Davide Rizzitelli e Atilla Bayraktar hanno fondato la band "Vals" nell'estate 2018 per sperimentare nuovi metodi di produzione musicale. Lavorano con vecchi nastri al posto dei sequencer dei computer, con cassette e tape loop al posto dei campionatori e incorporano anche aspetti visivi. Una borsa di lavoro "riconosce il potenziale lungimirante e sostenibile di questa combinazione di elementi nostalgici e futuristici", scrive la città.

Charles Uzor sta lavorando da tempo al suo terzo progetto operistico, incentrato su Leopoldo II, re del Belgio e proprietario della colonia privata del Congo. Secondo la città, il progetto è "ancorato al presente nella sua rivalutazione del colonialismo e delle immagini di carnefici e vittime" e ha il potenziale per affascinare il pubblico attraverso l'ambivalenza, la suspense e motivi credibili.

Inoltre, la città fornirà borse di studio a Tine Edel (belle arti), GAFFA (Dario Forlin, Wanja Harb, Linus Lutz, Lucian Kunz) (arti applicate), Priska Rita Oeler (belle arti) e Juliette Uzor (danza).

"Il repertorio è una questione di vita". Eric Ericson, la leggenda svedese dei cori, ha vissuto come nessun altro questo credo sempre valido e lo ha trasmesso con convinzione ai suoi studenti (compreso l'autore di questo testo). Nella loro ricerca di un repertorio emozionante, i direttori di coro troveranno delle vere e proprie miniere di tesori nelle nuove raccolte qui presentate, con musiche del Lussemburgo e della Francia, oltre a opere di oratorio di J. S. Bach.

Le opere vocali sacre del compositore lussemburghese Laurent Menager (1835-1902), relativamente sconosciuto dalle nostre parti, sono state pubblicate in un'edizione esemplare dal Verlag Merseburger come terzo volume della grande edizione critica completa nell'ambito del progetto di ricerca "Musique luxembourgeoise" dell'Università di Lussemburgo.

Menager studiò con Chopin e con Ferdinand Hiller, amico di Mendelssohn, a Colonia a metà del XIX secolo. La sua musica da chiesa si colloca nella tradizione dei tardo-romantici tedeschi ed è caratterizzata da un trattamento semplice del testo e dalla preferenza per una scrittura omofonica-sillabica. Il volume contiene molte opere a cappella tedesche e latine (alcune anche con accompagnamento d'organo) di bella sonorità, brevi e di facile esecuzione, ideali per la liturgia cattolica come inni, inni mariani e composizioni Tantum-ergo.

In Musica corale francesepubblicato da Carus-Verlag, non solo i direttori di cori cattolici troveranno un repertorio sacro stilisticamente ampio con alcune opere note, ma soprattutto molte nuove scoperte e prime edizioni degne di nota. Le opere in latino e francese, molte delle quali con accompagnamento d'organo, sono per la maggior parte non particolarmente difficili, principalmente a quattro voci con divisioni aggiuntive in piccole parti e possono essere utilizzate sia in ambito interconfessionale che concertistico. L'editore Denis Rouger, professore di direzione corale a Stoccarda, ha potuto attingere alla sua pluriennale esperienza come direttore delle chiese parigine di Notre-Dame e La Madeleine per questa amabile compilazione e completa l'edizione con un CD di opere selezionate, splendidamente cantate dal suo coro da camera Figure Humaine.

Negli ultimi anni, le edizioni Urtext di Breitkopf & Härtel hanno fornito un eccezionale tesoro di repertorio oratoriale: sia che si tratti di nuove edizioni di "blockbuster" come l'opera di Handel, sia che si tratti di nuove edizioni di opere di grande successo. Messia (edizione critica altamente raccomandata con molte nuove prospettive, partitura PB 5560) o la Messa in do minore di Mozart (sensibile ricostruzione di Clemens Kemme, PB 5562), ma anche opere di recente scoperta incentrate su Bach che meriterebbero esecuzioni più frequenti.

Particolarmente degne di nota sono le nuove pubblicazioni del compositore barocco boemo Jan Dismas Zelenka, molto apprezzato da J. S. Bach. Entrambi i suoi Miserere Do minore (ZWV 57, PB 5594), così come il suo Missa votiva (ZWV 18, PB 5577) sono capolavori della sua musica da chiesa per la Hofkirche di Dresda. Si accontentano di un'orchestrazione poco costosa (due oboi, archi e basso continuo) e tuttavia sono ricchi di forma e colore.

Le opere di Johann Kuhnau, diretto predecessore di Bach alla chiesa di San Tommaso a Lipsia, offrono una riscoperta davvero gratificante. La sua recente pubblicazione Magnificat con intermezzi natalizi è un vero arricchimento per i concerti natalizi con solisti, coro e orchestra (EB 32108).

Tra le Passioni di Bach, la loro riscoperta e l'opera di Carl Loewe L'espiazione della nuova alleanza è l'oratorio della Passione, della durata di un'ora, che non è troppo difficile da eseguire. Getsemani e Golgota L'ambientazione, testualmente vivace e gradevole, ricorda Mendelssohn con i suoi cori opulenti, contiene solo poche arie e coinvolge la congregazione con i corali della Passione. Un interessante arricchimento per i concerti della Passione, ma anche ideale come musica del Venerdì Santo nelle funzioni religiose.

Laurent Menager: Opere vocali sacre per coro misto SATB, coro maschile TTBB, voci soliste e duo, (=Edizione critica completa Volume 3), a cura di Alain Nitschké e Damien Sagrillo, partitura, EM 2600, € 140,00, Merseburger, Kassel 2018

Musica corale francese, 45 cori e mottetti sacri dal XV al XXI secolo, a cura di Denis Rouger, volume per direttori di coro con CD, CV 2.311, € 27,90, Carus, Stoccarda 2018

Johann Kuhnau: Magnificat in do maggiore con intermezzi per l'esecuzione nel periodo natalizio, a cura di David Erler , partitura, PB 32108, € 54,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2018

Sfogliando per la prima volta il libro, che pesa 1,2 kg, si apprezzano le illustrazioni e si ha subito una visione sorprendente della ricca vita di Costanza con le date a partire da p. 601 e il capitolo finale sull'interpretazione di Costanza come persona. Il libro si legge quindi come un romanzo appassionante, strutturato artisticamente come un'opera lirica in ouverture, intermezzi e quattro atti con molti riferimenti incrociati grazie ai capitoli numerati - ma è un'opera erudita! Innumerevoli testimoni contemporanei documentano in modo autentico tutti gli eventi, le circostanze familiari, culturali e politiche, dai suoi antenati alla giovinezza, ai 10 anni con Mozart, ai 29 anni con Nissen e ai 16 anni da doppia vedova fino alla morte all'età di 80 anni: Come Mozart incontra la famiglia Weber a Mannheim, come gli amanti devono difendersi dal padre Leopold, la grande collaborazione e gli emozionanti viaggi con Mozart nonostante le numerose gravidanze e malattie, le sue capacità canore e pianistiche, la drammatica morte di Mozart con la tomba introvabile e il Requiem, i suoi famosi salotti, la lotta per la pubblicazione delle opere di Mozart, la cura dei due figli Carl e Franz Xaver Wolfgang, l'incessante e laborioso matrimonio con Nissen a Copenaghen, Vienna e Salisburgo, la cura delle sorelle e della cognata Nannerl, e infine l'ultima lotta che portò alla fondazione del Mozarteum di Salisburgo. Tutte le fonti raccolte dall'autrice in tutta Europa sono valutate da lei stessa in base alla loro credibilità. Non è solo una biografia di Constanze, ma copre l'intera vita di Mozart. Il libro è una rivendicazione di questa donna a lungo incompresa.

Viveca Servatius: Constanze Mozart. Una biografia, traduzione dallo svedese di Krister Hanne, 653 p., ill., 80 p. Note, 28 pp. Fonti e letteratura, 14 p. Indice delle persone, € 50,00, Böhlau, Vienna et al. 2018, ISBN 978-3-205-20596-8

Ovunque si apra il libro, è sempre possibile una sorpresa, soprattutto se si è piuttosto prevenuti nei confronti della "grande musica classica". L'ascoltatore di musica multiculturale, autore e presentatore Roger Willemsen riesce ogni volta a "propinare" al lettore le sue "dichiarazioni d'amore per la musica" in modo eloquente e senza frivolezze da esperto, così che si diventa (giustamente) ancora più consapevoli dei decenni di unilateralità. In cinque capitoli, vengono offerti stati d'animo, ritratti, confronti tra "musica classica e jazz", oltre che con la world music e l'incidentale, focalizzati in modo diverso, ma soprattutto in una combinazione di conoscenze storiche applicate con parsimonia ed esperienza musicale personale. I suoi punti focali sono John Coltrane, che "forse ha esplorato l'universo musicale più estesamente di chiunque altro prima o dopo di lui", e il jazz in tutte le sue sfaccettature. Tuttavia, non si preoccupa principalmente di descrivere la musica, ma di "esplorare le sensazioni" che si provano ascoltando la musica; e qui ha a disposizione un vocabolario meravigliosamente ricco. Ma anche le esplorazioni più differenziate non sono nulla senza il suono corrispondente; come se il menu vi fosse stato descritto in termini fioriti, ma non aveste potuto mangiare nulla. Dopo aver letto i commenti di Willemsen, potete verificare immediatamente se si applicano a voi: Quasi tutti i titoli citati possono essere ascoltati su YouTube, peraltro (ancora) gratuitamente.

Le più grandi scoperte sono possibili. Nelle 50 combinazioni di classica e jazz, Willemsen accosta brani che rivelano interessanti somiglianze nell'esplorazione delle emozioni: lo staccato di Lennie Tristano dopo l'allegro in sol maggiore di Muzio Clementi, per esempio, o la tromba avventurosamente agile di Cherokee di Arturo Sandoval, dopo il brano di Niccolò Paganini Moto perpetuo ascoltato. Il Notturno con il Quintetto di Teddy Charles a confronto con il terzo dei cinque pezzi orchestrali di Anton Webern. Può darsi che alcuni confronti suscitino incomprensione o che si notino ripetizioni, che non ci si voglia "preparare a un attacco al centro sentimentale", che alcuni giudizi indotti dall'emozione sembrino un po' troppo disinvolti o che la "presa in giro per salutare" Rex Gildo sia superflua. Ma l'informazione sulla pianista "largamente dimenticata" Jutta Hipp arriva giusto in tempo per l'attuale discussione sulla revisione della legge sul diritto d'autore: poco prima della sua morte, qualcuno si è accorto che aveva diritto a 40.000 dollari di diritti d'autore per i dischi venduti dopo la fine della sua carriera. Anche i mezzi di distribuzione di oggi hanno una tale memoria a lungo termine?

Infine, una stranezza: Jacques Loussier, che per la nostra generazione ha avuto un'importanza non indifferente in termini di "allargamento degli orizzonti", non viene menzionato. All'inizio degli anni Settanta, nello studio radiofonico di Berna, sulla scheda "Loussier, Jacques - Play Bach" era ancora scritto che questi dischi potevano essere utilizzati nel programma solo "dopo aver consultato il responsabile del dipartimento musicale". Chiaramente, quando Willemsen (nato nel 1955) si trovò a sentire Loussier che suonava Bach, non fece più scalpore.

Roger Willemsen: Musica! Über ein Lebensgefühl, 512 p., € 24,00; S. Fischer, Francoforte 2018, ISBN 978-3-10-397383-9

Due anni fa, Michael Behrendt ha dedicato il suo libro Non mi piace il lunedì. I 66 più grandi equivoci canori interpretazione errata del contenuto delle canzoni. Il giornalista musicale tedesco ha usato soprattutto questo per descrivere le canzoni e la loro genesi. Il suo nuovo lavoro segue lo stesso schema Provocazione! Canzoni che hanno fatto scalpore. In 296 pagine, Behrendt presenta un totale di 70 canzoni che hanno suscitato scalpore e clamore al momento della loro pubblicazione. Secondo l'autore, la selezione "volutamente incompleta e soggettiva" inizia con il brano di Claire Waldoff Herrmann ha fatto il giro del mondo Quando il pubblico credette improvvisamente di riconoscere in questo pezzo frivolo e sfacciato una frecciatina a Herrmann Göring, questo portò alla fine della carriera dell'artista berlinese. Dal punto di vista del contenuto, Billie Holiday Frutto strano (1939), in cui la cantante jazz statunitense racconta degli strani frutti che pendono dagli alberi negli Stati del Sud. Allusione schietta agli oltre 4.700 linciaggi di neri registrati tra il 1882 e il 1968, la Holiday fu cacciata dalla città quando tentò di eseguire il brano a un concerto a Mobile, in Alabama.

Nella sua pubblicazione, Behrendt tocca soprattutto storie note che oggi sembrano innocue, che non presenta in modo molto approfondito: C'è Dylan, che incontra resistenza quando passa dalla chitarra acustica a quella elettrica, e ci sono anche gli Who, che nel 1965 nel loro singolo La mia generazione proclamare che è meglio morire giovani. Infine, il libro è dedicato anche al gangsta rap, che a volte tende non solo a glorificare la violenza, ma anche ad avere tendenze antisemite o omofobe, che l'autore condanna con la massima fermezza. La principale constatazione di Behrendt, secondo cui i confini di ciò che è accettabile si spostano continuamente, è indubbiamente vera, ma è tutt'altro che nuova. Conclusione: lettura Provocazione! Canzoni che hanno fatto scalpore si rivela divertente, ma non è un obbligo.

Michael Behrendt: "Provocazione! Songs, die für Zündstoff sorg(t)en", 296 p. € 20,00 wgb Theiss, Darmstadt 2019, ISBN 978-3-8062-3922-5

Porta un nome famoso che ha un sapore particolare, e non solo in Austria: Johanna Doderer è la nipote di Heimito von Doderer, l'autore del romanzo Lo Strudelhofstiege e altri capolavori letterari. Può anche vantare un'opera notevole. Nata a Bregenz nel 1969, la compositrice ha scritto numerose opere che spaziano dalla musica da camera e sinfonica fino alla grande opera. I riconoscimenti e la risonanza non mancano. Johanna Doderer è già stata insignita di importanti premi e riconoscimenti. In occasione del centenario della Repubblica d'Austria nel 2018, l'Orchestra Filarmonica di Vienna ha persino eseguito parti della sua seconda sinfonia all'Opera di Stato.

Tuttavia, una delle sue opere più recenti lascia un po' perplessi. Tutto scorre per pianoforte solo (DWV 109) è stato commissionato dal Concorso Pianistico Internazionale Beethoven ed è stato eseguito in anteprima alla cerimonia di apertura. Secondo Doderer, il titolo intende riflettere la fusione dei temi musicali. È difficile dire se siano stati incorporati anche impulsi dalla musica di Beethoven. Ci sono alcuni momenti patetici, ma in generale dominano le figure di accompagnamento su piccola scala, ripetute nello stile della musica minimale. Di tanto in tanto si intensificano in climax emotivi, ma per lo più la musica è al centro della scena. Questo nonostante il flusso ritmico prevalga quasi sempre.

La tessitura pianistica è incoerente: cascate virtuosistiche sapientemente collocate si contrappongono a passaggi banali che risultano stranamente goffi (la battuta 173, ad esempio, può essere suonata ragionevolmente bene solo da persone con braccia lunghe). (La battuta 173, ad esempio, può essere suonata ragionevolmente bene solo da persone con braccia lunghe). Nell'ultima pagina c'è una nota che potrebbe essere stata scritta da Beethoven: "... con il più sentito sentimento". Curiosamente, c'è anche uno sfogo in triplo forte. C'è forse dell'ironia?

Il brano termina - come la sonata per pianoforte di Beethoven con lo stesso numero d'opera - in puro Mi maggiore... e lascia tutte le domande senza risposta.

Johanna Doderer: Alles fliesst (Tutto scorre) DWV 109, per pianoforte solo, D. 01 699, € 14,95, Doblinger, Vienna 2018

Non c'è dubbio che la scuola trombettistica francese, con il suo motore Maurice André, abbia influenzato molte generazioni di trombettisti come nessun altro. Già ai tempi della mia giovinezza, il grand seigneur de la trompette era onnipresente: dominava il mondo della tromba classica quasi da solo, proprio come Miles Davis ha plasmato il jazz.

Non sorprende quindi che Jean-François Dion abbia ritenuto che i tempi fossero maturi per dedicare un omaggio agli esponenti di questa scuola trombettistica francese. In 15 piccoli pezzi individuali, egli dipinge un quadro musicale dei dedicatari (da Roger Delmotte a Bernard Soustrot e Antoine Curé). Chi conosce bene i maestri non potrà fare a meno di sorridere mentre ascolta queste gemme, a volte simili a un etude. Le citazioni barocche in Maurice André da un lato, gli elementi aleatori e i cambiamenti degli ammortizzatori per Antoine Curé d'altra parte, sono probabilmente un po' audaci - l'inizio di Guy Touvron d'altra parte, ricorda sottilmente il rumore del mulino davanti a casa sua - una bella prova della familiarità del compositore con i suoi colleghi. È anche bello che ogni maître sia brevemente presentato in appendice con una foto e una biografia - ma è un peccato che manchino grandi come Pierre Thibaud o Eric Aubier, che avrebbero meritato non meno adulazione.

Jean-François Dion : La trompette française - 15 portraits musicaux, per tromba sola, TP 348, Fr. 20.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

Nell'ottobre 2017 è venuto a mancare troppo presto, dopo una grave malattia, il violoncellista zurighese Daniel Pezzotti, personalità musicale straordinariamente versatile: dopo essersi diplomato con lode al Conservatorio di Zurigo con Claude Starck, nel 1986 è diventato membro dell'Orchestra dell'Opera di Zurigo (oggi Philharmonia di Zurigo), ha suonato in numerose formazioni e ensemble di musica da camera e ha sviluppato anche una carriera solistica di ampio respiro. Il suo repertorio comprendeva l'intera letteratura per violoncello, dal barocco alla musica contemporanea. Conosciuto come appassionato esecutore di jazz, come docente di violoncello jazz presso l'Università delle Arti di Zurigo ha ispirato numerosi studenti di musica in questo campo.

Il sassofonista e compositore jazz svizzero di New York Daniel Schnyder ha lavorato spesso con Daniel Pezzotti e ha composto un delicato brano per violoncello (viola) e pianoforte in occasione della sua morte. Schnyder scrive nella prefazione all'edizione: "La musica si riferisce alla prima strofa della cantata Vieni dolce morte di J. S. Bach. Ad aeternam riflette il canto della vita, che cambia continuamente e che all'improvviso, contrariamente a tutte le aspettative, prende una strada diversa da quella che pensiamo".

La registrazione della prima mondiale di ad aeternam alla Wigmore Hall di Londra con Christoph Croisé, violoncello, e Alexander Panfilov, pianoforte, è disponibile su Youtube:

Daniel Schnyder: ad aeternam - In memoriam Daniel Pezzotti, per violoncello (viola) e pianoforte, GM-1939, fr. 16.80, Edition Kunzelmann, Adliswil 

Nel 2016, Denis Herlin ha pubblicato una nuova edizione dei quattro libri di François Couperin Pièces de Clavecin iniziato. Ora il Secondo libro (1717), che pubblicò sulla base delle fonti e dei risultati delle ricerche più recenti e con la stessa cura del primo libro (si veda la mia recensione nel SMZ 6/2017, p. 19). Il volume contiene giustamente anche gli Huit Préludes e l'unica Allemande del libro di testo di Couperin. L'arte di toccare il clavicembalo (1716/1717), poiché, al di là della vicinanza cronologica delle due stampe, vi sono alcuni riferimenti incrociati tra di esse.

Anche in questo caso si è tenuto conto della tradizione manoscritta, delle numerose ristampe e nuove edizioni e degli arrangiamenti contemporanei. La Prefazione e la Relazione critica forniscono informazioni non solo su tutte le fonti disponibili e sui passaggi degni di discussione, ma anche sulla storia della composizione, su alcuni titoli di opere, sugli strumenti adatti e sui problemi pratici di esecuzione. Inoltre, il curatore ha seguito l'impaginazione della stampa originale, il che aiuta a evitare il più possibile i punti di svolta (poco pratici), ma nel formato più piccolo della nuova edizione porta talvolta a una partitura in cui tutto sembra riprodotto in caratteri piccoli. Chiunque sia disposto a sopportare questa situazione è caldamente invitato ad acquistare questa edizione; chi non lo è dovrebbe almeno guardarla per i testi in inglese e francese (il commento critico è solo in inglese).

François Couperin: Pièces de Clavecin. Secondo livre (1717) con 8 Préludes e 1 Allemande da "L'Art de toucher le Clavecin" (1716/1717), a cura di Denis Herlin, BA 10845, € 46,95, Bärenreiter, Kassel 2018

Théodore Gouvy (1819-1898), nato a Goffontaine vicino a Saarbrücken, al confine tra Prussia e Francia, fu attivo come compositore e direttore d'orchestra in entrambi i Paesi. Fu particolarmente apprezzato in Germania per le sue opere sinfoniche e in Francia per la sua musica da camera.

Il Sérénade vénitienne per viola e pianoforte, dedicato al violinista belga Louis van Waefelghem nel 1875, è un pezzo piacevole ma ritmicamente impegnativo di quattro minuti in mi minore, che termina in un radioso e dolcemente esalante mi maggiore. La viola sospira su onde di semicrome armonicamente ricche e mutevoli del pianoforte. Canta in ampi archi, che sono accuratamente differenziati in termini di dinamica e agogica, con note di trenta secondi strascicate o in levare. La gamma tonale rimane nelle tre corde inferiori e si realizza al meglio nel registro di mezzo-terzo.

La Ponticello Edition - fondata nel 2009 e specializzata in letteratura per archi e in particolare per violoncello - merita un grande plauso per aver reso accessibile questo gioiello dimenticato.

(Louis) Théodore Gouvy: Sérénade vénitienne per viola e pianoforte, a cura di Wolfgang Birtel, PON 1034, € 10,95, Ponticello Edition, Mainz 2018

Quando si parla di trio di corni, si pensa immediatamente alla famosa opera 40 di Johannes Brahms, che negli anni Ottanta ha ispirato György Ligeti a scrivere il suo rivoluzionario trio. Omaggio a Brahms di comporre. Anche i compositori "modernisti moderati" tentarono ripetutamente di seguire le orme di Brahms. Tra questi, Charles Koechlin con il suo sognante preziosismo Quatre petites Pièces op. 32 del compositore inglese Lennox Berkeley e dell'australiano Don Banks, che hanno contribuito ad arricchire questo genere.

Edition Bim, l'editore di musica per fiati lodevolmente attivo nella Svizzera occidentale, ha pubblicato un trio per violino, corno e pianoforte dell'americano Richard Lane (1933-2004), autore di tutta una serie di opere per orchestra, orchestra di fiati e pezzi solistici per strumenti a fiato. Il trio, della durata di undici minuti, affascina per il suo vivace gioco tra i tre strumenti e per le sezioni libere e liriche nell'Adagio del secondo movimento.

L'inglese John Frith porta il suo amore per il trio di Brahms in questo nuovo lavoro per la stessa strumentazione. Ancora praticante di corno, conosce i vantaggi tonali del suo strumento, che qui colloca nel registro meglio suonante con gli altri strumenti.

Richard Lane: Trio, per violino, corno e pianoforte, partitura e parti MCX75, Fr. 25.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

John Frith: Horn Trio, per violino, corno e pianoforte, E717, £17,95, June Emerson Wind Music, Ampleforth

La cantante inizia con un gesto che sale e scende rapidamente, il clarinetto la imita e così via, alternandosi. In breve tempo, il gesto cambia, le voci si intrecciano, si sfregano l'una contro l'altra e continuano a salire fino a bloccarsi sulla nota più alta. Seguono brevi e tranquille ripetizioni e infine una semplice canzone popolare slovacca, un canto ululante. Da ascoltare nel Canzone dei prati di Iris Szeghy. La compositrice slovacca, che vive e lavora a Zurigo dal 2001, sa come prendere un materiale così semplice - l'imitazione è in effetti la più antica arte musicale - e sviluppare una forma coerente in uno spazio ridotto. Sulla base di queste esperienze, molti anni fa l'ho definita una maestra della piccola forma, che non si è lasciata sfuggire l'occasione di creare anche grandi sequenze. E così sia. Per quanto riguarda le opere epicamente espansive, non le troverete in questo CD, che ha registrato con il trio slovacco Sen Tegmento. Il soprano Nao Higano, il clarinettista Martin Adámek e la pianista Zuzana Biščáková offrono un'esecuzione incredibilmente bella. Solo la pronuncia tedesca è a volte un po' sconnessa.

Il modo in cui Szeghy condensa e formula succintamente la musica, senza alcuna pressione ad innovare, basandosi su materiale familiare, è qui splendidamente dimostrato. A volte inizia con suoni semplici, quasi banali, per poi portarli all'estremo, in gesti teatralmente esaltati. Ad esempio, il brano per pianoforte si sviluppa da un sordo martellare Perpetuum mobile a cascate sgargianti. In Folclorico a una lenta cantilena del clarinetto si contrappongono gli orientalismi del pianoforte, che esplodono nuovamente in violente esplosioni. Questo ha le sue insidie, perché rischia di sconfessare quanto stabilito all'inizio, ad esempio quando una delle "Schegge d'Assia" (basate su frammenti di Hermann Hesse) si distorce sarcasticamente in una fragorosa risata sull'immortalità. Non tutti i pezzi sfuggono alla placidità. Questo è il pericolo di una rappresentazione non solo suggestiva, ma anche troppo esplicita.

Particolarmente suggestiva è l'ambientazione del brano di Paul Celan Salmo per la sola voce. Tra sussurri, bisbigli, discorsi e canti cupi, la poesia, così commovente e vuota, si dispiega, fiorisce per un attimo, come la centrale "Niemandsrose" - e poi sprofonda di nuovo. Il Invocazione dell'Orsa Maggiore Ingeborg Bachmann conclude il CD: Nel silenzio morto, la musica si diffonde con leggerezza e serietà.
 

Ingo Laufs - Non ci si può lamentare del fatto che il termine "digitalizzazione" sia raramente utilizzato nel linguaggio quotidiano. Quali sono le possibili applicazioni, gli sviluppi e i vantaggi che la digitalizzazione comporta per lo studio in conservatorio? L'Università di Musica Kalaidos ha esplorato questa domanda mettendo alla prova, per così dire, l'intero complesso della teoria musicale.

Nel corso di una lunga fase di lavoro, è stato sviluppato un sistema per le singole aree della teoria musicale (composizione, formazione auditiva, analisi auditiva e stilistica, teoria e analisi della forma, acustica, strumentario e storia della musica (con gli adattamenti dell'area jazz/pop)) che combina diversi tipi di insegnamento. Ciascuna delle aree menzionate è costituita da unità didattiche con pesi diversi e crediti ECTS diversi, e ogni unità didattica consiste in un complesso di lezioni individuali, lezioni di gruppo, lezioni con docenti e lezioni senza docenti, oltre a una percentuale relativamente alta di studio autonomo.

Il materiale didattico è a disposizione dei partecipanti per un certo periodo di tempo attraverso il portale di comunicazione interno; ciò significa che gli studenti possono accedervi più volte e utilizzarlo come supporto. La maggior parte di questa situazione sarà insegnata online e anche gli esami saranno possibili in questo modo. Gli studenti potranno quindi presto ricevere le lezioni di teoria e scrivere gli esami comodamente da casa o dalla propria aula di studio, il che non è assolutamente sinonimo di mancanza di controllo. Monitoraggio significa seguire i progressi dell'apprendimento, garantire la padronanza della materia, cioè un supporto che va oltre la differenziazione tra soluzioni "corrette" e "possibili" o addirittura "errate". Quest'ultima può essere facilmente risolta tecnicamente rendendo visibili al discente le possibili soluzioni. D'altra parte, è necessario un feedback annotato; deve essere possibile comprendere il giusto e lo sbagliato all'interno di un quadro di riferimento estetico. Insieme ad alcuni dei suoi partner di cooperazione, l'Università di Musica Kalaidos sperimenterà questa versione, che finora è stata testata solo con singoli studenti volontari, a partire da aprile.

Un altro possibile uso dei media digitali che potrebbe essere discusso è il riconoscimento delle registrazioni video o dei link alle registrazioni di YouTube come test di ammissione in campo artistico. Ci sono certamente molti vantaggi nell'essere fisicamente presenti, il suono dal vivo, la personalità. Tutto questo è più percepibile quando si è seduti uno di fronte all'altro. Ma nell'era della digitalizzazione e della globalizzazione, non è forse lecito non solo pensare a come questi sviluppi possano essere utilizzati per lo studio in conservatorio, ma anche applicarli, anche se solo in via sperimentale? Se non si prova, non si può rifiutare. E così l'Università di Musica Kalaidos, che da tempo accetta esami di ammissione via YouTube se presentati da studenti di Paesi lontani, ha deciso di accettare anche questa forma di candidatura e di partecipazione al concorso per le borse di studio.

Le opportunità della digitalizzazione per un conservatorio sono quindi chiare. Da un lato, la digitalizzazione consente di preparare i contenuti didattici in modo vivido: Da un lato, le immagini, i suoni e le analisi possono essere riuniti e gli aspetti da insegnare/apprendere possono essere focalizzati e preparati in modo mirato con esempi. Dall'altro lato, questi contenuti possono rimanere permanentemente accessibili oltre la durata di una lezione tradizionale. In questo modo si allunga il tempo di apprendimento. L'apprendimento misto può quindi portare a una forma di apprendimento più approfondita.

Naturalmente, bisogna considerare anche i rischi. Questi consistono nel presentare i contenuti didattici in modo troppo distante dalle persone e ridotto quasi esclusivamente a ciò che è tecnicamente realizzabile. Il rischio sta nel voler rendere superflue le persone, e quindi gli insegnanti. Questo non avrà successo. La materia è troppo complessa e l'insegnante è un punto di riferimento la cui funzione non va sottovalutata. All'insegnamento viene dato un "volto". Spesso, soprattutto nei compiti creativi, sorgono problemi che vanno oltre la "realizzazione dei suoni". È qui che il contatto personale e il sostegno sono essenziali.

Naturalmente, gli studenti devono anche possedere i requisiti tecnici adeguati. Ciò dipende dal formato del supporto digitale. Ad esempio, esistono programmi acquistabili nel campo dell'ear training (Earmaster), per i quali vengono rilasciate licenze collettive alle università. È necessario un computer con cuffie e un microfono per il tema del "canto a vista". Per la maggior parte dei casi, tuttavia, dovrebbe essere sufficiente l'attrezzatura di base, vale a dire accesso a Internet, computer con funzioni audio e video, accesso alla posta elettronica, perché l'insegnamento deve riuscire con le strutture che gli studenti hanno normalmente a disposizione senza dover affrontare grandi spese. Da parte loro, le università hanno bisogno di piattaforme di insegnamento e apprendimento che consentano agli studenti di accedere ai contenuti.

Ingo Laufs

... è capo dipartimento e docente di composizione, analisi, teoria della forma, arrangiamento e composizione presso l'Università di Musica Kalaidos.

Elke Hofmann - L'uso innovativo delle tecnologie digitali nell'insegnamento è diventato una caratteristica attraente di un'università. La realizzazione del vecchio sogno di rendere l'insegnamento più flessibile in termini di tempo e luogo è una benedizione laddove la conoscenza deve essere impartita al maggior numero possibile di persone in modo personalizzato. Allo stesso tempo, pone immense sfide, sia per i responsabili delle decisioni quando si tratta di investire in tecnologie rapidamente obsolete, sia per i docenti, che devono continuamente adattare i loro mezzi di comunicazione e le loro capacità di insegnamento alle esigenze della nuova generazione di studenti.

La trasformazione digitale pone domande e sfide diverse per le forme tradizionali e altamente individualizzate di insegnamento nella formazione musicale professionale rispetto al tipico trasferimento di conoscenze universitario.

Anche con l'aiuto delle più recenti tecnologie digitali, la presenza fisica, essenziale per trasmettere l'essenza artistica e tecnica della padronanza di uno strumento o di una voce o il processo creativo dell'improvvisazione o della composizione, non può ancora essere trasferita in forma soddisfacente. L'allettante flessibilità in termini di tempo e di luogo non sembra (ancora) realizzabile, in particolare per quanto riguarda l'attività principale di un conservatorio, ossia l'insegnamento artistico individuale e l'accompagnamento di piccole lezioni di gruppo. L'attrattiva dell'insegnante della materia principale, insieme all'attrattiva del campus per quanto riguarda l'ulteriore esperienza pratica nella materia principale scelta o nella sua specializzazione, è rimasta finora decisiva per la scelta del luogo di studio.

Guardando agli sviluppi degli ultimi due decenni, sembra solo questione di tempo prima che anche questo paradigma cambi; le tecnologie esistenti sono oggetto di intense ricerche in tutta Europa e stanno già generando una nuova cultura dell'interazione musicale.

I media digitali fanno da tempo parte della vita quotidiana della FHNW Academy of Music/Basel Academy of Music: studenti e insegnanti suonano da spartiti rappresentati digitalmente su tablet, utilizzano cataloghi di biblioteche online e portali di ricerca accademica e rendono visibile e udibile il proprio lavoro musicale e/o accademico su siti web o social media per mezzo di registrazioni audio e video digitali o streaming dal vivo.

All'interno delle forme tradizionali di insegnamento, gli insegnanti stanno sviluppando strumenti digitali per l'insegnamento di contenuti speciali (ad esempio, sistemi di intonazione/voce) e per testare formati di esame supportati digitalmente; gli studenti di educazione stanno lavorando sulla didattica dei video didattici. I sistemi di gestione dell'apprendimento e le aule di gruppo digitali collaborative consentono nuove qualità nell'uso del tempo di contatto.

In quanto una delle nove università della rete delle Scuole Universitarie Professionali della Svizzera nordoccidentale, la Scuola di Musica/Accademia di Musica della FHNW di Basilea si trova anche in un ambiente intensamente coinvolto nella transizione dell'insegnamento verso il futuro digitale. Nei prossimi anni, la FHNW allestirà sale speciali per le sue nove università che consentiranno ai loro insegnanti di sperimentare forme di insegnamento supportate dal digitale, daranno impulso allo sviluppo di competenze pedagogiche digitali e mediatiche, svilupperanno una piattaforma per la presentazione di insegnamenti innovativi e promuoveranno un discorso sull'idea del futuro dell'insegnamento eccellente. In questo modo, mira a soddisfare le diverse esigenze delle sottouniversità e, allo stesso tempo, a sfruttare il potenziale di sinergia interdisciplinare. La FHNW offre al personale docente incentivi competitivi per la realizzazione di progetti individuali; ad esempio, David Mesquita e Florian Vogt della Schola Cantorum Basiliensis della nostra università hanno vinto una delle prime borse di studio del Fondo per l'insegnamento per il loro progetto "Singing upon the (note)book", nell'ambito del quale si sta sviluppando un sito web interattivo su alcuni aspetti della formazione uditiva storicamente orientata.

La FHNW Academy of Music/Basel Academy of Music si considera quindi parte di un processo globale che condurrà con prudenza la comprovata eccellenza del suo insegnamento verso un futuro di successo.

Elke Hofmann

... da settembre 2018 è il responsabile della digitalizzazione dei tre istituti della FHNW School of Music di Basilea.