquietante del terzo tipo", come recita il titolo del film di Steven Spielberg, è un fatto importante. Incontri ravvicinati si traduce in ogni caso? Se si tratta di un incontro con l'alieno, anche se non extraterrestre, allora - come suggerisce l'associazione con Spielberg - è un incontro positivo, non di paura e orrore, ma di ispirazione e di allargamento degli orizzonti. Il festival svizzero-georgiano è stato fondato nel 2005 da Tamrika Kordzaia e dal compositore Felix Profos. La pianista, giunta in Svizzera dalla Georgia nel 1997, dirige ancora oggi il festival e lo ha aperto stilisticamente. Questo "festival per la musica contemporanea" non offre solo avanguardia, ma anche un ampio spettro che comprende, ad esempio, concerti in club e cerca anche incontri al di là della musica. Questa volta Kordzaia ha invitato l'architetto svizzero Peter Zumthor.

Non solo la musica dei due Paesi viene scambiata, ma anche i musicisti e le istituzioni musicali si incontrano tra loro. Questo è un arricchimento per entrambe le parti". Kiknadze, che in precedenza ha lavorato all'Università di Musica di Lubecca, soprattutto nel campo della musica elettronica, afferma che la vita musicale a Tbilisi è molto vivace e quasi più eccitante che in Germania. In effetti, spesso le cose nuove sono ancora nuove. C'è curiosità per la sperimentazione - e un pubblico. Sebbene il Kunstraum Walcheturm fosse abbastanza pieno in occasione del concerto di Georgia Modern, l'ensemble riempie sale più grandi a Tbilisi, anche se non quelle veramente grandi. Kordzaia dice che al concerto vengono soprattutto i giovani.
 

Dal punto di vista stilistico, non è possibile restringere il campo. Alexandre Kordzaia, ad esempio, che ora vive all'Aia e a Tbilisi, compone opere per ensemble classici, ma mescola anche canzoni pop. Al festival si è esibito al pianoforte a coda e all'elettronica con il percussionista Peter Conradin Zumthor - nel progetto comune "SHWUIIT", che contiene anche passaggi liberamente improvvisati.

Il Mondrian Ensemble si è a sua volta esibito insieme alla compositrice Natalia Beridze, che si esibisce anche come Tusia o T.B.. È autodidatta e produce principalmente musica elettronica. Mappatura dei detriti è il titolo del suo pezzo per quartetto di pianoforte ed elettronica, che si basa su campioni sonori e vocali che, secondo il libretto del programma, "giacevano inutilizzati sull'hard disk del compositore. Questi frammenti di suono assomigliano ai rottami di un aereo precipitato, in cui è difficile riconoscere una struttura complessa e che hanno senso solo quando vengono riassemblati analiticamente". La musica non sembra affatto un detrito, ma piuttosto organizzata, ma la composizione è effettivamente insolita: gesti calmi di archi, campi sonori eterogenei, spruzzi pop e frammenti di rumore. Il mix non mi sembra genuinamente georgiano, ma deriva piuttosto da una tendenza iniziata decenni fa negli Stati Uniti, ad esempio con il Kronos Quartet. Ma il risultato è un tipo di musica particolare che tiene occupati anche dopo.

La musica elettronica ha uno status speciale in Georgia. Ciò è dovuto anche a Reso Kiknadze, che promuove con forza questo sviluppo già antico. In qualità di rettore dell'antico conservatorio, non solo ha istituito la materia del jazz, ma anche un corso di tecnologia musicale. È l'unica scuola in tutta la regione del Caucaso a offrire un programma di questo tipo e a Tbilisi arrivano anche studenti dai Paesi vicini, come l'Iran. Questo arricchisce la scena e continua ad avere un impatto.
 

Nel 2012, il Consiglio di Governo di Basilea ha formulato l'obiettivo strategico di rafforzare ed elevare il profilo di Basilea come città della musica. Un gran numero di orchestre professionali, in particolare, contribuisce alla ricchezza musicale di Basilea. Tuttavia, un'analisi commissionata dal Dipartimento della Cultura ha rivelato che l'appeal nazionale e internazionale non corrisponde al potenziale esistente in termini di qualità e diversità. Nel caso delle orchestre finanziate prevalentemente da privati, una ragione importante è che i compensi dei musicisti sono molto al di sotto del livello salariale dell'Orchestra Sinfonica di Basilea e delle raccomandazioni salariali dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, con conseguenze sulla continuità artistica delle orchestre.

In questo contesto, nel 2015 il Gran Consiglio ha approvato il nuovo programma e il finanziamento strutturale per le orchestre del Cantone di Basilea Città, approvando un totale di 5.576.000 franchi per gli anni dal 2016 al 2019. Su raccomandazione di una giuria indipendente di esperti, nel 2016 il governo cantonale ha assegnato un totale di 3.960.000 franchi dal finanziamento del programma per gli anni dal 2017 al 2019 alle quattro orchestre Basel Sinfonietta, Ensemble Phoenix Basel, Kammerorchester Basel e La Cetra Barockorchester.

Secondo il mandato di esecuzione delle quattro orchestre, la serie di concerti di Basilea delle quattro orchestre, che si completano a vicenda in termini di programma, sarà sostenuta, mentre i compensi dei musicisti dovrebbero essere basati sulle raccomandazioni tariffarie dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, al fine di migliorare la sicurezza sociale dei lavoratori della cultura in conformità con la legge sulla promozione della cultura. Dopo un'esperienza di una stagione e mezza, le quattro orchestre possono confermare congiuntamente che i primi passi nella giusta direzione sono stati fatti con il finanziamento del programma. Tuttavia, l'auspicato miglioramento della sicurezza sociale non è stato ancora raggiunto a causa del continuo sottofinanziamento.

Le orchestre parzialmente finanziate dal programma hanno un tasso di autofinanziamento compreso tra il 55 e l'86%. Per finanziare la serie di concerti di Basilea
Per poter pagare le tasse di base secondo le raccomandazioni tariffarie dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, mancano 743.000 franchi all'anno, che non possono generare in aggiunta sul mercato né attraverso le entrate né con la raccolta di fondi.

Le quattro orchestre chiedono quindi congiuntamente che il finanziamento del programma orchestrale venga aumentato di 743.000 franchi all'anno, passando da 1.320.000 franchi nel periodo 2017-2019 a 2.063.000 franchi all'anno nel periodo 2020-2022. A fronte di un "bilancio culturale di Basilea di oltre 128.000.000 di franchi, un aumento relativamente modesto", questo "porrebbe rimedio a un'indiscussa carenza in materia di sicurezza sociale dei musicisti e rappresenterebbe un ulteriore passo coerente verso il rafforzamento e la valorizzazione di Basilea come città della musica", scrivono ancora le orchestre.

Wüthrich è nato ad Aeschi (Canton Berna) e ha studiato al Conservatorio di Berna con Sava Savoff (pianoforte) e Sandor Veress (teoria). Dal 1968 al 1972 ha ricevuto lezioni di composizione da Klaus Huber. Nel 1974 ha fondato l'Ensemble mixt media basel, che, secondo la voce dell'elenco Musinfo, si dedica in particolare a lavori nell'area tra musica e teatro. Dal 1985 al 2002, Wüthrich è stato docente di teoria musicale presso l'Accademia musicale di Winterthur-Zurigo e dal 2009 è membro dell'Akademie der Künste Berlin.

Wüthrich ha vinto numerosi premi, tra cui il Premio di composizione al Concorso internazionale di composizione di Boswil, il Grand Prix Paul Gilson de la Communauté radiophonique des programmes de la langue francaise, il Premio speciale per la musica del Cantone di Basilea Campagna ed è stato uno dei candidati al Premio svizzero di musica 2016.

I numeri sono stati ancora una volta impressionanti: non solo circa 1000 rappresentanti dell'industria musicale, ma anche circa 6000 fan hanno partecipato alla 22a edizione della tre giorni di musica pop m4music a Losanna e Zurigo. Mentre il gruppo folk zurighese Mar Nero Dahu e il duo Winterthur, che si muove tra rock, rap, pop e noise Ikan Hyu I trenta eventi della sezione conferenze hanno trattato argomenti diversi come le opportunità di esibizione in Europa, la vita (di sopravvivenza) di un cantautore e le attuali cifre di vendita nel settore musicale.

Nel panel "Il mercato musicale 2018, 2019 e oltre", ci si è resi conto che la situazione sta migliorando. La crescita non è più trainata dalle vendite di CD o dai download, ma dal settore dello streaming. L'anno scorso, il mercato svizzero della musica registrata ha generato un fatturato di circa 170 milioni di franchi svizzeri, il 3,7% in più rispetto all'anno precedente. Secondo Ivo Sacchi, direttore generale di Universal Music Svizzera, ci sono generi musicali che generano fino al 95% dei loro ricavi da musica registrata grazie allo streaming. "Questo è particolarmente vero per l'urban, il rap tedesco e l'hip hop". Marc Lynn, bassista del gruppo rock Gotthard, ha dipinto un quadro leggermente diverso: "I fan del rock vogliono ancora poter tenere in mano il prodotto fisico". Ha stimato che circa il 70% dei fan comprerebbe ancora la musica dei Gotthard su vinile o CD. Tuttavia, questo differisce da continente a continente. "In Sud America è quasi tutto streaming". Il rappresentante di Universal Sacchi non ha dubbi sul fatto che la tendenza allo streaming continuerà, anche in Svizzera: "Il potenziale è tutt'altro che esaurito". Il solo fatto che ogni settimana 15.000 canzoni vengano caricate su portali di streaming come Spotify lo dimostra.

La situazione del giornalismo musicale, invece, era meno favorevole. Un certo senso di impotenza si è cristallizzato durante il panel su questo tema. Linus Volkmann, che fino all'anno scorso lavorava per l'ormai defunta rivista musicale Introduzione ha spiegato: "Il giornalismo musicale ha perso la sua funzione di gatekeeper. Di conseguenza, i giovani gruppi target di oggi possono fare a meno dei prodotti cartacei". Ciononostante, o forse proprio per questo motivo, Ane Hebeisen, redattrice pop del quotidiano La Confederazioneè convinto che il giornalismo musicale sia ancora necessario, e più che mai. "Abbiamo bisogno di scrittori che creino profondità e aprano la porta ad altri mondi della musica". Il fatto è, tuttavia, che il Tages-Anzeiger dall'anno scorso non ha più budget per i giornalisti musicali freelance. Volkmann, che è anche autore di libri, è riuscito a trarre qualche vantaggio dal declino del giornalismo musicale: "Chiunque voglia pubblicare sulla musica ora può semplicemente farlo". Ad esempio, attraverso un canale YouTube o un blog.

Nel suo discorso programmatico "Monopolio nel business globale dei concerti", l'agente indipendente Berthold Seliger di Berlino ha parlato del suo settore, che solo pochi anni fa era lodato come una miniera d'oro. Dal 2012, tuttavia, le grandi aziende stanno guadagnando costantemente influenza in questo settore. Mentre i piccoli gestori di club cercano di far crescere gli artisti a lungo termine, i giganti come Live Nation sono interessati solo agli affari. E a ragione: "L'1% di tutti gli artisti genera il 60% di tutti gli introiti dei concerti", ha spiegato Seliger. Un fatto che lo ha portato a chiedere un prelievo di solidarietà imposto dallo Stato per i club e i promotori indipendenti. "Per ogni biglietto che costa più di 50 euro". Si tratta di una misura inevitabile, perché i locali e gli organizzatori di eventi stanno diventando sempre più una razza in via di estinzione. Seliger non crede che la situazione migliorerà da sola.

E come ha valutato il direttore del festival Philipp Schnyder von Wartensee la 22a edizione di questo evento del Percento culturale Migros? "Sono stati tre giorni intensi e vivaci, con grandi scoperte di talenti svizzeri", ha detto. È rimasto particolarmente colpito dall'apertura con cui molti dei circa 1000 rappresentanti dell'industria musicale nazionale e internazionale si sono avvicinati. "Più si incontrano, più non si vedono come concorrenti, ma vedono soprattutto un'ampia gamma di opportunità di collaborazione". Tuttavia, è stato più critico nei confronti di un altro sviluppo: sebbene non vi sia più una frattura tra i musicisti della Svizzera tedesca e quelli della Svizzera francese, lo scambio tra gli artisti della città e quelli della campagna sembra essere sempre più stagnante. Tuttavia, il giudizio complessivo di Schnyder è positivo: "La filosofia di m4music è sempre stata quella di far incontrare musicisti giovani e meno giovani al nostro festival. E funziona".

Secondo il giornale, il cambiamento di strategia è da ricondurre a Patrizia Crivelli, responsabile del dipartimento Cultura e Società della Burgergemeinde, in carica da un anno. L'ufficio è stato creato come "controparte civica del segretario culturale comunale" (Berner Zeitung). I due membri in carica della Burgergemeinde e della città, Crivelli e Franziska Burkhardt, si conoscono. Entrambi lavoravano per l'Ufficio federale della cultura.

Il Premio Cultura della Burgergemeinde Bern, dotato di 100.000 franchi svizzeri, è stato assegnato per la 30a e ultima volta nel giugno 2018 ed è andato al teatro di cabaret "La Cappella", rinomato palcoscenico bernese per il cabaret, la chanson e il cabaret. Tra i precedenti vincitori figurano la Camerata Bern, la Scuola di Liuteria di Brienz, la Swiss Jazz Orchestra e la sala concerti Mühle Hunziken.

Quest'anno, per la prima volta, la Musikmesse si svolgerà su quattro giorni lavorativi (da martedì a venerdì). In questo modo si concentra più che mai sullo scambio professionale di professionisti internazionali e affina la sua essenza di marchio come la più grande fiera europea per l'industria musicale. In questo sforzo, Musikmesse aprirà ancora una volta in contemporanea con Prolight + Sound, il "Global Entertainment Technology Show", per la prima volta dal 2015.

Anche dopo la fiera, la musica continua a Francoforte. Per la quarta volta, il "Musikmesse Festival" presenta concerti di spicco in 50 location e nel quartiere fieristico. Tra questi: i talenti del Premio Internazionale Pianista Tedesco e, in un grande concerto di chiusura, la leggenda del soul Gregory Porter e la Neue Philharmonie Frankfurt.

I visitatori della Musikmesse 2019 potranno contare su distanze più brevi. Il padiglione 3 riunisce un'ampia gamma di prodotti su due livelli, da pianoforti e tastiere a batteria e percussioni, chitarra e basso, strumenti a fiato e a ottone, strumenti a corda, strumenti armonici e spartiti. Per la prima volta, l'intero settore audio è concentrato su un unico livello del padiglione: i visitatori troveranno sintetizzatori e apparecchiature di registrazione, oltre a prodotti per il rinforzo del suono dal vivo, nel padiglione 8.0.

Una novità è la "Networking Area" congiunta di Musikmesse e Prolight + Sound nel padiglione 4.1, che si rivolge specificamente ai rivenditori e ai responsabili del settore. Con il suo concetto di lounge elaborato, offre l'ambiente ideale per colloqui d'affari in un'atmosfera rilassata.

Il nuovo "Music Education Centre" nel Centro Congressi Messe Frankfurt crea una piattaforma centrale per la promozione dei giovani talenti e l'aggiornamento professionale. Uno dei momenti salienti sarà la Giornata della musica di classe (venerdì 5 aprile), che fornirà idee per un insegnamento moderno e orientato alla pratica. Lo stesso giorno, il Premio europeo per la musica nelle scuole premierà i progetti innovativi nel campo del lavoro metodico e creativo con gli strumenti musicali. Si terranno inoltre workshop e seminari sulla musicoterapia e, per la prima volta, la cerimonia di premiazione del concorso Nuovi strumenti terapeutici.

Il progetto "Discover Music" per i giovani esploratori musicali offre un viaggio alla scoperta del mondo dei toni e dei suoni. Sotto la guida pedagogica di membri esperti dell'Accademia musicale di Francoforte, gli scolari possono provare gli strumenti a loro piacimento.

Nell'ambito della Musikmesse, "SongsCon Frankfurt" offre a cantautori e produttori assistenza nella costruzione della loro carriera professionale. Il programma comprende un panel A&R con responsabili delle etichette discografiche, campi di scrittura di canzoni e masterclass, nonché una sessione di ascolto in cui i musicisti creativi possono ricevere un feedback esperto sulle loro composizioni. Anche il "Premio europeo della canzone d'autore" entra in una nuova fase. In occasione della premiazione con finale dal vivo (5 aprile), cantautori e produttori potranno presentare le loro composizioni a una giuria di alto livello composta da A&R internazionali. Il vincitore entrerà direttamente in studio: per i brani migliori sono previste anche promozioni radiofoniche e online.

Oltre a workshop, masterclass e tutorial, la Musikmesse offre musica dal vivo di artisti nazionali e internazionali per tutto il giorno.

La sera il quartiere fieristico diventa l'epicentro del "Musikmesse Festival": salgono sul palco artisti nazionali e internazionali come la leggenda del pop-rock Tony Carey (4.4., Festival Arena), la leggenda del rap Samy Deluxe (4.4., Festhalle Frankfurt), un DJ set di Mousse T. & Glasperlenspiel (5.4. Festival Arena) e il gruppo a cappella di successo internazionale The Real Group (3.4., Festival Arena). Nell'ambito del festival si terranno anche circa 100 concerti in 50 club di Francoforte e location per eventi. I visitatori della Musikmesse ricevono un braccialetto gratuito con il quale possono partecipare agli eventi del Musikmesse Festival a prezzo ridotto o addirittura gratuitamente.

Il Gran Finale del Premio Internazionale Pianisti Tedeschi offre una chicca per gli amanti della musica pianistica di alto livello (1° aprile, Alte Oper di Francoforte). Accompagnati dall'Orchestra Filarmonica di Baden-Baden sotto la direzione di Douglas Bostock, i migliori giovani pianisti daranno prova delle loro capacità. Il programma comprende il Concerto per pianoforte e orchestra n. 2 op. 18 in do minore di Rachmaninoff e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 op. 15 in re minore di Brahms.

Il sabato successivo alla Musikmesse (6 aprile), Musikmesse Plaza presenterà un concetto di evento completamente nuovo rivolto agli appassionati di musica di tutte le età. Insieme a partner del settore creativo, Messe Frankfurt sta realizzando un mercato pop-up con una varietà di mondi tematici e vendite dirette: da strumenti vintage a supporti sonori e prodotti lifestyle. Come momento culminante di una settimana ricca di musica e intrattenimento, gli appassionati di musica potranno assistere al concerto di chiusura dell'artista soul statunitense Gregory Porter, che si esibirà per la prima volta insieme alla Neue Philharmonie Frankfurt.

Tutte le ulteriori informazioni sulla Musikmesse sono disponibili su www.musikmesse.com

È difficile immaginare che un'opera che si dice essere l'opera maggiore di uno dei più importanti compositori svizzeri del XX secolo scompaia dal repertorio per 76 anni dopo la sua prima all'Opera di Stato di Berlino e un fiasco a Zurigo. Solo chi osserva più da vicino, visualizza le circostanze e legge con attenzione il libretto originale potrà farsi rapidamente un'idea di ciò che è accaduto e del perché è accaduto. Nonostante i numerosi interventi, spesso inutili, Othmar Schoeck, in qualità di compositore, si è lasciato andare a un libretto creato da Hermann Burte: con in mente la possibilità di una produzione esposta e presumibilmente anche senza una valutazione contemporanea della realtà. L'intero Castello-Dürande-I sentimenti völkisch di Burte permeano il testo (a volte in modo chiaro, a volte sottocutaneo), ma la qualità è ancora più scarsa. Persino Hermann Göring inviò un telegramma in cui esprimeva il suo stupore per il fatto che l'opera, rappresentata per la prima volta il 1° aprile 1943, e il libretto su cui si basava, descritto come una "stronzata da posare", potessero essere accettati dai direttori artistici.

Tuttavia, l'opera fu vietata dopo la seconda guerra mondiale, quando fu rappresentata nella Berlino bruna, sebbene fosse già chiaro dopo la prima rappresentazione che si trattava di una partitura musicalmente importante. Tuttavia, non è stato possibile denazificare l'opera; i fatti hanno ostacolato l'opera tanto quanto i maldestri tentativi di attribuire alla buona fede del compositore la sua criminale mancanza di scrupoli. È quindi ancora più sorprendente che l'opera di Schoeck Castello di Dürande è recensito in modo sprezzante nella letteratura popolare, ma c'è sempre una certa curiosità per la musica. E giustamente, come si è potuto ascoltare al Teatro di Stato di Meiningen. Sui banchi c'era una partitura con un testo appena arrangiato da Francesco Micieli e accuratamente lavorato nelle linee vocali da Mario Venzago. Analizzata dal punto di vista accademico e accompagnata da due pubblicazioni sostenute dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica, l'opera problematica è diventata così un grand opéra storicamente in ritardo: Al centro c'è il destino di Renald Dubois (inizialmente cacciatore di conti preoccupato per la sorella, poi fervente rivoluzionario per la sua stessa causa), guidato da un falso amore fraterno che determina la tragica fine di tutti. Si possono ascoltare quattro atti diversi, da adattamenti di musica da film e momenti sorprendentemente retrospettivi a travagli wagneriani e al jazz degli anni Venti e Trenta. Schoeck riassume così un vero e proprio "lungo" XIX secolo e lo supera - senza eclettismo, ma con l'idea di una disponibilità più ampia possibile.

Ciò che inizialmente sorprende, tuttavia, acquista coerenza e autonomia, persino idiosincratica. Ma le domande rimangono senza risposta. Ad esempio, la nuova versione di Micieli del libretto, che si basa su una novella di Eichendorff, è stata uno splendido salvataggio. Certo, non è stato in grado di correggere i punti in cui il testo era già ritardato nell'originale e Schoeck lo segue (troppo) a lungo nella partitura. Questa volta, però, nessuno ha voluto ridurre la sostanza drammatico-musicale. Ad esempio, è rimasta una leggera ombra sul finale, quando Renald apprende la verità sulla sorella dal servo Nicolas, ormai morente. Il regista dovrà trovare delle soluzioni in questo senso nelle prossime produzioni (magari utilizzando la multimedialità?). A proposito di futuro: il Castello di Dürande in questa forma neutralizzata, a volte ancora eccessivamente rima, merita la possibilità di dimostrarsi su altri palcoscenici. Brahms aveva già scelto la piccola ma bella Meiningen per la prima della sua Quarta Sinfonia, per metterla alla prova con attenzione. Tuttavia, l'ultima opera di Schoeck non diventerà probabilmente un pezzo di repertorio. La sola scelta del soggetto la rende troppo retrospettiva, soprattutto in un momento in cui il mondo era in fiamme. In ogni caso, il successo della prima (diretta dal direttore artistico Ansgar Haag, direttore musicale: GMD Philippe Bach) è stato pienamente giustificato da una messa in scena solida ma poco interpretativa, da una performance d'insieme di tutto rispetto e da un'orchestra di corte ottimamente organizzata.

Ulteriori performance
29 marzo, 28 aprile, 8 e 17 maggio, 27 e 30 giugno, 6 luglio 2019
meininger-state-teatro.com

Circa 300 bambini provenienti da 58 nazioni frequentano attualmente i quattro centri scolastici di Kriens. Si differenziano per cultura, lingua, background familiare e classe sociale. In questo contesto, il team di insegnanti ha lanciato il progetto "Cultura nel centro", o KiZ in breve, nell'autunno 2016. Nell'estate 2017, 18 classi (dalla scuola materna al sesto anno) hanno iniziato il primo anno del progetto.

Mentre gli alunni di prima e seconda hanno realizzato progetti culturali trasversali con musica, danza e giochi, quelli di terza e quarta hanno avuto l'opportunità di partecipare a laboratori di danza, teatro, coro e musica. In quinta e sesta classe, gli alunni hanno imparato uno strumento a loro scelta e hanno provato nell'orchestra comune.

La giuria ha apprezzato il modo in cui la cultura diventa un elemento di integrazione sociale e di diversità nel progetto e il modo in cui la scuola e la scuola di musica si avvicinano grazie alla collaborazione.

L'SMR ritiene che "con la presente bozza è stato raggiunto un buon risultato, adatto a salvaguardare gli interessi della Svizzera tenendo conto della nostra democrazia diretta". L'accordo creerebbe l'indispensabile certezza giuridica per entrambe le parti e garantirebbe l'accesso al mercato europeo.

La crescita del settore creativo e musicale acquisterà uno slancio significativo nei prossimi anni, prosegue il CGO. Per questo motivo, il settore musicale ritiene che si debba fare il possibile per garantire che i benefici della libera circolazione delle persone siano mantenuti per la Svizzera - in questo caso con la firma dell'accordo. Oltre alla libera circolazione delle persone, l'accesso ai programmi di finanziamento e ricerca dell'UE, come Europa Creativa e Horizon 2020 (o i programmi successivi), è fondamentale per il settore musicale, in quanto equivale all'accesso al mercato per il settore.

Per saperne di più: www.musikrat.ch

La serata inizia da zero a cento. Mentre Lucas Niggli tamburella un ritmo continuo con intricati accenti sulla batteria, il coro omofonico del Teatro di Basilea (direttore: Michael Clark) intona linee ritmicamente concise. L'organo hammond (Dominik Blum), il basso (Marino Pliakas) e la chitarra elettrica (Yaron Deutsch) lanciano accordi che agiscono come incendi selvaggi e alimentano ulteriormente la musica di confine. Michael Wertmüller ha già scritto molti pezzi per il trio svizzero Steamboat Switzerland, confondendo i confini tra nuova musica, jazz e rock. Nel suo Opera Diodati. Unendlich (libretto: Dea Loher), commissionato dal Teatro di Basilea, aggiunge una chitarra elettrica alla formazione e la colloca nella buca dell'orchestra in modo che, insieme all'agilissima Orchestra Sinfonica di Basilea, trasmetta questa energia ritmica sul palco e in sala. La musica ha quasi sempre un ritmo elevato. È costantemente eccitata, lavora con la stratificazione di metri e ritmi diversi e porta i musicisti coinvolti ai limiti del tecnicamente possibile. Ciò rende ancora più sorprendente la disinvoltura con cui il direttore Titus Engel, che ha già diretto l'opera di Karlheinz Stockhausen, si è cimentato con la sua musica. Giovedì da Luce e il modo disinvolto con cui il direttore d'orchestra si muove in questa partitura così complessa. E la precisione con cui tutti gli interpreti danno vita a queste eruzioni selvagge e ritmicamente intrecciate.

Il libretto di Dea Loher racconta la leggendaria visita di personalità letterarie inglesi a Villa Diodati, sul lago di Ginevra, nel 1816. L'illustre circolo attorno a Lord Byron si inebria di oppio e di conversazione. A causa del maltempo, rimangono al chiuso, discutendo della vita artificiale e raccontandosi storie dell'orrore. In questo idilliaco scenario svizzero, il romanzo di Mary Shelley Frankenstein o il moderno Prometeo e il racconto breve Il Vampiroscritto dal medico personale di Byron, John Polidori. Nel suo testo, Loher intreccia questa ambientazione storica con il Cern, nel cantone di Ginevra, dove si svolge la ricerca fisica di base nell'acceleratore di particelle lungo 27 chilometri. Nella sua produzione, la regista Lydia Steier rende visibili entrambi i livelli. Flurin Borg Madsen porta sul palcoscenico del Theater Basel un laboratorio, al centro del quale è stata ricreata una stanza della storica Villa Diodati. Qui, scienziati in tute protettive portano le figure letterarie senza vita su carrelli e le rianimano (costumi: Ursula Kudrna).

Tuttavia, i personaggi prendono vita grazie alla musica di Wertmüller. Il compositore lavora con tagli veloci, spesso acuiti dalle percussioni. Le pause sono brevi, la densità di stimoli è elevata, tutto accade nello stesso momento! Tuttavia, il compositore svizzero non costruisce un arco di suspense più ampio. Si affida a singoli blocchi di costruzione, che stanno in piedi da soli e sono progettati in modo molto diverso. Kristina Stanek canta il suo defunto figlio nei panni di Mary Godwin, non ancora sposata, con versi da opera lirica; Claire Clairmont, incinta di Lord Byron (cristallina fino ad altezze stratosferiche: Sara Hershkowitz) si lecca l'inguine al ritmo della musica acuta, prima che gli scienziati leghino alla vita di Byron un dispositivo lampeggiante per dargli ulteriore stimolazione. A volte Michael Wertmüller utilizza dei loop per intensificare la musica, altre volte la rallenta per un momento, per poi creare un nuovo mix musicale poco dopo. La scena si sussegue con una velocità mozzafiato. Rolf Romei, nei panni dell'amico di Mary Godwin, Percy Bysshe-Shelley, con la riga al centro e gli occhiali di nichel, intona radiose note alte. Con il suo potente basso-baritono, Seth Carico è un sorprendente medico personale Polidori, che nella seconda parte dichiara il suo amore per Lord Byron in calze a rete e tacchi alti.
 

Holger Falk è il centro del potere nello squisito ensemble di solisti nei panni dell'anarchico bon vivant George Gordon Noel Lord Byron. "Il grande scopo della vita è il sentimento. Sentire che esistiamo", formula il suo credo in un canto nella seconda parte, in una delle poche scene più tranquille. Questo Byron celebra la sua relazione sessuale con la sorellastra Augusta Leigh (la colorata Samantha Gaul) con la stessa naturalezza con cui si strofina le arance sul petto e sull'inguine nudo. Intossicazione ed estasi come nucleo della vita? I singoli pezzi del puzzle dispiegano una grande teatralità in questo caldissimo spettacolo di Basilea, ad esempio quando il percussionista Lucas Niggli e Sara Hershkowitz, nei panni della gravida Claire Clairmont che si contorce durante le doglie, ingaggiano una spettacolare battaglia di coloratura delle percussioni o quando il bambino rianimato si alza dal tavolo operatorio di Mary Godwin con grande pathos come un angelo dalle ali scure. In questa serata non si riesce a stabilire una connessione tra tutti gli elementi che si muovono come in un acceleratore di particelle. Ma forse questa è anche un'idea troppo conservatrice per questa serata di teatro musicale impegnativa, a volte persino travolgente.

René Karlen si ritira anticipatamente su sua richiesta alla fine di marzo 2019. Il suo successore, Diana Lehnert, ha studiato educazione musicale e musica orchestrale presso l'Università di Musica di Detmold e l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) e ha lavorato, tra l'altro, come flautista freelance e drammaturga. Più recentemente, dal 2008 è stata responsabile dell'educazione musicale dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna. Oltre alla direzione artistica, ha esperienza nelle relazioni pubbliche e nel giornalismo culturale. Diana Lehnert vive nella città di Zurigo.

La divisione E-music del Dipartimento della Cultura della Presidenza è responsabile della musica classica e promuove la vita concertistica della città di Zurigo in questo ambito. Oltre a sostenere le esibizioni con sovvenzioni, organizza tre serie di concerti propri.

"I proprietari di hotel e appartamenti di vacanza non pagheranno più i diritti d'autore in futuro", scrive Copyright svizzero nel comunicato stampa di oggi. E continua: "Il Consiglio degli Stati deciderà martedì prossimo sull'idea di eliminare i risarcimenti dovuti a favore degli albergatori. A farne le spese sarebbero musicisti, registi, attori e altri professionisti della cultura. In questo modo, infatti, sovvenzionerebbero l'industria alberghiera svizzera con il loro lavoro, invece di essere equamente compensati per l'uso commerciale delle loro opere".

La proposta si basa su un'iniziativa parlamentare di Philippe Nantermod, consigliere nazionale FDP VS. La Camera piccola creerebbe così un precedente: Nel dicembre 2017, il Tribunale federale ha stabilito che la remunerazione deve continuare a essere corrisposta per la diffusione di programmi radiotelevisivi nelle camere d'albergo o negli appartamenti di vacanza se le attrezzature necessarie, come televisori o radio, sono fornite dall'albergatore o dal locatore. Contrariamente a quanto sostenuto dagli iniziativisti, non si tratta di uso privato.
 

Secondo una perizia redatta dall'Università di Losanna per conto di Swisscopyright, l'associazione delle cinque società svizzere di gestione collettiva dei diritti d'autore, il nuovo articolo creato nel Copa sarebbe in contraddizione con la Convenzione di Berna, un trattato internazionale sulla protezione delle opere letterarie e artistiche; per questo motivo, potrebbe essere applicato ai creatori svizzeri solo se la Svizzera vuole adempiere ai suoi obblighi internazionali. I creativi svizzeri sarebbero quindi discriminati. Si creerebbe una situazione paradossale: Gli artisti svizzeri non riceverebbero più alcun compenso, ma gli alberghi dovrebbero pagare le opere di professionisti della cultura stranieri. Il regolamento non rispetterebbe inoltre altri accordi internazionali: il trattato mondiale sul diritto d'autore WCT e l'accordo di libero scambio TRIPS dell'OMC. Ciò potrebbe comportare sanzioni economiche nei confronti della Svizzera".

Swisscopyright afferma inoltre: "Secondo la proposta, il nuovo articolo del CopA dovrebbe esentare anche gli ospedali e le carceri dalla remunerazione del diritto d'autore", e rileva che né gli istituti penitenziari cantonali né gli ospedali hanno avanzato richieste in tal senso, e nessuna delle istituzioni ha dichiarato di non voler più remunerare gli artisti creativi: "Ancora una volta, verrebbe creata un'eccezione solo su iniziativa dell'industria alberghiera. Questa misura ingiustificata causerebbe un grave danno al settore culturale". Swisscopyright chiede ai membri del Consiglio degli Stati di agire con correttezza. Questo favoritismo nei confronti degli albergatori non è né necessario né opportuno.

La proposta viola in definitiva il compromesso faticosamente negoziato e fragile del gruppo di lavoro sul diritto d'autore (AGUR 12). La richiesta di esentare (improvvisamente) gli albergatori è stata inserita nel disegno di legge in una fase molto avanzata del Consiglio nazionale. Tuttavia, gli autori e i titolari dei diritti hanno fatto molte concessioni in anticipo per rendere possibile il compromesso".

Per quanto riguarda il comunicato stampa di Copyright svizzerol'associazione di ProLitteris, SSA, Suisa, Suissimage e Swissperform.
 

I musicisti si sono battuti anche in una delle Sonart - Creatori di musica Svizzera campagna orchestrata espressamente contro questa proposta: "Non sovvenzioniamo l'industria del turismo!". Chiedono al Consiglio degli Stati di respingere la mozione Nantermod. Sonart invita i cittadini a partecipare alla campagna sui social network e a incontrarsi con i registi lunedì 11 marzo, tra le 11.00 e le 13.00, sulla Bundesplatz di Berna per una campagna di distribuzione di volantini.
 

Ulteriori informazioni:

https://www.sonart.swiss/de/projekte-kampagnen/alle-0/urg-revision-12/

Il Consiglio degli Stati ha deciso di rinviare il dibattito. Come scrive SDA, vuole "attendere gli sviluppi nell'UE prima di decidere sulla revisione della legge sul copyright". E ancora: "Il motivo della decisione è un'aggiunta controversa che la Commissione aveva proposto: voleva far pagare le piattaforme internet come Google e Facebook a favore degli editori di media quando pubblicano i contorni del testo e i riferimenti agli articoli. Il Consiglio degli Stati ha ritenuto che la proposta non fosse ben ponderata".