Secondo l'Associazione dell'Industria Musicale Tedesca (BVMI), ciò è stato deciso per la prima volta in un procedimento di merito. La sentenza è in linea con l'attuale giurisprudenza della Corte Regionale Superiore di Monaco, secondo la quale Vodafone deve bloccare l'accesso al sito web illegale kinox.to.

Secondo la BVMI, i siti web che violano strutturalmente il diritto d'autore sono in genere privi di indicazioni legali e di un indirizzo che possa essere recapitato. I gestori sono interessati a offrire contenuti che violano la legge al fine di generare un elevato traffico internet e introiti pubblicitari attraverso l'inserimento di banner pubblicitari e così via.

Dal 20 al 23 luglio 2019, lo StradivariQuartett vi invita a partecipare per la seconda volta alla StradivariCLASS. Ciò che è iniziato un anno fa con la partecipazione di oltre 30 giovani musicisti sarà esteso la prossima estate. I membri del rinomato Quartetto Stradivari Xiaoming Wang e Sebastian Bohren (violino), Lech Antonio Uszynski (viola), Maja Weber (violoncello) e Per Lundberg (pianoforte) terranno delle masterclass adatte alle esigenze di musicisti professionisti e non. Oltre alle materie strumentali, è possibile studiare anche il canto solista. Quest'anno si terranno per la prima volta masterclass per ensemble di musica da camera per archi. Tutte le masterclass si svolgono nei locali della scuola cantonale "Kollegi Schwyz".

I partecipanti alla StradivariCLASS avranno l'opportunità di essere valutati da una giuria il 18 e 19 luglio 2019 nell'ambito dello StradivariCONTEST. Potranno contare su premi interessanti e sull'opportunità di esibirsi al concerto dei vincitori presso il Seehotel Waldstätterhof Brunnen. Tutti i partecipanti alla StradivariCLASS riceveranno inoltre un pass per 5 concerti allo StradivariFEST di Gersau.

Dopo lo StradivariCONTEST e lo StradivariCLASS, lo StradivariFEST si terrà a Gersau e dintorni dal 24 al 28 luglio.
 

Con l'esclamazione Ascolta New! come sottotitolo, National Sawdust, un organizzatore di Brooklyn, ha inaugurato l'edizione di quest'anno di Classico:NEXT. I rappresentanti del settore si sono incontrati per l'ottava volta nella sala concerti De Doelen della città di Rotterdam per quattro giorni di intenso dialogo. Questo mix di fiera internazionale, conferenza e concerto offre al variegato settore della "musica classica" argomenti e spazio. Il contatto personale, l'intensa attività di networking e l'opportunità di scoprire nuove iniziative sono gli elementi che rendono questa conferenza così attraente per gli oltre 1.300 partecipanti, indipendentemente dal fatto che rappresentino istituzioni con budget piccoli o grandi. Lo stand comune "Swiss Music" ha offerto a un gran numero di etichette, ensemble, festival e associazioni svizzere l'opportunità di presentarsi a livello internazionale. Come negli anni precedenti, è stato organizzato dalla Fondation Suisa, da Pro Helvetia e dall'Associazione Svizzera degli Interpreti.
Per la prima volta, un Conferenza preliminare sull'istruzione musicale superiore con i rappresentanti dell'industria musicale, uno dei rari incontri tra fornitori di formazione e mercato nel settore della musica classica. Il coinvolgimento delle università è essenziale; la riunione della rete dell'Associazione Europea dei Conservatori (AEC) è stata presieduta da John Kieser, New World Symphony (CAN).
 

Il fitto programma della conferenza comprendeva discussioni approfondite sulle sfide attuali del mercato digitale. Ad esempio, molte istituzioni ed ensemble si trovano ancora di fronte alla domanda su come ottenere un marketing digitale di successo. Streaming del concerto dal vivo (London Symphony Orchestra)? Produzione di un CD o di una traccia mensile per i fan (National Youth Choir GB)? Podcast, app, video delle prove o una presenza multimediale professionale che includa un'offerta curata di backstage? Una comunicazione intelligente dovrebbe raggiungere nuovi ascoltatori (più giovani), sostenere la raccolta di fondi (una buona narrazione è essenziale per il successo del crowdfunding) e non trascurare i fan fedeli.

L'obiettivo di tutti gli sforzi di comunicazione è ancora indiscusso: Il "concerto dal vivo" deve rimanere il fulcro anche in futuro. Non si sono sentite voci critiche su questioni relative al dark social web o agli algoritmi non influenzabili.
 

Un'attenzione particolare è stata rivolta ai panel sulla diversità e l'uguaglianza di genere. Il formato dello scambio "Donne in musica: colazione" (Southbank Centre di Londra) ha avuto un focus molto chiaro sul tema della parità di genere. Le compositrici Brigitta Muntendorf e Anna Meredith hanno parlato con Gillian Moore degli ostacoli allo sviluppo professionale e dei modi per superarli. Entrambe le musiciste lavorano come artiste multimediali, hanno sviluppato i propri ensemble e formati a causa della mancanza di altre opportunità e contano su gruppi consolidati di fan e sostenitori.

Lydia Connolly (HarrisonParrott) ha chiesto se l'uguaglianza sia già in vista sulla piattaforma dei concerti. Anche se storie di successo come quelle di Mirga Gražinytė-Tyla, Alondra de la Parra e Simone Young sono ormai note a un pubblico più vasto: Nel Regno Unito, il 5,5% di tutti i programmi di concerti classici (elencati dalla Royal Philharmonic Society) sono stati e sono tuttora diretti da direttori d'orchestra donne - un dato frustrante. James Murphy ha giustamente sottolineato che non è tempo di cambiare e che i responsabili devono finalmente uscire dalla loro zona di comfort e agire se non vogliono continuare a spingere gli stessi vecchi prodotti e programmi su un mercato sovrasaturo come reliquie di un sistema patriarcale.

Secondo la direttrice d'orchestra australiana Nathalie Murray Beale, rifiutare le attribuzioni (ad esempio come "compositrice donna nera") non è conveniente e costa troppa energia. I modelli di ruolo sono essenziali, le donne dovrebbero parlare di quanto sia (difficile) la strada per il successo - tacere non aiuta, il pubblico dovrebbe essere cercato e usato per nominare ripetutamente le disuguaglianze.

Nel panel "Composer Gender Equality", Claire Edwardes, direttrice artistica dell'Ensemble Offspring (Australia), ha spiegato che non c'è alcun motivo per non progettare in modo equilibrato i format e i programmi di musica contemporanea. Ma anche in questo caso i reality show (vedi Donne Women in Music 2018) che le principali orchestre e sale da concerto eseguono costantemente solo il 5% circa di opere di compositrici donne.
 

La conferenza è stata completata da show case (toccante: "Duets with Jim" della cantante olandese Andrea van Beek; piena di verve: la Stegreif-Orchester Berlin), concerti serali (speciale: "Stalin's Piano" con Sonya Lifschitz e Robert Davidson) e programmi di club (tra cui uno svizzero: reConvert).

I premi per l'innovazione di quest'anno sono andati alla PRS Foundation per la sua iniziativa internazionale "Keychange" volta a raggiungere una situazione di 50:50 nelle istituzioni e nei festival musicali, a Umculo, un'iniziativa berlinese per la produzione di opere liriche con le comunità sudafricane, e al collettivo cileno Resonancia Femenina.

Il prossimo Classico:NEXT si svolgerà dal 13 al 16 maggio 2020.
 

Nella prima tornata di inviti a presentare proposte, sono stati effettuati tre inviti a presentare proposte nell'ambito del finanziamento selettivo della produzione nel 2019: nei settori della musica, del teatro/danza e dei programmi degli organizzatori di eventi culturali. Una giuria di esperti provenienti dall'interno e dall'esterno del Cantone ha valutato le domande ricevute e ha assegnato un totale di 230.000 franchi svizzeri. Le sovvenzioni sono destinate ai seguenti progetti:

Teatro/Danza (8 domande)
- BAZOOKA BANDI: "Raffzahn Jack und die Rächer der Gartenbausiedlung", 40.000 franchi svizzeri. Patric Gehrig, Julia Schmidt. Con: Jürg Plüss, Blind Butcher, Saskya Germann, Michael Eigenmann, Corinne Odermatt, Madleina Cavelti, Sonja Eisl, Bureau Substrat

- Dlaboha e la cordata: "Cytology 1/3 - the performative primal cell", 40.000 franchi svizzeri. Damiàn Dlaboha. Con: Christine Glauser, Moritz Achermann, Lion-Russell Baumann, Judith Florence Ehrhardt, Timo Keller, Gilda Laneve, Elke Mulders, Jules Gisler

- I-Fen Lin: "si svolge ora", 40.000 franchi svizzeri. I-Fen Lin. Con: Beatrice Fleischlin, Sebastian Elias Kurt, Kim Emanuel Stadelmann, Patrik Zosso, Kevin Schneeberger, Laura Ritzenfeld

Musica (21 applicazioni)
- Alois: Uscita e promo, 20.000 franchi. Martin Schenker, Florian Schneider, Lukas Weber, Pascal Eugster. Con: Dominik Meuter, Moritz Flachsmann
- GeilerAsDu: album "Fyre Festival Diaries", 20.000 franchi. Luzian Rast, Mike Walker, Fabrizio Zihlmann, Jwan Steiner, Raphael Fluri
- Tanche: album "Tanche", 20.000 franchi svizzeri. Christian Zemp, Jonas Albrecht, Elischa Heller, Chadi Messmer

Programmi di organizzatori di eventi culturali (10 domande)
- Konzertkeller im Schtei: "im Schtei im Exil", 20.000 franchi. Marco Sieber, Erich Brechbühl, Remko van Hoof, Marcel Gabriel. Con: Helen Sieber, Miriam Wicki, Markus e Cornelia Brechbühl, Cyrill Bühlmann, Silvia Fleischlin, Andreas Steiner, Roger e Claudia Bühlmann, Lukas e Martina von Dach, Denise Gabriel, Maria Joller
- Associazione aha Festival: "aha Festival", 30.000 franchi. Christoph Fellmann, Ana Matjasevic. Con: Patrick Brigger, Cornelia Kazis, Valentin Groebner, Mikael Krogerus, Julia Reichert

Bandi di gara per il finanziamento della produzione selettiva a giugno 2019
La seconda tornata di inviti a presentare proposte per il 2019 è già iniziata e riguarda i settori della musica, del teatro/danza, dei programmi annuali delle case editrici e dei contributi alle opere delle belle arti e delle arti applicate: grafica e design. Sono disponibili contributi per un totale di 350.000 franchi svizzeri, distribuiti come segue:

- Le sovvenzioni nell'ambito dell'invito a presentare proposte per la musica vengono concesse per le pubblicazioni che appariranno a partire da gennaio 2020 e per i relativi costi di promozione e distribuzione. È disponibile un totale di 60.000 franchi svizzeri.

- I contributi per un totale di 120.000 franchi svizzeri provenienti dall'invito a presentare proposte nel settore del teatro/danza sono destinati a sostenere i professionisti del teatro e della danza e le loro produzioni, che saranno messe in scena per la prima volta a partire da gennaio 2020.

- Il bando per i programmi annuali delle case editrici intende promuovere programmi annuali delle case editrici con un focus culturale (nei settori della letteratura, della musica, dell'arte, del design, dei fumetti e della fotografia) nel 2020 e nel 2021. È disponibile un contributo totale di 40.000 franchi svizzeri.

- L'invito a presentare proposte per le belle arti prevede l'assegnazione di sovvenzioni per un totale di 70.000 franchi svizzeri. Il bando per le arti applicate assegna sovvenzioni per un totale di 60.000 franchi svizzeri ad artisti nel campo dell'illustrazione e dell'animazione.

La Città di Zurigo ha stabilito quattro priorità di politica culturale per gli anni dal 2020 al 2023: Vuole migliorare le condizioni quadro, rendere i finanziamenti culturali più flessibili e sperimentare nuove forme di finanziamento, rafforzare la visione d'insieme dei finanziamenti e migliorare la partecipazione culturale.

Ad esempio, la città vuole fornire ai musicisti sale prova a prezzi più accessibili. Le singole istituzioni devono ricevere contributi più elevati, in modo da poter continuare a svolgere la propria missione anche in futuro. Per avere maggiori possibilità di attrarre finanziamenti privati, la Tonhalle Gesellschaft Zürich sarà trasformata in una società per azioni senza scopo di lucro.

Secondo il comunicato stampa della città, la promozione culturale vuole anche essere in grado di reagire in modo più rapido e flessibile ai nuovi sviluppi. Strumenti di finanziamento flessibili e contemporanei dovrebbero "stimolare il pensiero e l'azione innovativi e creativi". La promozione culturale deve anche rivedere i propri strumenti, processi e criteri di finanziamento. Ciò avverrà nel prossimo periodo modello con la partecipazione di giovani artisti in un processo dal carattere sperimentale e laboratoriale. In questo modo, nuove forme di finanziamento saranno sperimentate in modo rapido e semplice.

La Città di Zurigo vuole rafforzare la visione complessiva del panorama dei finanziamenti. I finanziamenti istituzionali e quelli legati ai progetti si combinano e si completano a vicenda. Il progetto "Paesaggio della danza e del teatro a Zurigo", che il dipartimento cultura ha portato avanti nel 2017/18 con un ampio coinvolgimento degli stakeholder, è un modello in tal senso. A seguito del progetto, il Comune intende introdurre un nuovo sistema di finanziamento per la danza e il teatro nel periodo 2020-2023. Il fulcro di questo sistema è il finanziamento concettuale, che sarà utilizzato per concedere sovvenzioni di diversa durata. Questo darà migliori opportunità alle nuove iniziative e rafforzerà la scena indipendente della danza e del teatro.

L'attenzione al tema "Rafforzare la partecipazione, vivere la diversità" dell'ultimo bilancio di missione 2016-2019 sarà mantenuta: l'offerta culturale di Zurigo deve interessare il maggior numero possibile di gruppi diversi della società. Tra le altre cose, si prevede di promuovere maggiormente le iniziative culturali nei quartieri esterni.

Il Consiglio comunale deciderà su molte delle misure previste e in alcuni casi sarà necessario un voto comunale.
 

Un rumore di respiro, qualche tremolio, un urlo soffocato, una figura ostinata espressionista: Giorgio Battistelli è un maestro nel creare un'atmosfera inconfondibile con pochi suoni, e nel suo pezzo di teatro musicale I Cenci annuncia già nelle prime battute qualcosa della sensazione di oppressione che si diffonderà in sala nei successivi cinque quarti d'ora. La trama della commedia a quattro personaggi, che ha debuttato in inglese all'Almeida Theatre di Londra nel 1997 e che ora ha avuto la sua prima svizzera a Lugano, è tanto sintetica quanto brutale. È ambientata nella Roma rinascimentale e ha come protagonista il corrotto e moralmente depravato Conte Cenci. Egli violenta la figlia Beatrice, che lo uccide con l'appoggio della madre e del fidanzato e viene infine giustiziata. La storia malvagia si basa su eventi reali dell'anno 1599, quando c'era un terzo incomodo, il Papa. Egli approfittò della rovina della famiglia per mettere le mani sulla fortuna di Cenci, con cui aveva rapporti d'affari.

Il materiale ha ispirato Shelley a scrivere un'opera teatrale nel 1820 e Stendhal a scrivere una novella nel 1837, nel suo Chroniques italiennes. Sulla base di queste due fonti, Antonin Artaud scrisse nel 1935 il suo dramma in quattro atti Les Cencie questo a sua volta servì a Battistelli come modello per il suo libretto. Artaud ha ingigantito la storia fino a renderla mostruosa e le brevi frasi frammentarie che Battistelli ha distillato dal testo originale sembrano talvolta pugnalate alla carne viva. L'idea di Artaud di un "théâtre de la cruauté", che intende far emergere le emozioni allo stato grezzo e libero da ogni convenzione, rimane onnipresente nella lettura artificiale di Battistelli. Il Conte Cenci, interpretato da Roberto Latini come un mostro freddamente calcolatore, è un egocentrico libidinoso che visualizza lo stupro di Beatrice (Elena Rivoltini) come la distruzione del suo ego. Quando monologa sui suoi sentimenti, assume la prospettiva narrativa e noi scendiamo con lui negli abissi più profondi della sua psiche. È in questi momenti che emerge la visione spaventosamente precisa di Artaud sul male dell'uomo.
 

Battistelli ha abilmente suddiviso la narrazione scenica in testo, musica e scena. Rinunciando al canto - i quattro interpreti hanno solo ruoli di parola - ha creato un melodramma a cui viene data una dimensione spaziale attraverso l'uso di microfoni e live electronics. Mentre i ruoli parlanti tengono l'azione a distanza, come nel teatro epico, il potenziale emotivo del dramma si dispiega soprattutto nella musica. Essa commenta e approfondisce il parlato in modo efficace, ma senza surriscaldarsi. Battistelli ha incluso anche proiezioni di immagini come ulteriore elemento.

L'allestimento di Carmelo Rifici ha beneficiato dell'apertura concettuale dell'originale e ha teso verso il teatro multimediale. Nelle videoproiezioni di Francesco Puppini, che scorrevano simultaneamente su diversi schermi, le azioni citate nel testo e solo accennate nella pièce erano mostrate come sequenze cinematografiche in bianco e nero. Abbiamo seguito la telecamera attraverso lunghi corridoi, scale e corridoi di stanze in un palazzo deserto - una scena clinicamente pulita e da incubo in cui il padrone di casa si aggirava come Minotauro nel suo labirinto, pedinando la figlia e infine cacciandola come un cervo spaventato. Per alleggerire l'oscura prospettiva finale, a una ballerina solista (Marta Ciappina) è stato concesso di danzare i suoi cerchi poetici come epilogo a Lugano - Beatrice non doveva morire.

Il suono spaziale accuratamente modellato da Fabrizio Rosso (regia del suono) e Alberto Barberi e Nadir Vassena (live electronics) ha contribuito in modo decisivo all'intensificazione drammatica e all'espansione spaziale dell'azione. L'impianto si estendeva su tutto l'auditorium, con un totale di oltre duecento impostazioni pre-programmate. Le voci e gli strumenti sono stati discretamente amplificati, trasformati in alcuni punti e hanno viaggiato attraverso lo spazio. I passi minacciosi di Cenci nel palazzo vuoto viaggiavano in cerchio sopra le file di spettatori. Francesco Bossaglia al banco della direzione d'orchestra teneva sempre sotto controllo le complesse progressioni musicali.
 

Lo spettacolo, molto ben frequentato, nella grande sala del nuovo LAC è stato una coproduzione dell'associazione teatrale LuganoInScena, che ha impegnato gli attori professionisti, e dell'associazione teatrale LuganoInScena. Serie di concerti 900presente. Il Conservatorio della Svizzera Italiana che quest'anno celebra il suo ventesimo anniversario, ha fornito i sedici strumentisti, tutti studenti di livello avanzato, e l'ampia squadra tecnica coinvolta nella realizzazione sonora e visiva.

Con Battistelli I Cenci Il progetto è stato impegnativo, soprattutto per quanto riguarda la delicata acustica della sala. Il fatto che sia riuscito e che alla fine sia stata realizzata una performance di impressionante unitarietà è dovuto non da ultimo all'armoniosa collaborazione e al grande impegno di tutte le persone coinvolte.

Queste esecuzioni pubbliche di opere contemporanee costituiscono da diversi anni un arricchimento significativo della vita musicale in Ticino. Quest'anno il Conservatorio della Svizzera Italiana prosegue la serie con l'esecuzione della Settima di Shostakovich in coproduzione con l'Università delle Arti di Zurigo. Seguirà, nel prossimo mese di aprile, una messa in scena dell'opera di Luciano Berio Coro per quaranta voci e strumenti, seguito da un tour nella Svizzera occidentale.
 

© LAC Lugano

L'edificio è progettato come una costruzione in legno. Il programma spaziale prevede quattro sale sonore che possono essere accordate come uno strumento. Ci sono anche due palchi all'aperto per esperimenti musicali all'aperto. La Casa del Suono sarà costruita sull'attuale sito dell'Hotel Seegüetli, sul lago Schwendi, sopra Unterwasser. Rispetto all'hotel, la Klanghaus sarà costruita più lontano dal lago. La demolizione dell'hotel e l'architettura speciale valorizzeranno l'area di conservazione del paesaggio sul lago Schwendi.

Per ogni giorno di corso possono utilizzare la casa del suono da 60 a 80 partecipanti. Tre gruppi possono lavorare indisturbati allo stesso tempo. Il pubblico potrà visitare la Klanghaus nell'ambito di visite guidate. Sono previsti anche concerti di laboratorio e sarà possibile utilizzare le sale per eventi didattici, di club e aziendali incentrati sul tema del suono.

Il Cantone prevede come committente il Klanghaus. Il Klangwelt Toggenburg gestirà il centro a proprie spese. Il costo totale del progetto è di 23,3 milioni di franchi. Di questi, Klangwelt Toggenburg finanzierà 1 milione di franchi. Rimane un fabbisogno di credito di 22,3 milioni di franchi per il Cantone. Nel 2016, il primo progetto per la costruzione del Klanghaus Toggenburg è stato bocciato nella votazione finale del Parlamento cantonale di San Gallo.

La ZKN è stata fondata dall'avvocato Florian Schmidt-Gabain e dallo studioso di letteratura Thomas Strässle, che la guidano in qualità di presidente e vicepresidente, coadiuvati da un comitato consultivo composto da Lionel V. Baldenweg, Michael Haefliger, Beatrix Ruf e Julia Voss. Lo ZKN è organizzato come associazione con sede a Zurigo, in Svizzera.

La conferenza di apertura della ZKN si terrà il 21 novembre 2019 presso la Kunsthaus Zürich. Tra i temi trattati figurano i patrimoni di Hilma af Klint, Emil Bührle e Max Frisch. Verrà presentato anche il patrimonio di Charlie Chaplin, che componeva la propria musica da film - un aspetto spesso poco conosciuto. Kate Guyonvarch, direttrice del Chaplin Office Paris, terrà una conferenza sull'argomento.

Più informazioni: www.zkn.ch

A differenza di altri Paesi europei, la Gran Bretagna si è attenuta in modo pressoché deciso alla tradizionale sinfonia tonale, per lo più in quattro movimenti, anche dopo la seconda guerra mondiale. Del gran numero di opere britanniche in questo genere, tuttavia, quasi solo quelle di Ralph Vaughan Williams e William Walton riuscirono ad affermarsi sul continente. Le sinfonie di compositori di spicco come Arnold Bax, York Bowen e Michael Tippett sono difficilmente riconosciute, e tanto meno eseguite, in questo Paese. Il fatto che una compositrice donna - Ruth Gipps - abbia raggiunto risultati notevoli in questo campo è probabilmente sfuggito anche alla maggior parte dei conoscitori della musica britannica. Chandos ha ora pubblicato un CD con la sua seconda e quarta sinfonia e due brevi opere orchestrali, che è molto lodevole perché colma una vera e propria lacuna nel repertorio.

Ruth Gipps (1921-1999), la cui musica si colloca interamente nella tradizione inglese in termini di forma, armonia e suono, è per metà svizzera. Sua madre Hélène Johner ha studiato come pianista in erba a Francoforte, dove ha incontrato il suo futuro marito Bryan Gipps. Era originaria di Basilea e sua madre era Caroline von Weissenfluh di Meiringen. Ruth dimostrò fin da bambina un talento eccezionale per la musica: il suo primo pezzo per pianoforte pubblicato, Il calzolaio delle fateHa iniziato a comporre all'età di otto anni. Da giovane ha studiato composizione con Ralph Vaughan Williams e Gordon Jacob, oltre che oboe con Léon Goossens. Era così versatile che nel 1945 non solo suonò nell'orchestra alla prima della sua prima sinfonia della City of Birmingham Orchestra, di cui era allora membro come oboista e suonatore di cor anglais, ma eseguì anche il primo concerto per pianoforte di Alexander Glazunov come solista. In seguito ha fondato la London Repertoire Orchestra, che ha diretto per decenni, un ensemble progettato per dare ai giovani musicisti professionisti l'opportunità di familiarizzare con il repertorio sinfonico. È stata anche un'apprezzata insegnante di composizione in tre accademie musicali.

Tutte le opere del CD meritano di essere ascoltate e sono interpretate con virtuosismo, colore e potenza dalla BBC National Orchestra of Wales sotto la direzione di Rumon Gamba. La musica di Gipps è tradizionale, ma non è affatto superata: la profondità emotiva si combina con la gioia di un suono orchestrale opulento, oltre a un'eccellente conoscenza di tutti gli strumenti orchestrali, con assoli espressivi affidati in particolare al concertmaster, all'oboe, al cor anglais e al corno. Il dedicatario della Quarta Sinfonia del 1972, Sir Arthur Bliss, scrisse al compositore: "Ho studiato la sinfonia, e più la studio più mi piace". Non si può che essere d'accordo.

I dodici divertenti brani di un minuto di Non date da mangiare agli animaliOuverüre, dieci quadri di animali ed Epilogo per orchestra di bambini, sono adatti come intermezzi per una storia recitata. Il riccio che sgambetta e si ferma timidamente sulle fermate, il gracchiare della rana che sfrega i piccoli secondi, le crome impegnate delle formiche, i trilli e i glissandi in tremolo delle api indaffarate, il cigno che si libra in un tempo alternato di tre quarti e quattro quarti, i quattro scoiattoli che sgambettano in salti pizzicati e scale di sedicesimi... È tutto abilmente concepito, ben distribuito tra le voci e - con una certa dose di prove - facile da suonare.

I 14 canoni e i 6 trii d'archi che Egon Sassmannshaus ha composto per il Inizio anticipato nello Steicherensemble I brani, che vanno da un si bemolle a due diesis, offrono una varietà di tonalità. Anche un minuetto in la minore si unisce alle piccole danze barocche.

Nell'edizione natalizia della stessa collana, 10 danze barocche festive in tonalità semplici - maggiore e minore - fanno da cornice a 17 dei più noti canti natalizi tedeschi in impostazioni a quattro parti volutamente semplici per i gruppi d'archi più giovani.

George A. Speckert: Don't Feed the Animals. 12 pezzi per orchestra d'archi, partitura e set di parti (1°, 2°, 3° violino, quest'ultimo anche per viola, violoncello), BA 10648, € 13,95, Bärenreiter, Kassel

Egon Sassmannshaus: Früher Anfang im Streicherensemble, partitura per violino, viola (o secondo violino) e violoncello, BA 10688, € 12,95, Bärenreiter, Kassel

id., Natale, partitura per due violini (un pezzo per tre violini), viola (un pezzo per due viole) e violoncello, BA 10689, € 12,95

Der Komponist Christian Gottlieb Müller (1800–1863) ist wohl vielen Musikern ziemlich unbekannt. Vielleicht mag die Tatsache, dass er Richard Wagners Lehrer war, ihm ein bisschen mehr Glanz verleihen. Und dies bestimmt nicht zu Unrecht: Die Partitur des 15-minütigen Bassposaunenkonzerts aus dem Jahre 1832 (schon damals gedruckt bei Breitkopf & Härtel) zeugt von gutem Handwerk, das sich Müller durch das intensive Studium der Werke Beethovens angeeignet hatte. Die Orchesterbesetzung (2-faches Holz, 2 Hrn, 2 Trp, Timp, Streicher), die Tonart (Es-Dur), der kadenzartige Beginn des Soloinstrumentes, die Virtuosität im 3. Satz und viele weitere Merkmale (z. B. Melodieführung in Oktaven zwischen Flöte und Klarinette im 2. Satz) erinnern an das rund 20 Jahre früher entstandene 5. Klavierkonzert seines Idols Ludwig van Beethoven.

Il Concertino è stato a lungo considerato perduto, soprattutto la versione orchestrale. Solo una riduzione per pianoforte piuttosto lacunosa e manoscritta degli anni Cinquanta ha mantenuto viva la memoria dell'opera. Solo nel 2004 è emerso sorprendentemente un set completo di parti orchestrali, che costituisce la base della presente partitura. Le singole parti sono disponibili come materiale a noleggio, mentre la partitura e la riduzione per pianoforte sono disponibili per l'acquisto. Un'alternativa davvero piacevole al Concertino per trombone basso di Ernst Sachse, non da ultimo per le audizioni orchestrali.

Christian Gottlieb Müller: Concertino für Bassposaune und Orchester Es-Dur, hg. von Nick Pfefferkorn, Partitur PB 33001, € 36.00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2012/2018

Quando un'opera del repertorio viene pubblicata in una nuova edizione, soprattutto se etichettata come "Urtext", ci sono due possibilità nel (solo percepito) 95% dei casi: O le decisioni editoriali rispetto alle edizioni precedenti devono essere esaminate con la lente d'ingrandimento (nel qual caso dietro l'edizione ci sono di solito considerazioni di mercato - e sì: esiste Musik.biz, e questo è indiscutibilmente un bene), oppure c'è davvero qualcosa di nuovo, a volte persino spettacolare, da scoprire. Può trattarsi solo di una singola nota o di un accidente (da Beethoven a Berg), ma a volte ci sono interi passaggi che un tempo erano andati persi nella fretta della produzione o nel vortice della tradizione.

Insofern macht auch die vorliegende Neuausgabe von Dvořáks Streicherserenade neugierig: Neben den üblichen kleinen Korrekturen und Ergänzungen wartet sie nämlich mit neuen Takten auf: Im Scherzo sind es 34, im Finale gar 79. Sie finden sich im Autograf, wurden aber 1879 in der gedruckten Partitur bei Bote & Bock nicht berücksichtigt. Freilich, sie fanden bereits 1955 im Band der Gesamtausgabe Eingang (allerdings im Anhang, und somit gingen sie abermals bei IMSLP verloren, ein sich wiederholender gravis defectus). Robin Tait hat aus dieser Not eine Tugend gemacht und für die Neuausgabe das Autograf als Hauptquelle erkoren, somit auch die beim Druck unter den Tisch gefallenen Passagen in den Haupttext integriert (und sie doch als Konzession an die heutige Praxis mit einem Vide-Vermerk versehen). So darf nun frei erkundet werden, obwohl Dvořák selbst als anerkannter Meister später nie eine neue Auflage verlangte. Ich habe mich der Einspielung mit dem Orchestre d’Auvergne unter Roberto Forés Veses bedient – und ja, das damalige Lektorat hat vielleicht (?!) eine gute Entscheidung getroffen. Doch die Diskussion ist eröffnet.

Antonín Dvořák: Serenata in mi maggiore op. 22 per orchestra d'archi, a cura di Robin Tait, partitura, BA 10423, € 22,95, Bärenreiter, Praga 

Il manuale dell'insegnante per il nuovo sussidio didattico della casa editrice Helbling Guida alla classe del vento si presenta con un volume pesante di oltre 450 pagine densamente stampate. Il libro di testo è ricco di materiale estremamente vario e stimolante. Oltre al libro dell'insegnante, comprende libretti per tutti gli strumenti dell'orchestra di fiati, play-along e sussidi online accessibili tramite un codice, nonché un CD-ROM con una grande quantità di materiale aggiuntivo.

Il Guida alla classe del vento è stato sviluppato congiuntamente da cinque autori, tutti insegnanti di musica a livello di scuola secondaria e con esperienza di lavoro con classi di fiati e di musica scolastica. L'obiettivo del nuovo sussidio didattico è quello di combinare la pratica esecutiva che oggi domina le classi di bande a fiato con i contenuti delle lezioni di musica a scuola (teoria musicale, ear training, creazione e invenzione di musica). Il materiale didattico non è rivolto a un gruppo di età specifico. È adatto per l'uso dal livello intermedio in su. Il concetto, le idee di base, gli obiettivi e i metodi utilizzati nel lavoro con le classi sono spiegati in dettaglio nel libro dell'insegnante.

La parte didattica inizia con un corso preliminare, che si svolge senza strumenti e si estende su 3 unità, cioè circa 6 lezioni. Seguono i Fondamenti di metodologia strumentale e poi le lezioni con lo strumento, suddivise in due volumi con 23 e 18 lezioni rispettivamente (1°/2° volume). Ogni lezione offre materiale e schemi didattici completamente preparati per 2 lezioni.

Questo concetto si basa su 3 lezioni settimanali di musica estesa, suddivise in 2 lezioni di musica normale con l'intera classe e 1 lezione di lezioni strumentali in piccoli gruppi. Se il tempo a disposizione per l'insegnamento è ridotto, può essere difficile completare i due volumi in due anni scolastici.

In termini di contenuti, il materiale didattico pone grande enfasi sull'insegnamento della teoria musicale. Le basi sono introdotte in modo approfondito, ma anche in modo estremamente vario e giocoso, con molti suggerimenti per il lavoro in coppia o in gruppo. Allo stesso tempo, i contenuti teorici sono collegati alla pratica dello strumento e utilizzati per compiti creativi. Gli studenti sono sempre incoraggiati a impegnarsi in attività pratiche. In media, ci sono uno o due brevi brani musicali per lezione (capitolo), che sono piuttosto pochi. I brani sono solitamente accompagnati da suggerimenti aggiuntivi per l'interpretazione, la presentazione o la riflessione, nonché da collegamenti alla teoria. Per molti brani, sul CD-ROM allegato sono disponibili arrangiamenti aggiuntivi per la classe a quattro parti, con una seconda parte, una parte di basso e una parte superiore "per esecutori esperti", che consentono di individualizzare i requisiti attraverso la differenziazione interna.

Utilizzando cassette degli attrezzi appositamente etichettate, agli alunni vengono insegnati metodi specifici come l'artigianato, il modo in cui possono lavorare sulla musica in modo indipendente, esercitarsi sui brani o acquisire materiale musicale. I libretti degli studenti sono progettati in modo attraente con colori e simboli e contengono immagini e grafici stimolanti. Tuttavia, le pagine nel complesso appaiono piuttosto sovraccariche e molto pesanti dal punto di vista del testo, il che rende l'accessibilità un po' più difficile.

Guida alla classe del vento stabilisce nuovi standard in termini di ampiezza tematica, di insegnamento della teoria e di comprensione generale della musica, nonché di presentazione metodologica e didattica.

Sommer/Ernst/Holzinger/Jandl/Scheider: Leitfaden Bläserklasse. Ein Konzept für das erfolgreiche Unterrichten mit Blasinstrumenten, Lehrerband 1 und 2 incl. CD-ROM und Schüler-Lösungshefte, S7770, Fr. 84.50, Helbling, Belp u.a.

La letteratura per violoncello contiene diverse opere incomplete di importanti compositori: l'unica opera per violoncello e pianoforte di Mozart, il Andantino cantabile KV 374 g (Anh. 46), è rimasto un frammento ed esiste in diverse aggiunte estranee; solo la parte solista e la riduzione per pianoforte del primo Concerto per violoncello in la maggiore di Antonín Dvořák sono sopravvissute, e Othmar Schoeck ha lasciato incompiuto l'ultimo movimento della sua Sonata per violoncello.

A questo elenco (incompleto) si aggiunge ora un'importante scoperta: Nell'ambito dell'edizione completa Bärenreiter delle opere di Camille Saint-Saëns, è stata pubblicata per la prima volta una sonata per violoncello finora sconosciuta. Una lettera del compositore del 1919 dimostra che l'opera è stata eseguita integralmente durante la sua vita. Nonostante ciò, sono sopravvissuti solo i primi due dei quattro movimenti che si suppone siano stati composti, mentre il manoscritto superstite del secondo movimento si interrompe dopo 82 battute.

La concezione della sonata risale al 1913 e Saint-Saëns sembra aver lottato con la stesura definitiva, come scrive in una lettera al suo editore Durand nel 1914: "Sto lavorando al mio duo, che procede solo a fatica. Che genere difficile da affrontare!".

Come nelle due sonate op. 32 e op. 123, Saint-Saëns gioca abilmente con passaggi ritmicamente concisi e lirici. Gli audaci cambiamenti armonici ricordano anche il linguaggio tonale dell'opera del 1919. Prière op. 158 per violoncello e organo.

L'opera per violoncello di Saint-Saëns è stata ampliata in modo gratificante da questa prima edizione.

Camille Saint-Saëns: Sonata per violoncello e pianoforte in re maggiore (incompleta), prima edizione, a cura di Denis Herlin, BA 10910, € 17,95, Bärenreiter, Kassel

La seconda Sonata per pianoforte op. 36 di Rachmaninov è una delle opere del compositore russo oggi più frequentemente eseguite. Soprattutto le giovani generazioni, e in particolare quelle provenienti dall'Estremo Oriente, studiano questo pezzo impegnativo e altamente virtuoso con passione e dedizione.

Non è sempre stato così. Questa sonata ha dovuto lottare in passato contro una cattiva reputazione, soprattutto nell'area culturale di lingua tedesca. Nella sua Manuale di letteratura pianistica All'epoca Klaus Wolters affermò sinteticamente che l'Opus 36 aveva ricevuto in generale quasi solo recensioni negative. In un'edizione successiva (1977) non la menziona più. Walter Georgii era infastidito dalla "monotona ripetizione di motivi". L'ampia opera è quindi "nel complesso poco gradevole" (Musica per pianoforteAtlantis Verlag).

Lo stesso Rachmaninov non era evidentemente soddisfatto della concezione originale della sua Seconda Sonata del 1913 e la sottopose a un'accurata revisione 18 anni dopo. Rese la scrittura pianistica un po' più trasparente e cancellò un totale di circa 120 battute. Si tratta di più di 10 pagine di musica!

Il fatto che abbia modificato l'opera a suo favore è oggetto di un costante dibattito. Vladimir Horowitz risolse il problema a modo suo e creò la sua versione mista di entrambe le versioni con il consenso di Rachmaninov.

Dominik Rahmer ha pubblicato entrambe le versioni del compositore in un unico volume con Henle-Verlag, in modo da poter studiare facilmente le differenze battuta per battuta. Come di consueto con Henle, la musica è impaginata in modo chiaro e di facile lettura, anche nella prima versione sovraccarica. Le diteggiature rivelano l'abilità dell'esecutore e sono opera di Marc-André Hamelin, che non solo conosce a fondo questo repertorio.

Dell'opera 36 di Rachmaninov si può avere un'opinione a piacere. Come nel geniale Concerto per pianoforte e orchestra n. 3, anche qui si può ammirare la coerenza del lavoro motivico del compositore. Tutte le sezioni formali si sviluppano a partire da pochissimi elementi musicali e sono abilmente e logicamente collegate tra loro. Una volta in una veste un po' più stretta (versione del 1931), un'altra volta in una versione un po' più espansiva, ma forse più sensuale (1913).

Sergej Rachmaninow: Klaviersonate Nr. 2 b-Moll op. 36, Fassungen 1913 und 1931, hg. von Dominik Rahmer, HN 1256, € 19.50, G. Henle, München