Secondo il Cantone, l'elaborazione del bilancio di missione consente di approfondire questioni fondamentali. Ad esempio, se gli attuali strumenti di finanziamento siano ancora quelli giusti o in che misura la forma del consiglio di fondazione per la promozione culturale nel sistema di milizia sia ancora appropriata e opportuna. La dichiarazione di missione culturale è stata sviluppata dall'Ufficio per la cultura e lo sport in collaborazione con il Consiglio di fondazione cantonale per la promozione culturale.

Il primo passo consiste nell'analizzare l'attuale panorama culturale di Soletta per ottenere una panoramica completa della situazione attuale. Un importante punto di partenza è la conferenza culturale tenutasi nel 2017, che ha fornito informazioni essenziali sulla situazione attuale e sulle visioni future degli attori culturali di Soletta.

In quattro serate di maggio, l'Ufficio della cultura e dello sport fornirà informazioni sullo stato dei lavori. Alla presenza del consigliere cantonale Remo Ankli, capo del Dipartimento dell'educazione e della cultura, si discuteranno insieme alcuni temi selezionati. Sono invitati a partecipare personalità del mondo della cultura e della politica, nonché il pubblico interessato.

I forum regionali hanno luogo:
Lunedì 6 maggio, ore 18.00, Aula BBZ di Soletta
Giovedì 9 maggio, ore 18.00, Centro culturale Schützi Olten
Martedì 21 maggio, ore 18.00, Monastero di Dornach, refettorio
Martedì 28 maggio, ore 18.00, VEBO, Ristorante Treffpunkt, Oensingen

Il numero di posti è limitato! Si prega di iscriversi almeno una settimana prima della data dell'evento: aks@dbk.so.ch.

Samuel Steinemann, nato nel 1971, è cresciuto a Zugo e ha studiato musicologia, filosofia ed etnomusicologia all'Università di Zurigo e management culturale alla ZHAW. Durante e dopo gli studi, ha scritto recensioni musicali, testi per libretti di programmi e ha lavorato per agenzie di artisti e promotori di concerti (tra cui Tonhalle di Zurigo, KKL di Lucerna, Kartause di Ittingen).

Nel 1998 ha co-fondato la Zug Sinfonietta e tra il 2000 e il 2008 è stato direttore del Festival Strings Lucerne. Samuel Steinemann è direttore artistico del Theater Casino Zug dal 2009.

La Künstlerhaus Boswil è un centro per la musica classica, un luogo di incontro, scambio culturale internazionale, dibattito artistico e ritiro. L'accento è posto sulla nuova musica e sulla promozione dei giovani musicisti: con il Boswil Ensemble for New Music, l'Orchestra Sinfonica Giovanile dell'Argovia e l'Orchestra Giovanile del Freiamt, il Künstlerhaus sostiene tre dei propri ensemble nel campo della formazione orchestrale.

Nato in Argentina e residente nella Valle del Reno, Francisco Pablo Obieta si muove tra tradizione e avanguardia come contrabbassista solista, direttore d'orchestra e arrangiatore. Come compositore, ha prodotto più di quaranta opere, che spaziano dalla musica da camera e orchestrale, alle composizioni sacre, fino all'opera lirica, come "Destino Tango", che è stata presentata in anteprima dal Teatro di San Gallo nel 2008.

Come direttore d'orchestra e docente, ispira "giovani e anziani, professionisti e dilettanti con la sua instancabile passione per la musica" e li conduce a interpretazioni accattivanti, scrive il Cantone di San Gallo. Come insegnante di musica, ha anche pubblicato diverse opere pedagogiche che sono diventate standard per i contrabbassisti.

Viotti ha conseguito un master in direzione d'orchestra con Nicolás Pasquet, Gunter Kahlert e Martin Hoff presso l'Università di Musica Franz Liszt di Weimar fino al 2015. Dall'inizio della stagione 2018/19 è direttore principale dell'Orchestra Sinfonica Gulbenkian di Lisbona.

Viotti è nato a Losanna da una famiglia franco-italiana di musicisti. Ha studiato pianoforte, canto e percussioni a Lione. In seguito ha frequentato la classe di direzione d'orchestra di Georg Mark a Vienna e ha suonato come percussionista in varie orchestre, tra cui la Filarmonica di Vienna.

All'età di 25 anni, ha vinto il premio per i giovani direttori d'orchestra al Festival di Salisburgo del 2015, l'11° Concorso internazionale di direzione d'orchestra di Cadaqués e il primo premio al concorso di direzione d'orchestra della MDR Symphony Orchestra. Nel 2017 è stato nominato Newcomer of the Year dall'International Opera Award di Londra.

La Società Internazionale Fröhlich Brugg, fondata dalla cantante Barbara Vigfusson, è impegnata dal 2016 nell'esecuzione e nella diffusione della musica del compositore argoviese del primo romanticismo Friedrich Theodor Fröhlich (1803-1836). Attualmente esiste anche un Coro Concertistico Fröhlich Brugg, diretto dal musicista ecclesiastico Markus J. Frey, e un'associazione culturale "Fröhlich-Konzerte Brugg".

Che l'Argovia abbia prodotto il più importante compositore svizzero del primo romanticismo è noto almeno dalla dissertazione dell'insegnante di ginnasio di Winterthur Pierre Sarbach nel 1987 e dalle sue esecuzioni di Fröhlich con l'ensemble vocale pro musica. Fröhlich Missa è stata pubblicata nel 1987 nella collana "Schweizerische Musikdenkmäler", ma si è rivelata essere la copia di Fröhlich di una messa di Johann Gottlieb Naumann (1741-1801) del 1794. C'è molto da scoprire nelle opere di Fröhlich: lavori corali e per ensemble vocali ben cantati, diverse ouverture orchestrali, molte canzoni, musica da camera e pezzi per pianoforte - una Gebrauchsmusik originale nel senso migliore del termine. Tra l'altro, il suo patrimonio si trova presso la Biblioteca Universitaria di Basilea.
 

Fröhlich ha ricevuto la sua formazione musicale di base presso il "Singinstitut" di Hans Georg Nägeli a Zurigo. Inizialmente avrebbe dovuto studiare legge. Tuttavia, la vita musicale a Berlino gli esplose letteralmente addosso: partecipò a molti concerti ed entrò in contatto con i migliori musicisti dell'epoca, tra cui Felix Mendelssohn Bartholdy e Friedrich Zelter dell'Accademia di canto di Berlino. In questo ambiente, Fröhlich sperimentò anche la musica di Mendelssohn, una ripresa storicamente significativa del repertorio bachiano. Passione di San Matteo con.

Il suo Cantata della Passione La scrisse poco dopo il suo ritorno da Berlino e la eseguì ad Aarau nel 1831 - non con un'orchestra, ma con l'accompagnamento del pianoforte. Fröhlich era tornato in una terra desolata dal punto di vista musicale. Ad Aarau non c'era un'orchestra e non c'erano lezioni di musica regolari presso la scuola cantonale con cui avrebbe potuto costruirsi un sostentamento. Fondò quindi una propria scuola di canto.

I testi per il Cantata della Passionebasato sui quattro Vangeli, è stato fornito da suo fratello, il teologo riformato Abraham Emanuel Fröhlich. L'oratorio è ampio, consta di 21 numeri e non solo ha una strumentazione originale, ma Fröhlich "gioca" con essa: coro misto, coro femminile e coro maschile cantano in alternanza, più sei solisti e un'orchestra di fiati. Colpisce la linea melodica non convenzionale ma cantabile; dal punto di vista armonico, Fröhlich trova ripetutamente svolte e colori interessanti, da primo Romanticismo. L'orchestrazione è sorprendentemente buona.
 

L'oratorio di Fröhlich poteva ora essere vissuto nella Stadtkirche Brugg sotto la magistrale direzione di Markus J. Frey. Il Fröhlich Concert Choir Brugg comprendeva anche l'eccellente ensemble vocale femminile Vocembalo, diretto da Barbara Vigfusson. Ciò era chiaramente udibile nelle parti di soprano molto alte e ben intonate. Nel complesso, il coro e l'orchestra di Chaart hanno padroneggiato quest'opera con fresco vigore, buona intonazione e precise entrate fugali.

Domenica ha anche dimostrato che questo progetto di Fröhlich coinvolge musicisti validi e impegnati nella causa. Il recital canoro con il soprano Muriel Schwarz e il suo pianista Andrea Wiesli, dotato di una sottile sintonia, ha incorporato le canzoni di Fröhlich - tra cui alcune di Canzoni svizzere in dialetto - tra quelli dei fratelli Fanny Hensel Mendelssohn e Felix Mendelssohn Bartholdy. I brani in stile Biedermeier, che testimoniano l'umorismo e la gioia di vivere di Fröhlich, sono stati eseguiti con sensibilità e arguzia.

Inoltre, il violinista Sebastian Bohren e il Quartetto Stradivari hanno affrontato la prima svizzera del Quartetto per pianoforte e orchestra in re minore (1835), pubblicato da Amadeus per la prima volta; Benjamin Engeli era al pianoforte. L'opera del compositore argoviese del primo romanticismo è stata eseguita dopo il Quartetto per pianoforte e orchestra n. 1 in sol minore K. 478 di Mozart e ha dimostrato di poter reggere il confronto con Mozart. Hanno contagiato il pubblico con la loro gioia per il senso del suono e lo spirito sfrontato di Fröhlich. Sarebbe ora di promuovere maggiormente questa iniziativa di Fröhlich, significativa a livello locale e nazionale, in termini di politica culturale.
 

Susanna Cohen ed Ehud Bodner dell'Università israeliana Bar-Ilan hanno analizzato 202 musicisti orchestrali per verificare il rapporto tra lo stress da prestazione da un lato e le esperienze floreali dall'altro.

Le analisi hanno mostrato che i solisti principali e i primi solisti sono più in flusso rispetto ai secondi solisti e ai suonatori di tutti. I secondi solisti (associati ai primi) sono più stressati dei primi solisti, mentre i percussionisti sono più fluidi degli strumentisti. Secondo i risultati, anche i musicisti più anziani sono più fluidi di quelli più giovani.

Articolo originale:
Susanna Cohen e Ehud Bodner: "Flow e ansia da prestazione musicale: l'influenza delle variabili contestuali e di sfondo", Musicae Scientiae, aprile 2019, https://doi.org/10.1177/1029864919838600

In collaborazione con la Fonoteca Nazionale Svizzera e con il supporto di altre istituzioni specializzate come la Radiotelevisione Svizzera SRF e la Biblioteca Centrale e Universitaria di Lucerna, sono state elaborate professionalmente oltre 3000 biografie di artisti, 2500 ore di registrazioni sonore, servizi e immagini dei media, video e tutto il materiale promozionale.

L'archivio documenta il jazz e la musica improvvisata in Svizzera dall'inizio degli anni Novanta. La collezione audiovisiva è costituita principalmente da concerti, registrazioni audio e video registrate dal vivo dalla SRF e registrazioni presentate dai gruppi al comitato di programma.

L'archivio online sarà lanciato in occasione dell'apertura del festival di quest'anno, mercoledì 22 maggio 2019, presso il Kulturzentrum Kammgarn. All'inizio saranno accessibili alcuni anni selezionati e altri saranno aggiunti gradualmente.
 

Cosa collega la città di Berna sull'Aare con la metropoli di Odessa sul Mar Nero? Nulla, a meno che non si consideri il concerto "Odessa Classics in Bern" che si è tenuto al Forum Yehudi Menuhin nell'ambito delle Giornate della cultura ucraina. Accanto al violinista Michael Guttmann e al violoncellista Samuel Justitz, il pianista ucraino Alexey Botvinov siede al pianoforte a coda e suona in modo tale che è subito chiaro: Qualcuno ha una missione qui - Odessa Classics. Il pianista, che è spesso ospite in Svizzera ed è stato un pilastro indispensabile di molti balletti del coreografo Heinz Spoerli (Variazioni Goldberg) era ed è instancabilmente impegnato nel festival della sua città natale.

Foto: Odessa Classics

Il direttore del festival Alexey Botvinov

Il musicista, oggi 54enne, l'ha fondata in un momento in cui si stava intensificando il conflitto armato nell'Ucraina orientale, che continua tuttora. "Improvvisamente la guerra era lì. Nessuno poteva immaginarlo", racconta Botvinov, parlando della sua rabbia e della sua protesta interiore, ma anche del dolore e del lutto per le molte persone morte. "In quel momento ho pensato a me stesso: Cosa posso fare per contrastare la guerra e la terribile situazione che sta sconvolgendo tutti?". Musica! "Gli amici mi hanno detto: Quello che stai immaginando con il tuo festival è completamente irrealistico". Ma Botvinov ha fatto decollare il festival Odessa Classics, finanziato principalmente da privati, ma ora anche cofinanziato dalla città di Odessa e dalla regione. È stato organizzato con successo per la prima volta nel 2015. I quattro giorni iniziali del festival sono ora diventati nove. "Ma voglio espandermi ancora di più, fino a due o forse anche tre settimane", sottolinea Botvinov e sogna "una Salisburgo per l'Europa orientale". Questo non sembra irrealistico se si considera il crescente numero di visitatori che viaggiano da Kiev, Kharkiv, Lviv (Lemberg) e, sempre più spesso, dall'estero.

Chi si reca a Odessa dall'Europa occidentale potrebbe essere sorpreso di trovare nella giocosa città portuale del Mediterraneo gli stessi artisti e gli stessi ensemble del proprio Paese. Nel recente passato sono stati Vadim Repin, Maxim Vengorov, Dimitri Ashkenazy, Antonio Meneses e Matthias Goerne; quest'anno si incontreranno i pianisti Cyprien Katsaris e Pietro De Maria, il violinista Daniel Hope, l'Orchestra da Camera di Zurigo e il Mischa Maisky Trio. Uno sguardo al programma mostra che saranno eseguite numerose opere di Mozart, Beethoven, Rachmaninov, Chopin, Tchaikovsky, Grieg, Vivaldi e Gershwin. Sensazioni di tango ma anche composizioni di Piazzolla, Lipesker e Bernstein. Roby Lakatos e il suo ensemble rafforzano l'impressione di un festival che offre qualcosa per tutti. Quindi solo repertorio standard? "No", dice Alexey Botvinov, "dedichiamo anche un'intera serata alla compositrice georgiana contemporanea Gija Kantscheli. Ora vive ad Anversa, ma desidera venire a Odessa".

Foto: Odessa Classics

Daniel Hope (a destra) è artista in residenza

Se si vuole capire il significato di Odessa Classics, sottolinea sempre il pianista, non bisogna mai dimenticare una cosa: "L'Ucraina è diventata indipendente nel 1991. Da allora, però, nessun grande artista straniero è venuto nel nostro Paese. Artisti e compositori che sono stati a lungo conosciuti dagli europei occidentali spesso non sono familiari agli ucraini, il che vale anche per un compositore come Erwin Schulhoff, ad esempio. Per questo motivo devo cercare di mantenere un equilibrio tra il noto e lo sconosciuto. Le star sono molto importanti per il nostro pubblico. Nel recente passato sono mancate; ora dovrebbero poterle conoscere". Una di queste è Daniel Hope, che sarà Artista in Residenza a Odessa Classics per tre anni.

Nell'ambito di una serie extra con giovani musicisti ucraini di grande talento sotto il motto "Pilgrims", verranno coltivate specialità come il concerto "Spiegel im Spiegel" con opere di Arvo Pärt e Max Richter. Verrà inoltre organizzato un concorso musicale per giovani. Oltre a un premio in denaro, il vincitore avrà anche l'opportunità di esibirsi all'evento gratuito all'aperto ai piedi della Scala Potemkin, che il regista Sergei Eisenstein ha raffigurato nel suo film Corazzata Potemkin di fama mondiale. In breve: Alexey Botvinov sta tentando un gioco di equilibri con Odessa Classics. Da un lato, vuole rivolgersi al "pubblico locale, che ama e capisce la musica", e dall'altro a un pubblico dell'Europa occidentale.

Foto: Odessa Classics

Concerto alla Scala Potemkin

Oltre ai concerti principali nel teatro dell'opera magnificamente ristrutturato e nella sala filarmonica, l'attrazione principale è Odessa, la città portuale fondata da Caterina la Grande nel 1794, con il suo fascino orientale e il suo fascino meridionale. La storia dell'odierna metropoli di milioni di abitanti è tradizionalmente caratterizzata da molti popoli, religioni e arte. Alexander Pushkin disse una volta: "A Odessa si respira l'Europa". Senza l'effetto ispiratore di questa città, il poeta non avrebbe mai scritto il suo romanzo in versi. Eugene Onegin avrebbe scritto? Ma Odessa è anche la patria di violinisti leggendari come David Oistrakh, Nathan Milstein e Zakhar Bron, e di pianisti non meno leggendari come Emil Gilels, Svyatoslav Richter e Shura Cherkassky.

Sì, Odessa è irresistibile, dice Alexey Botvinov. Anche lui è costantemente sorpreso dall'atmosfera speciale della sua città natale. Durante il periodo del festival, soprattutto in occasione del concerto all'aperto: "Quando guardo i 10.000 spettatori sui gradini della Scalinata Potemkin, ogni volta è un'esperienza impareggiabile".
 

Gli abbonati alla Biblioteca cantonale della Turgovia possono ora utilizzare il servizio di streaming musicale "Freegal Music" per scoprire i brani di una collezione di oltre 15 milioni di canzoni, video musicali e audiolibri di più di 40.000 etichette musicali in tutto il mondo, tra cui Sony Music, Epic, RCA e Columbia. È possibile sfogliare le playlist o creare la propria lista dei desideri.

Con questa offerta, gli utenti possono ascoltare tre ore di musica, video musicali o audiolibri in streaming ogni giorno. Inoltre, ogni settimana è possibile scaricare gratuitamente tre brani musicali o video musicali. Il servizio può essere utilizzato direttamente tramite il sito web o un'applicazione gratuita senza alcun software aggiuntivo. Tutto ciò che serve è una tessera della Biblioteca cantonale di Turgovia.

"Come vogliamo vivere?" è il motto della Primavera di Heidelberg di quest'anno (16 marzo-14 aprile). Si tratta della parte finale della trilogia dell'Illuminismo, che negli anni precedenti si è occupata dello "straniero" e della "propria specie". Oltre ai concerti orchestrali, alla musica da camera e ai recital, il festival include anche le proprie masterclass, come l'Accademia di Musica da Camera guidata da Igor Levit e l'Accademia del Lied di Thomas Hampson, i cui risultati artistici possono essere ascoltati nel programma del festival. Il direttore artistico Thorsten Schmidt guarda al futuro, soprattutto nel cosiddetto LAB, che riunisce rappresentanti di diverse arti e sperimenta nuove forme di concerti e teatro musicale. Con la prima mondiale di Castore&Polluce il vecchio auditorium dell'Università di Heidelberg, dignitoso e rivestito di legno, ha presentato un "teatro musicale multimediale per ensemble, video arte e suono 4D", come viene definita la serata di 70 minuti. Almeno questo suona molto innovativo e come una nuova esperienza di ascolto. Nel vecchio auditorium è stato installato un pavimento a griglia. Alcune signore devono quindi cambiare i tacchi all'ingresso per evitare di rimanere incastrate nel sistema di diffusione sonora. Al centro della sala si trova una struttura di altoparlanti a otto colonne. Diversi monitor e un grande schermo in testa alla sala, dove è posizionato anche l'ensemble barocco The Rossetti Players diretto da Barbara Konrad, completano l'allestimento. Gli otto membri dell'ensemble vocale si sono mescolati al pubblico, alcuni dei quali seduti su travi di legno.

La serata è sulle tracce dell'eterno desiderio di immortalità e cerca di gettare un ponte tra l'antico mito di Castore e Polluce e l'intelligenza artificiale, tra le sonorità barocche dell'omonima opera di Jean-Philippe Rameau e il live electronics di Lukas Rehm, che ha anche girato i video della serata. Purtroppo, la produzione (Lisa Charlotte Friederich: libretto e regia; Jim Igor Kallenberg: drammaturgia) non mantiene le sue promesse. Si ingarbuglia nei numerosi riferimenti che tenta di far passare. Soprattutto, crea troppa poca presenza musicale-teatrale. Persino l'inizio è sprecato, quando Natalie Pérez racconta l'intera storia dei gemelli umano-divini Castore e Polluce in modo elementare. Il dramma musicale avrebbe potuto essere sviluppato da singole scene, come quando Castore viene ferito mortalmente e deve andare negli inferi, quando Polluce è lacerato dal desiderio e segue il fratello nell'Ade per un giorno. L'ouverture di Rameau si sente solo in un secondo momento, inizialmente suonata in maniera saltellante e maestosa dall'ensemble barocco di nove elementi, poi elaborata digitalmente e inviata attraverso gli altoparlanti. La macchina sostituisce l'uomo. Sui monitor scorrono video del massiccio di Castore e Polluce nelle Alpi vallesane, seguiti da dichiarazioni di scienziati e paesaggi puramente digitali. Gli otto cantanti si aggirano per la sala, si presentano come Castore o Polluce e parlano del Progetto Cervello Umano di Heidelberg, per il quale si sta ricreando un cervello umano come un computer gigante in un edificio di quattro piani. Le arie cantate, i duetti e i cori di Rameau possono creare singoli momenti toccanti, ma rimangono incoerenti nella sala. Nel mezzo, la musica elettronica di Lukas Rehm modella ripetutamente l'azione con paesaggi sonori svolazzanti, rumori multicolori e creazioni sonore assolutamente affascinanti con una qualità audio eccellente. Tuttavia, non c'è un contatto convincente tra i vari elementi della serata. Castore&Polluce assomiglia a un collage, assemblato da pezzi di scena che hanno troppo poco a che fare l'uno con l'altro. I personaggi di questo esperimento di laboratorio rimangono tali fino al coro finale. Che i cieux, che la terra senza volto e intercambiabili.

David Philip Heftis Media nox per flauto e orchestra da camera, invece, ha un tono molto particolare. L'opera commissionata dall'Heidelberger Frühling è il terzo lavoro del ciclo in quattro parti del compositore svizzero. Vigilanza notturna. Fin dall'inizio si dispiega un'atmosfera particolare tra calma e inquietudine, contorni sfumati e chiari, centri tonali e ambiguità di quarti di tono. Per la parte del flauto, che Tatjana Ruhland, flautista principale dell'Orchestra Sinfonica della SWR, modella con la massima arte di differenziazione, Hefti richiede tecniche esecutive moderne come i multifonici, gli slap toung percussivi e i glissandi che tirano ripetutamente il tappeto da sotto i piedi. Hefti gioca con i colori tonali quando lo stesso tono viene ripetutamente rimescolato dai diversi registri. Anche la Deutsche Radio-Philharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, sotto la sensibile direzione di Jamie Phillips, si lascia coinvolgere da questa musica fragile, che si arricchisce di molte sfumature e che di tanto in tanto emerge per un attimo dallo stato crepuscolare alla luce scintillante e fa smorfie da incubo.

Insieme a Simone Escher e Kaspar Pankow, Julia van der Waerden apre nuovamente il suo laboratorio nella Hunzikerareal di Zurigo a esperti di liuteria, musicisti attivi e altri interessati. Saranno ospiti alcuni dei migliori archettai europei. Oltre a Kaspar Pankow da Zurigo, arriveranno Doriane Bodart, Josephine Thomachot e Pierre Nehr da Parigi, Verena Schauer da Londra, Jutta Walcher da Oxford e Andrea Proietti da Cesena.

Oltre alla mostra, è previsto un programma di supporto con concerti (Duo Gehweiler, Gadjolinos), conferenze (Kaspar Pankow, Thomastik Imfeld), prove di suono (Marc Luisoni e Ronny Spiegel) e una cena nel laboratorio con la violinista Nina Ulli.

Programma, date, orari e luogo: werkplatzgeige.ch
 

Come annunciato dalla Cancelleria di Stato del Vallese il 18 aprile, nel 2018 il Consiglio di Stato ha istituito il "Premio Vallese per la Cultura e l'Economia" sulla base di un'iniziativa congiunta del Dipartimento della Sanità, degli Affari Sociali e della Cultura e del Dipartimento dell'Economia e dell'Educazione. L'obiettivo era quello di onorare e riconoscere l'impegno di un'istituzione, un'azienda o un evento che dedica le proprie attività allo sviluppo culturale ed economico. Il premio, dotato di 20.000 franchi svizzeri, viene assegnato annualmente.

I criteri di selezione decisivi sono: "originalità, qualità e carattere esemplare delle produzioni e delle realizzazioni riconosciute dagli ambienti culturali ed economici; portata e richiamo a lungo termine a livello nazionale e internazionale; impatto culturale ed economico per il Vallese; modello di finanziamento solido e a lungo termine".

La Cancelleria di Stato continua: "Nel 1974, il musicista ungherese György Sebök fondò un festival musicale a Ernen. Per lui, il villaggio era un'oasi di cultura e musica, lontano dal caos e dalla frenesia: grande musica in un ambiente semplice. Un concetto plausibile con il quale ha riunito musicisti eccezionali. Oggi il festival musicale organizza anche una settimana di letteratura e un laboratorio di scrittura. Anche se la morte del fondatore (1999) può essere un momento difficile per un festival di questo calibro, l'associazione Musikdorf Ernen ha saputo portare avanti il suo lavoro. L'associazione continua quindi a dare un importante contributo all'immagine musicale del Vallese. Inoltre, contribuisce in modo significativo all'attrattiva del comune di Ernen e della regione. Come forte segno di riconoscimento, l'associazione ha ricevuto il Prix Montagne nel 2013.

L'associazione copre circa tre quarti del suo budget di 770.000 franchi attraverso la vendita delle sue produzioni, le sponsorizzazioni, i mecenati privati e i contributi diretti dei suoi 470 membri. I comuni di Ernen e Briga, il Cantone e la Loterie Romande contribuiscono per poco più di un quarto, per un totale di 200.000 franchi (2018). Queste quattro fonti di finanziamento garantiscono al villaggio musicale stabilità e longevità. L'associazione finanzia così mezzo milione di franchi di salari e servizi in Vallese. Gli organizzatori stimano il valore aggiunto diretto per l'economia regionale a circa 2 milioni di franchi."
 

Tradizionalmente, il campione svizzero in carica può partecipare al concorso annuale come rappresentante della Svizzera e competere per il titolo di Campione Europeo di Brass Band. La Valaisia Brass Band, campione europeo in carica, ha vinto il Concorso svizzero per ottoni lo scorso autunno. Tuttavia, era già pre-qualificata per il Concorso europeo per bande d'ottoni del 2019, il che significa che anche la BML, in qualità di seconda banda svizzera, ha diritto a un posto di partenza. 

Il Concorso europeo per bande di ottoni si svolge ogni anno in un Paese diverso e quest'anno si tiene a Montreux, in Svizzera. La BML è stata la prima banda svizzera a vincere il concorso a Perth (Scozia) nel 2014.

Più di 60 candidati si sono presentati per succedere al direttore artistico di Lucerna Benedikt von Peter, che si trasferisce al Teatro di Basilea. Il Consiglio di Fondazione del Teatro di Lucerna ha eletto all'unanimità il futuro direttore artistico. Il suo contratto copre inizialmente le stagioni dal 2021/22 al 2025/26.

Nonostante il gran numero di candidature, il comitato di selezione ha deciso di nominare direttamente il futuro direttore artistico. Karr è nata a Stoccarda nel luglio 1968 e ha studiato musica, musicologia e storia della letteratura tedesca moderna. Drammaturga e project manager per la musica contemporanea e il teatro musicale, ha lavorato al Nationaltheater Mannheim prima di passare al Teatro di Stato di Oldenburg come direttrice d'opera e infine al Teatro di Stato di Magonza come capo drammaturgo per l'opera.

Nel 2018, Ina Karr è stata anche drammaturga di produzione al Festival di Salisburgo per l'opera di Mozart "Il flauto magico". Sviluppa nuovi lavori nel campo del teatro musicale per il pubblico giovane, pubblica su riviste specializzate ed è regolarmente membro di giuria.

Il compito principale della posizione è quello di attuare il mandato strategico del Consiglio comunale di posizionare Winterthur come città della cultura. Secondo il comunicato stampa, "il primo passo sarà la compilazione di una panoramica delle attività di marketing degli attori culturali di Winterthur, al fine di dare priorità alle misure nel settore del marketing culturale globale". Allo stesso tempo, come misura iniziale, verrà lanciato un pass digitale per i musei di Winterthur, in sostituzione dell'attuale pass analogico.

Laura Bösiger, 32 anni, vive a Winterthur da 13 anni. Ha studiato giornalismo e comunicazione organizzativa e ha una vasta esperienza di progetti nei settori della cultura, della comunicazione, della gastronomia, degli eventi e del marketing. Laura Bösiger è stata co-direttrice del Festival musicale di Winterthur per tre anni e lo sarà fino alla fine del festival di quest'anno.