È un libro incredibilmente intelligente, proprio perché è critico nei confronti della sua stessa intelligenza. È difficile immaginare la quantità di conoscenze che Mathias Gredig ha raccolto sul tema della musica animale, eppure rimane scettico, metodicamente sostenuto dallo scetticismo pirroniano dell'antichità: possiamo dire se gli animali fanno musica? Dopo tutto, gli animali dovrebbero saperlo. Cosa pensavano i babbuini, sacri agli Egizi, quando salutavano il sole con le loro grida/canti?

Altrettanto interessante, naturalmente, è il comportamento delle persone nei confronti degli animali e della loro musica. Era chiaro a tutti che gli usignoli cantano magnificamente, ma fanno musica d'arte? No, dice Sant'Agostino, perché non capiscono le relazioni numeriche e gli intervalli. Un ragionamento strano, ma tipico dei filosofi. "Ci sono alcune cose che si potrebbero dire in risposta", dice Gredig in modo significativo.

Già questo esempio dimostra quanto sia contraddittorio e diverso il rapporto dell'uomo con i suoni degli animali. Non solo i sistemi sonori non possono essere paragonati tra loro, ma i mondi espressivi sono completamente diversi. Questa alienazione si è riflessa nel corso dei secoli in caricature grafiche di asini, cani, oche e soprattutto scimmie che fanno musica, ma anche in imitazioni musicali. Non era raro che un artista preferisse la musica della natura al rumore umano. E, come è ovvio, alcuni aneddoti dimostrano ancora una volta la crudeltà con cui la nobile razza umana trattava gli animali. Athanasius Kircher, ad esempio, racconta di un organo per gatti: agli animali che vi erano rinchiusi venivano infilati degli aghi nella coda attraverso la tastiera!

Il materiale di partenza che Gredig presenta qui è molto eterogeneo e abbondante. Il giovane musicologo, che ha scritto la sua tesi di laurea sull'argomento a Basilea nel 2017, ha ora prodotto un compendio travolgente sulla "musica animale". Copre una vasta gamma di argomenti, dall'antichità più antica al XIX secolo, da Pitagora a Thoreau e Alkan, dalle sculture tolemaiche a Grandville, e infine ai giorni nostri; è a volte sconclusionato, ma sempre istruttivo, invita a perdersi, e mette anche in dubbio alcune certezze - e tuttavia è generalmente facile, persino divertente, da leggere.

Mathias Gredig: Musica animale. Sulla storia della zoomusicologia scettica; 506 p., € 64,00, Königshausen & Neumann, Würzburg 2018, ISBN 978-3-8260-6468-5

L'asticella è posta in alto fin dall'inizio. Una voce fuori campo recita la poesia di Bertolt Brecht sullo schermo nero A chi è nato dopo dell'epoca del nazionalsocialismo, poi un centinaio di poliziotti armati fino ai denti marciano al suono dell'opera di Bach. Passione di San Matteo attraverso l'immagine. L'altezza di caduta è appropriata: un taglio e siamo alla Centrale di Zurigo, dove abbiamo combattuto con la polizia nel 1968 - nostalgia di sinistra in bianco e nero. Per Christian Labhart, questa è stata la scintilla politica iniziale. Il suo film è la tipica autobiografia di uno svizzero di sinistra che ha letto Marx e Adorno cinquant'anni fa e, nonostante i seri dubbi, si aggrappa ancora oggi all'utopia della "vita giusta in quella sbagliata". Ma le circostanze non sono così. Il vicolo cieco della Baader-Meinhof, Chernobyl, l'11 settembre, la crisi finanziaria, i robot, la Siria, la globalizzazione, l'ambiente distrutto: un calendario strappalacrime dell'orrore, una distopia permanente, preparata con immagini paradossalmente belle del mondo insensato delle cose. Se le persone appaiono come individui, allora è l'autore stesso e il suo ambiente, altrimenti sono una massa anonima - la maledizione di pensare in categorie astratte di umanità. Il sì incondizionato alla vita che caratterizza la quotidianità delle persone in Africa, ad esempio, è estraneo a questo saggio cinematografico, permeato dalla sofferenza del mondo.

Come balsamo per l'anima ferita, alcuni estratti del libro Passione di San Matteo con Philippe Herreweghe e il suo Collegium Vocale Gent. Qui le persone sono impegnate in un'attività significativa, in netto contrasto con le immagini di un mondo distrutto. Ma Labhart sembra aver fatto un malinteso con Bach. La ricodifica laica della Passione trasforma l'alto pathos della sofferenza religiosa in autocommiserazione profana, e al posto di Cristo si piange Ulrike Meinhof. "Che cosa rimane?" è l'intertitolo finale. La musica finale di Bach fornisce la risposta: "Ci sediamo con le lacrime". Avrebbe potuto essere un po' di più.

Passione. Tra rivolta e rassegnazione, un film di Christian Labhart. Distribuzione cinematografica LookNow.
Nei cinema dal 18 aprile

Il duo Knuth e Tucek è composto dall'attrice Nicole Knuth, cresciuta a Küsnacht in una famiglia di teatranti con radici viennesi, e dalla cantante Olga Tucek, cresciuta a Zurigo con radici ceche e formatasi come cantante classica. Secondo l'Ufficio Federale della Cultura, i due artisti trattano "le lamentele quotidiane, come l'abuso di potere o le ingiustizie sociali, in scenari e storie costruite con abilità drammaturgica, in modo critico ma anche umoristico".

Il Premio svizzero di cabaret è stato fondato nel 1993 dagli iniziatori di Thun con il nome di "Tonno d'oro". In seguito è stato ripreso e organizzato dalla KTV ATP - Vereinigung KünstlerInnen - Theater - VeranstalterInnen, Svizzera, con il nome attuale. Dal 2015, il Kleinkunstpreis fa parte dei Premi svizzeri di teatro e viene presentato nell'ambito della Borsa degli artisti svizzeri.

L'anno dell'anniversario di Leonard Bernstein (1918-1990) lo ha dimostrato in modo impressionante: Il fascino per questo musicista eccezionale è ininterrotto; è ancora molto apprezzato come direttore d'orchestra eccentrico e come riscopritore della musica di Gustav Mahler. E il compositore? La casa editrice Laaber ha dedicato a Bernstein e alla sua attività compositiva in tutte le sue sfaccettature un volume della sua rinomata collana "I grandi compositori e il loro tempo". È uno sforzo sorprendente presentare l'"enfant terrible" della scena in fila con esponenti importanti come Beethoven, Brahms o Mahler. Ma è proprio questo il fascino di questo compendio: il suo approccio oggettivo e musicologico. Non si tratta di una biografia, bensì di saggi specialistici su argomenti selezionati, cinque dei quali dedicati al compositore Bernstein, altri cinque a singole opere come il meraviglioso Salmi di Chichester.

C'è davvero molto da scoprire, soprattutto perché il saggio di Gregor Herzfeld "Alla ricerca di una musica americana" all'inizio analizza gli inizi della produzione di musica classica negli Stati Uniti. Ulrich Wilker si dedica all'opera sinfonica di Bernstein in "Crisis Scenarios and Worldview Music", mentre Nils Grosch spiega le sue "Musical Comedies". Naturalmente, ci sono anche riflessioni su Bernstein come direttore d'orchestra e sulla sua "mediazione della musica nel cinema e nella televisione" - molto prima dell'ondata educativa. Si riflette anche sul suo ruolo nella coltivazione di Mahler.

Il libro è completato da una cronologia dettagliata che inizia nel 1892 con la nascita del padre chassidico ortodosso, Shmuel Yosef. Segue un'ampia cronologia di 42 pagine della sua vita e del suo lavoro, che include anche importanti eventi politici. Il curatore Andreas Eichhorn presenta un libro interessante e variegato, con un catalogo ragionato che mostra l'ampiezza dell'opera compositiva di Bernstein, insieme al West Side Story anche se viene elencata solo una selezione.

Leonard Bernstein e il suo tempo, a cura di Andreas Eichhorn, 407 p., € 37,80, Laaber-Verlag, Laaber 2017, ISBN 978-3-89007-768-0

La raccolta di materiale di Martin Keller sul suonare la strato è il risultato dello studio intensivo dell'autore sul violino barocco, che viene tenuto con la mano sinistra e non con il mento. Per questo motivo, gran parte del libro è dedicata alla legatura e alle posizioni del collo.

La prima impressione è caratterizzata da inventiva musicale e tecnica. Una moltitudine di segreti del cambio di strato sono sviluppati in modo musicalmente stimolante. In questo modo si prendono due piccioni con una fava. Il libretto contiene molto materiale di lettura in tutte le tonalità, stili e ritmi diversi, belle composizioni originali e duetti stimolanti. Tuttavia, non ci sono brani di lunga durata che possano farvi andare avanti. La maggior parte dei problemi legati al cambio di posizione sono spiegati in modo preciso e sono suffragati da esempi significativi. Tuttavia, l'etichettatura di alcune pratiche con lettere sembra un po' intellettuale. Dovrebbero essere sostituite da nomi tecnici o figurativi chiari. La spiegazione dettagliata e la pratica della contrazione e dell'estensione sono un vantaggio. Tuttavia, non viene specificato che queste tecniche sono adatte solo alla musica lenta ed espressiva. Per i passaggi veloci, la quarta diteggiatura adatta alla rispettiva posizione non deve essere appesantita da contrazioni ed estensioni, altrimenti l'intonazione ne risente. Le sezioni sulle scale e sulle esecuzioni attraverso il circolo delle quinte a pag. 8 e 114/115 sono particolarmente riuscite (eccellenti!), Il saltatore con gli sci pag. 13 e l'introduzione alle armoniche artificiali pag. 112 e 113.

Tuttavia, al libretto mancano alcuni elementi per essere considerato una "scuola", cioè per essere didatticamente costruttivo:

1. L'esperienza elementare della tastiera, prima in tutta la sua lunghezza; oscillazione del braccio lateralmente (gomito) e in avanti-indietro, piegamenti del polso. Principio "dal grande al piccolo".
2. La consapevolezza dei diversi contatti del dito con la corda è oggetto di un capitolo a parte: a non toccare (corda vuota) quando si cambia posizione liberamente (anche come fase preliminare a c: cambiare posizione con la corda vuota suggerita per imparare a rilasciare la pressione delle dita), b scivolare come una "zanzara che pattina" (flageolet (glissando)), c glissando sciolto per il cambio di posizione come scivolamento di intonazione udibile, d diteggiatura ferma.
3. Esercizi sufficienti e brani con cambi di posizione misurando l'intervallo di cambio di posizione dell'ultimo dito della vecchia posizione ("taxi") al suo tono ausiliario ("posizione taxi") nella nuova posizione con il contatto delle dita c (vedi 2.) e solo successivamente diteggiatura risolutiva con il dito target. Allo stesso tempo, è necessario prestare attenzione all'anticipazione della diteggiatura di destinazione.
4. In questo contesto, faceva parte del programma anche il riposizionamento consapevole del dito che suona, ad esempio quando si fa scorrere una terza maggiore da ripida a bemolle e viceversa per una terza minore.
5. Uso di toni di risonanza per un'intonazione sicura.
6. Perché il libretto si limita alle prime quattro posizioni? A mio parere, ad esempio, la trasposizione di una melodia sulla stessa corda (o corde) un'ottava più alta è un'esperienza utile e chiara del restringimento della quarta diteggiatura (che in realtà appartiene alla 1.), che avviene con tutti i cambi di posizione. Inoltre, non vengono menzionati tutti gli importanti contatti della mano con lo strumento, di cui si dovrebbe essere consapevoli: a polso libero in 1a e 2a posizione, b polso in 3a e 4a posizione appoggiato al corpo, c pollice in 5a e posizioni superiori alla base del collo.
7. Il ruolo della flessione del polso in avanti e all'indietro, ad esempio quando si "recuperano" alcune note in mezza posizione dalla 2a posizione e si ritorna ad essa, che porta direttamente a suonare in posizione Paganini (vedi Philippe Borer: I ventiquattro capricci di Niccolò Paganini, il loro significato per la storia del violino e la musica dell'epoca romanticaStiftung Zentralstelle der Studentenschaft der Universität Zürich, 1997). Mostra in molti esempi che Paganini raggiunge molte posizioni (come la 1°-6°) dalla posizione della mano della 3° posizione. Questo approccio mi ha aiutato a trovare soluzioni semplici a molti passaggi difficili. Keller ha buoni requisiti, simili, ma più piccoli, con i cosiddetti cambi di pseudo-posizione, ma senza menzionare il ruolo del polso, che permette di mantenere il braccio stabile (e quindi sicuro) in una posizione. Il polso è anche il motore per suonare in mezza posizione e tornare indietro; il braccio rimane nella prima posizione.

Se l'autore raccomanda agli insegnanti una selezione personalizzata del suo materiale, essi devono essere consapevoli che il suo materiale è prezioso ma non completo.

Martin Keller, Lagenspiel auf der Geige Introduzione alle posizioni dalla 1ª (inclusa la metà) alla 4ª e ai loro problemi di alternanza, movimento e intonazione. Autoprodotto, disponibile presso l'autore per la consultazione o l'acquisto (costo della copia Fr. 22.50),
m.keller-rall@bluewin.ch

Otilie Suková, figlia di Antonín Dvořák e moglie di Josef Suk, era musicalmente dotata. Non solo suonava il pianoforte, ma scriveva anche diverse composizioni proprie, ispirate all'ambiente circostante. In una lettera Suk descrive in modo vivido e toccante come nacquero queste composizioni: "Una volta, dopo il mio ritorno da un viaggio, mi confessò che aveva anche composto alcuni brevi pezzi per pianoforte. All'inizio era imbarazzata a suonarli per me, ma quando finalmente riuscii a farglieli suonare, fu felicissima quando presi una matita e scrissi tutto come l'avevo sentito da lei".

In questo modo sono stati conservati quattro brani per pianoforte: Humoresque, Lullaby, Joschi sul cavallino e Il caro papà. Eva Prchalová li ha ora pubblicati tutti e quattro in un'edizione esemplare con Bärenreiter Prague. È la prima volta che quest'ultima appare in forma stampata. (La casa di Praga si è sempre distinta per le sue eccellenti edizioni).

I brani sono abilmente impostati per il pianoforte, moderatamente impegnativi e incantano per la bellezza del suono, le armonie distintive e un fascino tutto loro. Otilie Suková morì troppo presto, all'età di soli 27 anni, un anno dopo il suo famoso padre. Josef Suk ha reso omaggio alla moglie scomparsa con la sinfonia Asraele un imponente monumento musicale.

Otilie Suková: Pezzi per pianoforte, Urtext a cura di Eva Prchalová, BA 11557, € 8,95, Bärenreiter, Praga 2018

Con la pubblicazione delle più note sinfonie per organo di Charles-Marie Widor (1844-1937), Carus-Verlag dà un altro importante contributo all'edizione delle sinfonie per organo francesi dopo l'edizione delle opere per organo di Louis Vierne. Mentre le opere di Vierne sono caratterizzate da numerosi errori di stampa, alcuni dei quali dovuti alla scarsa vista del compositore, quelle di Widor sono caratterizzate dalla questione della versione autorevole che un editore deve scegliere. Il compositore ha rivisto più volte le sue sinfonie per organo nel corso della sua carriera, apportando ripetutamente correzioni e aggiustamenti maggiori o minori o addirittura sostituendo interi movimenti, come nel caso della Seconda Sinfonia, per esempio, dove uno "scherzo del corno da caccia" tipicamente romantico è stato sostituito da uno Saluto Regina nello stile tardo di Widor, che sembra inserirsi solo con difficoltà nel contesto degli altri movimenti. A causa di queste differenze tra le versioni, è importante decidere con attenzione quale edizione utilizzare, tanto più che su Internet o presso le case editrici americane di ristampe circolano anche le prime versioni che non corrispondono alle "ultime volontà" del compositore. Ad esempio, l'economica edizione Dover dell'integrale delle sinfonie in due volumi, molto apprezzata dagli studenti, riproduce la versione del 1887. L'usura delle lastre di stampa originali causa anche alcune difficoltà di leggibilità del testo.

Nel caso della presente sinfonia, la più famosa di Widor grazie alla sua emozionante toccata finale, la Quinta, le prime edizioni apparvero nel 1879 e nel 1887, ma furono riviste nel 1901, 1902-11, 1920 e 1928/29, con Widor che, come sempre, rivedeva il testo musicale e apportava ulteriori modifiche anche dopo l'ultima edizione. Ad esempio, il secondo movimento (originariamente in forma ABA con una ripresa integrale della sezione A e una ripetizione interna) fu ridotto di quasi 150 battute per l'ultima edizione omettendo la ripetizione e accorciando drasticamente la sezione A'; nella Toccata, Widor aggiunse articolazioni e accenti e rallentò il tempo da crotchet = 118 a 100 - un chiaro aggiustamento che può essere verificato dalla stessa registrazione di Widor del 1932, sebbene molti interpreti ancora oggi lo ignorino.

Negli anni Novanta le edizioni A-R pubblicarono negli Stati Uniti un'edizione critica completa di tutte le sinfonie, che forniva informazioni minuziose sulle differenze dei testi e delle letture, ma che ha ricevuto scarsa attenzione in questo Paese. Anche l'attuale edizione Carus di Georg Koch utilizza come fonte principale l'ultima revisione della sinfonia del 1928/29, integrata da successive correzioni manoscritte di Widor; le differenze tra le due nuove edizioni sono quindi marginali. La relazione critica fornisce indicazioni sulle letture delle versioni precedenti o sulle aggiunte provenienti dalla cerchia degli allievi di Widor (nel caso in questione, ad esempio, la copia autografa di Albert Schweitzer con un accorciamento suggerito), alcune delle quali potrebbero rappresentare alternative interessanti, ad esempio in alcune registrazioni, che Widor nel suo stile tardo ha reso meno colorite e più "chiarificate" rispetto a due decenni prima. Il lettore ha quindi a disposizione una fonte affidabile con una prefazione informativa che fornisce un quadro chiaro della genesi dell'opera e, come la sua controparte americana, è altamente raccomandata.

Charles-Marie Widor: Symphonie No. V pour Orgue op. 42,1, a cura di Georg Koch, CV 18.179, € 29,95, Carus, Stoccarda 2018

Il Pezzi di fantasia op. 43 di Niels Wilhelm Gade, un classico del repertorio clarinettistico, è stato appena pubblicato nella collana Henle Urtext. Nicolai Pfeffer ha realizzato questa bella edizione critica nella consueta qualità Henle. La prima edizione pubblicata da Kistner a Lipsia nel 1864 è stata utilizzata come fonte principale per questa edizione, con l'autografo del compositore del 1864 e una nuova edizione del 1878 pubblicata da Wilhelm Hansen, Copenhagen, come fonti aggiuntive. Tra l'autografo sopravvissuto e la prima edizione, il compositore ha apportato modifiche al tempo del primo movimento (da Larghetto a Larghetto con moto ad Andantino con moto) e alla firma temporale del secondo movimento (4/4 invece di Alla breve). Per il resto, le modifiche riguardano principalmente alcune piccole differenze nell'articolazione, nel fraseggio e nella dinamica. La partitura di questa nuova edizione è chiara e ordinata. Il testo musicale è quasi del tutto privo di note editoriali, ma in appendice è presente un dettagliato commento critico.

A differenza delle edizioni precedenti, la versione di Henle non include una parte solista per violino. Questa fu probabilmente inclusa solo nella prima edizione a causa della prassi editoriale dell'epoca, e la sua paternità non è chiara.

Niels Wilhelm Gade: Fantasiestücke op. 43 für Klarinette und Klavier, Urtext hg. von Nicolai Pfeffer, HN 1353, € 14.00, G. Henle, München 2017

La cosa bella delle buone edizioni di spartiti è che non si bruciano nel firmamento così rapidamente come tutte le stelle e le stelline della scena musicale. Mentre il marketing di queste opere grida letteralmente all'attenzione immediata (e alle cifre di vendita), nel commercio musicale si tratta dei cosiddetti long seller, ossia di prodotti a cui si torna volentieri. Questo è anche il caso del L'apprendista stregone di Paul Dukas, che è stato pubblicato da Edition Eulenburg in un formato più grande come partitura di studio basata sulle fonti e ben focalizzata.

L'opera, scritta nel 1896/97, si basa sull'omonima ballata di Goethe. Tuttavia, non sono state le numerose rappresentazioni di successo nel Vecchio e nel Nuovo Mondo ad essere decisive per la vita successiva della composizione, ma il leggendario film d'animazione di Walt Disney Fantasia (1940), in cui la partitura fu congenialmente realizzata. Ciò che qui può essere percepito ignaramente come un preciso Mickey Mousing, viene ascoltato dall'intenditore come una realizzazione quasi pittorica della ballata originale, sulla quale le immagini cinematografiche di Hollywood sono state collocate solo successivamente. Una lezione sui percorsi tortuosi della storia della ricezione. La nuova edizione della partitura (che include i versi di Goethe in traduzione inglese e francese) è quindi da accogliere con favore. - Potrebbe essere utile dal punto di vista educativo non solo oggi, ma anche a lungo termine.

Paul Dukas: L'Apprenti Sorcier, a cura di Jean-Paul C. Montagnier, partitura di studio, ETP 8081, € 24,50, Eulenburg (Schott), Mainz

L'abilità pedagogica di Kristin Thielemann, l'autrice di questa antologia, appare evidente quando si guardano le brevi trouvailles degli ultimi cinque secoli di storia della musica, che sono state compilate con cura e intelligenza. Da Tilman Susato a Handel e Verdi, fino a piccole composizioni proprie, Thielemann sa come servire ai giovani solisti musica che potranno eseguire con gioia nelle loro esercitazioni e nei loro concorsi. Sconosciuto (Danza tedesca di Johann Hermann Schein) è in armonioso equilibrio con i sempreverdi classici (Gioia, bella scintilla degli dei), la parte pianistica è semplice e può essere utilizzata anche da studenti di pianoforte interessati. Per completare l'offerta, il libretto contiene anche un CD di accompagnamento da utilizzare a casa. Un'alternativa o un'integrazione davvero valida per le lezioni con i giovani musicisti, che in questo modo possono familiarizzare dolcemente con i vari stili musicali.

Il mio primo concerto. 26 pezzi facili da recital di 5 secoli, a cura di Kristin Thielemann, ED 22326, con CD, € 18,50, Schott, Mainz 2017

Le otto danze spagnole di Pablo de Sarasate furono pubblicate per la prima volta da Simrock nel 1878. Henle le ha riunite in un unico libretto (HN 1370) e le più popolari (e più facili), Romanza andalusa, ripubblicato in un unico volume. L'Urtext segue principalmente la vecchia edizione ed è integrato con note dettagliate e numeri di battuta. La parte del violino è stampata due volte: come Urtext e con le diteggiature e le bombature significative di Ingolf Turban. Inoltre, nella parte del violino della partitura delle crome sono state inserite le diteggiature originali di Sarasate, il che è di interesse storico.

Pablo de Sarasate: Romanza andaluza, Danza spagnola n. 3 per violino e pianoforte, Urtext a cura di Peter Jost, HN 1346, € 7,50, G. Henle, Monaco di Baviera

Il compositore, suonatore di oud e arrangiatore siriano Hassan Taha non vive nel nostro Paese per sua scelta. Si è stabilito a Berna come rifugiato e ha rivolto le sue orecchie alle tradizioni musicali della sua nuova patria, alla ricerca di un ponte emotivo tra il suo Paese d'origine e la Svizzera. Secondo il libretto, il nome del suo ensemble "Brunnen & Brücken" ("Fontane e ponti") è una "metafora di una comunicazione vivace e unificante tra i popoli, trasportata, per così dire, dall'elemento primordiale dell'acqua". Il simbolismo non è immediatamente evidente, ma non viene spiegato ulteriormente. Il CD Alrozana combina canzoni bernesi e siriane, orchestrate con un ensemble di archi, corno alpino, dulcimer a martelli, Schwyzerörgeli e il liuto arabo oud. I cantanti sono la svizzera Barbara Berger e la siriana Najat Suleiman. Gli arrangiamenti di Taha sono originali, i dettagli tonali sono sorprendenti e l'ensemble di strumenti di musica popolare, prevalentemente svizzeri, suona spesso esoticamente trasformato. È evidente che si è trattato di un arrangiatore che non è caduto nella trappola di riprodurre più volte i cliché sonori e formali, che probabilmente impediscono ai musicisti di questo Paese di aprire nuove strade. L'ensemble è guidato da Hans Martin Stähli. Insegnante di musica in un ginnasio bernese e direttore di coro, ha una grande esperienza nell'arrangiamento di canzoni popolari e in progetti musicali interculturali.

I numeri, compresi quelli siriani, hanno tutti uno stile simile, mancano titoli più veloci, il che rende la compilation un po' monotona. Sono incluse le icone della canzone bernese: Simelibärg e Non è una tribù speciale, la prima fila di mucche, che - soprattutto nella versione di Friburgo del Ranz des vaches - è spesso definito il Blues delle Alpi; Sempre io Truureuna canzone profondamente triste (in chiave maggiore, tra l'altro!) e l'elegiaca Lueget vo Bärge e Tal. L'originale canzone medievale di Senfl si colloca chiaramente al di fuori della griglia È il giorno prima della foresta. L'originale è caratterizzato da una quarta lidio, che caratterizza anche la musica per corno alpino. Al contrario, la linea vocale qui cantata sembra romanticamente ammorbidita. La scelta e la funzione di questo brano, l'unico eseguito in alto tedesco, rimangono quindi un mistero. Grazie a tutte le caratteristiche chiave, sarebbe stato possibile trovare qualche altra interfaccia con il mondo delle scale differenziate della musica siro-araba.

Il maggiore di Sempre io Truure rivela l'ambiguità dell'estetica della canzone popolare bernese, che nasconde la sofferenza e il dolore con semplicità e apparente innocuità. Negli arrangiamenti di Hassan Taha, invece, le canzoni sperimentano un respiro a volte apparentemente corto, enfatizzato dall'estetica della registrazione. La stanza sembra spoglia e gli strumenti sono microfonati da vicino. Un suono più morbido avrebbe forse smorzato un po' questa implacabilità. Nel complesso, tuttavia, il progetto testimonia un'intensa e stimolante esplorazione delle somiglianze e delle incompatibilità tra l'espressività mitteleuropea e quella mediorientale.
 

Wilhelm Klingenbrunner (1782-metà del XIX secolo), che lavorava a tempo pieno come "landständischer Cassen-Beamter" presso il Landobereinnehmeramt della Bassa Austria, imparò a cantare, a suonare il flauto, il clarinetto, il corno di bassetto e la chitarra, come era consuetudine negli ambienti borghesi dell'epoca. Tuttavia, suonare musica solo per passare il tempo, come un "dilettante", non gli bastava. Era un eccellente flautista, membro della Società degli Amici della Musica, fondata nel 1812, e fu attivo nei circoli artistici viennesi del suo tempo come compositore e - con lo pseudonimo di Wilhelm Blum - anche come poeta popolare. Di lui ci sono pervenute quasi 70 composizioni di carattere non pretenzioso ma gradevole per flauto o csakan, oltre ad arrangiamenti (ad esempio dell'opera di Mozart Flauto magico) e scuole strumentali, come una "scuola di flauto in due sezioni basata sulla propria esperienza".

Le opere di questa nuova edizione sono tratte dalla "Nuova Scuola Teorica e Pratica di Csakan", pubblicata intorno al 1815. Questa ebbe una grande popolarità in breve tempo, non da ultimo per le sue istruzioni sulla tecnica del flauto dolce e sulla pratica esecutiva. Ad esempio, l'accezione contemporanea del "segno di repulsione dello staccato" recitava: "i passaggi marcati da punteggiature richiedono la speciale percussione di ogni singola nota", cioè non una nota breve come si usa oggi, ma una nota particolarmente enfatizzata.

Questa selezione, pubblicata nella collana "Diletto musicale", comprende una prefazione informativa e 25 brevi duetti di difficoltà crescente e di carattere diverso, nello stile leggero del periodo Biedermeier. Si alternano movimenti simili a canzoni e forme di danza comuni come il minuetto, il valzer, la polacca o l'angloise.

Non solo come compositore di "piccole opere popolari per il flauto e il csakan" (come il libro di Gustav Schilling Lessico musicale del 1840), Klingenbrunner sembra aver dato prova di talento. Prendeva sempre il pesce per Beethoven e per questo veniva scherzosamente chiamato "guardiano del pesce". In un'occasione, tuttavia, sembra che non abbia pescato alcun pesce fresco, al che Beethoven scrisse indispettito nel suo libro di conversazione: "Ho lo stomaco rovinato / Klingenbrunner / È per il flauto quello che Gelinek era per il pianoforte / Nient'altro che variazioni sul solito ritmo".

Wilhelm Klingenbrunner: 25 piccoli duetti dall'op. 40, per due flauti dolci in do (flauti / oboi / violini o altri strumenti melodici), a cura di Helmut Schaller e Nikolaj Tarasov, DM 1490, € 17,95, Doblinger, Vienna