Das Lehrerhandbuch zum neuen Lehrmittel aus dem Verlag Helbling Leitfaden Bläserklasse kommt mit dem gewichtigen Umfang von mehr als 450 dicht bedruckten Seiten daher. Das Lehrwerk beeindruckt mit einer Fülle äusserst vielfältig und anregend aufbereiteten Materials. Zum Umfang gehören nebst dem Lehrerband Schülerhefte für alle Instrumente des Blasorchesters, Play-alongs und Online-Übehilfen, welche durch einen Code abgerufen werden können, sowie eine CD-ROM mit reichem Zusatzmaterial.

Der Leitfaden Bläserklasse wurde von fünf Autoren gemeinsam entwickelt, die alle Musik auf Gymnasialstufe unterrichten und sowohl über Erfahrung in der Arbeit mit Bläserklassen als auch in der Schulmusik verfügen. Ziel des neuen Lehrmittels ist die Verbindung der in der Bläserklasse heute dominierenden Spielpraxis mit den Inhalten des schulischen Musikunterrichts (Musiktheorie, Gehörbildung, Musik gestalten und erfinden). Das Lehrmittel richtet sich nicht an eine bestimmte Altersgruppe. Es eignet sich wohl für den Einsatz ab der Mittelstufe. Im Lehrerband werden ausführlich das Konzept, die zugrunde liegenden Vorstellungen und Ziele sowie die Methoden in der Arbeit mit den Klassen erläutert.

Der Unterrichtsteil beginnt mit einem Vorkurs, welcher noch ohne Instrumente stattfindet und sich über 3 Einheiten, d. h. ca. 6 Lektionen erstreckt. Anschliessend folgen Basics mit instrumentalmethodischen Grundlagen und dann die Lektionen mit dem Instrument, welche auf zwei Bände mit 23 bzw. 18 Lektionen (1./2. Band) aufgeteilt sind. Jede Lektion bietet Material und vollständig vorbereitete Stundenbilder für 2 Schulstunden.

Das vorliegende Konzept geht von wöchentlich 3 Lektionen erweitertem Musikunterricht, aufgeteilt in 2 Lektionen regulären Musikunterricht mit der ganzen Klasse und 1 Lektion Instrumentalunterricht in Kleingruppen, aus. Wenn weniger Unterrichtszeit zur Verfügung steht, dürfte es schwierig sein, die beiden Bände innerhalb von 2 Schuljahren zu erarbeiten.

Inhaltlich legt das Lehrmittel sehr viel Gewicht auf die Vermittlung von Musiktheorie. Die Grundlagen werden gründlich, aber auch äusserst vielfältig und spielerisch, mit vielen Anregungen für Partner- oder Gruppenarbeiten eingeführt. Gleichzeitig werden die Theorie-Inhalte mit dem praktischen Spiel auf dem Instrument verknüpft und für Kreativaufgaben genutzt. Stets werden die Schülerinnen und Schüler zum praktischen Tun aufgefordert. Pro Lektion (Kapitel) gibt es im Schnitt ein bis zwei in der Regel kurze Musikstücke, was doch eher wenig ist. Meist werden zu den Stücken zusätzliche Anregungen zu Interpretation, Präsentation oder Reflexion sowie Verknüpfungen zur Theorie geboten. Zu vielen Stücken sind auf der beiliegenden CD-ROM zusätzliche vierstimmige Klassen-Arrangements mit einer 2. Stimme, einer Bassstimme und einer Oberstimme «für Geübte» vorhanden, was eine Individualisierung der Anforderungen durch Binnendifferenzierung ermöglicht.

Anhand von speziell gekennzeichneten Werkzeugkästen werden den Schülern spezifische Methoden als Handwerk vermittelt, wie sie selbstständig Musik erarbeiten, Stücke üben oder sich musikalisches Material aneignen können. Die Schülerhefte sind mit Farben und Symbolen ansprechend gestaltet und enthalten unterstützende und anregende Bilder und Grafiken. Allerdings wirken die Seiten insgesamt eher überladen und sehr textlastig, was die Zugänglichkeit etwas erschwert.

Leitfaden Bläserklasse setzt in Sachen thematischer Breite, der Vermittlung von Theorie und allgemeinem Musikverständnis sowie in deren methodisch-didaktischer Aufbereitung neue Massstäbe.

Sommer/Ernst/Holzinger/Jandl/Scheider: Leitfaden Bläserklasse. Ein Konzept für das erfolgreiche Unterrichten mit Blasinstrumenten, Lehrerband 1 und 2 incl. CD-ROM und Schüler-Lösungshefte, S7770, Fr. 84.50, Helbling, Belp u.a.

Wenn ein Werk des Repertoires in einer neuen, zumal als «Urtext» bezeichneten Ausgabe erscheint, gibt es in (nur gefühlten) 95 Prozent aller Fälle zwei Möglichkeiten: Entweder müssen die editorischen Entscheidungen gegenüber vorhergehenden Ausgaben mit der Lupe gesucht werden (dann stehen meist markttechnische Überlegungen hinter der Ausgabe – und ja: es gibt ein Musik.biz, und das ist fraglos auch gut so), oder es gibt tatsächlich etwas Neues, mitunter auch Spektakuläres zu entdecken. Das mag nur eine Note oder ein Vorzeichen betreffen (von Beethoven bis Berg), manchmal sind es aber doch auch ganze Passagen, die einst in der Eile der Herstellung oder im Strudel der Überlieferung verloren gingen.

Insofern macht auch die vorliegende Neuausgabe von Dvořáks Streicherserenade neugierig: Neben den üblichen kleinen Korrekturen und Ergänzungen wartet sie nämlich mit neuen Takten auf: Im Scherzo sind es 34, im Finale gar 79. Sie finden sich im Autograf, wurden aber 1879 in der gedruckten Partitur bei Bote & Bock nicht berücksichtigt. Freilich, sie fanden bereits 1955 im Band der Gesamtausgabe Eingang (allerdings im Anhang, und somit gingen sie abermals bei IMSLP verloren, ein sich wiederholender gravis defectus). Robin Tait hat aus dieser Not eine Tugend gemacht und für die Neuausgabe das Autograf als Hauptquelle erkoren, somit auch die beim Druck unter den Tisch gefallenen Passagen in den Haupttext integriert (und sie doch als Konzession an die heutige Praxis mit einem Vide-Vermerk versehen). So darf nun frei erkundet werden, obwohl Dvořák selbst als anerkannter Meister später nie eine neue Auflage verlangte. Ich habe mich der Einspielung mit dem Orchestre d’Auvergne unter Roberto Forés Veses bedient – und ja, das damalige Lektorat hat vielleicht (?!) eine gute Entscheidung getroffen. Doch die Diskussion ist eröffnet.

Antonín Dvořák: Serenade E-Dur op. 22 für Streichorchester, hg. von Robin Tait, Partitur, BA 10423, € 22.95, Bärenreiter, Prag 

Der Komponist Christian Gottlieb Müller (1800–1863) ist wohl vielen Musikern ziemlich unbekannt. Vielleicht mag die Tatsache, dass er Richard Wagners Lehrer war, ihm ein bisschen mehr Glanz verleihen. Und dies bestimmt nicht zu Unrecht: Die Partitur des 15-minütigen Bassposaunenkonzerts aus dem Jahre 1832 (schon damals gedruckt bei Breitkopf & Härtel) zeugt von gutem Handwerk, das sich Müller durch das intensive Studium der Werke Beethovens angeeignet hatte. Die Orchesterbesetzung (2-faches Holz, 2 Hrn, 2 Trp, Timp, Streicher), die Tonart (Es-Dur), der kadenzartige Beginn des Soloinstrumentes, die Virtuosität im 3. Satz und viele weitere Merkmale (z. B. Melodieführung in Oktaven zwischen Flöte und Klarinette im 2. Satz) erinnern an das rund 20 Jahre früher entstandene 5. Klavierkonzert seines Idols Ludwig van Beethoven.

Das Concertino galt lange Zeit als verschollen, insbesondere die Orchesterfassung. Nur ein ziemlich fehlerhafter, handschriftlicher Klavierauszug aus den 1950er-Jahren hielt die Erinnerung an das Werk wach. Erst im Jahre 2004 tauchte überraschend ein vollständiger Orchesterstimmensatz auf, welcher die Grundlage für die vorliegende Partitur bildet. Die Einzelstimmen sind als Mietmaterial erhältlich, die Partitur und ein ordentlicher Klavierauszug sind käuflich. Eine wahrlich erfreuliche Alternative zu Ernst Sachses Bassposaunen-Concertino – nicht zuletzt auch für Orchesterprobespiele.

Christian Gottlieb Müller: Concertino für Bassposaune und Orchester Es-Dur, hg. von Nick Pfefferkorn, Partitur PB 33001, € 36.00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2012/2018

Das Crowdfunding-Volumen ist gegenüber dem Vorjahr noch einmal um 38 Prozent angestiegen. Damit hat sich die Schweiz zu einem der grössten Crowdfunding-Märkte in Kontinentaleuropa entwickelt. Im Vorjahr lag der Wert noch bei 374,5 Millionen Franken. Seit der Entstehung von Crowdfunding in der Schweiz wurden über diese alternative Finanzierungsform Projekte im Umfang von knapp 1.1 Milliarden Franken finanziert.

Das Crowdfunding in der Schweiz lässt sich in vier Bereiche unterteilen: Crowdsupporting/Crowddonating, Crowdinvesting, Invoice Trading und Crowdlending. Im Bereich Crowdlending wurden Kredite im Umfang von 261,9 Millionen Franken (+40 Prozent) finanziert. Im Crowdinvesting erreichten die Investitionen 204,9 Millionen Franken (+52 Prozent). Beim Crowdsupporting/Crowddonating wurden Projekte mit über 25,6 Millionen Franken unterstützt (-12 Prozent). Die grössten Wachstumstreiber im Jahr 2018 waren die Finanzierung von KMU mittels Crowdlending sowie Investitionen in Immobilien über Crowdinvesting.

Das Volumen im Crowdsupporting ist im Vergleich zum Vorjahr leicht zurückgegangen. Die Anzahl an Kampagnen nahm jedoch um 7 Prozent zu. Besonders populär ist die Kategorie Sport, wo insgesamt 568 Projekte mit einem Umfang von 5,4 Millionen Franken finanziert wurden. Soziale Projekte wurden mit 3,1 Millionen Franken gefördert, in den Bereich Musik flossen 2,3 Millionen Franken. Ebenfalls sehr erfolgreich waren Projekte mit kommerzieller Ausrichtung, bei welchen Crowdfunding als Vorverkaufskanal für Produkte genutzt wird. Das Volumen belief sich in diesem Bereich auf 5,3 Millionen Franken.

Der Bundesrat fasst in seiner heutigen Medienmitteilung die wichtigsten Punkte aus der neuen Kulturbotschaft zusammen: Die drei «Handlungsachsen – kulturelle Teilhabe, gesellschaftlicher Zusammenhalt, Kreation und Innovation – werden für die Periode 2021-2024 beibehalten.» Für die Umsetzung des zur Vernehmlassung vorgelegten Entwurfs seien 942,8 Millionen Franken vorgesehen, was einer Mittelaufstockung von 35.4 Millionen Franken entspreche.

Im Bereich «kulturelle Teilhabe» solle das Programm «Jugend und Musik» konsolidiert werden. In Zusammenarbeit mit den Kantonen und mit Musikorganisationen werde der Bundesrat eine musikalische Begabtenförderung einführen. Im Bereich «gesellschaftlicher Zusammenhalt» würden die schulischen Austauschaktivitäten zwischen den Sprachgemeinschaften verstärkt und ein Austauschprogramm für Lehrpersonen eingerichtet. Im Bereich «Kreation und Innovation» solle schliesslich die Kooperation zwischen Kultur und Wirtschaft fortgesetzt werden.

Zudem setze der Bundesrat neben der Kontinuität einen besonderen Schwerpunkt auf die Digitalisierung. Der digitale Wandel beeinflusse sämtliche Bereiche und Institutionen der Kultur in Bezug auf Produktion, Vermittlung und Erhaltung.

In der Förderperiode 2021-2024 solle die Zusammenarbeit mit den Kantonen, Städten und Gemeinden im Rahmen des Nationalen Kulturdialogs fortgeführt werden. Der Bund wolle sich zudem für die Gleichstellung von Frauen und Männern im Kulturbereich und für eine angemessene Entlöhnung der Kulturschaffenden einsetzen.

Die Vernehmlassung dauert bis am 20. September 2019. Der Entwurf der Kulturbotschaft wird am Treffen der Parlamentarischen Gruppe Musik vom 5. Juni in Bern vorgestellt.
 

Von seinem Vater hat Franco Ambrosetti nicht zuletzt zwei Dinge geerbt: Die Liebe zum Jazz und ein familieneigenes Unternehmen mit mehreren Hundert Angestellten. Dieses leitete der Trompeter und Flügelhornist während 27 Jahren – bis er die Firma 2000 verkaufte, um sich ganz der Musik zu widmen. Davon erzählt Ambrosetti in seiner lesenswerten, im letzten Jahr erschienenen Autobiografie Zwei Karrieren – ein Klang. Auf diese hat er mittlerweile auch eine neue CD, The Nearness Of You, folgen lassen.

Deren Musik geht auf ein Projekt für das Sanremo-Jazzfestival 2016 zurück: Der Tessiner wurde gebeten, einen Konzertabend mit dem Sanremo Symphony Orchestra unter der Leitung von Massimo Nunzi zu entwickeln; zwei Jahre später fand man im Studio wieder zusammen, um die zehn Stücke für die Nachwelt festzuhalten. Im Fokus stand das Aufeinandertreffen klassischer Musiker mit Jazzsolisten.

Ambrosetti, inzwischen 77-jährig, beweist in dem Album sein Flair für einen möglichst warmen Sound. Faszinierend ist auch, wie gut ihm die Balance zwischen Jazz und Orchestralem gelingt. Die Arrangements sind breit und doch differenziert angelegt und zeigen sich überaus agil. Davon zeugen etwa das subtile Un Uomo Disabitato oder das sanft melancholische My Ship aus der Feder von Kurt Weill und Ira Gershwin. Das Album, das mitunter wie der Soundtrack zu einem opulenten Hollywood-Film aus den 1950er-Jahren anmutet, entfaltet sich mit viel Leichtigkeit. Und sorgt auch für Spannung, indem Ambrosetti Gin And Pentatonic oder A Bix Within A Wheel mit abstrakten Passagen anreichert. Das ist unbequem, sorgt aber für Frische und Farbe. Die CD endet mit Haden, einem Mini-Requiem für den 2014 verstorbenen Kontrabassisten Charlie Haden. Es ist der würdige Abschluss eines Werkes, das von A bis Z zu gefallen weiss.

Franco Ambrosetti: The Nearness Of You. Symphonic Orchestra and Jazz Band. Werke von Hubbard, Nunzi, Leonard, Weill, Ambrosetti, Jobim, Carmichael, arr. Massimo Nunzi und Gianni Ferrio. Unit Records 4889

Es ist eine spannende und reizvolle Ausgangslage für alle Beteiligten: Im gross besetzten Sinfonieorchester befinden sich rund 100 erwartungsvolle Laienmusiker aller Alters- und Leistungsklassen. Am Pult steht kein geringerer als der renommierte Dirigent Vladimir Jurowski. Gemeinsames Ziel der rund 90-minütigen Begegnung ist das Proben dreier Sätze aus Dmitri Schostakowitschs Suite für Varieté-Orchester.

Dieses einzigartige Zusammentreffen zwischen Amateurmusikern und Stardirigent nennt sich «offene Probe» und findet im Rahmen des Berliner Orchestertreffs Ende Mai 2019 in der Landesmusikakademie Berlin statt. «Offen» heisst in diesem Falle nicht nur, dass die Probe öffentlich ist, sondern ebenso, dass sämtliche interessierten Laienmusiker zur Mitwirkung zugelassen werden, die sich zur Teilnahme am Orchestertreff des Landesmusikrats Berlin eingeschrieben haben. Der Begriff «Probe» ist ebenfalls wörtlich zu verstehen, da die Orchesterarbeit nicht wie sonst üblich in einem Konzert oder einem Wettbewerbsvorspiel gipfelt, sondern für sich steht.

Vladimir Jurowski scheint sich daran nicht zu stören, im Gegenteil. «In der heutigen Zeit, wo jeder nur noch mit seinem Bildschirm kommuniziert, ist das gemeinsame Musizieren wichtiger denn je», meint der Chefdirigent und Künstlerische Leiter des Rundfunk-Sinfonieorchesters Berlin vor Beginn der Probe. Dabei ist für ihn unerheblich, ob die Musik von Berufsmusikern, in Laienformationen oder – wie in der Familie Jurowski üblich – im Kreise der Verwandtschaft erklingt. «Amateurmusiker sind wortwörtlich ‹Liebhaber› der Musik», sinniert er. «Und genau darum geht es bei einem derartigen Orchestertreff: zusammenkommen, einander zuhören, gemeinsam Musik machen.» Er verschweigt nicht, dass er für die Arbeit mit Hobbymusikern eher ein klassisches Stück denn ein Werk seines Landsmanns Schostakowitsch ausgewählt hätte. Aber da der Wunsch nun mal im Raum steht, nimmt er die Herausforderung an und verrät: «Für mich besteht der Reiz dieser offenen Probe primär darin, vom ersten Anspielen bis zum letzten Durchspiel des Werkes einen gemeinsamen Weg zurückzulegen.» Wie dieser Weg aussehen und wo er enden würde, nun ja, auch das ist buchstäblich «offen».

Das erste Durchspiel des allseits bekannten Marsches aus der Suite für Varieté-Orchester macht denn auch schnell klar, dass dem designierten Generalmusikdirektor der Bayerischen Staatsoper nicht die höchste Perfektion entgegenbranden würde. Gewisse Aspekte, wie etwa Rhythmus oder Intonation, liessen erkennen, dass im Foyer des Freizeit- und Erholungszentrums Wuhlheide in Berlin mehrheitlich Laien musizieren – sieht man von einzelnen Stimmführern in den Streichern einmal ab, die dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin angehören.
 

Für die teilnehmenden Musikerinnen und Musiker ist es in der Folge äusserst faszinierend zu erleben, an welchen entscheidenden Details der in Berlin lebende Dirigent kurzzeitig, aber zielbestimmt arbeitet, um das Werk zu einem Ganzen zusammenzufügen: Mal probt Vladimir Jurowski mehrere Minuten konzentriert nur mit den Streichern, dann bittet er die Posaunen, einzelne Akkorde aufzubauen, bevor einzelne Stellen in den Alt-Saxofonen auseinander genommen oder die Trompeten in Sachen Dynamik instruiert werden. Er versteht es dabei, auch jene Musiker zu fesseln, die gerade nicht im Einsatz stehen. Immer wieder streut er spannendes Hintergrundwissen zu Schostakowitschs Situation als «geächteter Komponist» in der Sowjetunion ein oder bringt seine klanglichen Zielvorstellungen in bildreicher Sprache oder anregender Gestik zum Ausdruck.

Während einzelne Musikerinnen vorrangig an der Probe mitwirken, um Teile aus Schostakowitschs Jazz-Suite zu spielen, sind andere Orchestermusiker extra nach Berlin gereist, um einmal unter dem bekannten Dirigenten zu musizieren. Doch so divers sich die Ansprüche und Absichten aller Beteiligten zu Beginn der Probe ausnehmen mögen: Am Ende lassen sich alle im Ad-hoc-Orchester mit grosser Begeisterung auf Vladimir Jurowskis Anleitungen ein und scheinen seine klare Ansprache und die präzise Probenarbeit richtiggehend zu geniessen.

Das finale Durchspiel von Marsch, Kleiner Polka und dem Walzer Nr. 2 hinterlässt einen grossen Haufen euphorischer Amateurmusiker, die in der gut einstündigen Probe unter Vladimir Jurowski nicht nur einen gemeinsamen, sondern vor allem auch einen musikalisch wie zwischenmenschlich unvergesslichen Weg zurückgelegt haben.
 

Nadir Vassena — Cosa significano veramente «digitale», «digitalizzazione» nell’ambito musicale artistico e didattico? A questa domanda i più rispondono con degli esempi di applicazioni. Anche all’interno della Scuola universitaria del Conservatorio della Svizzera italiana ci sono esperienze che sfruttano le possibilità offerte dalle cosiddette «nuove» tecnologie. Se già da anni gli studenti le adottano – per esempio per registrarsi e valutare a freddo l’esecuzione di un brano (o la gestualità, nel caso di un aspirante direttore d’orchestra) – le prime iniziative originali per integrare musica e tecnologia sono quelle sviluppate da Spazio21, l’unità che si occupa della realizzazione di progetti interdisciplinari e attività legate soprattutto alla creazione contemporanea. I nostri progetti partono da esigenze molto concrete. Ad esempio, in ambito didattico abbiamo sviluppato un programma per l’ear training, modellato sulle richieste del nostro corso di ascolto per il bachelor e modificabile in base al livello di preparazione e alle necessità di apprendimento del singolo studente. Dopo la realizzazione di un primo prototipo (TiAscolto) distribuito come software, stiamo ora portando il prodotto sul web (SOLO: ear training web app) grazie alla preziosa collaborazione con il Software Institute della Facoltà di Informatica dell’Università della Svizzera italiana. Il materiale, in continuo aggiornamento, è liberamente disponibile sulla piattaforma empiricalbox.ch.

Ma la digitalizzazione non è solo un insieme di tecnologie. Per la musica l’avvento del digitale ha rappresentato un cambiamento epocale. Il settore è stato tra i primi in cui la conversione dall’analogico al digi- tale ha comportato non solo una modifica della tecnica impiegata per rappresentare il segnale sonoro – anche le partiture! – ma, di conseguenza e progressivamente, di tutta la produzione, la distribuzione e la fruizione. Di molti di questi processi non si è spesso consapevoli. Da un lato il formato digitale apre nuove opportunità di creazione, trasmissione, diffusione e condivisione ma contemporaneamente bisogna ricordarsi che queste operazioni – per esempio la catena di traduzioni analogico/ digitale – non sono mai neutrali.

Per rendere attenti ai cambiamenti di paradigma in atto nella creazione e ricezione della musica elettronica – che in grandissima misura vive proprio dello sviluppo tenologico degli ultimi decenni – è nata EAR: Electro Acoustic Room, una serie di concerti dedicati alla musica acusmatica. Ormai giunta alla quarta stagione, questa coproduzione fra Conservatorio e LuganoMusica si concentra sul repertorio di musica su supporto che, proprio grazie alle facilità offerte dal digitale, è possibile diffondere e spazializzare efficacemente. Un compito complesso quello della diffusione, che richiede un’attenta interpretazione dell’opera e che trasforma ogni altoparlante in un vero e proprio strumento musicale. Per fare tutto ciò in modo rispondente alle nostre esigenze specifiche, abbiamo sviluppato un software che, concerto dopo concerto, continuiamo a perfezionare, sempre convinti che la «digitalizzazione» nella formazione va di pari passo con l’acquisizione della consapevolezza delle tecnologie che ci circondano.

Nadir Vassena

… è Professore di composizione alla Scuola universitaria di Musica del Conservatorio della Svizzera italiana e Responsabile di Spazio21.

 Timo Waldmeier, was bedeutet für Sie individuell Digitalisierung?

Digitalisierung bedeutet für mich Zentralisierung, Entmaterialisierung (in Bezug auf Noten) und höhere Geschwindigkeit bei der Informations-, Notenbeschaffung und in der Kommunikation. Sie kann aber gleichzeitig auch einen Bezugsverlust zur Realität und zur Materie begünstigen.

Worin sehen Sie Gefahr und Nutzen der Digitalisierung im Kontext der musikalischen Ausbildung oder der musikalischen Ausübung?

Ich denke, die Gefahr in der Digitalisierung besteht darin, dass sie unser Stresslevel durch zu häu-fige Erreichbarkeit und die dadurch möglich gemachte, zu kurzfristige Organisation massiv erhöhen kann. Ich versuche also, die Effizienz und die Zentralisierung der Digitali- sierung zu nutzen. Ich muss dabei allerdings darauf achten, dass ich arbeitsfreie und unerreichbare Zeiten viel aktiver gestalte und in meinen Alltag einbaue, um ihren «Gefahren» zu trotzen. 

Timo Waldmeier

… studiert Chorleitung an der Hochschule für Musik FHNW Basel.

Michelle Süess, wie hat die Digitalisierung Ihr Leben in den letzten Jahren verändert?

Einerseits hat die Digitalisierung meine Kommunikation verändert: Dadurch, dass die meiste Kommunikation bei mir durch Emails, SMS und Nachrichten-Apps erfolgt, welche alle mit dem Smartphone bedienbar sind, habe ich in den letzten Jahren immer mehr gespürt, wie die Erwartung an eine schnelle Antwort (bei mir, aber auch bei meinen Gegenübern) stieg. Andererseits ermöglicht die Digitalisierung den vereinfachten Zugang zu spezifischen Informationen und die Möglichkeit einer einfachen Verwaltung von Unterlagen. Ich bin wirklich sehr dankbar, dass ich spezifische Informationen für beispielsweise Recherchearbeiten nicht mehr (nur) durch stundenlanges Wälzen von Büchern, sondern auch durch das Suchen und Recherchieren im Internet finden kann. Auch finde ich es sehr praktisch, meine Unterlagen wie Unterrichtsmaterial, Arbeitsmaterial etc. immer auf meinem Laptop dabei zu haben, ohne immer alles zusammensuchen zu müssen.

Welchen Einfluss hat die Digitalisierung auf Ihr Studium resp. Ihre Laufbahn?

Da im Studium sehr viel durch Emails und auch teilweise durch Moodle kommuniziert wird, ist es manchmal schwer, den Überblick zu behalten und herauszufiltern, was wirklich wichtig ist. So gehen bei mir persönlich beispielsweise durch Emails kommunizierte Hausaufgaben/Informationen schneller unter als in der Stunde mitgeteilte. Einen Einfluss hat die Digitalisierung auch bei der Kommunikation der Werbung für Konzerte/Auftritte/Anlässe. Der Gebrauch der digitalen Plattformen und Medien zur Streuung von Flyern oder zum Einladen von Gästen ist sehr effektiv und inzwischen sehr wichtig. Im Bereich der Gehörbildung wird die Digitalisierung viel genutzt. So können zum Beispiel Melodiediktate bei uns individuell auf einem Gerät abgespielt werden. Die Lehrperson braucht die Melodie nicht jedes Mal am Klavier zu spielen, und die Studierenden können das Diktat in ihrem Tempo lösen.

Michelle Süess

… macht den Bachelor of Arts in Musik und Bewegung an der Musikhochschule Basel FHNW.

Patrick Müller — Estelle Lacombe studierte an den Universitäten von Zürich und Paris – allerdings ohne sich von ihrem Zuhause in Lauterbrunnen ob Interlaken fortbewegen zu müssen. Dies war 1951 – wenn auch nur in der Vorstellung eines Science Fiction-Autors, Albert Robida, der seinen Roman «La Vie Electrique» 1890 veröffentlichte. Estelle kommuniziert und studiert darin vermittels des sogenannten «Téléphonoscope», also eines Geräts, das dem heutigen Videochat entspricht. Was Ende des vorletzten Jahrhunderts noch in einer fernen Zukunft lag, ist inzwischen Alltag geworden – nicht nur auf einer technischen Ebene, sondern etwa auch im Hinblick darauf, wie die breite und schnelle Verfügbarkeit des Wissens die Beziehungen zwischen Lehrenden und Lernenden prägt. Gerade digitale Medien ermöglichen den sekundenschnellen Zugriff auf Wissensbestände unterschiedlichster Herkunft, die möglichen Autoritäten und Kanons haben sich vervielfacht. Heutige Studierende, Digital Natives, wissen dies mit grosser Selbstverständlichkeit und produktiv zu nutzen.

Seit rund sechs Jahren erkundet eine Gruppe von Musikern, Künstlerinnen und Technikern, unter der Leitung von Matthias Ziegler und Patrick Müller, an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) Möglichkeiten, welche sich aus telematischen Formaten ergeben können. Darin werden Räume, die an geographisch unterschiedlichen Orten liegen, über das Internet so miteinander verbunden, dass Musikerinnen und Musiker (aber auch Schauspielerinnen, Tänzer, etc.) über Distanz in Echtzeit interagieren können: Ein Videochat also, in dem nun aber die digitalen Kommunikationstechnologien so eingesetzt werden, dass sie auch einen Austausch auf musikalisch-künstlerischer Ebene möglich machen. Das Projekt wurde in den letzten Jahren vom SNF unterstützt. Bisherige telematische Konzerte zwischen Zürich und Orten wie Bern, Belfast, San Diego oder Hong Kong haben gezeigt, dass nur ein sorgsamer Zugang künstlerisch sinn- und wertvolle Situationen schaffen kann. Erst das Wissen über technologische Möglichkeiten und Erfahrungen in der Gestaltung des szenischen Arrangements von vermittelnden Bild- und Klangmedien ermöglicht Musikerinnen und Musikern eine produktive Zusammenarbeit über geographische Entfernungen.

Diese Erfahrungen aus künstlerischer Perspektive werden an der ZHdK nun auch für pädagogische Settings produktiv gemacht. Einerseits wird der Umgang mit telematischen Mitteln und deren Ästhetik selbst über ein im Aufbau befindliches Online-Lerntool vermittelt. Andererseits interessieren Verwendungsweisen, die sich von den gängigen Vermittlungsformen im Online-Learning, die oft eine One-to-many-Struktur haben, unterscheiden (Webinars beispielsweise oder MOOCs): In Few-to-few-Settings beispielsweise können im Improvisationsunterricht Kleingruppen von verschiedenen Hochschulen zusammengeführt werden, kulturelle Differenzen der verschiedenen Standorte werden zum Thema. Im instrumentalen Einzelunterricht – one-to-one – schliesslich hat sich gezeigt, wie instrumentenspezifisch die entsprechenden Unterrichtsumgebungen gestaltet werden müssen: Im Gesangsunterricht etwa ist die Repräsentation des ganzen Körpers zentral, Cellistinnen und Cellisten hingegen benötigen eine Bildeinstellung in der Videoübertragung, welche die Bogenbewegung aus einem repräsentativen Winkel zeigt. Wertvoll hat sich ausserdem erwiesen, dass das ungewöhnliche Setting von selbst zu einer produktiven Selbstreflexion der Unterrichtspraxis führt, bei Lehrenden wie Studierenden. Und es gilt, Ausbildungsmodelle zu entwickeln, die telematischen Einzelunterricht nicht als ausschliessliches, aber als ergänzendes – und bereicherndes – Mittel verstehen.

Patrick Müller

… ist Leiter Transdisziplinarität an der Zürcher Hochschule der Künste ZHdK.

Der 1986 geborene Andreas Zurbriggen ist klassischer Komponist und Musikjournalist. Der in Saas-Fee geborene und dort wohnhafte Künstler hat bei Daniel Glaus an der Hochschule der Künste Bern klassische Komposition und an der Universität Bern Musikwissenschaft, Geschichte und Kunstgeschichte studiert. Andreas Zurbriggens Musiksprache wurzelt in der Tradition, er integriert diese jedoch in einen aktuellen Kontext.

Zurbriggen komponiert Musik für verschiedenste Besetzungen: Vom Klaviersolostück bis zur Komposition für Orchester und Chor. Seine Werke wurden bereits an mehreren Festivals gespielt (Forum Wallis, Musikfestivals von Bern, Davos und Shanghai) und von renommierten Ensembles interpretiert (Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Mondrian Basel, Flötenquartett Tétraflûtes, Russische Kammerphilharmonie St. Petersburg).

Isa Wiss überzeuge als «ausserordentliche Stimmkünstlerin und Performerin», schreibt die Stadt. In ihrem vielseitigen künstlerischen Schaffen komme «die Vielseitigkeit ihrer Stimme, wie auch ihre Virtuosität, Kreativität und Neugier zum Ausdruck». Von Oper über Jazz und Volksmusik bis zu geräuschvollen Improvisationen sei sie in allen Genres eine überzeugende Performerin.

In den letzten Jahren hat Isa Wiss mehrere aufwändige Kinder-Musiktheater-Produktionen konzipiert und realisiert. Das aktuellste Projekt «Die Wörterfabrik» ist eine Zusammenarbeit mit den Musikern Vera Kappeler, Peter Conradin Zumthor und Luca Sisera. In der «Wörterfabrik» verbindet Isa Wiss ihre verspielte Musikalität mit ihrem virtuosen Umgang mit Sprache. Isa Wiss geniesst sowohl mit ihren eigenen Projekten wie auch als gefragte Gastmusikerin nationale Resonanz.

Kann ein Laienchor aus «nichts» einen ganzen Konzertabend gestalten? Dieser Herausforderung haben sich die Basler Chöre Kultur und Volk sowie bâlcanto und der Jugendchor ATempo! der Musikschule Basel improvisierend gestellt. Das Resultat der langen und teilweise auch mühsamen «Reise» war eine einstündige Performance: Sie wirkte berührend und witzig, manchmal aber auch etwas ratlos lassend.

Gemäss dem Konzept von Projektleiterin Johanna Schweizer erhielten die drei Chöre von der Gare du Nord und dem Kunstmuseum Basel einen «Freipass», in der Ausstellung Basel Short Stories. Von Erasmus bis Iris von Roten Inspirationen für ein zu entwickelndes Werk zu sammeln. In verschiedenen Etappen, sogenannten «Looping Journeys», wurden seit April 2018 drei neue Musikstücke kreiert. Dieser Prozess erforderte eine gehörige Portion Mut, wenn man etwa im Rhein schwimmend Sännelä hojahoo singen musste.

Unterstützung bei diesen Abenteuern erhielten die Chormitglieder von drei Cracks der improvisierenden Musikszene, den Stimmperformern Christian Zehnder und Andreas Schaerer und der Sängerin Isa Wiss. Sie führten die Choristinnen und Choristen durch ein schier endloses Meer von Geräuschen und Gestaltungsmöglichkeiten. «Für viele Teilnehmende war die improvisatorische Freiheit eine grosse Herausforderung, in der sich vor allem am Anfang einige von ihnen verloren fühlten», erläuterte Schweizer.

Zudem sollten die Chöre einen Weg finden, die neu entwickelte Musik auf Papier festzuhalten – eine Annäherung an grafische Notationen also. Das Resultat gestaltete sich dann aber anders, denn den Leitfaden des Abends bildeten Videosequenzen von Paula Reissig, die unaufgeregt und gewieft Takt und Inhalt vorgaben – Improvisation und Struktur sollten sich so ergänzen, zumal Texte fehlten, was dem Publikum das Verständnis etwas erschwerte.
 

Die gewählten Themen spiegelten in auffallender Weise den Charakter des jeweiligen Chors, der seine Stärken so in die Performance einbrachte. Der Abend begann mit dem Chor Kultur und Volk, der zum Film Frick und Frack über das Basler Eisläufer-Duo Werner Groebli und Hansruedi Mauch improvisierte. Passend dazu amtete als Coach der auf neue alpine Musik spezialisierte Christian Zehnder.

Foto: Ute Schendel

Chor Kultur und Volk mit Christian Zehnder

In Reissigs Video waren weniger die Kapriolen der Eiskunstlaufhelden zu sehen, als das sie umjubelnde Publikum. Stimmige, in sich drehende, manchmal etwas langatmige Sequenzen, die der Chor mit spielerischen Bewegungen und Tonfragmenten untermalte: In drei Gruppen eingeteilt, wurde geklatscht, geraunt und im Rhythmus «gesungen». Es war eine durch Bilder initiierte Abfolge, die in einem Jodellied, dem «Zuger», gipfelte.

Etwas schwieriger gestaltete sich die Wahl des Jugendchors ATempo!, der sich unter der Leitung von Andreas Schaerer mit dem Erfinder des LSD, Albert Hofmann, auseinandersetzte. Liegende, an der Minimal Music orientierte Gesangslinien begleiteten und untermalten Videoeinspielungen, die abstrakte Frequenzkurven zeigten oder Laboransichten mit einer sich drehenden Metalltonne. Wenig Entwicklung also, Längen waren eigentlich vorprogrammiert.

Foto: Ute Schendel

Andreas Schaerer und der Jugendchor ATempo! der Musikschule Basel

Zur Einstimmung auf ihr Projekt hatten die Jugendlichen Verkehrsgeräusche am Wettsteinplatz erforscht oder im Badischen Bahnhof zu «Rausch und Delirium» improvisiert. Als Folge äusserten zwei junge Chorsänger, sie würden nun mutiger singen, «egal, was die anderen denken». Gemeinsam gelang es dem Chor, die inneren Vorgänge in Bewegung zu bringen, etwa durch das kreuzweise aneinander Vorbeilaufen mit an- und abschwellenden Gesangskurven, mit Dissonanzen und Konsonanzen.

In eine ganz andere Welt entführte unter der Führung von Isa Wiss bâlcanto, ein international zusammengesetzter Chor. Er wählte den zivilreligiösen Aspekt des Basler Friedenskongresses 1912. Ein abstraktes Thema also, zu dem Fotos zur Verfügung standen, aber keine «laufenden Bilder». Trotzdem wurde die Performance dank einer choreografierten Bewegungsabfolge und den neuen Videosequenzen zu einer gelungenen «Demonstration».

Foto: Ute Schendel

bâlcanto

Aus dem Nichts stapften die Akteure auf das Podium, begannen leise und dann immer lauter zu nuscheln, einzelne Wortfetzen wie «Gerechtigkeit» oder «Volk» schwirrten durch die Luft und im Tohuwabohu begann eine Frau laut zu krächzen. Dazwischen entwickelte sich ein berührender Choral. Das Stück schloss mit einer Glockenimprovisation, zu der sich nach und nach alle Beteiligten auf die Bühne begaben.

Es folgte eine Schlussimprovisation, bei der man die rahmengebenden Videoeinspielungen leicht vermisste. Für die Teilnehmenden aber war wohl gerade dieser Schluss wichtig, wie es eine Chorsängerin formulierte: «Das Zusammentreffen der Chöre! What an inter-generation project!»